Как пишется классическая музыка

Как сочинить произведение. Основы музыкальной композиции

Создание музыки или композиция – это творческий процесс, который должен базироваться на теории музыки. Структура произведения имеет чёткую логику построения. Некоторые шедевры мировой классики буквально рассчитаны математически. Не случайно в Древней Греции музыка входила в ряд математических наук.

Большим заблуждением является утверждение, что великие композиторы сочиняли собственные произведения под влиянием вдохновения. Гении музыки: Бах, Гайдн, Бетховен, Малер, Рахманинов ежедневно выделяли время для композиции.

Данная страница поможет музыканту не только научиться создавать профессиональную музыку, но и поможет разобраться в основной терминологии, в частности используемой при анализе. Будут разобраны программы, необходимые для набора нотного текста, предложены упражнения для освоения композиторской техники, а также дан план, как сочинить музыкальное произведение. 

Из чего сделана музыка?

Грубо говоря, музыка представляет собой последовательность звуков в определенном ритме, которая имеет эмоциональную окраску. Наиболее часто произведение содержит в себе следующие элементы:

• Мелодия

• Гармония

• Форма

Рассмотрим каждое понятие более детально.

Что такое мелодия

Мелодия представляет собой одноголосно выраженную музыкальную мысль. Существуют рекомендации, касающиеся строения мелодической линии:

• Принцип равновесия. Не стоит перегружать мелодическую линию. Если Вы хотите, чтобы слушатель быстро запомнил материал, тогда необходимо соблюдать принцип равновесия. Он заключается во взаимодополнении ритма и интонационного строя. Если интонационный строй включает сложно воспринимающиеся для слуха элементы, такие, как скачки на широкие интервалы, наличие мелизматики, отклонения или модуляции и прочие осложняющие факторы, тогда необходимо применять простой ритм. Если мелодия по интонационному строю простая тогда прописывается более сложный ритм.

• Принцип мелодической волны. Отлично воспринимается мелодия, построенная на чередовании восходящего и нисходящего движения.

• Интонационное единство. Музыкальная тема может содержать ведущие интонации (интервалы). Яркими примерами произведений, имеющих в основе секундовую интонацию являются «Реквием» Моцарта (Lacrimosa), Главная тема I части фортепианного концерта Рахманинова №2.

     

Стоит отметить, что мелодия необязательно должна проводиться в верхних регистрах, она также может быть в басу или другом голосе.

Чтобы написать по-настоящему выразительную и красивую мелодию необходимо:

1. Представить художественный образ, который необходимо воплотить в музыке. Задайте себе вопросы: инструментальное или вокальное сочинение? Какой характер? Все эти вопросы, позволят определить средства выразительности. В одном из разделов статьи подробно разбираются средства выразительности.
2. Импровизировать. Больше играйте и слушайте. Многие музыканты именно при импровизации находят отличную мелодическую линию. Наиболее интересные варианты могут появиться не сразу.
3. Если импровизация дается тяжело, то попробуйте специально сочинить несколько похожих по эмоциональной окраске мелодий. Запишите их либо на диктофон, либо в нотную тетрадь.
4. Изменять. Возьмите определенную тему вашего сочинения, попробуйте изменить в ней что-то, например, одну ноту, фрагмент или тональность. Вслушайтесь, стало ли лучше.
5. Анализировать другие произведения. Отмечайте, какие средства выразительности использовал композитор в понравившихся вам мелодиях. Это поможет понять, что звучит хорошо, а что плохо.

Если создается классическое произведение, то мелодию необходимо развивать. Существует несколько способов мелодического развития:

1. Разработочный позволяет дробить тему, а также секвенцировать ее (Секвенция – последовательное повторение музыкального материала на другом звуковысотном уровне.)
2. Полифонический подразумевает использование канонической имитации.
3. Вариационный допускает небольшие изменения в мелодии, с сохранением изначальной гармонии и формы.
4. Вариантный способ основывается не только на изменении в мелодии, но и в гармонии и соответственно форме, объединяющим является интонационный строй.
5. Жанровая трансформация подразумевает изменение жанра, заложенного в основе. Например, тема была жанрово-бытовой, а стала хоралом.

При усложнении музыкальной ткани допускается совмещение способов развития. В инструментальной музыке в качестве развития материала можно использовать арпеджио, пассажи и другие общие формодвижения, это позволит разнообразить сочинение.

Гармония

Гармония позволяет объединять звуки в созвучия, которые, в собственную очередь, образуют последовательность. Созвучия в данном смысле представлены интервалами и аккордами. Наиболее часто гармонические обороты в композиции характерны для аккомпанемента.

Проще говоря, аккомпанемент представляет собой сопровождение для мелодии. Фактура определяется как заполненное звуками пространство, имеющее развитие. Существует несколько типов фактуры в аккомпанементе:

1. Аккордовая. В основе фактуры аккорды в ритмическом изложении.
2. Фигурации. Различают гармонические — проигрывание звуков аккорда последовательно и мелодические фигурации – последовательное проигрывание звуков аккорда с добавлением неаккордовых звуков.
3. Альбертиев бас ритмически равномерно разложенный бас. В некоторых случаях воспринимается, как скрытое двухголосие.
4. Полифоническая или многоголосная имеет несколько относительно самостоятельных голосов.

Гармонические обороты произведения желательно прописывать сразу после мелодии, можно в виде цифровок. Важно помнить, что для конкретных исторических стилей, характерны собственные обороты. Исторически сложилось несколько направлений в данной науке:

• Барочная

• Классическая

• Романтическая

• Импрессионистическая

• Джазовая

• Современная

Каждое направление имеет ряд правил, которые не рекомендуется нарушать при сочинении в данном стиле. 

 

Форма и роль повторений

Обязательно необходимо соблюдать форму. Без этого произведение будет разваливаться. Для каждого типа произведения есть определенная форма. Современный музыкальный мир может похвастаться многообразием форм, как в вокальной, так и в инструментальной музыке. Наиболее распространенными моделями являются:

• Простая двухчастная состоит из двух внутренних разделов, при этом во второй части повторяется небольшой фрагмент первой, который развивается иначе.

• Простая трехчастная репризная (da capo) состоит из трех частей. При этом вторая контрастна первой, третья является повтором первой.

• Сонатная основывается на тональном контрасте структурно оформленных экспозиционных тем, развитие проводится в разработочном разделе, в репризе темы тонально объединяются.

• Вариации – модель, построенная на многократном изменении первоначальной темы.

• Куплетная и запевно-припевная применяются в вокальной музыке.

Допускается синтез между формами.

Не стоит бояться формообразующих повторов. Мышление человека лучше усваивает повторяющуюся информацию. В классической музыке можно найти подобное использование повторений:

• Лейтмотив применяется для симфонических или театральных произведений, имеющих ярко выраженную драматургию.

• Лейттема – это тема, выступающая как действующее лицо.

• Формообразующие повторы характерные для определенных композиторских моделей.

В современной популярной музыке композиторы также активно используют повторения. Так в припеве сохраняются музыка и текст. В куплетах изменяются только слова. Электронная музыка также наполнена повторениями, примером является композиции с использованием сэмплов.

Драматургия

Музыка относится к ряду искусств, которые должны вызвать эмоциональный отклик у слушателя. В противном случае, музыкальное сочинение не будет пользоваться популярностью. При сочинении композиции важно помнить о роли драматургии. Существует несколько вариантов драматургического развития:

1. Трагедийная концепция имеет заложенный конфликт

2. Созерцательная лирика не имеет конфликта, преобладает эстетическое начало

Каждый из данных вариантов имеет бесчисленное количество подкатегорий, поэтому не будем подробно на них останавливаться. Важно понять, что в том и другом варианте, обязательно должна быть кульминация. Выделяют несколько разновидностей кульминаций в зависимости от ее расположения в сочинении:

1. Вершина-источник находится вначале. Характерно для лирических произведений.

2. Середина или в точке золотого сечения наиболее популярна в творчестве романтиков, так позволяет создать атмосферу напряженности.

3. Вершина-горизонт находится в конце произведения. Оставляет у слушателя ощущение недосказонности, незавершенности. Имеет сильный эмоциональный эффект.

В музыкальном произведении кульминация сопровождается следующими признаками:

• Расширение диапазона мелодии (как правило самый высокий звук во всем произведении)

• Уплотнение фактуры

• Увеличение динамики

Композитор должен обязательно продумывать кульминационные моменты. В одном произведении может быть несколько кульминационных точек. Если сочинение включает в себя несколько инструментов, то с точки зрения драматургии, необходимо вводить их постепенно, чтобы не перегружать фактуру.   

 

Средства выразительности

Содержательную сторону композиции позволяют олицетворить средства выразительности. К ним относятся:

• Тональность сильно влияет на произведение, некоторые тональности в классической музыке имеют собственное значение. Например: Des-dur – это выражение истинной любви.

• Лад. Наиболее распространенными являются мажор, который используется для выражения более светлых и лирических образов, и минор, обладающий более драматичным оттенком.

• Наличие мелизматики или ее отсутствие.

• Включение музыкальных символов. Особенно характерно для композиций в барочной стилистике.

• Инструментальные тембры. Каждый тембр имеет собственную окраску и диапазон, в котором он наиболее эффектно звучит.

 При сочинении произведения необходимо экспериментировать со средствами выразительности, меняя тональность, лад, добавляя или убирая мелизмы. 

Упражнения

Существует ряд упражнений и заданий, помогающих освоить композицию:

1. Анализ произведений других композиторов. Прежде чем написать произведение в определенном стиле необходимо посмотреть, как это делают профессионалы. Выделить для себя наиболее удачные приемы и попробуйте применить их на практике.

2. Выберите текст или стихотворение, имеющие яркую эмоциональную окраску. Проанализируйте. Попробуйте импровизировать, воссоздавая атмосферу в тексте. Тоже самое можно делать, используя художественные образы в живописи.

3. Выберите определенную форму и постарайтесь сочинить в ней, используя все правила.

4. Играйте гаммы, пассажи, аккорды, пробуйте модулировать. Все практические навыки обязательно пригодятся при сочинении.

5. Занимайтесь подбором других музыкальных произведений, это даст вам базу для формирования музыкального слуха, а также улучшит технику игры на инструменте. 

6. Совершенствуйте знания в теории музыки.

Программы для набора нот при сочинении музыкальных композиций

Sibelius 8 является одним из лучших нотных редакторов, отлично зарекомендовавших себя на мировом рынке программного обеспечения для профессиональных музыкантов, композиторов и аранжировщиков.

 

К функциональным возможностям данной программы можно отнести:

• Большой набор встроенных шаблонов.
• Возможность самостоятельно устанавливать разметки страницы
• Наличие необходимых инструментов
• Несколько удобных способов набора нот
• Наличие функции MIDI
• Можно прослушать композицию
• Постоянные обновления

Sibelius – полезная программа, как для начинающих композиторов, так и для профессионалов.

Подобной по функциональным возможностям является программа MuseScore 2.

Примечание: во многих современных нотных редакторах есть функция прослушивания полученного текста, более того, можно сохранить файл, как аудиозапись в различных форматах. Единственным минусом подобных аудиозаписей можно считать плохое качество звука, не передающее тембровую окраску. Так, если автор хочет добиться максимально качественного звучания, тогда необходимо использовать специализированные программы для записи, такие как FL Studio 12, Mixcraft 8 или Audacity. Запись может проводиться как на виртуальных инструментах, так и при помощи MIDI-клавиатуры.

Резюме: план сочинения

Инструментальная музыка:

1. Импровизация и сочинение мелодии;
2. Анализ характера мелодии;
3. Выбор музыкальной формы, способной выразить характер мелодии;
4. Разработка драматургии: кульминационные моменты;
5. Выписка гармонических оборотов в выбранной фактуре. По необходимости включение отклонений, модуляций;
6. Аранжировка или инструментовка (по необходимости);
7. Критический взгляд на произведение;
8. Корректировка (по необходимости).

Вокальная музыка:

1. Выбор стихотворения или текста;
2. Выбор музыкальной формы;
3. Анализ настроения текста;
4. Определение кульминационных моментов в тексте;
5. Сочинение вокальной мелодии;
6. Создание примерного гармонического плана;
7. Выбор фактуры, соответствующей содержанию;
8. Выписка кульминационных моментов в музыке;
9. По необходимости аранжировка;
10. Критический взгляд (проиграть композицию спустя время);
11. Корректировка.

Надеемся, что статья помогла Вам понять, как сочинить музыкальное произведение. Пробуйте. Совершенствуйте собственное композиторское мастерство. Ищите индивидуальный стиль. Желаем вам творческих успехов!

Понравилась страница? Поделитесь с друзьями:

История классической музыки
Средневековье	(476—1400)
Ренессанс	(1400—1600)
Барокко	(1600—1750)
Классицизм	(1750—1820)
Романтизм	(1820—1900)
XX век	(1901—2000)
Современная классическая музыка	(с 1975 года)

Класси́ческая музыка — свободное от терминологической строгости понятие, употребляющееся, в зависимости от контекста, в различных значениях.

Оценочный смысл

В оценочном смысле классической называется музыка прошлого, выдержавшая испытание временем и имеющая аудиторию в современном обществе. Уже сегодня в качестве классических воспринимаются не только вершины высокого музыкального искусства, но и лучшие образцы развлекательных жанров прошлого: например, вершины французской, венской и венгерской оперетты XIX — начала XX веков, вальсы Иоганна Штрауса и т. п.

Исторический смысл

В историческом смысле под классической понимают музыку второй половины XVIII века — начала XIX века (этот период традиционно соотносят с классицизмом). Понятие классицизма не слишком широко применимо к музыке, поскольку классицизм в изобразительном искусстве и в литературе заключается в следовании античной традиции, в то время как живая музыкальная культура Древней Греции и Древнего Рима до нас практически не дошла.

Таким образом, в устойчивой характеристике Гайдна, Моцарта и Бетховена как венских классиков присутствует и немалая доля качественной оценки их творчества как фундамента для дальнейшего развития музыкальной композиции.

К системообразующим музыкальным классикам относят также таких композиторов XVII—XVIII веков, как И. С. Бах, Г. Гендель, А. Вивальди.

Типологический смысл

В типологическом смысле «классической» часто называется в разговорном и публицистическом стиле речи так называемая «академическая» музыка, находящаяся в отношении преемственности прежде всего к сформировавшимся в Европе в XVII—XIX веков музыкальным жанрам и формам (опера, симфония, соната и т. п.), мелодическим и гармоническим принципам и инструментальному составу.

Значительное влияние классическая музыка оказывает на современную рок-музыку. Тональный язык, используемый большинством различных музыкантов, был разработан в начале эпохи барокко. Кроме того, разнообразные произведения рок-музыки, как правило, прямо или косвенно связаны с частью классического репертуара, хотя на этом влиянии редко заостряют внимание публики. Тем не менее, исключительное использование классических тональностей является важной особенностью некоторых рок-групп, таких как на Oasis, с их аккордами и гармоническими прогрессиями, достойными чистейшей классической традиции. Влияние композиторов эпохи барокко (Вивальди и Баха) на творчество гитарстов хард-рока и тяжёлого металла, таких как Эдди Ван Хален и Рэнди Роадс вполне обнаруживаются на слух опытным знатоком музыки. Кроме того, классическая музыка имеет большое значение в прогрессивном роке для таких групп как Yes, Genesis и Emerson, Lake & Palmer, в группах симфонического рока. Классическая музыка также глубоко проникает в тяжёлый металл (хэви-метал), формируя разновидность этого жанра под названием симфоник-метал, представленный такими группами, как Adagio, Apocalyptica, Nightwish, Epica и многими другими.^[1]

Классическая музыка также играет важную роль в популярных фильмах с музыкальными композициями, либо за счёт повторного использования уже существующих композиций, либо оказывая влияние на написание оригинальных произведений композиторов, работающих над фильмом.

Значение термина в разных языковых культурах

Путаница значений, присущая понятию «классическая музыка», характерна большинству европейских языков.

Английское словосочетание (англ.  classic music) появилось ещё в Оксфордском словаре английского языка 1836 года издания и было связано с попыткой «канонизировать» период от Баха до Бетховена как «золотой век». При этом классический период в музыке (примерно 1750—1830 годы) также именуется «classical»^[2].

Подобные неоднозначные термины существуют в немецком (нем.  klassischer Musik), французском (фр.  musique classique), итальянском (итал.  Musica classica) и других языках. Они стали особенно распространены со становлением англоамериканских стандартов коммерческой классификации аудиопродукции.

В то же время, например, в польском языке сохраняется чёткое разграничение понятий классической музыки как таковой, относящейся к эпохе классицизма (польск. Muzyka klasycystyczna), и академической музыки (Muzyka poważna).

Классические музыкальные инструменты

Инструменты, используемые в классической музыке, в основном появились до середины XIX века (многие гораздо раньше). В основном они предназначены для использования в оркестре или вместе с сольными инструментами (фортепиано, клавесин, орган). Типичным для исполнения классической музыки является симфонический оркестр, включающий струнные инструменты, деревянные и медные духовые инструменты, ударные инструменты.

Электроинструменты, такие как электрогитара, используются время от времени в классической музыке XX и XXI веков. Музыканты экспериментируют в последние десятилетия с синтезаторами, инструментами из других культур, таких как гамелан. Иногда используются световые эффекты (см. Скрябин).

См. также

• Академическая музыка
• Теория современной композиции

Примечания

Ссылки

	Портал «Классическая музыка»
	Category:Classical music на Викискладе?

• Чередниченко Т. В. Музыка в истории культуры. Монография. В двух томах. Долгопрудный, «Аллегро-пресс», 1994 (2-е изд.: однотомник (344 с.)
• Belcanto.ru — классическая музыка, опера и балет
• Классическая музыка — интернет-портал
• сайт радио Орфей (радио классической музыки)
• Classica.FM
• Онлайн-архив классической музыки

Музыкальные инструменты в классической музыке
Хордофоны	скрипка • альт • виолончель • контрабас • классическая гитара • виола • лютня • мандолина • арфа • клавикорд • фортепиано • клавесин
Аэрофоны	фагот • кларнет • английский рожок • флейта • гобой • флейта-пикколо • саксофон • валторна • тромбон • труба • туба • блокфлейта • орган
Мембранофоны	малый барабан • теноровый барабан • большой барабан • литавры • бубен
Идиофоны	тарелки • гонг • треугольник • вибрафон • ксилофон • маримба

Эта статья написана для тех, кто только начинает писать музыку и столкнулся с непониманием, почему музыка не получается. Исходя из своего опыта, я расскажу, как быстро научиться писать хорошую музыку и создавать качественные и уникальные композиции.

Заодно мы поговорим о ментальных проблемах и путях их решения — я сам сталкивался с такими проблемами и искал способы их побороть. Текст пригодится не только музыкантам, его можно применять и для смежных видов творчества, ведь суть там будет почти та же.

Статья не расскажет, как работать с клиентами и как продвигать музыку. Она для тех, кто застрял в творческом кризисе, не понимает, как развиваться в своих потоках и не хочет всё забросить, сломавшись под грузом стресса.

Предисловие

На свой первый альбом (послушать его можно здесь) я затратил много сил, а по ходу работы наступил на кучу граблей. На мой взгляд, альбом провалился по той причине, что я не умею продвигать музыку и у меня нет маркетинговой стратегии. Так или иначе, но в написании музыки я наступил на достаточное количество граблей, чтобы рассказать, как их избежать.

Для начала: бесплатный трек из моего первого альбома.

Прослушав мои музыкальные работы, не в первый раз люди задают вопросы наподобие:

О, круто, ты закончил консерваторию, наверное? У тебя есть музыкальное образование? Где ты этому научился? Наверное, музыкальную теорию хорошо шаришь?

Ну, нет. Я нигде особо не учился. Музыкального образования у меня нет. Я не то, что музыкальную теорию не знаю, я даже сольфеджио почти не знаю. Однажды думал подучить сольфеджио, но звуковик, с которым я работал, мне сказал: «Тебе поздновато сольфеджио учить».

В общем, всему этому я научился за два года. В чём мой секрет? Просто интенсивно задрачивал черновики и научился как-то. И всё, вот и весь секрет.

Но тебя, скорее, интересуют другие вопросы:

1. Как научиться так же быстро?
2. Что нужно совершить, чтобы уметь так же?

Вот мои тезисы.

Не загоняйся по теории, учи только базу

Для опытного музыканта этот заголовок может показаться какой-то шуткой, после которого он посчитает меня некомпетентным чмом. Как это: без теории писать музыку?! Ты что, сошёл с ума?!

Безусловно, теория помогает разобраться, как устроена музыка. Но есть одна закавыка: чтобы научиться писать музыку — её нужно писать. Зеленые композиторы, которые только начинают свой путь в музыке, пытаются углубиться в теорию в надежде найти какую-то совершенную формулу, по которой они сделают музыку хорошо.

Дело в том, что сама по себе музыкальная теория не научит писать музыку — она лишь поможет понять, как описать какие-то свойства музыки, но не более того. Поэтому в неё стоит заглядывать, если хочется понять, как и почему у тебя что-то работает.

Теория — это своего рода справочник того, что можно понимать абстрактно и делать импульсивно. У музыки настолько низкий порог вхождения, что можно легко научиться ей без этого самого справочника. Заглядывать в него нужно только по необходимости или в тех случаях, когда появляется желание разобраться в конкретных деталях. Зачем знать весь справочник, если ты можешь смотреть в него время от времени?

Знание теории не гарантирует, что ты станешь вторым Моцартом, поэтому ничего страшного не случится, если ты не будешь знать весь пласт сольфеджио, который преподают в музыкальной школе или консерватории. Даю слово!

В общем, можно изучать теорию сколь угодно долго, но без практики в этом нет никакого смысла.

Тогда как же научиться писать музыку? Одни с боем прорываются через неизведанное и всё изучают самостоятельно методом проб и ошибок. Другие обращаются за помощью ментора и справочника. Но так или иначе, всё сводится к следующему пункту.

Используй референсы

Когда я только начинал писать музыку, то вообще не думал быть каким-то оригинальным и особенным. Я просто брал любимые треки и пытался перенять из них идеи/трюки в свои композиции.

На мой взгляд, для новичка это самый удачный путь: так ты изучаешь, как работает музыка на примере того, что тебе по душе. В итоге ты начинаешь разбираться в том, как устроен тот или иной стиль, как работают какие-то приёмы. Вместе с этим появляется понимание, как использовать эти вещи в своём творчестве.

В самом начале музыкального пути нужно собрать пять-десять песен, которые нравятся тебе больше всего. Пусть это будут треки, в которых ты нашёл что-то особенное для себя. Эти песни нужно вдумчиво послушать и выявить в них те идеи, которые привлекают тебя больше всего. Их-то и нужно пробовать повторить.

Мотивы и мелодии желательно учиться писать самостоятельно, не оглядываясь на кого-то. Если не получается, то списывай их. Твоя задача в том, чтобы понять, почему они работают. Если это сложно — подглядывай в «справочник» или просто повторяй чьи-то мотивы, а затем пробуй переделать их под себя.

Можно ли считать всё, что получится в итоге, хорошей музыкой? Условно, да. Люди, которые услышат твою работу, заметят то, что им очень нравится и нравится тебе. Здесь проявится мнение большинства: те, кто уже много слышал какие-то стили или приёмы, услышат их в твоей музыке снова и, скорее всего, будут этому рады. Значит, музыка с большой вероятностью будет хорошей.

Получив абстрактное представление о том, как устроены и как работают референс-треки, ты будешь способен делать не уступающую по качеству похожую музыку в короткие сроки.

Вспомни, как ты учился разговаривать, когда был ребёнком: ты слушал папу и маму, братьев и сестёр, крёстных и соседей. Ты слушал, как они разговаривали и пробовал говорить так же.

Чего точно не стоит делать, так это говорить, какая именно музыка послужила референсом, особенно если ты планируешь получать от музыки финансовую выгоду. История знает немало случаев судебных разбирательств на этой почве, поэтому язык лучше держать за зубами. Пусть люди сами гадают, чем именно ты вдохновлялся.

На всё это мне могут возразить, что в таком случае музыка становится какой-то комбинаторикой и теряет оригинальность. Что делать?

Проблема оригинальности

Под оригинальностью обычно понимают что-то уникальное и подлинное. Следовательно, чтобы сделать оригинал, нужно понять, как устроено то, что уже существует, чтобы неосознанно не изобрести велосипед.

Креативность не умеет создавать оригинальные вещи из вакуума. Мы не можем сделать что-то новое из ничего, поэтому создание чего-либо нового возможно только из того, что уже существует.

Для создания оригинальных вещей нужно научиться собирать в единое целое то, что ты уже умеешь и то, что ты уже знаешь. Итог и будет тем самым новым, оригинальным и уникальным. Я не просто так предлагаю учиться писать музыку с нуля по референсам: зная, как устроена чужая музыка, собирая и компонуя приёмы и стили из чьего-либо творчества, ты создаёшь новую, оригинальную музыку.

Вместе с этим уйдёт иллюзия создания оригинальной вещи из вакуума. Твоя креативность всегда достаёт из сознания куски мелодий, которые ты уже сто раз слышал. Это неизбежно.

Написав музыку «из головы» и показав её с горящими от радости глазами другу, ты с большой долей вероятности услышишь от него: «Чувак, это же Металлика!». Сразу за удивлением от его реакции ты испытаешь разочарование от мысли о том, что свою музыку ты не придумал, а списал с чужой мелодии. В общем, чтобы не обманывать себя и облегчить свою жизнь, запомни, что оригинал нельзя сделать из ничего.

Люди ещё не раз скажут, что они всё это уже слышали, нот всего 12, а все аккорды и ходы давно известны. Что это скажет о тебе, как о композиторе? То, что ты не единственный, кто учился, слушая вдохновителей. Тысячи композиторов писали схожие треки, даже не осознавая этого. В общем, помни об этом и не списывай, обводя по трафарету.

Для раскрытия темы референсов приведу в пример видео, в котором показано, чем вдохновлялся композитор Кодзи Кондо, написавший музыку к Super Mario, Legend of Zelda и Metroid:

Итак, достаточно ли сбора референсов, чтобы научиться быстро писать качественную музыку? Нет, пригодится ещё кое-что.

Научись пользоваться стандартными инструментами DAW

Начинающие часто грешат тем, что ходят по онлайн-магазинам программного обеспечения в поисках некой волшебной таблетки среди плагинов и библиотек, которая уж точно сделает их музыку хорошей.

Конечно, далеко не все решения внутри используемой DAW могут быть удачными. Часть инструментов просто не представлена в функционале программ (привет всем пользователям Reaper!). Но, как бы там ни было, для начала лучше научиться работать с тем, что есть.

Не нужно покупать или скачивать очередной эквалайзер, если он и так присутствует в твоей DAW. Научись для начала пользоваться стандартными решениями.

С виртуальными библиотеками музыкальных инструментов и наборами сэмплов вопрос обстоит чуть сложнее, но и здесь, как правило, любая DAW предлагает достаточно контента для старта. Если хочется научиться писать, то лучше пользоваться встроенными решениями.

Желательно дополнительно ограничить себя в количестве инструментов и голосов. Для себя я решил вопрос радикально: я пишу всю музыку на 5-7 дорожек, в каждой использую обычную квадратную волну. Зачем? Это помогает абстрагироваться от технических вопросов вроде общего звучания и сведения, и помогает слышать ошибки в написании композиции. К тому же, ограничив себя, я не буду понтоваться саунд-дизайном, а сконцентрируюсь на аранжировке.

Только после того, как трек будет написан, я начинаю подбирать инструменты, делать реаранжировку, работать со звуком, чтобы обогатить свою музыку. Работать проще и удобнее, когда есть какой-то готовый скелет, на который ты уже нанизываешь звуки.

К тому же так я не страдаю от поиска ответа на вопрос, почему музыка вдруг не работает — из-за не правильно подобранного инструмента или плохой мелодии. В общем, так легче понять, что именно работает не так, и сделать так, как нужно.

Правильный ли это подход? Я не знаю, каждый решит сам. Возможно, ты найдёшь более подходящее решение. В любом случае, когда я ещё не умел в баланс громкости, не знал, как работают инструменты, не умел в динамику и ноты, такие ограничения сильно помогали мне прокачаться в вопросе написания.

Но, эй, я хочу гитару! Дайте мне гитару пожалуйста, хочу гитару в своём треке! Что делать, если мне хочется гитару? Если тебе захочется использовать в треке или мелодии определённый инструмент (ту же гитару), то стоит изучить, как этот инструмент работает, и как на нём играют.

А ещё лучше самому приобрести инструмент и освоить его — понимание появится намного быстрее. При приемлемом понимании сути инструмента можно писать черновики через его призму — это хороший подход.

Экспериментируй

Мало просто собирать кусочки идей чужих произведений, нужно ещё пробовать свои варианты. Как? Просто «методом тыка», серьёзно. Референсы помогут ускорить процесс обучения и производства музыки, но экспериментировать всё равно нужно. Ты никогда не узнаешь, какое решение подойдёт, поэтому нужно пробовать снова и снова.

Вместе с этим также растёт понимание, как сделать лучше и быстрее. Всё это хорошо аккумулируется в голове, а с новыми решениями писать музыку становится легче и проще. За последние два года я написал больше 70 черновиков, я много пробовал и изучал, и всё это сказалось на скорости производства.

Учись писать музыку быстро и своевременно

Если твоя музыка работает только по будильнику, то вряд ли тебя ждёт что-то хорошее в музыке. Нужно уметь писать сразу, при первом желании или предложении заказчика. Чем быстрее ты напишешь композицию, тем лучше.

К сожалению, людей слабо интересует, как долго ты писал музыку. Намного важнее для них контент — итог твоих стараний. Чем больше контента ты способен сделать, да ещё и по щелчку пальца, тем больше будет охват аудитории. Поэтому важно найти баланс между качеством и скоростью.

Задай себе условный срок: например, написать трек за месяц. Постепенно сокращай время: две недели, неделя, половина недели, день, половина дня, пару часов, час. В процессе обязательно оцени, как устроен твой проект, подумай, что можно сделать, чтобы разработка мелодии ускорилась. Повторяй попытки и анализ до тех пор, пока не будешь уверен, что достиг необходимой скорости производства.

Не зацикливайся на какой-либо проблеме, если что-то не получилось. Намного важнее завершить работу в срок, получить законченный трек. Проблему исправлять стоит в новом треке, не затягивая производство той песни, над которой работаешь сейчас.

Обычно в ответ на это мне говорят: «Зачем? Может, я просто хочу почилить, написать музыку по фану и без спешки». Но ведь в этом и вся прелесть! Разобравшись, как устроена музыка, собрав логическую цепочку из своего опыта, ты научишься по фану и чилу писать музыку чуть ли не за день (вечер, час, полчаса). Зачем писать музыку долго, когда можно получить результат здесь и сейчас, и быть удовлетворённым этим?

Писать музыку быстро легче, чем мучиться с ней длительные сроки. Пусть творчество станет гладким и хорошо изученным путём, который ты практически не ощущаешь — так музыка и будет весёлым времяпрепровождением.

Используй всё новое как стрессовый барьер к первым шагам

Конечно, для новичка путь будет связан с ошибками и стрессом, которого захочется избежать. Всё новое — неизбежный стресс и боль для головы. Стресс и боль будут сильнее только по одной причине: если откладывать новое на потом.

Преодолеть барьер к новому довольно непросто. Решение — кристальное, как горная вода: начни заниматься новым прямо здесь и сейчас.

Звучит просто, но очень важно научиться брать инициативу. Откладывая, ты только усиливаешь стресс. Можно бояться несколько дней, недель и месяцев, и так и не начать ничего делать. Но ты же определённо хочешь начать?

Как скоро прекратится стресс и уйдёт боль, никто не знает. Всё зависит от твоей настойчивости. Возможно, тебе придётся помучиться пару недель, чтобы начать. Возможно, времени потребуется больше. Тебя будут расстраивать результаты и то, что некоторые вещи не получаются, и в какой-то момент мозг просто скажет: «Забей! Вот, посмотри, что интересного в Твиттере и Инстаграме. Посмотри этот фильм, съешь мороженое и забудь».

Все эти отвлекающие факторы принесут удовольствие, но только в краткосрочной перспективе. Удовольствие уйдёт так же быстро, как пришло. Поэтому нужно пробовать и не останавливаться на достигнутом, так как именно достижение желаемого результата принесёт удовлетворение в долгосрочной перспективе. Удовольствие от сделанной работы не уйдёт ещё несколько месяцев.

Да, это тяжело, но оно того стоит. Кто знает, может, стресс продлится неделю, а может месяц? Как же этот срок сократить?

Помни, что чем чаще влезаешь в новое, тем проще превозмогать стрессовый барьер.

Итак, ты чему-то научился, у тебя начинает получаться, стресс сходит на нет, в голове становится легче, а от прогресса и результатов начинает вырабатываться дофамин. Это супер, но всегда остаётся что-то, что надо попробовать, чтобы зайти дальше и уметь больше.

И тут нас снова ждёт стресс, снова боль и всё по кругу. Закончится ли это когда-нибудь? Да, ведь стресса и проблем становится меньше каждый раз, когда ты без страха влезаешь во что-то новое. Через какое-то время это новое будет ощущаться интересным приключением, которое даёт куда больше дофамина, чем стресса. И тебе уже ничего не будет страшно. Останется только ускорить процесс обучения и довести навыки до автоматизма.

Нейроны и синапсы

Вместе с этим ты столкнёшься с другой проблемой. В голове появятся вопросы «Зачем я это делаю?» и «Зачем мне оно?». Ответы на них ты, скорее всего, не пытался искать.

Чем меньше у тебя ответов на эти два вопроса, тем слабее твоя мотивация и цель. А значит, всё развалится как карточный домик, ведь ты не знаешь, зачем занимаешься музыкой.

Следом появятся и другие непростые вопросы: «Почему я забываю то, что выучил?», «Кто я?», «Что я здесь делаю?», «Почему не могу просто забросить творчество?».

Наш мозг — это всего лишь куча нейронов внутри черепной коробки. Эти нейроны обладают какой-то частью информации, но не всеми данными. Чтобы построить полную картинку, нужно соединить нейроны вместе, чтобы получились синапсы. Последние генерируются мозгом постоянно, когда мы учимся чему-либо. Нейроны же генерируются при отдыхе, общении с людьми и физических упражнениях.

Нужно помнить, что мозг не способен постоянно создавать синапсы, ему нужен отдых. Поэтому, если ты выучил что-то новое, стоит это закрепить практикой, а затем на какое-то время расслабиться, пока мозг не склеит новые связи во время отдыха. Со временем мозг научится создавать синапсы на автомате, стресса станет меньше — именно поэтому стоит чаще влезать во что-то новое, и именно поэтому стресса становится меньше.

Повторяй на практике старое, чтобы укрепить синапсы, ведь «повторение — мать учения».

Забыть что-то станет сложнее, если постоянно повторять это. А если что-то всё-таки забудется, то это, скорее всего, было тебе не очень нужно. Ничего страшного: всегда есть справочник, в который можно подглядеть.

Остаётся только решить, зачем ты пишешь музыку. Может, тебе это просто нравится? Или ты хочешь стать популярным композитором? Может быть, ты хочешь кого-то радовать своим творчеством? Ты должен найти ответы за год, пока занимаешься музыкой. Год — достаточный срок для поиска ответов на эти вопросы.

Если не найти ответ, то появляется огромный риск всё забросить, ведь ты не понимаешь, зачем тебе это нужно. Получить ответы до старта очень сложно, так как у тебя пока что нет результатов, а значит нет и представления о том, зачем ты этим можешь заниматься. Когда у тебя нет объяснений, очень сложно начинать что-то новое или продолжать старое. Тебе придётся пройти через стену стресса, чтобы найти ответы.

Механизмы наград дофамина

Не менее важно снимать стресс и получать удовольствие от процесса и результатов. Значит, тебе нужно найти способы получать дофамин.

Мы уже разобрались, как работают нейроны и синапсы, теперь нужно поговорить о нейропластичности. Это такая штука, которая даёт возможность восстанавливать потерянные синапсы гораздо быстрее.

Существуют два способа запустить нейропластичность: фокус (сознательное усиление) и чувство срочности. Мы уже поняли, почему так важна срочность и сфокусированность в написании музыки, поэтому не будем повторно говорить об этом.

Так или иначе, но оба пункта не работают без дофамина. Мозг должен вырабатывать его, получая дофамин от твоих успехов в музыке. В итоге достижение цели заставляет тебя копать дальше, ведь стресса становится меньше, а удовольствия — больше.

Существуют два типа механизма наград дофамина — внешние и внутренние. Первые появляются, когда тебя хвалит кто-то другой. Вторые — при самостоятельной оценке своих результатов.

Внимание нужно концентрировать на внутренних механизмах, так как внешние будут с тобой не всегда. Чем больше внутренних механизмов наград ты используешь, тем легче идёт процесс, и тем меньше становится стресс, постепенно и вовсе сходя на нет. В общем, чем больше внутренних наград, тем проще проявлять волю и учить что-то новое с большой скоростью.

Для дофамина нужны ресурсы: деньги, нормальные условия жизни, адекватное общество, с которым ты тусишь. Если этих ресурсов нет — количество дофамина падает, потому что прогресс идёт слишком медленно, ты его почти не видишь. Но как быть, если нужных ресурсов нет?

Учись делегировать, если в одиночку слишком сложно, а процесс замедляется. Не отчаивайся, если каких-то ресурсов у тебя попросту нет — их компенсирует дофамин, который ты заработаешь в процессе обучения и практики.

Помни, что методика «сам добился, каждый сможет» либо враньё, либо отвага безумца. Это очень опасная практика, которая может высосать из тебя все силы и всё время, из-за чего ты рискуешь поломать себе психику.

Делать ли что-то в одиночку за всех? Решай сам, но соглашайся на такое только в том случае, если ты готов к этому.

Не пиши музыку в стол!

Самая популярная ошибка новичков — писать музыку «в стол», никому не показывая черновики. Причин такого поведения не так много: одни боятся показать что-то недоработанное, вторые стыдятся, что всё сделано плохо, третьи — боятся, что никто не оценит работу.

Поскольку мы разобрались, как работают механизмы наград, и знаем, ради чего пишем музыку, мы можем теперь чхать, если что-то кому-то не нравится, и не бояться этого. Зачем же тогда показывать другим черновики? Всё дело в том, что у тебя нет понимания, что является хорошей музыкой. Не спорю: понятие о хорошем слишком субъективно, ведь каждый по-своему воспринимает то, что хорошо.

Увы, ты никогда не напишешь музыку, которая понравится всем. Тем не менее ты можешь написать музыку, которая понравится определенному кругу людей. Пока ты начинаешь первые шаги, ты сможешь уже набирать небольшую аудиторию, изучать мнения и поддерживать постоянство контента.

Когда ты пишешь в стол, появляется риск сломать своё восприятие происходящего. Именно поэтому очень важны мнения со стороны. Ты не знаешь, что может понравиться людям и пишешь музыку, опираясь на свою интуицию. К тому же ты не можешь увидеть всех ошибок, которые могут быть виднее со стороны.

Чем чаще показываешь свои работы кому-то ещё, тем выше твоя продуктивность — хочется показать ещё и ещё. От постоянных попыток музыка будет становиться лучше и лучше.

Вместе с тем важно фильтровать мнения. Если кому-то не понравилась твоя музыка, ничего страшного. Спроси, что именно ему не понравилось, что он слушает и что хотел бы услышать. Может быть, этот человек не будет твоим слушателем — так бывает. А может, в процессе общения ты придёшь с ним к консенсусу и сделаешь какие-то полезные выводы.

В любом случае общение сыграет тебе на руку: ты будешь общаться с аудиторией или заказчиками, научишься их понимать. Это хороший тон, чтобы перестать бояться мнений и получать в ответ поддержку и новую информацию. Если же человек просто делает резкие заявления и отказывается дальше что-то говорить, то игнорируй его.

Вместо заключения

Вот и всё. Пожалуй, я перечислил всё, что считаю важным для ускорения творческого процесса. Надеюсь, этот ликбез поможет тебе каким-либо образом, а тебе стало понятнее, что делать дальше.

Если этот текст помог тебе, то в знак благодарности просто подпишись на мой канал в Телеграме. А ещё лучше расскажи о нём другим. В канале я рассказываю и показываю много интересных штук, связанных с электроникой, музыкой и всякой кухонной философией, да и в целом говорю о своей жизни.

Творческих узбеков!