Как писалась картина мона лиза

Mona Lisa
Italian: Gioconda, Monna Lisa
The Mona Lisa digitally retouched to reduce the effects of aging. The unretouched image is darker.[1][2][3]
Artist	Leonardo da Vinci
Year	c. 1503–1506, perhaps continuing until c. 1517
Medium	Oil on poplar panel
Subject	Lisa Gherardini
Dimensions	77 cm × 53 cm (30 in × 21 in)
Location	Louvre, Paris

The Mona Lisa ( MOH-nə LEE-sə; Italian: Gioconda [dʒoˈkonda] or Monna Lisa [ˈmɔnna ˈliːza]; French: Joconde [ʒɔkɔ̃d]) is a half-length portrait painting by Italian artist Leonardo da Vinci. Considered an archetypal masterpiece of the Italian Renaissance,^[4][5] it has been described as «the best known, the most visited, the most written about, the most sung about, the most parodied work of art in the world».^[6] The painting’s novel qualities include the subject’s enigmatic expression,^[7] the monumentality of the composition, the subtle modelling of forms, and the atmospheric illusionism.^[8]

The painting has been definitively identified to depict Italian noblewoman Lisa Gherardini,^[9] the wife of Francesco del Giocondo. It is painted in oil on a white Lombardy poplar panel. Leonardo never gave the painting to the Giocondo family, and later it is believed he left it in his will to his favored apprentice Salaì.^[10] It had been believed to have been painted between 1503 and 1506; however, Leonardo may have continued working on it as late as 1517. It was acquired by King Francis I of France and is now the property of the French Republic. It has been on permanent display at the Louvre in Paris since 1797.^[11]

The painting’s global fame and popularity stem from its 1911 theft by Vincenzo Peruggia, who attributed his actions to Italian patriotism – a belief that the painting should belong to Italy. The theft and subsequent recovery in 1914 generated unprecedented publicity for an art theft, and led to the publication of numerous cultural depictions such as the 1915 opera Mona Lisa, two early 1930s films about the theft (The Theft of the Mona Lisa and Arsène Lupin) and the popular song Mona Lisa recorded by Nat King Cole – one of the most successful songs of the 1950s.^[12]

The Mona Lisa is one of the most valuable paintings in the world. It holds the Guinness World Record for the highest-known painting insurance valuation in history at US$100 million in 1962^[13] (equivalent to $870 million in 2021).

Title and subject

The title of the painting, which is known in English as Mona Lisa, is based on the presumption that it depicts Lisa del Giocondo, although her likeness is uncertain. Renaissance art historian Giorgio Vasari wrote that «Leonardo undertook to paint, for Francesco del Giocondo, the portrait of Mona Lisa, his wife.»^{[16][17][18][19]} Monna in Italian is a polite form of address originating as ma donna—similar to Ma’am, Madam, or my lady in English. This became madonna, and its contraction monna. The title of the painting, though traditionally spelled Mona in English, is spelled in Italian as Monna Lisa (mona being a vulgarity in Italian), but this is rare in English.^[20][21]

Lisa del Giocondo was a member of the Gherardini family of Florence and Tuscany, and the wife of wealthy Florentine silk merchant Francesco del Giocondo.^[22] The painting is thought to have been commissioned for their new home, and to celebrate the birth of their second son, Andrea.^[23] The Italian name for the painting, La Gioconda, means ‘jocund’ (‘happy’ or ‘jovial’) or, literally, ‘the jocund one’, a pun on the feminine form of Lisa’s married name, Giocondo.^[22][24] In French, the title La Joconde has the same meaning.

Vasari’s account of the Mona Lisa comes from his biography of Leonardo published in 1550, 31 years after the artist’s death. It has long been the best-known source of information on the provenance of the work and identity of the sitter. Leonardo’s assistant Salaì, at his death in 1524, owned a portrait which in his personal papers was named la Gioconda, a painting bequeathed to him by Leonardo.^{[citation needed]}

That Leonardo painted such a work, and its date, were confirmed in 2005 when a scholar at Heidelberg University discovered a marginal note in a 1477 printing of a volume by ancient Roman philosopher Cicero. Dated October 1503, the note was written by Leonardo’s contemporary Agostino Vespucci. This note likens Leonardo to renowned Greek painter Apelles, who is mentioned in the text, and states that Leonardo was at that time working on a painting of Lisa del Giocondo.^[25]
In response to the announcement of the discovery of this document, Vincent Delieuvin, the Louvre representative, stated «Leonardo da Vinci was painting, in 1503, the portrait of a Florentine lady by the name of Lisa del Giocondo. About this we are now certain. Unfortunately, we cannot be absolutely certain that this portrait of Lisa del Giocondo is the painting of the Louvre.»^[26]

The catalogue raisonné Leonardo da Vinci (2019) confirms that the painting probably depicts Lisa del Giocondo, with Isabella d’Este being the only plausible alternative.^[27] Scholars have developed several alternative views, arguing that Lisa del Giocondo was the subject of a different portrait, and identifying at least four other paintings referred to by Vasari as the Mona Lisa.^[28] Several other people have been proposed as the subject of the painting,^[29] including Isabella of Aragon,^[30] Cecilia Gallerani,^[31] Costanza d’Avalos, Duchess of Francavilla,^[29] Pacifica Brandano/Brandino, Isabela Gualanda, Caterina Sforza, Bianca Giovanna Sforza, Salaì, and even Leonardo himself.^[32][33][34] Psychoanalyst Sigmund Freud theorized that Leonardo imparted an approving smile from his mother, Caterina, onto the Mona Lisa and other works.^[35][36]

Description

The Mona Lisa bears a strong resemblance to many Renaissance depictions of the Virgin Mary, who was at that time seen as an ideal for womanhood.^[37] The woman sits markedly upright in a «pozzetto» armchair with her arms folded, a sign of her reserved posture. Her gaze is fixed on the observer. The woman appears alive to an unusual extent, which Leonardo achieved by his method of not drawing outlines (sfumato). The soft blending creates an ambiguous mood «mainly in two features: the corners of the mouth, and the corners of the eyes».^[38]

The depiction of the sitter in three-quarter profile is similar to late 15th-century works by Lorenzo di Credi and Agnolo di Domenico del Mazziere.^[37] Zöllner notes that the sitter’s general position can be traced back to Flemish models and that «in particular the vertical slices of columns at both sides of the panel had precedents in Flemish portraiture.»^[39] Woods-Marsden cites Hans Memling’s portrait of Benedetto Portinari (1487) or Italian imitations such as Sebastiano Mainardi’s pendant portraits for the use of a loggia, which has the effect of mediating between the sitter and the distant landscape, a feature missing from Leonardo’s earlier portrait of Ginevra de’ Benci.^[40]

The painting was one of the first portraits to depict the sitter in front of an imaginary landscape, and Leonardo was one of the first painters to use aerial perspective.^[42] The enigmatic woman is portrayed seated in what appears to be an open loggia with dark pillar bases on either side. Behind her, a vast landscape recedes to icy mountains. Winding paths and a distant bridge give only the slightest indications of human presence. Leonardo has chosen to place the horizon line not at the neck, as he did with Ginevra de’ Benci, but on a level with the eyes, thus linking the figure with the landscape and emphasizing the mysterious nature of the painting.^[40]

Mona Lisa has no clearly visible eyebrows or eyelashes, although Vasari describes the eyebrows in detail.^[43][a] In 2007, French engineer Pascal Cotte announced that his ultra-high resolution scans of the painting provide evidence that Mona Lisa was originally painted with eyelashes and eyebrows, but that these had gradually disappeared over time, perhaps as a result of overcleaning.^[46] Cotte discovered the painting had been reworked several times, with changes made to the size of the Mona Lisa’s face and the direction of her gaze. He also found that in one layer the subject was depicted wearing numerous hairpins and a headdress adorned with pearls which was later scrubbed out and overpainted.^[47]

There has been much speculation regarding the painting’s model and landscape. For example, Leonardo probably painted his model faithfully since her beauty is not seen as being among the best, «even when measured by late quattrocento (15th century) or even twenty-first century standards.»^[48] Some art historians in Eastern art, such as Yukio Yashiro, argue that the landscape in the background of the picture was influenced by Chinese paintings,^[49] but this thesis has been contested for lack of clear evidence.^[49]

Research in 2003 by Professor Margaret Livingstone of Harvard University said that Mona Lisa’s smile disappears when observed with direct vision, known as foveal. Because of the way the human eye processes visual information, it is less suited to pick up shadows directly; however, peripheral vision can pick up shadows well.^[50]

Research in 2008 by a geomorphology professor at Urbino University and an artist-photographer revealed likenesses of Mona Lisa‘s landscapes to some views in the Montefeltro region in the Italian provinces of Pesaro and Urbino, and Rimini.^[51][52]

History

Creation and date

Of Leonardo da Vinci’s works, the Mona Lisa is the only portrait whose authenticity has never been seriously questioned,^[53] and one of four works – the others being Saint Jerome in the Wilderness, Adoration of the Magi and The Last Supper – whose attribution has avoided controversy.^[54] He had begun working on a portrait of Lisa del Giocondo, the model of the Mona Lisa, by October 1503.^[25][26] It is believed by some that the Mona Lisa was begun in 1503 or 1504 in Florence.^[55] Although the Louvre states that it was «doubtless painted between 1503 and 1506»,^[8] art historian Martin Kemp says that there are some difficulties in confirming the dates with certainty.^[22] Alessandro Vezzosi believes that the painting is characteristic of Leonardo’s style in the final years of his life, post-1513.^[56] Other academics argue that, given the historical documentation, Leonardo would have painted the work from 1513.^[57] According to Vasari, «after he had lingered over it four years, [he] left it unfinished».^[17] In 1516, Leonardo was invited by King Francis I to work at the Clos Lucé near the Château d’Amboise; it is believed that he took the Mona Lisa with him and continued to work on it after he moved to France.^[32] Art historian Carmen C. Bambach has concluded that Leonardo probably continued refining the work until 1516 or 1517.^[58] Leonardo’s right hand was paralytic circa 1517,^[59] which may indicate why he left the Mona Lisa unfinished.^{[60][61][62][b]}

Circa 1505,^[64] Raphael executed a pen-and-ink sketch, in which the columns flanking the subject are more apparent. Experts universally agree that it is based on Leonardo’s portrait.^[65][66][67] Other later copies of the Mona Lisa, such as those in the National Museum of Art, Architecture and Design and The Walters Art Museum, also display large flanking columns. As a result, it was thought that the Mona Lisa had been trimmed.^{[68][69][70][71]} However, by 1993, Frank Zöllner observed that the painting surface had never been trimmed;^[72] this was confirmed through a series of tests in 2004.^[73] In view of this, Vincent Delieuvin, curator of 16th-century Italian painting at the Louvre, states that the sketch and these other copies must have been inspired by another version,^[74] while Zöllner states that the sketch may be after another Leonardo portrait of the same subject.^[72]

The record of an October 1517 visit by Louis d’Aragon states that the Mona Lisa was executed for the deceased Giuliano de’ Medici, Leonardo’s steward at Belvedere, Vienna, between 1513 and 1516^[75][76][c]—but this was likely an error.^[77][d] According to Vasari, the painting was created for the model’s husband, Francesco del Giocondo.^[78] A number of experts have argued that Leonardo made two versions (because of the uncertainty concerning its dating and commissioner, as well as its fate following Leonardo’s death in 1519, and the difference of details in Raphael’s sketch—which may be explained by the possibility that he made the sketch from memory).^{[64][67][66][79]} The hypothetical first portrait, displaying prominent columns, would have been commissioned by Giocondo circa 1503, and left unfinished in Leonardo’s pupil and assistant Salaì’s possession until his death in 1524. The second, commissioned by Giuliano de’ Medici circa 1513, would have been sold by Salaì to Francis I in 1518^[e] and is the one in the Louvre today.^{[67][66][79][80]} Others believe that there was only one true Mona Lisa, but are divided as to the two aforementioned fates.^[22][81][82] At some point in the 16th century, a varnish was applied to the painting.^[3] It was kept at the Palace of Fontainebleau until Louis XIV moved it to the Palace of Versailles, where it remained until the French Revolution.^[83] In 1797, it went on permanent display at the Louvre.^[11]

Refuge, theft, and vandalism

After the French Revolution, the painting was moved to the Louvre, but spent a brief period in the bedroom of Napoleon (d. 1821) in the Tuileries Palace.^[83] The Mona Lisa was not widely known outside the art world, but in the 1860s, a portion of the French intelligentsia began to hail it as a masterwork of Renaissance painting.^[84]
During the Franco-Prussian War (1870–1871), the painting was moved from the Louvre to the Brest Arsenal.^[85]

In 1911, the painting was still not popular among the lay-public.^[86] On 21 August 1911, the painting was stolen from the Louvre.^[87] The painting was first missed the next day by painter Louis Béroud. After some confusion as to whether the painting was being photographed somewhere, the Louvre was closed for a week for investigation. French poet Guillaume Apollinaire came under suspicion and was arrested and imprisoned. Apollinaire implicated his friend Pablo Picasso, who was brought in for questioning. Both were later exonerated.^[88][89] The real culprit was Louvre employee Vincenzo Peruggia, who had helped construct the painting’s glass case.^[90] He carried out the theft by entering the building during regular hours, hiding in a broom closet, and walking out with the painting hidden under his coat after the museum had closed.^[24]

Peruggia was an Italian patriot who believed that Leonardo’s painting should have been returned to an Italian museum.^[91] Peruggia may have been motivated by an associate whose copies of the original would significantly rise in value after the painting’s theft.^[92] After having kept the Mona Lisa in his apartment for two years, Peruggia grew impatient and was caught when he attempted to sell it to Giovanni Poggi, director of the Uffizi Gallery in Florence. It was exhibited in the Uffizi Gallery for over two weeks and returned to the Louvre on 4 January 1914.^[93] Peruggia served six months in prison for the crime and was hailed for his patriotism in Italy.^[89] A year after the theft, Saturday Evening Post journalist Karl Decker wrote that he met an alleged accomplice named Eduardo de Valfierno, who claimed to have masterminded the theft. Forger Yves Chaudron was to have created six copies of the painting to sell in the US while concealing the location of the original.^[92] Decker published this account of the theft in 1932.^[94]

During World War II, it was again removed from the Louvre and taken first to the Château d’Amboise, then to the Loc-Dieu Abbey and Château de Chambord, then finally to the Ingres Museum in Montauban.

On 30 December 1956, Bolivian Ugo Ungaza Villegas threw a rock at the Mona Lisa while it was on display at the Louvre. He did so with such force that it shattered the glass case and dislodged a speck of pigment near the left elbow.^[95] The painting was protected by glass because a few years earlier a man who claimed to be in love with the painting had cut it with a razor blade and tried to steal it.^[96]
Since then, bulletproof glass has been used to shield the painting from any further attacks. Subsequently, on 21 April 1974, while the painting was on display at the Tokyo National Museum, a woman sprayed it with red paint as a protest against that museum’s failure to provide access for disabled people.^[97] On 2 August 2009, a Russian woman, distraught over being denied French citizenship, threw a ceramic teacup purchased at the Louvre; the vessel shattered against the glass enclosure.^[98][99] In both cases, the painting was undamaged.

In recent decades, the painting has been temporarily moved to accommodate renovations to the Louvre on three occasions: between 1992 and 1995, from 2001 to 2005, and again in 2019.^[100] A new queuing system introduced in 2019 reduces the amount of time museum visitors have to wait in line to see the painting. After going through the queue, a group has about 30 seconds to see the painting.^[101]

On 29 May 2022, a male activist, disguised as a woman in a wheelchair, threw cake at the protective glass covering the painting in an apparent attempt to raise awareness for climate change.^[102] The painting was not damaged.^[103] The man was arrested and placed in psychiatric care in the police headquarters.^[104] An investigation was opened after the Louvre filed a complaint.^[105]

Modern analysis

In the early 21st century, French scientist Pascal Cotte hypothesized a hidden portrait underneath the surface of the painting. He analyzed the painting in the Louvre with reflective light technology beginning in 2004, and produced circumstantial evidence for his theory.^{[106][107][108]} Cotte admits that his investigation was carried out only in support of his hypotheses and should not be considered as definitive proof.^[107][81] The underlying portrait appears to be of a model looking to the side, and lacks flanking columns,^[109] but does not fit with historical descriptions of the painting. Both Vasari and Gian Paolo Lomazzo describe the subject as smiling,^[16][110] unlike the subject in Cotte’s supposed portrait.^[107][81] In 2020, Cotte published a study alleging that the painting has an underdrawing, transferred from a preparatory drawing via the spolvero technique.^[111]

Conservation

The Mona Lisa has survived for more than 500 years, and an international commission convened in 1952 noted that «the picture is in a remarkable state of preservation.»^[73] It has never been fully restored,^[112] so the current condition is partly due to a variety of conservation treatments the painting has undergone. A detailed analysis in 1933 by Madame de Gironde revealed that earlier restorers had «acted with a great deal of restraint.»^[73] Nevertheless, applications of varnish made to the painting had darkened even by the end of the 16th century, and an aggressive 1809 cleaning and revarnishing removed some of the uppermost portion of the paint layer, resulting in a washed-out appearance to the face of the figure. Despite the treatments, the Mona Lisa has been well cared for throughout its history, and although the panel’s warping caused the curators «some worry»,^[113] the 2004–05 conservation team was optimistic about the future of the work.^[73]

Poplar panel

At some point, the Mona Lisa was removed from its original frame. The unconstrained poplar panel warped freely with changes in humidity, and as a result, a crack developed near the top of the panel, extending down to the hairline of the figure. In the mid-18th century to early 19th century, two butterfly-shaped walnut braces were inserted into the back of the panel to a depth of about one third the thickness of the panel. This intervention was skilfully executed, and successfully stabilized the crack. Sometime between 1888 and 1905, or perhaps during the picture’s theft, the upper brace fell out. A later restorer glued and lined the resulting socket and crack with cloth.^[114][115]

The picture is kept under strict, climate-controlled conditions in its bulletproof glass case. The humidity is maintained at 50% ±10%, and the temperature is maintained between 18 and 21 °C. To compensate for fluctuations in relative humidity, the case is supplemented with a bed of silica gel treated to provide 55% relative humidity.^[73]

Frame

Because the Mona Lisa‘s poplar support expands and contracts with changes in humidity, the picture has experienced some warping. In response to warping and swelling experienced during its storage during World War II, and to prepare the picture for an exhibit to honour the anniversary of Leonardo’s 500th birthday, the Mona Lisa was fitted in 1951 with a flexible oak frame with beech crosspieces. This flexible frame, which is used in addition to the decorative frame described below, exerts pressure on the panel to keep it from warping further. In 1970, the beech crosspieces were switched to maple after it was found that the beechwood had been infested with insects. In 2004–05, a conservation and study team replaced the maple crosspieces with sycamore ones, and an additional metal crosspiece was added for scientific measurement of the panel’s warp.^{[citation needed]}

The Mona Lisa has had many different decorative frames in its history, owing to changes in taste over the centuries. In 1909, the art collector Comtesse de Béhague gave the portrait its current frame,^[116] a Renaissance-era work consistent with the historical period of the Mona Lisa. The edges of the painting have been trimmed at least once in its history to fit the picture into various frames, but no part of the original paint layer has been trimmed.^[73]

Cleaning and touch-up

The first and most extensive recorded cleaning, revarnishing, and touch-up of the Mona Lisa was an 1809 wash and revarnishing undertaken by Jean-Marie Hooghstoel, who was responsible for restoration of paintings for the galleries of the Musée Napoléon. The work involved cleaning with spirits, touch-up of colour, and revarnishing the painting. In 1906, Louvre restorer Eugène Denizard performed watercolour retouches on areas of the paint layer disturbed by the crack in the panel. Denizard also retouched the edges of the picture with varnish, to mask areas that had been covered initially by an older frame. In 1913, when the painting was recovered after its theft, Denizard was again called upon to work on the Mona Lisa. Denizard was directed to clean the picture without solvent, and to lightly touch up several scratches to the painting with watercolour. In 1952, the varnish layer over the background in the painting was evened out. After the second 1956 attack, restorer Jean-Gabriel Goulinat was directed to touch up the damage to Mona Lisa‘s left elbow with watercolour.^[73]

In 1977, a new insect infestation was discovered in the back of the panel as a result of crosspieces installed to keep the painting from warping. This was treated on the spot with carbon tetrachloride, and later with an ethylene oxide treatment. In 1985, the spot was again treated with carbon tetrachloride as a preventive measure.^[73]

Using modern digital filters and advanced AI methods original features of Monalisa’s portrait are being restored as close as possible to the original painting as shown on the right.

The white patches are removed from the facial portion of the original digital image with the help of advanced digital filters.

Display

On 6 April 2005—following a period of curatorial maintenance, recording, and analysis—the painting was moved to a new location within the museum’s Salle des États. It is displayed in a purpose-built, climate-controlled enclosure behind bulletproof glass.^[117] Since 2005 the painting has been illuminated by an LED lamp, and in 2013 a new 20 watt LED lamp was installed, specially designed for this painting. The lamp has a Colour Rendering Index up to 98, and minimizes infrared and ultraviolet radiation which could otherwise degrade the painting.^[118] The renovation of the gallery where the painting now resides was financed by the Japanese broadcaster Nippon Television.^[119] As of 2019, about 10.2 million people view the painting at the Louvre each year.^[120]

On the 500th anniversary of the master’s death, the Louvre held the largest ever single exhibit of Leonardo works, from 24 October 2019 to 24 February 2020. The Mona Lisa was not included because it is in such great demand among visitors to the museum; the painting remained on display in its gallery.^[121][122]

Legacy

The Mona Lisa began influencing contemporary Florentine painting even before its completion. Raphael, who had been to Leonardo’s workshop several times, promptly used elements of the portrait’s composition and format in several of his works, such as Young Woman with Unicorn (c. 1506),^[123] and Portrait of Maddalena Doni (c. 1506).^[64] Later paintings by Raphael, such as La velata (1515–16) and Portrait of Baldassare Castiglione (c. 1514–15), continued to borrow from Leonardo’s painting. Zollner states that «None of Leonardo’s works would exert more influence upon the evolution of the genre than the Mona Lisa. It became the definitive example of the Renaissance portrait and perhaps for this reason is seen not just as the likeness of a real person, but also as the embodiment of an ideal.»^[124]

Early commentators such as Vasari and André Félibien praised the picture for its realism, but by the Victorian era, writers began to regard the Mona Lisa as imbued with a sense of mystery and romance. In 1859, Théophile Gautier wrote that the Mona Lisa was a «sphinx of beauty who smiles so mysteriously» and that «Beneath the form expressed one feels a thought that is vague, infinite, inexpressible. One is moved, troubled … repressed desires, hopes that drive one to despair, stir painfully.» Walter Pater’s famous essay of 1869 described the sitter as «older than the rocks among which she sits; like the vampire, she has been dead many times, and learned the secrets of the grave; and has been a diver in the deep seas, and keeps their fallen day about her.»^[125]

By the early 20th century, some critics started to feel the painting had become a repository for subjective exegeses and theories.^[126] Upon the painting’s theft in 1911, Renaissance historian Bernard Berenson admitted that it had «simply become an incubus, and [he] was glad to be rid of her.»^[126][127] Jean Metzinger’s Le goûter (Tea Time) was exhibited at the 1911 Salon d’Automne and was sarcastically described as «la Joconde à la cuiller» (Mona Lisa with a spoon) by art critic Louis Vauxcelles on the front page of Gil Blas.^[128] André Salmon subsequently described the painting as «The Mona Lisa of Cubism».^[129][130]

The avant-garde art world has made note of the Mona Lisa‘s undeniable popularity. Because of the painting’s overwhelming stature, Dadaists and Surrealists often produce modifications and caricatures. In 1883, Le rire, an image of a Mona Lisa smoking a pipe, by Sapeck (Eugène Bataille), was shown at the «Incoherents» show in Paris. In 1919, Marcel Duchamp, one of the most influential modern artists, created L.H.O.O.Q., a Mona Lisa parody made by adorning a cheap reproduction with a moustache and goatee. Duchamp added an inscription, which when read out loud in French sounds like «Elle a chaud au cul» meaning: «she has a hot ass», implying the woman in the painting is in a state of sexual excitement and intended as a Freudian joke.^[131] According to Rhonda R. Shearer, the apparent reproduction is in fact a copy partly modelled on Duchamp’s own face.^[132]

Salvador Dalí, famous for his surrealist work, painted Self portrait as Mona Lisa in 1954.^[133] Andy Warhol created serigraph prints of multiple Mona Lisas, called Thirty Are Better than One, following the painting’s visit to the United States in 1963.^[134] The French urban artist known pseudonymously as Invader has created versions of the Mona Lisa on city walls in Paris and Tokyo using a mosaic style.^[135] A 2014 New Yorker magazine cartoon parodies the supposed enigma of the Mona Lisa smile in an animation showing progressively more maniacal smiles.

• 

• 

• 

  Le rire (The Laugh) by Eugène Bataille, or Sapeck (1883)

• 

• 

Fame

Today the Mona Lisa is considered the most famous painting in the world, a destination painting, but until the 20th century it was simply one among many highly regarded artworks.^[136]
Once part of King Francis I of France’s collection, the Mona Lisa was among the first artworks to be exhibited in the Louvre, which became a national museum after the French Revolution. Leonardo began to be revered as a genius, and the painting’s popularity grew in the mid-19th century when French intelligentsia praised it as mysterious and a representation of the femme fatale.^[137] The Baedeker guide in 1878 called it «the most celebrated work of Leonardo in the Louvre»,^[138] but the painting was known more by the intelligentsia than the general public.^[139]

The 1911 theft of the Mona Lisa and its subsequent return was reported worldwide, leading to a massive increase in public recognition of the painting. During the 20th century it was an object for mass reproduction, merchandising, lampooning and speculation, and was claimed to have been reproduced in «300 paintings and 2,000 advertisements».^[138] The Mona Lisa was regarded as «just another Leonardo until early last century, when the scandal of the painting’s theft from the Louvre and subsequent return kept a spotlight on it over several years.»^[140]

From December 1962 to March 1963, the French government lent it to the United States to be displayed in New York City and Washington, D.C.^[141][142] It was shipped on the new ocean liner SS France.^[143] In New York, an estimated 1.7 million people queued «in order to cast a glance at the Mona Lisa for 20 seconds or so.»^[138] While exhibited in the Metropolitan Museum of Art, the painting was nearly drenched in water because of a faulty sprinkler, but the painting’s bullet-proof glass case protected it.^[144]

In 1974, the painting was exhibited in Tokyo and Moscow.^[145]

In 2014, 9.3 million people visited the Louvre.^[146] Former director Henri Loyrette reckoned that «80 percent of the people only want to see the Mona Lisa.»^[147]

Financial worth

Before the 1962–1963 tour, the painting was assessed for insurance at $100 million (equivalent to $700 million in 2021), making it, in practice, the most highly-valued painting in the world. The insurance was not purchased; instead, more was spent on security.^[148]

In 2014, a France 24 article suggested that the painting could be sold to help ease the national debt, although it was observed that the Mona Lisa and other such art works were prohibited from being sold by French heritage law, which states that «Collections held in museums that belong to public bodies are considered public property and cannot be otherwise.»^[149]

Cultural depictions

Cultural depictions of the Mona Lisa include:

• The 1915 Mona Lisa by German composer Max von Schillings.
• Two 1930s films written about the theft, (The Theft of the Mona Lisa and Arsène Lupin).
• The 1950 song «Mona Lisa» recorded by Nat King Cole.
• The 2011 song «The Ballad of Mona Lisa» by American rock band Panic! at the Disco.
• The 2022 mystery film Glass Onion: A Knives Out Mystery depicts the destruction of the Mona Lisa, which has been borrowed from its location by a rich billionaire.

Early versions and copies

Prado Museum La Gioconda

A version of Mona Lisa known as Mujer de mano de Leonardo Abince («Woman by Leonardo da Vinci’s hand», Museo del Prado, Madrid) was for centuries considered to be a work by Leonardo. However, since its restoration in 2012, it is now thought to have been executed by one of Leonardo’s pupils in his studio at the same time as Mona Lisa was being painted.^[150] The Prado’s conclusion that the painting is probably by Salaì (1480–1524) or by Melzi (1493–1572) has been called into question by others.^[151]

The restored painting is from a slightly different perspective than the original Mona Lisa, leading to the speculation that it is part of the world’s first stereoscopic pair.^{[152][153][154]} However, a more recent report has demonstrated that this stereoscopic pair in fact gives no reliable stereoscopic depth.^[155]

Isleworth Mona Lisa

A version of the Mona Lisa known as the Isleworth Mona Lisa was first bought by an English nobleman in 1778 and was rediscovered in 1913 by Hugh Blaker, an art connoisseur. The painting was presented to the media in 2012 by the Mona Lisa Foundation.^[156] It is a painting of the same subject as Leonardo da Vinci’s Mona Lisa. The current scholarly consensus on attribution is unclear.^[157] Some experts, including Frank Zöllner, Martin Kemp and Luke Syson denied the attribution to Leonardo;^[158][159] professors such as Salvatore Lorusso, Andrea Natali,^[160] and John F Asmus supported it;^[161] others like Alessandro Vezzosi and Carlo Pedretti were uncertain.^[162]

Hermitage Mona Lisa

A version known as the Hermitage Mona Lisa is in the Hermitage Museum and it was made by an unknown 16th-century artist. ^[163][164]

• 

  Copy of Mona Lisa commonly attributed to Salaì

• 

  The Prado Museum La Gioconda

• 

• 

The Mona Lisa Illusion

If a person being photographed looks into the camera lens the image produced provides an illusion that viewers perceive as the subject looking at them, irrespective of the photographs’ position. Presumably it is for this reason that many people, while taking photographs, ask subjects to look at the camera rather than anywhere else. In psychology, this is known as «the Mona Lisa illusion» after the famous painting which also presents the same illusion.^[165]

See also

• List of most expensive paintings
• List of stolen paintings
• Speculations about Mona Lisa
• Male Mona Lisa theories
• Two-Mona Lisa theory

References

Footnotes

Citations

Sources

External links

• Sassoon, Donald, Prof. (21 January 2014). #26: Why is the Mona Lisa Famous?. La Trobe University podcast blog. Archived from the original on 4 July 2015.{{cite AV media}}: CS1 maint: bot: original URL status unknown (link) of the podcast audio.
• «Mona Lisa, Leonardo’s Earlier Version». Zürich, Switzerland: The Mona Lisa Foundation. Archived from the original on 26 June 2015. Retrieved 5 November 2015.
• «True Colors of the Mona Lisa Revealed» (Press release). Paris: Lumiere Technology. 19 October 2006. Archived from the original on 26 June 2015. Retrieved 5 November 2015.
• Scientific analyses conducted by the Center for Research and Restoration of the Museums of France (C2RMF) Compare layers of the painting as revealed by x-radiography, infrared reflectographya and ultraviolet fluorescence
• «Stealing Mona Lisa«. Dorothy & Thomas Hoobler. May 2009. excerpt of book. Vanity Fair
• Discussion by Janina Ramirez and Martin Kemp: Art Detective Podcast, 18 Jan 2017
• Leonardo’s Mona Lisa Archived 4 November 2014 at the Wayback Machine, Smarthistory (video)
• Secrets of the Mona Lisa, Discovery Channel documentary on YouTube

Mona Lisa
Italian: Gioconda, Monna Lisa
The Mona Lisa digitally retouched to reduce the effects of aging. The unretouched image is darker.[1][2][3]
Artist	Leonardo da Vinci
Year	c. 1503–1506, perhaps continuing until c. 1517
Medium	Oil on poplar panel
Subject	Lisa Gherardini
Dimensions	77 cm × 53 cm (30 in × 21 in)
Location	Louvre, Paris

The Mona Lisa ( MOH-nə LEE-sə; Italian: Gioconda [dʒoˈkonda] or Monna Lisa [ˈmɔnna ˈliːza]; French: Joconde [ʒɔkɔ̃d]) is a half-length portrait painting by Italian artist Leonardo da Vinci. Considered an archetypal masterpiece of the Italian Renaissance,^[4][5] it has been described as «the best known, the most visited, the most written about, the most sung about, the most parodied work of art in the world».^[6] The painting’s novel qualities include the subject’s enigmatic expression,^[7] the monumentality of the composition, the subtle modelling of forms, and the atmospheric illusionism.^[8]

The painting has been definitively identified to depict Italian noblewoman Lisa Gherardini,^[9] the wife of Francesco del Giocondo. It is painted in oil on a white Lombardy poplar panel. Leonardo never gave the painting to the Giocondo family, and later it is believed he left it in his will to his favored apprentice Salaì.^[10] It had been believed to have been painted between 1503 and 1506; however, Leonardo may have continued working on it as late as 1517. It was acquired by King Francis I of France and is now the property of the French Republic. It has been on permanent display at the Louvre in Paris since 1797.^[11]

The painting’s global fame and popularity stem from its 1911 theft by Vincenzo Peruggia, who attributed his actions to Italian patriotism – a belief that the painting should belong to Italy. The theft and subsequent recovery in 1914 generated unprecedented publicity for an art theft, and led to the publication of numerous cultural depictions such as the 1915 opera Mona Lisa, two early 1930s films about the theft (The Theft of the Mona Lisa and Arsène Lupin) and the popular song Mona Lisa recorded by Nat King Cole – one of the most successful songs of the 1950s.^[12]

The Mona Lisa is one of the most valuable paintings in the world. It holds the Guinness World Record for the highest-known painting insurance valuation in history at US$100 million in 1962^[13] (equivalent to $870 million in 2021).

Title and subject

The title of the painting, which is known in English as Mona Lisa, is based on the presumption that it depicts Lisa del Giocondo, although her likeness is uncertain. Renaissance art historian Giorgio Vasari wrote that «Leonardo undertook to paint, for Francesco del Giocondo, the portrait of Mona Lisa, his wife.»^{[16][17][18][19]} Monna in Italian is a polite form of address originating as ma donna—similar to Ma’am, Madam, or my lady in English. This became madonna, and its contraction monna. The title of the painting, though traditionally spelled Mona in English, is spelled in Italian as Monna Lisa (mona being a vulgarity in Italian), but this is rare in English.^[20][21]

Lisa del Giocondo was a member of the Gherardini family of Florence and Tuscany, and the wife of wealthy Florentine silk merchant Francesco del Giocondo.^[22] The painting is thought to have been commissioned for their new home, and to celebrate the birth of their second son, Andrea.^[23] The Italian name for the painting, La Gioconda, means ‘jocund’ (‘happy’ or ‘jovial’) or, literally, ‘the jocund one’, a pun on the feminine form of Lisa’s married name, Giocondo.^[22][24] In French, the title La Joconde has the same meaning.

Vasari’s account of the Mona Lisa comes from his biography of Leonardo published in 1550, 31 years after the artist’s death. It has long been the best-known source of information on the provenance of the work and identity of the sitter. Leonardo’s assistant Salaì, at his death in 1524, owned a portrait which in his personal papers was named la Gioconda, a painting bequeathed to him by Leonardo.^{[citation needed]}

That Leonardo painted such a work, and its date, were confirmed in 2005 when a scholar at Heidelberg University discovered a marginal note in a 1477 printing of a volume by ancient Roman philosopher Cicero. Dated October 1503, the note was written by Leonardo’s contemporary Agostino Vespucci. This note likens Leonardo to renowned Greek painter Apelles, who is mentioned in the text, and states that Leonardo was at that time working on a painting of Lisa del Giocondo.^[25]
In response to the announcement of the discovery of this document, Vincent Delieuvin, the Louvre representative, stated «Leonardo da Vinci was painting, in 1503, the portrait of a Florentine lady by the name of Lisa del Giocondo. About this we are now certain. Unfortunately, we cannot be absolutely certain that this portrait of Lisa del Giocondo is the painting of the Louvre.»^[26]

The catalogue raisonné Leonardo da Vinci (2019) confirms that the painting probably depicts Lisa del Giocondo, with Isabella d’Este being the only plausible alternative.^[27] Scholars have developed several alternative views, arguing that Lisa del Giocondo was the subject of a different portrait, and identifying at least four other paintings referred to by Vasari as the Mona Lisa.^[28] Several other people have been proposed as the subject of the painting,^[29] including Isabella of Aragon,^[30] Cecilia Gallerani,^[31] Costanza d’Avalos, Duchess of Francavilla,^[29] Pacifica Brandano/Brandino, Isabela Gualanda, Caterina Sforza, Bianca Giovanna Sforza, Salaì, and even Leonardo himself.^[32][33][34] Psychoanalyst Sigmund Freud theorized that Leonardo imparted an approving smile from his mother, Caterina, onto the Mona Lisa and other works.^[35][36]

Description

The Mona Lisa bears a strong resemblance to many Renaissance depictions of the Virgin Mary, who was at that time seen as an ideal for womanhood.^[37] The woman sits markedly upright in a «pozzetto» armchair with her arms folded, a sign of her reserved posture. Her gaze is fixed on the observer. The woman appears alive to an unusual extent, which Leonardo achieved by his method of not drawing outlines (sfumato). The soft blending creates an ambiguous mood «mainly in two features: the corners of the mouth, and the corners of the eyes».^[38]

The depiction of the sitter in three-quarter profile is similar to late 15th-century works by Lorenzo di Credi and Agnolo di Domenico del Mazziere.^[37] Zöllner notes that the sitter’s general position can be traced back to Flemish models and that «in particular the vertical slices of columns at both sides of the panel had precedents in Flemish portraiture.»^[39] Woods-Marsden cites Hans Memling’s portrait of Benedetto Portinari (1487) or Italian imitations such as Sebastiano Mainardi’s pendant portraits for the use of a loggia, which has the effect of mediating between the sitter and the distant landscape, a feature missing from Leonardo’s earlier portrait of Ginevra de’ Benci.^[40]

The painting was one of the first portraits to depict the sitter in front of an imaginary landscape, and Leonardo was one of the first painters to use aerial perspective.^[42] The enigmatic woman is portrayed seated in what appears to be an open loggia with dark pillar bases on either side. Behind her, a vast landscape recedes to icy mountains. Winding paths and a distant bridge give only the slightest indications of human presence. Leonardo has chosen to place the horizon line not at the neck, as he did with Ginevra de’ Benci, but on a level with the eyes, thus linking the figure with the landscape and emphasizing the mysterious nature of the painting.^[40]

Mona Lisa has no clearly visible eyebrows or eyelashes, although Vasari describes the eyebrows in detail.^[43][a] In 2007, French engineer Pascal Cotte announced that his ultra-high resolution scans of the painting provide evidence that Mona Lisa was originally painted with eyelashes and eyebrows, but that these had gradually disappeared over time, perhaps as a result of overcleaning.^[46] Cotte discovered the painting had been reworked several times, with changes made to the size of the Mona Lisa’s face and the direction of her gaze. He also found that in one layer the subject was depicted wearing numerous hairpins and a headdress adorned with pearls which was later scrubbed out and overpainted.^[47]

There has been much speculation regarding the painting’s model and landscape. For example, Leonardo probably painted his model faithfully since her beauty is not seen as being among the best, «even when measured by late quattrocento (15th century) or even twenty-first century standards.»^[48] Some art historians in Eastern art, such as Yukio Yashiro, argue that the landscape in the background of the picture was influenced by Chinese paintings,^[49] but this thesis has been contested for lack of clear evidence.^[49]

Research in 2003 by Professor Margaret Livingstone of Harvard University said that Mona Lisa’s smile disappears when observed with direct vision, known as foveal. Because of the way the human eye processes visual information, it is less suited to pick up shadows directly; however, peripheral vision can pick up shadows well.^[50]

Research in 2008 by a geomorphology professor at Urbino University and an artist-photographer revealed likenesses of Mona Lisa‘s landscapes to some views in the Montefeltro region in the Italian provinces of Pesaro and Urbino, and Rimini.^[51][52]

History

Creation and date

Of Leonardo da Vinci’s works, the Mona Lisa is the only portrait whose authenticity has never been seriously questioned,^[53] and one of four works – the others being Saint Jerome in the Wilderness, Adoration of the Magi and The Last Supper – whose attribution has avoided controversy.^[54] He had begun working on a portrait of Lisa del Giocondo, the model of the Mona Lisa, by October 1503.^[25][26] It is believed by some that the Mona Lisa was begun in 1503 or 1504 in Florence.^[55] Although the Louvre states that it was «doubtless painted between 1503 and 1506»,^[8] art historian Martin Kemp says that there are some difficulties in confirming the dates with certainty.^[22] Alessandro Vezzosi believes that the painting is characteristic of Leonardo’s style in the final years of his life, post-1513.^[56] Other academics argue that, given the historical documentation, Leonardo would have painted the work from 1513.^[57] According to Vasari, «after he had lingered over it four years, [he] left it unfinished».^[17] In 1516, Leonardo was invited by King Francis I to work at the Clos Lucé near the Château d’Amboise; it is believed that he took the Mona Lisa with him and continued to work on it after he moved to France.^[32] Art historian Carmen C. Bambach has concluded that Leonardo probably continued refining the work until 1516 or 1517.^[58] Leonardo’s right hand was paralytic circa 1517,^[59] which may indicate why he left the Mona Lisa unfinished.^{[60][61][62][b]}

Circa 1505,^[64] Raphael executed a pen-and-ink sketch, in which the columns flanking the subject are more apparent. Experts universally agree that it is based on Leonardo’s portrait.^[65][66][67] Other later copies of the Mona Lisa, such as those in the National Museum of Art, Architecture and Design and The Walters Art Museum, also display large flanking columns. As a result, it was thought that the Mona Lisa had been trimmed.^{[68][69][70][71]} However, by 1993, Frank Zöllner observed that the painting surface had never been trimmed;^[72] this was confirmed through a series of tests in 2004.^[73] In view of this, Vincent Delieuvin, curator of 16th-century Italian painting at the Louvre, states that the sketch and these other copies must have been inspired by another version,^[74] while Zöllner states that the sketch may be after another Leonardo portrait of the same subject.^[72]

The record of an October 1517 visit by Louis d’Aragon states that the Mona Lisa was executed for the deceased Giuliano de’ Medici, Leonardo’s steward at Belvedere, Vienna, between 1513 and 1516^[75][76][c]—but this was likely an error.^[77][d] According to Vasari, the painting was created for the model’s husband, Francesco del Giocondo.^[78] A number of experts have argued that Leonardo made two versions (because of the uncertainty concerning its dating and commissioner, as well as its fate following Leonardo’s death in 1519, and the difference of details in Raphael’s sketch—which may be explained by the possibility that he made the sketch from memory).^{[64][67][66][79]} The hypothetical first portrait, displaying prominent columns, would have been commissioned by Giocondo circa 1503, and left unfinished in Leonardo’s pupil and assistant Salaì’s possession until his death in 1524. The second, commissioned by Giuliano de’ Medici circa 1513, would have been sold by Salaì to Francis I in 1518^[e] and is the one in the Louvre today.^{[67][66][79][80]} Others believe that there was only one true Mona Lisa, but are divided as to the two aforementioned fates.^[22][81][82] At some point in the 16th century, a varnish was applied to the painting.^[3] It was kept at the Palace of Fontainebleau until Louis XIV moved it to the Palace of Versailles, where it remained until the French Revolution.^[83] In 1797, it went on permanent display at the Louvre.^[11]

Refuge, theft, and vandalism

After the French Revolution, the painting was moved to the Louvre, but spent a brief period in the bedroom of Napoleon (d. 1821) in the Tuileries Palace.^[83] The Mona Lisa was not widely known outside the art world, but in the 1860s, a portion of the French intelligentsia began to hail it as a masterwork of Renaissance painting.^[84]
During the Franco-Prussian War (1870–1871), the painting was moved from the Louvre to the Brest Arsenal.^[85]

In 1911, the painting was still not popular among the lay-public.^[86] On 21 August 1911, the painting was stolen from the Louvre.^[87] The painting was first missed the next day by painter Louis Béroud. After some confusion as to whether the painting was being photographed somewhere, the Louvre was closed for a week for investigation. French poet Guillaume Apollinaire came under suspicion and was arrested and imprisoned. Apollinaire implicated his friend Pablo Picasso, who was brought in for questioning. Both were later exonerated.^[88][89] The real culprit was Louvre employee Vincenzo Peruggia, who had helped construct the painting’s glass case.^[90] He carried out the theft by entering the building during regular hours, hiding in a broom closet, and walking out with the painting hidden under his coat after the museum had closed.^[24]

Peruggia was an Italian patriot who believed that Leonardo’s painting should have been returned to an Italian museum.^[91] Peruggia may have been motivated by an associate whose copies of the original would significantly rise in value after the painting’s theft.^[92] After having kept the Mona Lisa in his apartment for two years, Peruggia grew impatient and was caught when he attempted to sell it to Giovanni Poggi, director of the Uffizi Gallery in Florence. It was exhibited in the Uffizi Gallery for over two weeks and returned to the Louvre on 4 January 1914.^[93] Peruggia served six months in prison for the crime and was hailed for his patriotism in Italy.^[89] A year after the theft, Saturday Evening Post journalist Karl Decker wrote that he met an alleged accomplice named Eduardo de Valfierno, who claimed to have masterminded the theft. Forger Yves Chaudron was to have created six copies of the painting to sell in the US while concealing the location of the original.^[92] Decker published this account of the theft in 1932.^[94]

During World War II, it was again removed from the Louvre and taken first to the Château d’Amboise, then to the Loc-Dieu Abbey and Château de Chambord, then finally to the Ingres Museum in Montauban.

On 30 December 1956, Bolivian Ugo Ungaza Villegas threw a rock at the Mona Lisa while it was on display at the Louvre. He did so with such force that it shattered the glass case and dislodged a speck of pigment near the left elbow.^[95] The painting was protected by glass because a few years earlier a man who claimed to be in love with the painting had cut it with a razor blade and tried to steal it.^[96]
Since then, bulletproof glass has been used to shield the painting from any further attacks. Subsequently, on 21 April 1974, while the painting was on display at the Tokyo National Museum, a woman sprayed it with red paint as a protest against that museum’s failure to provide access for disabled people.^[97] On 2 August 2009, a Russian woman, distraught over being denied French citizenship, threw a ceramic teacup purchased at the Louvre; the vessel shattered against the glass enclosure.^[98][99] In both cases, the painting was undamaged.

In recent decades, the painting has been temporarily moved to accommodate renovations to the Louvre on three occasions: between 1992 and 1995, from 2001 to 2005, and again in 2019.^[100] A new queuing system introduced in 2019 reduces the amount of time museum visitors have to wait in line to see the painting. After going through the queue, a group has about 30 seconds to see the painting.^[101]

On 29 May 2022, a male activist, disguised as a woman in a wheelchair, threw cake at the protective glass covering the painting in an apparent attempt to raise awareness for climate change.^[102] The painting was not damaged.^[103] The man was arrested and placed in psychiatric care in the police headquarters.^[104] An investigation was opened after the Louvre filed a complaint.^[105]

Modern analysis

In the early 21st century, French scientist Pascal Cotte hypothesized a hidden portrait underneath the surface of the painting. He analyzed the painting in the Louvre with reflective light technology beginning in 2004, and produced circumstantial evidence for his theory.^{[106][107][108]} Cotte admits that his investigation was carried out only in support of his hypotheses and should not be considered as definitive proof.^[107][81] The underlying portrait appears to be of a model looking to the side, and lacks flanking columns,^[109] but does not fit with historical descriptions of the painting. Both Vasari and Gian Paolo Lomazzo describe the subject as smiling,^[16][110] unlike the subject in Cotte’s supposed portrait.^[107][81] In 2020, Cotte published a study alleging that the painting has an underdrawing, transferred from a preparatory drawing via the spolvero technique.^[111]

Conservation

The Mona Lisa has survived for more than 500 years, and an international commission convened in 1952 noted that «the picture is in a remarkable state of preservation.»^[73] It has never been fully restored,^[112] so the current condition is partly due to a variety of conservation treatments the painting has undergone. A detailed analysis in 1933 by Madame de Gironde revealed that earlier restorers had «acted with a great deal of restraint.»^[73] Nevertheless, applications of varnish made to the painting had darkened even by the end of the 16th century, and an aggressive 1809 cleaning and revarnishing removed some of the uppermost portion of the paint layer, resulting in a washed-out appearance to the face of the figure. Despite the treatments, the Mona Lisa has been well cared for throughout its history, and although the panel’s warping caused the curators «some worry»,^[113] the 2004–05 conservation team was optimistic about the future of the work.^[73]

Poplar panel

At some point, the Mona Lisa was removed from its original frame. The unconstrained poplar panel warped freely with changes in humidity, and as a result, a crack developed near the top of the panel, extending down to the hairline of the figure. In the mid-18th century to early 19th century, two butterfly-shaped walnut braces were inserted into the back of the panel to a depth of about one third the thickness of the panel. This intervention was skilfully executed, and successfully stabilized the crack. Sometime between 1888 and 1905, or perhaps during the picture’s theft, the upper brace fell out. A later restorer glued and lined the resulting socket and crack with cloth.^[114][115]

The picture is kept under strict, climate-controlled conditions in its bulletproof glass case. The humidity is maintained at 50% ±10%, and the temperature is maintained between 18 and 21 °C. To compensate for fluctuations in relative humidity, the case is supplemented with a bed of silica gel treated to provide 55% relative humidity.^[73]

Frame

Because the Mona Lisa‘s poplar support expands and contracts with changes in humidity, the picture has experienced some warping. In response to warping and swelling experienced during its storage during World War II, and to prepare the picture for an exhibit to honour the anniversary of Leonardo’s 500th birthday, the Mona Lisa was fitted in 1951 with a flexible oak frame with beech crosspieces. This flexible frame, which is used in addition to the decorative frame described below, exerts pressure on the panel to keep it from warping further. In 1970, the beech crosspieces were switched to maple after it was found that the beechwood had been infested with insects. In 2004–05, a conservation and study team replaced the maple crosspieces with sycamore ones, and an additional metal crosspiece was added for scientific measurement of the panel’s warp.^{[citation needed]}

The Mona Lisa has had many different decorative frames in its history, owing to changes in taste over the centuries. In 1909, the art collector Comtesse de Béhague gave the portrait its current frame,^[116] a Renaissance-era work consistent with the historical period of the Mona Lisa. The edges of the painting have been trimmed at least once in its history to fit the picture into various frames, but no part of the original paint layer has been trimmed.^[73]

Cleaning and touch-up

The first and most extensive recorded cleaning, revarnishing, and touch-up of the Mona Lisa was an 1809 wash and revarnishing undertaken by Jean-Marie Hooghstoel, who was responsible for restoration of paintings for the galleries of the Musée Napoléon. The work involved cleaning with spirits, touch-up of colour, and revarnishing the painting. In 1906, Louvre restorer Eugène Denizard performed watercolour retouches on areas of the paint layer disturbed by the crack in the panel. Denizard also retouched the edges of the picture with varnish, to mask areas that had been covered initially by an older frame. In 1913, when the painting was recovered after its theft, Denizard was again called upon to work on the Mona Lisa. Denizard was directed to clean the picture without solvent, and to lightly touch up several scratches to the painting with watercolour. In 1952, the varnish layer over the background in the painting was evened out. After the second 1956 attack, restorer Jean-Gabriel Goulinat was directed to touch up the damage to Mona Lisa‘s left elbow with watercolour.^[73]

In 1977, a new insect infestation was discovered in the back of the panel as a result of crosspieces installed to keep the painting from warping. This was treated on the spot with carbon tetrachloride, and later with an ethylene oxide treatment. In 1985, the spot was again treated with carbon tetrachloride as a preventive measure.^[73]

Using modern digital filters and advanced AI methods original features of Monalisa’s portrait are being restored as close as possible to the original painting as shown on the right.

The white patches are removed from the facial portion of the original digital image with the help of advanced digital filters.

Display

On 6 April 2005—following a period of curatorial maintenance, recording, and analysis—the painting was moved to a new location within the museum’s Salle des États. It is displayed in a purpose-built, climate-controlled enclosure behind bulletproof glass.^[117] Since 2005 the painting has been illuminated by an LED lamp, and in 2013 a new 20 watt LED lamp was installed, specially designed for this painting. The lamp has a Colour Rendering Index up to 98, and minimizes infrared and ultraviolet radiation which could otherwise degrade the painting.^[118] The renovation of the gallery where the painting now resides was financed by the Japanese broadcaster Nippon Television.^[119] As of 2019, about 10.2 million people view the painting at the Louvre each year.^[120]

On the 500th anniversary of the master’s death, the Louvre held the largest ever single exhibit of Leonardo works, from 24 October 2019 to 24 February 2020. The Mona Lisa was not included because it is in such great demand among visitors to the museum; the painting remained on display in its gallery.^[121][122]

Legacy

The Mona Lisa began influencing contemporary Florentine painting even before its completion. Raphael, who had been to Leonardo’s workshop several times, promptly used elements of the portrait’s composition and format in several of his works, such as Young Woman with Unicorn (c. 1506),^[123] and Portrait of Maddalena Doni (c. 1506).^[64] Later paintings by Raphael, such as La velata (1515–16) and Portrait of Baldassare Castiglione (c. 1514–15), continued to borrow from Leonardo’s painting. Zollner states that «None of Leonardo’s works would exert more influence upon the evolution of the genre than the Mona Lisa. It became the definitive example of the Renaissance portrait and perhaps for this reason is seen not just as the likeness of a real person, but also as the embodiment of an ideal.»^[124]

Early commentators such as Vasari and André Félibien praised the picture for its realism, but by the Victorian era, writers began to regard the Mona Lisa as imbued with a sense of mystery and romance. In 1859, Théophile Gautier wrote that the Mona Lisa was a «sphinx of beauty who smiles so mysteriously» and that «Beneath the form expressed one feels a thought that is vague, infinite, inexpressible. One is moved, troubled … repressed desires, hopes that drive one to despair, stir painfully.» Walter Pater’s famous essay of 1869 described the sitter as «older than the rocks among which she sits; like the vampire, she has been dead many times, and learned the secrets of the grave; and has been a diver in the deep seas, and keeps their fallen day about her.»^[125]

By the early 20th century, some critics started to feel the painting had become a repository for subjective exegeses and theories.^[126] Upon the painting’s theft in 1911, Renaissance historian Bernard Berenson admitted that it had «simply become an incubus, and [he] was glad to be rid of her.»^[126][127] Jean Metzinger’s Le goûter (Tea Time) was exhibited at the 1911 Salon d’Automne and was sarcastically described as «la Joconde à la cuiller» (Mona Lisa with a spoon) by art critic Louis Vauxcelles on the front page of Gil Blas.^[128] André Salmon subsequently described the painting as «The Mona Lisa of Cubism».^[129][130]

The avant-garde art world has made note of the Mona Lisa‘s undeniable popularity. Because of the painting’s overwhelming stature, Dadaists and Surrealists often produce modifications and caricatures. In 1883, Le rire, an image of a Mona Lisa smoking a pipe, by Sapeck (Eugène Bataille), was shown at the «Incoherents» show in Paris. In 1919, Marcel Duchamp, one of the most influential modern artists, created L.H.O.O.Q., a Mona Lisa parody made by adorning a cheap reproduction with a moustache and goatee. Duchamp added an inscription, which when read out loud in French sounds like «Elle a chaud au cul» meaning: «she has a hot ass», implying the woman in the painting is in a state of sexual excitement and intended as a Freudian joke.^[131] According to Rhonda R. Shearer, the apparent reproduction is in fact a copy partly modelled on Duchamp’s own face.^[132]

Salvador Dalí, famous for his surrealist work, painted Self portrait as Mona Lisa in 1954.^[133] Andy Warhol created serigraph prints of multiple Mona Lisas, called Thirty Are Better than One, following the painting’s visit to the United States in 1963.^[134] The French urban artist known pseudonymously as Invader has created versions of the Mona Lisa on city walls in Paris and Tokyo using a mosaic style.^[135] A 2014 New Yorker magazine cartoon parodies the supposed enigma of the Mona Lisa smile in an animation showing progressively more maniacal smiles.

• 

• 

• 

  Le rire (The Laugh) by Eugène Bataille, or Sapeck (1883)

• 

• 

Fame

Today the Mona Lisa is considered the most famous painting in the world, a destination painting, but until the 20th century it was simply one among many highly regarded artworks.^[136]
Once part of King Francis I of France’s collection, the Mona Lisa was among the first artworks to be exhibited in the Louvre, which became a national museum after the French Revolution. Leonardo began to be revered as a genius, and the painting’s popularity grew in the mid-19th century when French intelligentsia praised it as mysterious and a representation of the femme fatale.^[137] The Baedeker guide in 1878 called it «the most celebrated work of Leonardo in the Louvre»,^[138] but the painting was known more by the intelligentsia than the general public.^[139]

The 1911 theft of the Mona Lisa and its subsequent return was reported worldwide, leading to a massive increase in public recognition of the painting. During the 20th century it was an object for mass reproduction, merchandising, lampooning and speculation, and was claimed to have been reproduced in «300 paintings and 2,000 advertisements».^[138] The Mona Lisa was regarded as «just another Leonardo until early last century, when the scandal of the painting’s theft from the Louvre and subsequent return kept a spotlight on it over several years.»^[140]

From December 1962 to March 1963, the French government lent it to the United States to be displayed in New York City and Washington, D.C.^[141][142] It was shipped on the new ocean liner SS France.^[143] In New York, an estimated 1.7 million people queued «in order to cast a glance at the Mona Lisa for 20 seconds or so.»^[138] While exhibited in the Metropolitan Museum of Art, the painting was nearly drenched in water because of a faulty sprinkler, but the painting’s bullet-proof glass case protected it.^[144]

In 1974, the painting was exhibited in Tokyo and Moscow.^[145]

In 2014, 9.3 million people visited the Louvre.^[146] Former director Henri Loyrette reckoned that «80 percent of the people only want to see the Mona Lisa.»^[147]

Financial worth

Before the 1962–1963 tour, the painting was assessed for insurance at $100 million (equivalent to $700 million in 2021), making it, in practice, the most highly-valued painting in the world. The insurance was not purchased; instead, more was spent on security.^[148]

In 2014, a France 24 article suggested that the painting could be sold to help ease the national debt, although it was observed that the Mona Lisa and other such art works were prohibited from being sold by French heritage law, which states that «Collections held in museums that belong to public bodies are considered public property and cannot be otherwise.»^[149]

Cultural depictions

Cultural depictions of the Mona Lisa include:

• The 1915 Mona Lisa by German composer Max von Schillings.
• Two 1930s films written about the theft, (The Theft of the Mona Lisa and Arsène Lupin).
• The 1950 song «Mona Lisa» recorded by Nat King Cole.
• The 2011 song «The Ballad of Mona Lisa» by American rock band Panic! at the Disco.
• The 2022 mystery film Glass Onion: A Knives Out Mystery depicts the destruction of the Mona Lisa, which has been borrowed from its location by a rich billionaire.

Early versions and copies

Prado Museum La Gioconda

A version of Mona Lisa known as Mujer de mano de Leonardo Abince («Woman by Leonardo da Vinci’s hand», Museo del Prado, Madrid) was for centuries considered to be a work by Leonardo. However, since its restoration in 2012, it is now thought to have been executed by one of Leonardo’s pupils in his studio at the same time as Mona Lisa was being painted.^[150] The Prado’s conclusion that the painting is probably by Salaì (1480–1524) or by Melzi (1493–1572) has been called into question by others.^[151]

The restored painting is from a slightly different perspective than the original Mona Lisa, leading to the speculation that it is part of the world’s first stereoscopic pair.^{[152][153][154]} However, a more recent report has demonstrated that this stereoscopic pair in fact gives no reliable stereoscopic depth.^[155]

Isleworth Mona Lisa

A version of the Mona Lisa known as the Isleworth Mona Lisa was first bought by an English nobleman in 1778 and was rediscovered in 1913 by Hugh Blaker, an art connoisseur. The painting was presented to the media in 2012 by the Mona Lisa Foundation.^[156] It is a painting of the same subject as Leonardo da Vinci’s Mona Lisa. The current scholarly consensus on attribution is unclear.^[157] Some experts, including Frank Zöllner, Martin Kemp and Luke Syson denied the attribution to Leonardo;^[158][159] professors such as Salvatore Lorusso, Andrea Natali,^[160] and John F Asmus supported it;^[161] others like Alessandro Vezzosi and Carlo Pedretti were uncertain.^[162]

Hermitage Mona Lisa

A version known as the Hermitage Mona Lisa is in the Hermitage Museum and it was made by an unknown 16th-century artist. ^[163][164]

• 

  Copy of Mona Lisa commonly attributed to Salaì

• 

  The Prado Museum La Gioconda

• 

• 

The Mona Lisa Illusion

If a person being photographed looks into the camera lens the image produced provides an illusion that viewers perceive as the subject looking at them, irrespective of the photographs’ position. Presumably it is for this reason that many people, while taking photographs, ask subjects to look at the camera rather than anywhere else. In psychology, this is known as «the Mona Lisa illusion» after the famous painting which also presents the same illusion.^[165]

See also

• List of most expensive paintings
• List of stolen paintings
• Speculations about Mona Lisa
• Male Mona Lisa theories
• Two-Mona Lisa theory

References

Footnotes

Citations

Sources

External links

• Sassoon, Donald, Prof. (21 January 2014). #26: Why is the Mona Lisa Famous?. La Trobe University podcast blog. Archived from the original on 4 July 2015.{{cite AV media}}: CS1 maint: bot: original URL status unknown (link) of the podcast audio.
• «Mona Lisa, Leonardo’s Earlier Version». Zürich, Switzerland: The Mona Lisa Foundation. Archived from the original on 26 June 2015. Retrieved 5 November 2015.
• «True Colors of the Mona Lisa Revealed» (Press release). Paris: Lumiere Technology. 19 October 2006. Archived from the original on 26 June 2015. Retrieved 5 November 2015.
• Scientific analyses conducted by the Center for Research and Restoration of the Museums of France (C2RMF) Compare layers of the painting as revealed by x-radiography, infrared reflectographya and ultraviolet fluorescence
• «Stealing Mona Lisa«. Dorothy & Thomas Hoobler. May 2009. excerpt of book. Vanity Fair
• Discussion by Janina Ramirez and Martin Kemp: Art Detective Podcast, 18 Jan 2017
• Leonardo’s Mona Lisa Archived 4 November 2014 at the Wayback Machine, Smarthistory (video)
• Secrets of the Mona Lisa, Discovery Channel documentary on YouTube

Говорить о Моне Лизе означает прикоснуться к великому и абсолютно символическому. Женский портрет, созданный великим Леонардо – культовое и загадочное произведение, представляющее мировое искусство, универсальный символ красоты искусства и мысли итальянского Возрождения. О нем было написано тысячи и тысячи страниц, посвященных исследованиям, психологическим и психосоциальным, теориям, которые погружают в мир эзотерики и магии, поискам религиозного смысла и даже сюрреального, вплоть до языческих посланий.

История создания картины

Согласно традиции на картине изображена Лиза Герардини («Мона» Лиза, уменьшительное наименование от «ma donna» – от латинского «Mea domina», со значением «моя синьора»), жена Франческо дель Джокондо, отсюда название картины Джоконда. Название «Джоконда» означает «веселая» или «счастливая» (игра слов от женской формы Джокондо). Подтверждением этому служит документ 1525 года, в котором перечислены некоторые работы, принадлежащие Джан Джакомо Капротти да Орено, «Салаи», завещанные ему Леонардо, среди них картина, которая упоминается как la Gioconda.

Леонардо да Винчи, кто написал картину Джоконда, в период своего третьего пребывания во Флоренции жил в одном из домов рядом с палаццо Гонди, в нескольких шагах от пьяцца дела Синьория (площади Синьории), который принадлежал ветви семьи Герардини, Монтальяри.

Вазари, автор «Жизнеописаний» пишет: «Взялся Леонардо написать для Франческо дель Джокондо портрет Моны Лизы, жены его, и, потрудившись над ним четыре года, оставил его недовершенным. Это произведение находится ныне у французского короля в Фонтенбло. Это изображение всякому, кто хотел бы видеть, до какой степени искусство может подражать природе, даёт возможность постичь это наилегчайшим образом, ибо в нём воспроизведены все мельчайшие подробности, какие только может передать тонкость живописи».

На самом деле было выдвинуто множество теорий о том, кем она была «на самом деле», от аристократок и куртизанок до матери Леонардо да Винчи и даже автопортрета Леонардо и Салаи. В качестве предполагаемых моделей было предложено несколько известных женщин своей эпохи – Изабелла Арагонская, Чечилия Галлерани, Констанца д’Авалос, Изабелла д’Эсте, Пачифика Брандани (или Брандино), Изабелла Гуаланда, Катерина Сфорца, Бьянка Джованна Сфорца.

С момента создания эту необычную картину сопровождали загадки и ожидания. Сегодня известно, что около 1503 года Леонардо начал написание портрета флорентийской дамы, Лизы Герардини, жены торговца шелком Франческо дель Джокондо,

Два события в супружеской жизни Франческо дель Джокондо и Лизы Герардини могли повлиять на создание этого портрета: приобретение частного дома в 1503 году и рождение второго сына Андреа в декабре 1502 года. Дата подтверждена в 2005 году, когда ученый Армин Шлехтер из Гейдельбергского университета обнаружил заметку на полях в издании 1477 года тома древнеримского философа Цицерона, Epistulae ad Familiares, когда он каталогизировал книгу для выставки инкунабул.

Датированная 1503 годом она была написана на латыни флорентийцем Агостино Веспуччи (секретарь и помощник Никколо Макиавелли и двоюродный брат Америго Веспуччи). В комментарии Веспуччи подчеркивает сходство стиля Леонардо и древнегреческого художника Апеллеса, проводя параллель между Венерой и Моной Лизой. И тот, и другой создали голову и плечи необычайно детализировано, оставив остальную часть картины несовершенной.

Благодаря этой информации удалось установить личность женщины, на протяжении столетий являвшейся предметом споров. Тем не менее, многие продолжают идентифицировать на картине других людей.

Винсент Дельевин французский писатель и историк искусства, специализирующийся на творчестве Леонардо да Винчи и итальянской живописи шестнадцатого века хранителем наследия в Лувре в ответ на объявление об открытии документа заявил, «Леонардо да Винчи писал в 1503 году портрет флорентийской дамы по имени Лиза дель Джокондо. В этом мы теперь уверены. К сожалению, мы не можем быть абсолютно уверены в том, что этот портрет Лизы дель Джокондо – картина в Лувре».

Слава о работе быстро распространилась среди тех, кто имел возможность наблюдать за ней в мастерской художника. Об этом свидетельствуют копии, которые были сделаны незамедлительно, включая рисунок Рафаэля (он мог его нарисовать около 1504 года). Хранящийся в Лувре он вдохновил его на портрет Маддалены Дони, датированный примерно 1506 годом. В нем можно находить сходства с Моной Лизой. Вполне вероятно, что Рафаэль пытался научиться у Леонардо того, кто написал портрет Мона Лиза, выражению, положению рук, способности передавать чувства, и всему потенциалу движения.

Самая известная версия Моны Лизы – безусловно, так называемая обнаженная Джоконда, известная как Монна Ванна, за которой может стоять имя Салаи. В любом случае это рисунок школы Леонардо да Винчи, который хранится в музее Конде в Шантийи.

Лиза Герардини

Тот факт, что Лиза Герардини изображена на картине, подчеркнут на основании чрезвычайно рациональных доказательств ряда ученых, включая Джузеппе Палланти. Вазари был соседом семьи Джокондо, и имел возможность получать новости непосредственно от своих соседей в период, не слишком далекий от времени создания картины. Со стороны семьи Джокондо было безоговорочное одобрение того, что было написано Вазари.

В 2006 году публикация тома «Истинная личность Моны Лизы» произвела фурор. В нем искусствовед Джузеппе Палланти опубликовал результаты длительного исследования, которое привело его к восстановлению личности флорентийки Лизы Герардини, которую Джорджо Вазари идентифицировал как модель Леонардо в знаменитой картине. Изучив документы, хранящиеся во флорентийском церковном архиве, ученый проследил как точную дату исчезновения женщины, так и место, где она была похоронена. Из реестра смертей в приходе Сан-Лоренцо во Флоренции явствует, что Лиза, жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо, умерла 15 июля 1542 года в возрасте 63 года и была похоронена в монастыре Сант’Орсола, в центре Флоренции.

В своем завещании Франческо дель Джокондо поручает свою жену, о которой он говорит как о женщине с высочайшими моральными качествами, исключительно заботе своей дочери Мариетте, которая в 1519 год вошла в монастырь Сант’Орсола под именем сестры Людовики. Монастырь, известный своим ткачеством и вышивкой, функционировал как своего рода женский пансион, куда принимали одиноких женщин. Умерла она 15 июля 1542 года и похоронена в Сант’Орсола.

Описание портрета

Композиция картины, как предписывает традиция Возрождения, пирамидальная. На портрете изображена молодая женщина в статичной позе в три четверти – обернувшаяся вполоборота, но лицом повернутая к зрителю. Сложенные руки модели на переднем плане; одна опирается о подлокотник кресла поццето, в котором сидит женщина, другую она положила сверху. «Неподвижные» руки имеют большое значение, учитывая особую любовь Леонардо к тому, чтобы передавать через жесты своих персонажей символические сообщения. Здесь, наоборот, Мона Лиза неподвижна, она не «говорит» руками. Она общается выражением лица, глаз, губ.

Выражение лица определено как «загадочное»: если мы посмотрим ей в глаза, нам покажется, что она улыбается, но если мы устремим взгляд на ее рот, то увидим глубокую печаль в выражении глаз. Леонардо достигает этого особого «оптического эффекта», применяя свои научные знания о центральном и периферийном зрении человеческого глаза и переводя их в живопись с оригинальным техническим изобретением «сфумато».

Она одета в платье зеленого цвета из тяжелой материи с глубоким вырезом, по моде того времени, с вышивкой на груди и рукавах, сшитых из ткани желтого цвета. На голове у нее вуаль, которая удерживает ее длинные распущенные волосы, ниспадает на плечи.

Пейзаж

Работая с панорамой на заднем плане, художник по-прежнему руководствуется опытом и научными наблюдениями: он рисует «воздух» и «влажность», которые действительно присутствуют в каждой панораме, которую он, вероятно, наблюдает любопытным взглядом ученого. Техническая визуализация тумана, деликатно скрывающего панораму на заднем плане, является результатом того, что он сам назвал «воздушной перспективой».

На заднем плане, за парапетом панорамной лоджии (о чем свидетельствуют основания двух боковых колонн на парапете), на котором стоит кресло, открывается речной пейзаж с обычным для Леонардо репертуаром скалистых пиков, оврагов, отрогов. Картина Джоконда Леонардо да Винчи – один из первых в истории живописи портретов, изображающий модель на фоне панорамы. И Леонардо был одним из первых художников, кто использовал и мог изображать использовавших воздушную перспективу. Интересная особенность ландшафта в том, что он неоднороден: левая сторона несколько ниже правой. Учитывая большое внимание Леонардо к деталям, большинство экспертов уверены в том, что это не вымышленный пейзаж, а очень точное место в Тоскане, там, где река Арно вытекает за пределы сельской местности Ареццо и принимает воды в долине Вальдикьяна.

Известно, что знаменитый художник проявлял большой интерес к такому феномену как Бальце, который он описывал в Лестерском кодексе (Кодекс Хаммера). Бальце-дель-Вальдарно, также известный как Смотте, – характерный геотоп, высотой до ста метров, состоящий из слоев песка, глины и гравия, перемежаемых глубокими ущельями. Геологическая формация образовалась в результате высыхания плиоценового озера, которое в доисторические времена покрывало долину Арно. В результате появился уникальный пейзаж Тосканы, которым восхищался Леонардо. Интерес подогревался между 1502 и 1506 годами, когда Леонардо мог часто пересекать равнину Вальдарно Аретино, возвращаясь во Флоренцию из Валь-ди-Кьяна, где ему поручались важные задачи. Джоконда картина Леонардо да Винчи оригинал датируется между 1503 и 1506 годами. В этот период были созданы «Мадонна в скалах» и «Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом»; в них также обнаружены следы этого пейзажа.

Важный элемент картины – мост (его можно видеть справа), идентифицированный в 1999 году профессором Карло Старнацци в Буриано. Это открытие вызвало много шума во всем мире. Но позднее тщательное исследование, проведенное культурной ассоциацией «Ла Рокка» в Латерине, опровергло эту теорию, заявив, что мост Моны Лизы пересекал Арно рядом с Латериной – Понте ди Валле. Он обрушился в 1703 году и был восстановлен рядом с Ромито. От разрушенного моста сохранилась только одна арка, которая и стала стержнем для виртуальной реконструкции. Она выдала сенсационный результат, а именно, точно такой же мост, каким его можно видеть на картине, учитывая эквивалентное количество арок.

В любом случае, это не умаляет художественного значения внушительного моста в Буриано, который даже немецкие войска во время Второй мировой войны не осмелились взорвать. Ещё один фундаментальный факт заключается в том, что он находится всего в нескольких километрах от Латерины, а оба места расположены в Бальце-дель-Вальдарно.

Леонардо решил разместить линию горизонта не на шее, как он это сделал в Портрете Джиневры де Бенчи, а на уровне глаз. Таким образом, он связывает фигуру с пейзажем и подчеркивает таинственную природу картины, которая находит свое место в модели.

Мона Лиза – душа Леонардо

Известный венгерский историк искусства Шарль де Тольнай в 1951 году писал: «В «Моне Лизе» человек – своего рода чудесное творение природы – одновременно представляет вид: портрет, преодолев социальные ограничения, приобретает универсальную ценность. Леонардо работал над этим произведением и как исследователь и мыслитель, и как художник и поэт; и все же философско-научная сторона оставалась без продолжения.

Тем не менее, формальный аспект – благородство отношения и достоинство модели – оказали решающее влияние на флорентийский портрет последующих двух десятилетий. Леонардо создал новую формулу, более монументальную и в то же время более оживленную, более конкретную и вместе с тем более поэтичную, чем у предшественников. У них портреты лишены таинственности; художники только изображали внешние формы без души или, когда они характеризовали саму душу, она стремилась достичь зрителя через жесты, символические объекты. Только в Моне Лизе возникает загадка: душа присутствует, но недоступна». Может быть, это душа самого Леонардо, работавшего над портретом на протяжении всей своей оставшейся жизни, в поисках живописного совершенства, которого, как он думал, никогда не сможет достичь?!

Похоже, Леонардо не собирался заканчивать картину или оставлять ее заказчику. Портрет Моны Лизы Джоконда может называться «личным дневником души» художника. Он работал над ним постоянно, каждый раз добавляя деталь, воспоминание, последовательные слои на лицо, чтобы оно приняло тот таинственный вид, который многие определяют с помощью выражения «загадочная улыбка».

Он носил картину с собой повсюду, где только мог находиться, в переездах от одного двора к другому, пока не прибыл во Францию, в качестве гостя Франциска I. Леонардо поселился в замке Кло-Люсе, соединенном с Амбуазским замком подземным ходом, где и закончил свою земную жизнь, оставив легендарный портрет в наследство французам.

Салаи унаследовал работу и продал ее королю Франции Франциску I, цена составила 4000 золотых монет.

Живописные приемы мастера

Результаты сканирования Моны Лизы Леонардо, помимо обнаружения некоторых мазков, очерчивающих кисейную нижнюю юбку, которую в то время носили роженицы или матери, представляются интересными. Прежде всего, для описания того, какой техникой пользовался мастер. В частности, заслуживает внимания идентификация (на основе слоев краски) сводной подготовки портрета, основанной на гравировке. Что-то вроде карты физиогномики, благодаря которой художник воспринимал в основных линейных элементах правду о женщине перед ним.

Можно предположить, что Леонардо использовал линзу или стекло, чтобы идеально «запечатлеть» образ Лизы Герардини. Эти инструменты, которыми в первой половине пятнадцатого века экспериментировали фламандские художники, были большим подспорьем в том, чтобы правильно располагать и достоверно передать черты изображаемого. Жанр портрета очень сложный. Минимальное изменение линий лица, уменьшение или увеличение расстояния между глазами, но, прежде всего, несовершенный структурный диалог между чертами приводит к изменению физиогномических линий, так что лицо изображаемого человека становится узнаваемым лишь частично. Задача художников-портретистов того времени заключалась в том, чтобы получить фотографическое изображение. Почему? Портреты служили для прославления изображаемого, увековечивали его память в физических чертах.

Первое, что требуется от портретиста – «сбор» основных линий лица и тела модели. Можно предположить, что Мона Лиза находилась перед художником, и Леонардо «обнаруживал» линии лица и тела с помощью стекла, закрепленного в тисках, которое могло располагаться между ним и моделью. Проследив силуэт фигуры тонкой кистью, смоченной в темной краске, он мог рисовать линии на стекле, можно получить идеальную базу для работы. Ошибка в несколько миллиметров и сходство пропало бы. Вероятно, потом художник приложил лист к стеклу, и перенес на бумагу физиономические элементы Моны Лизы.

Лист затем можно было положить на доску, подготовленную с помощью грунтовки, состава, который, как рассказывает Вазари, состоял из гипса и четырех или пяти слове «очень сладкого клея». Учитывая тот факт, что на доске есть гравировка, формирующая силуэт модели и основные элементы физиогномической карты, Леонардо используя рисунок, по линиям вырезал силуэт острым инструментом и получил основу для работы с цветом.

После этого началось рисование, в конце концов, чтобы через цвет, кьяроскуро, нанесение тонких слоев стать портретом с трехмерным эффектом. Чтобы лицо казалось нежным, в своем трактате о живописи Леонардо призывал своих коллег относиться правильно и с большим уважением к моделям. Мастер предпочитал назначать сеансы в пасмурные дни; причина – чтобы модель не представлялась с ясно очерченными чертами, которые могли бы сделать выражение лица мрачным. На заключительном этапе художник вмешивался в работу техникой, которую он начал называть сфумато.

Описание сфумато Леонардо:

• техника мягкого размытия рисунка пальцами или куском ткани пигментом, разбавленным в связующем веществе, для создания тонких градаций, не включающих линий или границ, от светлых участков к темным;
• использовалась не только для неуловимого изображения человеческого лица, но и для создания богатых атмосферных эффектов: для уменьшения резкости профилей гор или удаленных объектов, воссоздания эффекта размытия, вызванного на расстоянии атмосферной влажностью – воздушной перспективы.

По словам канадских ученых, загадка Леонардо и в этих нюансах. Художники, ни для кого не секрет, работали пальцами. Сфумато проявляется после высыхания основных красок при разбавлении грунтов и оксидов в достаточно жидких растворах. Затем цвет растягивается внешней стороной большого или указательного пальца. Но согласно исследованиям картины, основанным на технологически продвинутых инструментах, секреты тонкостей Леонардо по-прежнему остаются недоступными. Мазки кисти настолько тонкие, что их невозможно идентифицировать даже под микроскопом.

Сфумато Леонардо использует и для так называемой «воздушной перспективы». Начиная с линейной перспективы, которая остается фундаментальным элементом для определения исчезающих линий, способных придать картине имитацию глубины, Леонардо, чтобы определить изысканность геометрических композиций, на расстоянии, работал посредством сфумато и смены цветов.

Некоторые художники, особенно фламандские, еще до Леонардо работали над реалистичным воспроизведением далеких пейзажей. Но у Леонардо это осознание становится правилом. Тосканский художник заметил, что объект на расстоянии не просто кажется меньше, но и меняет свой правильный цвет, а линии рисунка становятся менее четкими. Как ослабление цвета, так и эффект текстуры происходят из-за влажности в воздухе, которая скрывает удаленные объекты. Чем больше расстояние, в котором накапливается большое количество подвешенной влаги, тем больше нанесенный слой растягивается в широком сфумато. В случае картин, на которых объект виден на переднем плане, на фоне большого пейзажа – как в случае Моны Лизы – мы видим дальнейшее усиление сфумато пейзажа, поскольку художник, очевидно, принимает во внимание функционирование человеческого глаза, здесь призванного сосредоточить внимание главным образом на изображаемом человеке, а не на фоне позади него.

В контексте «воздушной перспективы» Леонардо учитывает хроматические изменения гор на расстоянии. Если ближайшая возвышенность зеленых, красно-коричневых и желтых цветов, на среднем расстоянии скалы покрыты голубой вуалью, которая на большем расстоянии приглушается, пока окончательно не стираются основные цвета.

Загадка улыбки Моны Лизы

Поза Моны Лизы – нетрадиционна для живописи первой половины 16 века (ее много копировали). В книге Мона Лиза: История самой известной в мире живописи, британский историк Дональд Сассун прослеживает истоки мистики Моны Лизы на протяжении пяти веков. Он пришел к выводу, что в самой картине было что-то особенное. Поза и техника расценивались как революционные современниками Леонардо, включая Микеланджело.

Ее статус «картины, которую все знают», – «продукт долгой истории политических и географических случайностей, фантазий, связей, созданных образов и удачи». По неизвестным причинам Леонардо не передал работу мужу Лизы Герардини. Он взял ее с собой, когда его пригласили ко двору французского короля Франсуа I в 1516 году. Другими словами, Леонардо сбежал с женой другого человека, по крайней мере, с ее изображением. После смерти художника во Франции в 1519 году картину смог купить король, она вошла в королевскую коллекцию, затем в государственную коллекцию после революции 1789 года. Живопись украшала спальню императрицы Жозефины в Тюильри, во время правления Наполеона, но вскоре вернулась в Лувр, где художники и писатели – в разгар романтической атмосферы – начали смотреть на Мону Лизу другими глазами. В их коллективном воображении женщина с дьявольской улыбкой стала символом женской чувственности, роковой женщиной, окутанной аурой таинственности и алхимии, как это произошло с ее автором, художником, ученым, гением, почти волшебником.

Загадочная улыбка Джоконды картина Леонардо да Винчи – в большей степени современная тайна. Улыбкой Моны Лизы впервые увлеклись искусствоведы и писатели XIX века. Было выдвинуто много теорий и проведен ни один анализ. Была ли она беременна и поэтому безмятежна? Пыталась ли она улыбаться, не выдавая недостающих зубов? Каким бы ни было объяснение, в улыбке Моны Лизы есть что-то дразнящее, непостоянное. Как и отсутствие у нее бровей. Бритье бровей, возможно, флорентийская мода 16 века, но она помогает придать Моне Лизе загадочное выражение лица.

Для Леонардо улыбка – способ исследовать движения души, выражение чувств и коннотации физиогномического характера. В то же время, это сложная задача, потому что заставить модель улыбаться и показать сложность мышечных взаимодействий и напряжений, вызываемых улыбкой, в случае портрета очень сложно, поскольку меняется выражение лица. Задача художника состоит в том, чтобы улыбка не стала причиной неузнаваемости личности. Эта проблема, которую Леонардо решает на техническом уровне. Автор картины Джоконда блокирует мгновение, начало сокращения мышечной массы, тем, что под губами Моны Лизы кладет косую «полку». Этот архитектурный шов поддерживает припухлость левой стороны губ.

Портрет Мона Лиза Леонардо да Винчи, помимо прочего, представляет собойэксперимент с асимметрией и хаосом. Леонардо напуган и привлечен хаосом, но ему удается заметить, что хаос также подчиняется правилу. Нельзя забывать его необычные рисунки, посвященные штормам, волнам, наводнениям. Один из аспектов, исследуемых художником в Моне Лизе, – это взаимосвязь между симметрией и асимметрией, между порядком и хаосом, которому он не придает отрицательного значения.

Кража шедевра – Верните нам Мону Лизу

Слава картины резко возросла после этого необычного события: ранним утром 22 августа 1911 года французский художник Луи Беру отправился в Лувр, закрытый для публики, как и каждый понедельник. Он намеревался сделать копию Моны Лизы. Но когда он подошел к стене, он понял, что картины исчезла. Об этих моментах рассказывается в статье, опубликованной в Le Figaro от 23 августа.

Сначала бригадный генерал Попарден, предупрежденный Беру, подумал, что картина находилась в фотоателье Брауна (ему разрешалось перевозить работы для фотографирования в нерабочие для публики часы музея. Однако картины не было в ателье, и пришлось осознать то, что она была украдена. От работы остались только два атрибута – рама и стекло. Помещения были эвакуированы, все двери музея закрыты, а персонал немедленно вызван на первые допросы.

Это была первая крупная кража произведения искусства из музея. Сразу же французская полиция начала допрашивать всех, кто был в Лувре во время ремонтных работ, но безрезультатно. Подозрения пали на группу рабочих, которых видели перед картиной накануне, в понедельник. Затем заподозрили Гийома Аполлинера и Пабло Пикассо (первого даже арестовали). Дело в том, что они всегда высказывали желание очистить музеи от старого искусства и заполнить их своими работами. Очевидно, что это была только мания величия.

Событие спровоцировало ксенофобный кризис во Франции. Французские власти даже склонялись к идее о государственном перевороте, совершенном немцами, которые пытались украсть у французов не только колонии в Африке, но и шедевры искусства. Страницы газет долго рассказывали об этой истории, и Лувр был в шоке два года без своей Моны Лизы, до 1913 года, пока картина не появилась во Флоренции.

24 ноября флорентийский антиквар Альфредо Джери получил письмо, подписанное Леонардо V, в котором его просили купить Мону Лизу, за сколько неизвестно. «Мы будем очень благодарны вам и вашим коллегам, если это сокровище искусства вернется на свою родину, особенно во Флоренцию, где родилась Мона Лиза. Мы будем счастливы, если картина займет свое почетное место навсегда в галерее Уффици. Это великая месть первой Французской Империи, которая войдя в Италию, собрала большое количество произведений искусства, чтобы создать великий музей в Лувре», – написал Леонардо V в письме.

Антиквар сообщил Джованни Погги, директору Уффици. Вместе они договорились встретиться с Леонардо V. Встреча была назначена на 11 декабря в магазине Альфредо Джери. Оттуда они перебрались в отель, где остановился загадочный персонаж, прятавший картину. Наконец появился бесстрашный «Арсен Люпен», который оказался итальянским художником Винченцо Перуджа. Ему не была известна история картины и пришла в голову благородная, но абсурдная идея вернуть в Италию шедевр, который, как он думал, был украден Наполеоном.

Директор Уффици убедился, что это оригинал, проинформировал власти, и префект арестовал вора. Во время допроса Перуджа сказал, что работал в Лувре: он сам монтировал витрину, в которой находилась картина. Когда он решил спланировать кражу, ему было легко проникнуть в музей, и избежать наблюдения. Он провел всю ночь в шкафу, на второй день рано утром разобрал витрину, взял картину, завернул ее в пальто и спокойно вышел. Он даже взял такси и вернулся в парижский пансион, где остановился, положил картину в чемодан, который спрятал под кроватью, и оставался там, не вызывая никаких подозрений 28 месяцев.

Суд состоялся в июне 1914 года во Флоренции (к тому времени Мона Лиза уже вернулась в Лувр). Перуджа, движимый упрощенным патриотизмом, даже ожидал благодарности и награды от итальянского государства. Он был приговорен к полутора годам тюремного заключения, но его наивность вызвала сочувствие у публики.

Местонахождение картины

Сегодня Моной Лизой можно любоваться в Лувре. В сияющей тишине, взглядом и загадочной улыбкой, кажется, что она посвящает себя только вам.

Музей Лувр сохраняет 6000 картин. Девяносто процентов посетителей музея устремляются прямо к Моне Лизе. Большинство, кажется, тратят на нее не более трех минут. Многие фотографируются (нарушая правило, которое редко соблюдается). Некоторые уходят разочарованными. Самый частый комментарий: «Она такая маленькая?», размер картины, написанной на доске из тополя: 77 см × 53 см.

Мона Лиза – самый ценный художественный объект, который знает мир; картина занесена в Книгу рекордов Гиннеса благодаря самой высокой страховой оценке, высокую известную страховую оценку в истории в 100 миллионов долларов США в 1962 году (стоимость эквивалентна 660 миллионам долларов США в 2019 году).

Мона Лиза для Лувра – отличное средство для заработка денег. В сувенирном магазине Лувра ежегодно продается более 330 000 атрибутов, связанных с темой (прайс на сувениры, которые можно покупать на сайте онлайн-бутика Лувра).

В 1960-1970-х годах Мона Лиза стала дипломатом. Она была одолжена США президентом Шарлем де Голлем в попытке улучшить франко-американские отношения. В 1974 году побывала в Японии и Советском Союзе. Предполагалось одолжить ее в Лондон, чтобы отпраздновать вступление Великобритании в ЕЭС в 1973 году, но из этого ничего не вышло.

Автор: Элла Михайленко

1. Кто она?

Истинная личность изображенной на портрете женщины остается загадкой. Большинство ученых считают, что этой женщиной является 24-летняя Лиза Мария де Герардини (она же Лиза дель Джокондо), итальянская дворянка, родившаяся во Флоренции в 1479 году. Портрет был заказан мужем Лизы, Франческо ди Бартоломео ди Заноби дель Джокондо, торговцем шелком и тканью. Она родила пятерых детей: Пьеро, Андреа, Камиллу, Джокондо и Мариетту.

О том, кто изображен на портрете, спорят и сегодня.

По другим гипотезам, на картине запечатлена Катерина Сфорца, графиня Форли, которая прославилась своим военным конфликтом с Чезаре Борджиа. Еще одна теория предполагает, что юная леди была любовницей Джулиано Медичи, правителя Флоренции, или Изабеллой д’Эсте, маркизой Мантуи. Есть версия, что женщина на портрете — мать да Винчи, а то и сам великий художник.

2. Улыбка Джоконды

Интригующая и таинственная улыбка Моны Лизы является, возможно, одним из самых загадочных элементов живописи да Винчи. В течение пяти веков спорили, улыбается ли вообще девушка на портрете, счастлива она или грустна. Профессор Маргарет Ливингстон из Гарвардского университета предполагает, что улыбка видна благодаря специфике написания картины только, когда зрители смотрят Моне Лизе в глаза.

Что в улыбке твоей?

После разработки компьютерных программ «распознавания эмоций» в 2005 году голландскими исследователями было обнаружено, что картина выражает счастье на 83 процента, отвращение на 9 процентов, страх на 6 процентов, злость на 2 процента, нейтральность на уровне менее 1 процента и удивление на 0 процентов. Однако многие утверждают, что улыбка Джоконды меняется в зависимости от того, куда смотреть на картину, под каким углом и с какого расстояния. При просмотре крупным планом мелкие детали создают впечатление, что лицо имеет скромное выражение. Но издалека кажется, что Джоконда весело улыбается.

3. Секретные коды

Да Винчи оставил на картине секретные коды.

Итальянские специалисты из Национального комитета по культурному наследию Италии благодаря микроскопическому увеличению картины обнаружили наличие серии букв и цифр, нанесенных на многочисленные элементы холста картины. Историк искусства Сильвано Винчети утверждает, что в правом глазу Моны Лизы есть буквы «LV», которые теоретически обозначают собственное имя художника, Леонардо да Винчи. В левом глазу можно увидеть нечеткие очертания букв «СЕ» или, возможно, «В». На мосту на заднем плане удалось разглядеть число «72» или букву «L», за которыми следует «2», нарисованная на арке моста. Можно только догадываться, что имел в виду художник, когда он столь загадочным образом нарисовал эти буквы и цифры, причем невидимые невооруженным глазом.

4. Неизвестный мост

За очарование лица Моны Лизы часто не замечают загадочный вид на заднем плане. Сегодня многие задаются вопросом — что это за загадочный трехарочный мост на заднем плане, да и в общем — какое точное местонахождение туманного, таинственного ландшафта, на фоне которого написана Мона Лиза.

А что за улыбкой?

Итальянский историк Карла Глори предполагает, что мост за левым плечом женщины известен как Понте Гоббо или Понте Веккио («Старый мост»). Он расположен в Боббио, небольшой деревне в холмистой местности к югу от Пьяченцы на севере Италии. Теория Глори была основана на находке числа «72», тайно спрятанного в изображении каменного моста. Она предполагает, что это число относится к 1472 году. В 1472 году произошло катастрофическое наводнение. Река Треббия вышла из берегов и разрушила мост Боббио. В своей книге «Загадка Леонардо» Глори утверждает, что «Леонардо добавил число 72 под мостом, чтобы запечатлеть память о разрушительном наводнении реки Треббия».

5. Тревожный взгляд

Наверняка, некоторые задавались вопросом, как это возможно, что взгляд Джоконды будто простирается куда-то за пределы картины, но в то же время он направлен прямо на зрителя. Неважно, с какой стороны смотреть на картину, Джоконда продолжает «смотреть прямо на зрителя». Казалось бы, в нашем трехмерном мире тени и свет на поверхностях должны «смещаться» в зависимости от ракурса зрения, но это не относится с двумерным поверхностям. Подобное оптическое явление можно объяснить научной теорией, описанной специалистами из Университета Огайо, в которой доказано, что что изображение может выглядеть одинаково, независимо от угла, под которым оно рассматривается.

Она всегда смотрит на вас. Где бы вы не были.

Мастерская манипуляция Леонардо да Винчи с красками на холсте создает чрезвычайно реалистичное ощущение глубины во взаимодействии тени и света. Именно это явление создает перспективу и придает Моне Лизе ее тревожный взгляд.

6. Скрытая картина за портретом

Используя технологии инфракрасной и лазерной визуализации на «Моне Лизе», канадские ученые в 2006 году обнаружили на холсте черновые наброски да Винчи, в том числе изменение положения указательного и среднего пальцев левой руки. Это были далеко не единственные открытия на картине — также нашлись кружево на платье Моны Лизы и покрывало на ее коленях.

А что под портретом?

В 2015 году французский инженер Паскаль Котт использовал похожие методы проецирования световых лучей с различными длинами волн на полотно, после чего измерял количество отраженного света. Любопытно, что его открытие позволило увидеть секретный портрет, закрашенный современной картиной. Котт обнаружил четыре изображения под современным изображением, в том числе портрет молодой женщины с миниатюрными чертами лица и без улыбки. Появились разные теории о реальной личности женщины на картине, но, возможно, ее истинная личность навсегда останется загадкой.

7. Беременная Мона Лиза

А не на сносях ли вы, барышня?

Некоторые художественные историки считают, что женщиной на картине является Лиза дель Джокондо, и она была беременной в то время, когда да Винчи писал ее портрет. Ее руки скрещены на округлом животе, а также есть исторические свидетельства того, что дель Джокондо была беременной во второй раз на момент написания картины, и что портрет был написан как раз в честь этого. Кроме того, инфракрасные снимки указывают на то, что на ее плечах лежит драпировка (вуаль) из льна, которую в то время обычно носили беременные женщины. Было высказано предположение, что эта вуаль могла быть просто шарфом или куском ткани, наброшенным на ее плечи.

Однако, руки Моны Лизы, скрещенные над ее животом, исторически точные сроки ее беременности и использование подобной вуали на портрете беременной Эсмеральды Брандини, написанном Сандро Боттичелли, позволяют предположить, что Мона Лиза таинственно улыбается, скрывая небольшой животик.

8. Почему ее считают красивой

На протяжении всей истории портрет Моны Лизы приводился в качестве примера вечной красоты. Было бы очень наивно предполагать, что красота и интрига Моны Лизы ограничены только ее взглядом и ее улыбкой, поскольку она, кажется, является олицетворением так называемого золотого сечения (определенное соотношение длины и ширины предположительно является наиболее эстетически привлекательной пропорцией для человеческого глаза). Присутствующее в естественных структурах, таких как спиральный центр подсолнуха, и искусственных, таких как колонны Парфенона, золотое сечение было названо «божественной пропорцией» самим Леонардо да Винчи.

Если вокруг лица Моны Лизы нарисовать прямоугольник в соответствии с этим соотношением, ее подбородок, макушка и нос получаются идеально выровнены. Преобладание этого золотого сечения в произведениях искусства, возможно, объясняет таинственную интригу, ощущаемую теми, кто видит портрет. Пропорции Джоконды считаются наиболее приятными для глаз, создавая ощущение естественного равновесия и красоты. Кто знал, что математика может объяснить это чувство очарования

9. Кража

Винченцо Перуджа.

«Мона Лиза» была украдена в 1911 году итальянским сотрудником Лувра по имени Винченцо Перуджа. Он считал, что картина была украдена в Флоренции Наполеоном Бонапартом, и хотел, чтобы полотно «вернулось в свой настоящий дом». В течение двух лет местоположение картины оставалось полной загадкой, а СМИ во всем мире размышляли о возможных причинах отсутствия картины в музее и ее местонахождении. В 1913 году Перуджа связался с итальянским арт-дилером Альфредо Джери и попросил денежное возмещение от итальянского правительства в обмен на транспортировку «Моны Лизы» обратно во Флоренцию.

Учитывая, что Перуджа запросил за возврат картины в Италию сущие гроши (при этом 2 года хранил ее под матрасом в своей квартире), люди заподозрили, что инцидент с украденной картиной был попросту уловкой, созданной для повышения интереса к картине и галерее. Когда выяснилось, что вор, который сотрудничал с Перуджей, был не кто иной, как известный фальсификатор искусства Эдуардо де Вальферно, появилась теория, что «Мона Лиза» была украдена, чтобы сделать копию картины и продавать поддельные копии неосведомленным коллекционерам за огромные деньги.

10. Здорова ли Мона Лиза?

А что скажут врачи?

Загадка таинственной Моны Лизы, возможно, была, наконец, раскрыта бостонским врачом. Доктор Мандип Р. Мехра диагностировал у Моны Лизы гормональные нарушения, когда он заметил странные детали ее внешности — бледный цвет лица, редеющие волосы и слегка перекошенную улыбку. Мехра работает директором сердечно-сосудистого центра в Женской больнице Бригхэма. Врач заявил, что ему трудно не обращать внимание на клинические диагнозы. Мехра заметил наличие небольшой мясистой выпуклости во внутреннем углу левого глаза, ее редкие волосы и залысины, отсутствие волос на бровях и выпуклость рядом с указательным пальцем. В сочетании с ее желтой кожей и выпуклостью на шее (т. е. увеличенной щитовидной железой) это заставило его предположить, что странная улыбка Джоконды может быть вызвана мышечной слабостью.

Таким образом, он пришел к выводу, что Мона Лиза страдала от состояния, называемого гипотиреозом. Мехра продолжил свое исследование исторических условий, связанных с рационом женщины, и обнаружил, что пища с дефицитом йода обычно была характерна для начала XVI века. Поскольку йод является важным питательным веществом, который играет важную роль в поддержании здоровья щитовидной железы, загадка любопытной улыбки Моны Лизы, наконец, может быть раскрыта.

И в продолжение темы рассказ о том, как никому не интересная копия «Моны Лизы» внезапно стала самой дорогой копией шедевра.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

21 августа 1911 года художник-декоратор Винченцо Перуджа вынес из Лувра картину «Мона Лиза» Леонардо да Винчи. Эта (случайная!) кража сделала произведение легендой. Хотя и до этого картина захватывала умы учёных и художников по всему миру. Одного из них она якобы даже свела с ума. В картине искали тайные смыслы и долгое время пытались определить, кто же на самом деле изображён на ней. Только в 2005 году искусствоведы сошлись во мнении, что героиней картины стала Лиза дель Джокондо. Рассказываем, кем она была и почему её портрет стал культовым произведением искусства.

Жена торговца шёлком или людьми

О жизни Моны Лизы известно немного, и даже эти немногие факты порой разнятся. Большую часть фактов о ней удалось раздобыть историку Джузеппе Палланти.

Лиза родилась в старинной аристократической семье Герардини во Флоренции. Доходы семейство получало от фермерских угодий в Кьянти. Матерью Лизы была Лукреция дель Каччия, третья жена Антона-Мария ди Нольдо Герардини. Две предыдущие супруги умерли при родах. У Лизы было три сестры и три брата. 

Семья Герардини снимала дома, так как это было дешевле, чем ремонтировать собственный. Однажды они поселились рядом с Пьеро да Винчи — отцом Леонардо. Так что Лиза и великий художник уже тогда могли быть знакомы. У Герардини был небольшой загородный дом, где семья проводила лето, пока отец семейства наблюдал за работой на фермах.

В 15 лет Лиза Герардини вышла замуж за Франческо дель Джокондо — скромного торговца тканями и шёлком. Он был старше её на 14 лет. Лиза стала его второй женой после смерти первой — Камиллы Ручеллаи. Она, кстати, была сестрой второй жены отца Лизы. Приданое за девушкой дали скромное по тем меркам: 170 флоринов и ферма Сан-Сильвестро недалеко от загородного дома Герардини. Это позволяет полагать, что Франческо и Лиза поженились по любви, ведь ни один из них не мог похвастаться состоянием. Впрочем, Франческо выиграл больше, так как взял в жёны девушку из знатного рода Флоренции.

С годами дель Джокондо разбогател и стал флорентийским чиновником. Считалось даже, что он представлял интересы одной из самых влиятельных семей Флоренции — Медичи. Правда, за такую репутацию ему пришлось поплатиться. После изгнания Медичи из Флоренции его заключили в тюрьму и оштрафовали. Когда Медичи вернулись, Франческо освободили.

По одной из версий историков, супруг Лизы был не так чист на руку. Мартин Кемп и Джузеппе Палланти в книге «Мона Лиза: люди и живопись» полагали, что он разбогател на работорговле. Франческо покупал девушек в Северной Африке и перевозил во Флоренцию, обращая при этом их в христианство. Некоторые из них работали горничными в доме дель Джокондо.

Лиза прожила в браке с Франческо до конца своих дней. У них родилось пятеро детей, также девушка взяла на себя воспитание Бартоломео — сына Франческо от первого брака. Супруг Лизы умер от чумы в 80 лет. До этого он составил завещание, в котором возвращал приданое Лизе. Кроме того, он подарил ей личную одежду, украшения и сделал всё, чтобы обеспечить будущее своей вдовы. Но Лиза пережила мужа лишь на четыре года.

Знатная дама, куртизанка или юноша

В годы жизни Лизы Флоренция была мировым центром искусства. Среди жителей города считалось почётным быть покровителями художников и скульпторов. Дель Джокондо не стал исключением и заказал у Леонардо да Винчи портрет своей супруги. По распространённой версии сделал он это ещё и для того, чтобы отметить рождение третьего ребёнка.

Портрет Моны Лизы Леонардо писал долгие годы. Считается, что он начал его в 1503 году, но ему пришлось отложить работу ради «Битвы при Ангиари». Картина путешествовала с да Винчи до 1516 года — только тогда он её завершил. Хотя некоторые исследователи уверены, что портрет не завершён до сих пор.

Ранее никто не знал, кого именно изобразил Леонардо да Винчи. Портрет приписывали как минимум десяти разным людям. В их числе были мать художника, его современницы, даже куртизанка. Были и те, кто уверял, что на портрете изображён молодой юноша, возможно сам да Винчи. Но в 2005 году сотрудник Гейдельбергского университета Армин Шлехтер обнаружил доказательство, что позировала именно Лиза дель Джокондо. Это была записка, написанная Агостино Веспуччи в 1503 году. В ней говорилось, что Леонардо работал над портретом Лизы дель Джокондо.

Детали картины могут кое-что рассказать о Моне Лизе. Например, её правая рука покоится на левой — с таким жестом изображали верных жён. Кроме того, Лиза одета в тёмную одежду и вуаль. Это считалось высокой модой по меркам того времени. Тёмные цвета, особенно чёрный, было сложно получить, поэтому ткани таких оттенков стоили дорого.

Загадочная улыбка, которая сводит с ума

Одержимость картиной да Винчи, скорее всего, началась в XIX веке. В Европе тогда увлекались итальянским возрождением, в том числе творчеством Леонардо да Винчи. Художник заявил о себе как изобретатель и учёный. Его считали гением, который любил загадки. И как же тогда поверить, что «Джоконда» — это просто картина? На это настроение повлияло и общее увлечение романтизмом.

Лиза дель Джокондо внезапно превратилась в роковую женщину: пленительную загадочную даму, которая будоражит мужское воображение. Писатель Теофиль Готье описывал её как «сфинкса красоты», чей «божественный иронический» взгляд намекает на «неведомые удовольствия». Историк и публицист Жюль Мишье писал о «Джоконде»: «ты пленяешь и волнуешь как будто странным магнетизмом».

Полуулыбка Моны Лизы привлекала особенно. В ней часто искали загадки и тайные смыслы. Зигмунд Фрейд считал её восстановленным воспоминанием Леонардо о своей матери. Есть даже легенда, что улыбка Лизы дель Джокондо свела с ума юного французского художника Люка Масперо. Якобы он так часто смотрел на картину, что начал слышать шёпот Лизы. Не выдержав, он выпрыгнул из окна своего гостиничного номера. Перед смертью Масперо оставил записку: «В течение многих лет я отчаянно боролся с её улыбкой. Я предпочитаю умереть».

Загадочной улыбке Моны Лизы нашли даже научное обоснование. Портрет изучали медики. Они решили, что странная полуулыбка — это просто сокращение мышц, которое развивается при параличе лицевого нерва. По этой причине в некоторых медицинских источниках его стали называть синдромом Моны Лизы.

Вор, который случайно превратил картину в поп-икону

Винченцо Перуджа был ничем не примечательным итальянцем. Он родился в деревне недалеко от озера Комо и выучился на художника-декоратора. В 1908 году он переехал в Париж, став одним из тысяч итальянских иммигрантов в городе. В 1911 году Перуджа работал в Лувре, когда ему в голову пришло похитить картину Леонардо да Винчи. Сделал он это без особых усилий, вынеся картину из музея в рабочем халате. Тогда «Джоконда» ещё не собирала тысячи туристов, и пропажу обнаружили не сразу.

Под подозрение в краже картины попали даже художник Пабло Пикассо и поэт Гийом Аполлинер. Перуджа хранил картину в своей квартире под печкой. Два года его не могли вычислить. Вор выдал себя сам. Под вымышленным именем Перуджа написал антиквару во Флоренции, предлагая «вернуть» «Мону Лизу» Италии. За это он потребовал 500 000 лир. Тогда-то его и арестовали. На допросе вор признался, что изначально собирался украсть картину «Марс и Венера» Андреа Мантеньи. Но выбрал «Джоконду», потому что она была меньше.

Перуджа невольно сделал произведение да Винчи культовым. О краже и возвращении «Моны Лизы» написали тысячи газетных заметок, выпускали открытки, рисовали карикатуры и даже снимали немые фильмы.

Так Лиза дель Джокондо, которая прожила весьма обычную по меркам XVI века жизнь богатой флорентийки, стала самой знаменитой, спорной и даже желанной женщиной в мире искусства. Сегодня стоимость её портрета оценивают в 900 миллионов долларов.

Обложка: фрагмент картины «Мона Лиза» Леонардо да Винчи

   Наверное, в мире нет более известного полотна, чем «Мона Лиза». Она популярна во всех странах, широко растиражирована как узнаваемый и броский образ. «Мона Лиза» за свою четырехсотлетнюю историю побывала и торговой маркой, и становилась жертвой похищения, упоминалась в песне Нат Кинг Кола, ее имя цитировалось в десятках тысяч печатных изданий и фильмов, а выражение «улыбка Моны Лизы» стало устойчивым словосочетанием, даже штампованной фразой.

История создания картины «Мона Лиза»

   Считается, что картина — это портрет Лизы Герардини, супруги флорентийского торговца тканями по фамилии Дель Джокондо. Время написания, примерно 1503 — 1505 годы. Создал полотно великий Леонардо да Винчи. Возможно, будь картина написана другим мастером, ее не окутывал бы такой плотный флер загадочности.

   Это небольшое произведение искусства размером 76,8 х 53 см написано маслом на доске из древесины тополя. Находится картина в Лувре, где ей отведен специальный зал, носящий ее имя. Привез ее во Францию сам художник, который перебрался сюда под покровительство короля Франциска I.

Мифы и домыслы

   Необходимо сказать, что ореол легендарности и необычности окутывает это полотно только последние лет 100 с лишним, с легкой руки Теофиля Готье, писавшего об улыбке Джоконды. До этого современники восторгались мастерством художника в передаче выражения лица, виртуозном исполнении и выборе красок, живости и натуральности изображения, но не усматривали в картине скрытых знаков, намеков и зашифрованных посланий.

   Сейчас больше всего людей занимает пресловутая загадка улыбки Моны Лизы. Она — только намек на улыбку, легкое движение уголков губ. Возможно, расшифровка улыбки заключена в самом названии картины — Ля Джоконда на итальянском может означать «веселая». Может, все эти столетия «Мона Лиза» просто смеется над нашими потугами разгадать ее тайну?

   Такой тип улыбки характерен для многих картин художника, например, полотна, изображающего Иоанна Крестителя или многочисленных мадонн («Мадонна Бенуа», «Мадонна Литта»).

   Много лет интерес представляла идентификация личности прототипа, пока не были найдены документы, подтверждающие реальности существования настоящей Лизы Герардини. Тем не менее, есть утверждения, что картина — это зашифрованный автопортрет да Винчи, который всегда имел нетрадиционные наклонности, или даже изображение его юного ученика и любовника по прозвищу Салаи — Дьяволенок. В пользу последнего предположения приводят такие подтверждения, как тот факт, что именно Салаи оказался наследником Леонардо и первым владельцем «Джоконды». К тому же название «Мона Лиза» может быть анаграммой «Mon Salai» (мой Салаи на французском языке).

   Большой интерес для конспирологов и сторонников идеи о принадлежности да Винчи к ряду тайных обществ представляет и загадочный пейзаж на заднем плане. Он изображает странную местность, которую не удалось точно идентифицировать до наших дней. Она написана, как и вся картина, в технике сфумато, но в другой цветовой гамме, голубовато-зеленоватой, и асимметрична — правая сторона не соответствует левой. Кроме того, в последнее время появились утверждения, что художник зашифровал в глазах Джоконды какие-то буквы, а в изображении моста — цифры.

Просто картина или шедевр

   Бессмысленно отрицать великие художественные достоинства этой картины. Она безусловный шедевр эпохи Возрождения и значительное достижение в творчестве мастера, не зря же сам Леонардо высоко ценил эту свою работу и многие годы не расставался с ней.

   Большинство людей воспринимают массовую точку зрения и относятся к картине как к загадочному полотну, шедевру, посланному нам из прошлого одним из самых гениальных и талантливых мастеров в истории искусства. Меньшинство видит в «Моне Лизе» необыкновенно красивую и талантливо исполненную картину. Загадочность ее состоит лишь в том, что мы приписываем ей те особенности, которые сами хотим увидеть.

   Самая ограниченная, к счастью, группа людей относится к тем, кого эта картина возмущает и раздражает. Да, бывает и такое, иначе чем же можно объяснить как минимум четыре случая вандализма, из-за которых полотно сейчас защищено толстенным пуленепробиваемым стеклом.

   Как бы то ни было, «Джоконда» продолжает существовать и радовать все новые поколения зрителей своей загадочной полуулыбкой и сложными неразгаданными загадками. Возможно, в будущем кто-то найдет ответы на существующие вопросы. Или же создаст новые легенды.