Как правильно пишется ромео и джульетта

Romeo and Juliet
An 1870 oil painting by Ford Madox Brown depicting the play’s balcony scene
Written by	William Shakespeare
Characters	Romeo Juliet Count Paris Mercutio Tybalt The Nurse Rosaline Benvolio Friar Laurence
Date premiered	1597[a]
Original language	English
Series	First Quarto
Subject	Love
Genre	Shakespearean tragedy
Setting	Italy (Verona and Mantua)

Romeo and Juliet is a tragedy written by William Shakespeare early in his career about the romance between two Italian youths from feuding families. It was among Shakespeare’s most popular plays during his lifetime and, along with Hamlet, is one of his most frequently performed plays. Today, the title characters are regarded as archetypal young lovers.

Romeo and Juliet belongs to a tradition of tragic romances stretching back to antiquity. The plot is based on an Italian tale translated into verse as The Tragical History of Romeus and Juliet by Arthur Brooke in 1562 and retold in prose in Palace of Pleasure by William Painter in 1567. Shakespeare borrowed heavily from both but expanded the plot by developing a number of supporting characters, particularly Mercutio and Paris. Believed to have been written between 1591 and 1595, the play was first published in a quarto version in 1597. The text of the first quarto version was of poor quality, however, and later editions corrected the text to conform more closely with Shakespeare’s original.

Shakespeare’s use of poetic dramatic structure (including effects such as switching between comedy and tragedy to heighten tension, the expansion of minor characters, and numerous sub-plots to embellish the story) has been praised as an early sign of his dramatic skill. The play ascribes different poetic forms to different characters, sometimes changing the form as the character develops. Romeo, for example, grows more adept at the sonnet over the course of the play.

Romeo and Juliet has been adapted numerous times for stage, film, musical, and opera venues. During the English Restoration, it was revived and heavily revised by William Davenant. David Garrick’s 18th-century version also modified several scenes, removing material then considered indecent, and Georg Benda’s Romeo und Julie omitted much of the action and used a happy ending. Performances in the 19th century, including Charlotte Cushman’s, restored the original text and focused on greater realism. John Gielgud’s 1935 version kept very close to Shakespeare’s text and used Elizabethan costumes and staging to enhance the drama. In the 20th and into the 21st century, the play has been adapted in versions as diverse as George Cukor’s 1936 film Romeo and Juliet, Franco Zeffirelli’s 1968 film Romeo and Juliet, Baz Luhrmann’s 1996 film Romeo + Juliet, and most recently, Carlo Carlei’s 2013 film Romeo and Juliet.

Characters

Synopsis

The play, set in Verona, Italy, begins with a street brawl between Montague and Capulet servants who, like the masters they serve, are sworn enemies. Prince Escalus of Verona intervenes and declares that further breach of the peace will be punishable by death. Later, Count Paris talks to Capulet about marrying his daughter Juliet, but Capulet asks Paris to wait another two years and invites him to attend a planned Capulet ball. Lady Capulet and Juliet’s Nurse try to persuade Juliet to accept Paris’s courtship.

Meanwhile, Benvolio talks with his cousin Romeo, Montague’s son, about Romeo’s recent depression. Benvolio discovers that it stems from unrequited infatuation for a girl named Rosaline, one of Capulet’s nieces. Persuaded by Benvolio and Mercutio, Romeo attends the ball at the Capulet house in hopes of meeting Rosaline. However, Romeo instead meets and falls in love with Juliet. Juliet’s cousin, Tybalt, is enraged at Romeo for sneaking into the ball but is only stopped from killing Romeo by Juliet’s father, who does not wish to shed blood in his house. After the ball, in what is now famously known as the «balcony scene», Romeo sneaks into the Capulet orchard and overhears Juliet at her window vowing her love to him in spite of her family’s hatred of the Montagues. Romeo makes himself known to her, and they agree to be married. With the help of Friar Laurence, who hopes to reconcile the two families through their children’s union, they are secretly married the next day.

Tybalt, meanwhile, still incensed that Romeo had sneaked into the Capulet ball, challenges him to a duel. Romeo, now considering Tybalt his kinsman, refuses to fight. Mercutio is offended by Tybalt’s insolence, as well as Romeo’s «vile submission»,^[1] and accepts the duel on Romeo’s behalf. Mercutio is fatally wounded when Romeo attempts to break up the fight, and declares a curse upon both households before he dies. («A plague o’ both your houses!») Grief-stricken and racked with guilt, Romeo confronts and slays Tybalt.

Benvolio argues that Romeo has justly executed Tybalt for the murder of Mercutio. The Prince, now having lost a kinsman in the warring families’ feud, exiles Romeo from Verona, under penalty of death if he ever returns. Romeo secretly spends the night in Juliet’s chamber, where they consummate their marriage. Capulet, misinterpreting Juliet’s grief, agrees to marry her to Count Paris and threatens to disown her when she refuses to become Paris’s «joyful bride».^[2] When she then pleads for the marriage to be delayed, her mother rejects her.

Juliet visits Friar Laurence for help, and he offers her a potion that will put her into a deathlike coma or catalepsy for «two and forty hours».^[3] The Friar promises to send a messenger to inform Romeo of the plan so that he can rejoin her when she awakens. On the night before the wedding, she takes the drug and, when discovered apparently dead, she is laid in the family crypt.

The messenger, however, does not reach Romeo and, instead, Romeo learns of Juliet’s apparent death from his servant, Balthasar. Heartbroken, Romeo buys poison from an apothecary and goes to the Capulet crypt. He encounters Paris who has come to mourn Juliet privately. Believing Romeo to be a vandal, Paris confronts him and, in the ensuing battle, Romeo kills Paris. Still believing Juliet to be dead, he drinks the poison. Juliet then awakens and, discovering that Romeo is dead, stabs herself with his dagger and joins him in death. The feuding families and the Prince meet at the tomb to find all three dead. Friar Laurence recounts the story of the two «star-cross’d lovers», fulfilling the curse that Mercutio swore. The families are reconciled by their children’s deaths and agree to end their violent feud. The play ends with the Prince’s elegy for the lovers: «For never was a story of more woe / Than this of Juliet and her Romeo.»^[4]

Sources

Romeo and Juliet borrows from a tradition of tragic love stories dating back to antiquity. One of these is Pyramus and Thisbe, from Ovid’s Metamorphoses, which contains parallels to Shakespeare’s story: the lovers’ parents despise each other, and Pyramus falsely believes his lover Thisbe is dead.^[5] The Ephesiaca of Xenophon of Ephesus, written in the 3rd century, also contains several similarities to the play, including the separation of the lovers, and a potion that induces a deathlike sleep.^[6]

One of the earliest references to the names Montague and Capulet is from Dante’s Divine Comedy, who mentions the Montecchi (Montagues) and the Cappelletti (Capulets) in canto six of Purgatorio:^[7]

Come and see, you who are negligent,
Montagues and Capulets, Monaldi and Filippeschi
One lot already grieving, the other in fear.^[8]

However, the reference is part of a polemic against the moral decay of Florence, Lombardy, and the Italian Peninsula as a whole; Dante, through his characters, chastises German King Albert I for neglecting his responsibilities towards Italy («you who are negligent»), and successive popes for their encroachment from purely spiritual affairs, thus leading to a climate of incessant bickering and warfare between rival political parties in Lombardy. History records the name of the family Montague as being lent to such a political party in Verona, but that of the Capulets as from a Cremonese family, both of whom play out their conflict in Lombardy as a whole rather than within the confines of Verona.^[9] Allied to rival political factions, the parties are grieving («One lot already grieving») because their endless warfare has led to the destruction of both parties,^[9] rather than a grief from the loss of their ill-fated offspring as the play sets forth, which appears to be a solely poetic creation within this context.

The earliest known version of the Romeo and Juliet tale akin to Shakespeare’s play is the story of Mariotto and Ganozza by Masuccio Salernitano, in the 33rd novel of his Il Novellino published in 1476.^[10] Salernitano sets the story in Siena and insists its events took place in his own lifetime. His version of the story includes the secret marriage, the colluding friar, the fray where a prominent citizen is killed, Mariotto’s exile, Ganozza’s forced marriage, the potion plot, and the crucial message that goes astray. In this version, Mariotto is caught and beheaded and Ganozza dies of grief.^[11][12]

Luigi da Porto (1485–1529) adapted the story as Giulietta e Romeo^[13] and included it in his Historia novellamente ritrovata di due nobili amanti (A Newly-Discovered History of two Noble Lovers), written in 1524 and published posthumously in 1531 in Venice.^[14][15] Da Porto drew on Pyramus and Thisbe, Boccaccio’s Decameron, and Salernitano’s Mariotto e Ganozza, but it is likely that his story is also autobiographical: He was a soldier present at a ball on 26 February 1511, at a residence of the pro-Venice Savorgnan clan in Udine, following a peace ceremony attended by the opposing pro-Imperial Strumieri clan. There, Da Porto fell in love with Lucina, a Savorgnan daughter, but the family feud frustrated their courtship. The next morning, the Savorgnans led an attack on the city, and many members of the Strumieri were murdered. Years later, still half-paralyzed from a battle-wound, Luigi wrote Giulietta e Romeo in Montorso Vicentino (from which he could see the «castles» of Verona), dedicating the novella to the bellisima e leggiadra (the beautiful and graceful) Lucina Savorgnan.^[13][16] Da Porto presented his tale as historically factual and claimed it took place at least a century earlier than Salernitano had it, in the days Verona was ruled by Bartolomeo della Scala^[17] (anglicized as Prince Escalus).

Da Porto presented the narrative in close to its modern form, including the names of the lovers, the rival families of Montecchi and Capuleti (Cappelletti) and the location in Verona.^[10] He named the friar Laurence (frate Lorenzo) and introduced the characters Mercutio (Marcuccio Guertio), Tybalt (Tebaldo Cappelletti), Count Paris (conte (Paride) di Lodrone), the faithful servant, and Giulietta’s nurse. Da Porto originated the remaining basic elements of the story: the feuding families, Romeo—left by his mistress—meeting Giulietta at a dance at her house, the love scenes (including the balcony scene), the periods of despair, Romeo killing Giulietta’s cousin (Tebaldo), and the families’ reconciliation after the lovers’ suicides.^[18] In da Porto’s version, Romeo takes poison and Giulietta keeps her breath until she dies.^[19]

In 1554, Matteo Bandello published the second volume of his Novelle, which included his version of Giuletta e Romeo,^[15] probably written between 1531 and 1545. Bandello lengthened and weighed down the plot while leaving the storyline basically unchanged (though he did introduce Benvolio).^[18] Bandello’s story was translated into French by Pierre Boaistuau in 1559 in the first volume of his Histories Tragiques. Boaistuau adds much moralising and sentiment, and the characters indulge in rhetorical outbursts.^[20]

In his 1562 narrative poem The Tragical History of Romeus and Juliet, Arthur Brooke translated Boaistuau faithfully but adjusted it to reflect parts of Chaucer’s Troilus and Criseyde.^[21] There was a trend among writers and playwrights to publish works based on Italian novelle—Italian tales were very popular among theatre-goers—and Shakespeare may well have been familiar with William Painter’s 1567 collection of Italian tales titled Palace of Pleasure.^[22] This collection included a version in prose of the Romeo and Juliet story named «The goodly History of the true and constant love of Romeo and Juliett». Shakespeare took advantage of this popularity: The Merchant of Venice, Much Ado About Nothing, All’s Well That Ends Well, Measure for Measure, and Romeo and Juliet are all from Italian novelle. Romeo and Juliet is a dramatization of Brooke’s translation, and Shakespeare follows the poem closely but adds detail to several major and minor characters (the Nurse and Mercutio in particular).^[23][24][25]

Christopher Marlowe’s Hero and Leander and Dido, Queen of Carthage, both similar stories written in Shakespeare’s day, are thought to be less of a direct influence, although they may have helped create an atmosphere in which tragic love stories could thrive.^[21]

Date and text

It is unknown when exactly Shakespeare wrote Romeo and Juliet. Juliet’s Nurse refers to an earthquake she says occurred 11 years ago.^[26] This may refer to the Dover Straits earthquake of 1580, which would date that particular line to 1591. Other earthquakes—both in England and in Verona—have been proposed in support of the different dates.^[27] But the play’s stylistic similarities with A Midsummer Night’s Dream and other plays conventionally dated around 1594–95, place its composition sometime between 1591 and 1595.^[28][b] One conjecture is that Shakespeare may have begun a draft in 1591, which he completed in 1595.^[29]

Shakespeare’s Romeo and Juliet was published in two quarto editions prior to the publication of the First Folio of 1623. These are referred to as Q1 and Q2. The first printed edition, Q1, appeared in early 1597, printed by John Danter. Because its text contains numerous differences from the later editions, it is labelled a so-called ‘bad quarto’; the 20th-century editor T. J. B. Spencer described it as «a detestable text, probably a reconstruction of the play from the imperfect memories of one or two of the actors», suggesting that it had been pirated for publication.^[30] An alternative explanation for Q1’s shortcomings is that the play (like many others of the time) may have been heavily edited before performance by the playing company.^[31] However, «the theory, formulated by [Alfred] Pollard,» that the ‘bad quarto’ was «reconstructed from memory by some of the actors is now under attack. Alternative theories are that some or all of ‘the bad quartos’ are early versions by Shakespeare or abbreviations made either for Shakespeare’s company or for other companies.»^[32] In any event, its appearance in early 1597 makes 1596 the latest possible date for the play’s composition.^[27]

The superior Q2 called the play The Most Excellent and Lamentable Tragedie of Romeo and Juliet. It was printed in 1599 by Thomas Creede and published by Cuthbert Burby. Q2 is about 800 lines longer than Q1.^[31] Its title page describes it as «Newly corrected, augmented and amended». Scholars believe that Q2 was based on Shakespeare’s pre-performance draft (called his foul papers) since there are textual oddities such as variable tags for characters and «false starts» for speeches that were presumably struck through by the author but erroneously preserved by the typesetter. It is a much more complete and reliable text and was reprinted in 1609 (Q3), 1622 (Q4) and 1637 (Q5).^[30] In effect, all later Quartos and Folios of Romeo and Juliet are based on Q2, as are all modern editions since editors believe that any deviations from Q2 in the later editions (whether good or bad) are likely to have arisen from editors or compositors, not from Shakespeare.^[31]

The First Folio text of 1623 was based primarily on Q3, with clarifications and corrections possibly coming from a theatrical prompt book or Q1.^[30][33] Other Folio editions of the play were printed in 1632 (F2), 1664 (F3), and 1685 (F4).^[34] Modern versions—that take into account several of the Folios and Quartos—first appeared with Nicholas Rowe’s 1709 edition, followed by Alexander Pope’s 1723 version. Pope began a tradition of editing the play to add information such as stage directions missing in Q2 by locating them in Q1. This tradition continued late into the Romantic period. Fully annotated editions first appeared in the Victorian period and continue to be produced today, printing the text of the play with footnotes describing the sources and culture behind the play.^[35]

Themes and motifs

Scholars have found it extremely difficult to assign one specific, overarching theme to the play. Proposals for a main theme include a discovery by the characters that human beings are neither wholly good nor wholly evil, but instead are more or less alike,^[36] awaking out of a dream and into reality, the danger of hasty action, or the power of tragic fate. None of these have widespread support. However, even if an overall theme cannot be found it is clear that the play is full of several small thematic elements that intertwine in complex ways. Several of those most often debated by scholars are discussed below.^[37]

Love

Romeo and Juliet is sometimes considered to have no unifying theme, save that of young love.^[36] Romeo and Juliet have become emblematic of young lovers and doomed love. Since it is such an obvious subject of the play, several scholars have explored the language and historical context behind the romance of the play.^[39]

On their first meeting, Romeo and Juliet use a form of communication recommended by many etiquette authors in Shakespeare’s day: metaphor. By using metaphors of saints and sins, Romeo was able to test Juliet’s feelings for him in a non-threatening way. This method was recommended by Baldassare Castiglione (whose works had been translated into English by this time). He pointed out that if a man used a metaphor as an invitation, the woman could pretend she did not understand him, and he could retreat without losing honour. Juliet, however, participates in the metaphor and expands on it. The religious metaphors of «shrine», «pilgrim», and «saint» were fashionable in the poetry of the time and more likely to be understood as romantic rather than blasphemous, as the concept of sainthood was associated with the Catholicism of an earlier age.^[40] Later in the play, Shakespeare removes the more daring allusions to Christ’s resurrection in the tomb he found in his source work: Brooke’s Romeus and Juliet.^[41]

In the later balcony scene, Shakespeare has Romeo overhear Juliet’s soliloquy, but in Brooke’s version of the story, her declaration is done alone. By bringing Romeo into the scene to eavesdrop, Shakespeare breaks from the normal sequence of courtship. Usually, a woman was required to be modest and shy to make sure that her suitor was sincere, but breaking this rule serves to speed along the plot. The lovers are able to skip courting and move on to plain talk about their relationship—agreeing to be married after knowing each other for only one night.^[39] In the final suicide scene, there is a contradiction in the message—in the Catholic religion, suicides were often thought to be condemned to Hell, whereas people who die to be with their loves under the «Religion of Love» are joined with their loves in Paradise. Romeo and Juliet’s love seems to be expressing the «Religion of Love» view rather than the Catholic view. Another point is that, although their love is passionate, it is only consummated in marriage, which keeps them from losing the audience’s sympathy.^[42]

The play arguably equates love and sex with death. Throughout the story, both Romeo and Juliet, along with the other characters, fantasise about it as a dark being, often equating it with a lover. Capulet, for example, when he first discovers Juliet’s (faked) death, describes it as having deflowered his daughter.^[43] Juliet later erotically compares Romeo and death. Right before her suicide, she grabs Romeo’s dagger, saying «O happy dagger! This is thy sheath. There rust, and let me die.»^[44][45]

Fate and chance

Scholars are divided on the role of fate in the play. No consensus exists on whether the characters are truly fated to die together or whether the events take place by a series of unlucky chances. Arguments in favour of fate often refer to the description of the lovers as «star-cross’d». This phrase seems to hint that the stars have predetermined the lovers’ future.^[47] John W. Draper points out the parallels between the Elizabethan belief in the four humours and the main characters of the play (for example, Tybalt as a choleric). Interpreting the text in the light of humours reduces the amount of plot attributed to chance by modern audiences.^[48] Still, other scholars see the play as a series of unlucky chances—many to such a degree that they do not see it as a tragedy at all, but an emotional melodrama.^[48] Ruth Nevo believes the high degree to which chance is stressed in the narrative makes Romeo and Juliet a «lesser tragedy» of happenstance, not of character. For example, Romeo’s challenging Tybalt is not impulsive; it is, after Mercutio’s death, the expected action to take. In this scene, Nevo reads Romeo as being aware of the dangers of flouting social norms, identity, and commitments. He makes the choice to kill, not because of a tragic flaw, but because of circumstance.^[49]

Duality (light and dark)

Scholars have long noted Shakespeare’s widespread use of light and dark imagery throughout the play. Caroline Spurgeon considers the theme of light as «symbolic of the natural beauty of young love» and later critics have expanded on this interpretation.^[49][51] For example, both Romeo and Juliet see the other as light in a surrounding darkness. Romeo describes Juliet as being like the sun,^[52] brighter than a torch,^[53] a jewel sparkling in the night,^[54] and a bright angel among dark clouds.^[55] Even when she lies apparently dead in the tomb, he says her «beauty makes / This vault a feasting presence full of light.»^[56] Juliet describes Romeo as «day in night» and «Whiter than snow upon a raven’s back.»^[57][58] This contrast of light and dark can be expanded as symbols—contrasting love and hate, youth and age in a metaphoric way.^[49] Sometimes these intertwining metaphors create dramatic irony. For example, Romeo and Juliet’s love is a light in the midst of the darkness of the hate around them, but all of their activity together is done in night and darkness while all of the feuding is done in broad daylight. This paradox of imagery adds atmosphere to the moral dilemma facing the two lovers: loyalty to family or loyalty to love. At the end of the story, when the morning is gloomy and the sun hiding its face for sorrow, light and dark have returned to their proper places, the outward darkness reflecting the true, inner darkness of the family feud out of sorrow for the lovers. All characters now recognise their folly in light of recent events, and things return to the natural order, thanks to the love and death of Romeo and Juliet.^[51] The «light» theme in the play is also heavily connected to the theme of time since light was a convenient way for Shakespeare to express the passage of time through descriptions of the sun, moon, and stars.^[59]

Time

Time plays an important role in the language and plot of the play. Both Romeo and Juliet struggle to maintain an imaginary world void of time in the face of the harsh realities that surround them. For instance, when Romeo swears his love to Juliet by the moon, she protests «O swear not by the moon, th’inconstant moon, / That monthly changes in her circled orb, / Lest that thy love prove likewise variable.»^[61] From the very beginning, the lovers are designated as «star-cross’d»^[62][c] referring to an astrologic belief associated with time. Stars were thought to control the fates of humanity, and as time passed, stars would move along their course in the sky, also charting the course of human lives below. Romeo speaks of a foreboding he feels in the stars’ movements early in the play, and when he learns of Juliet’s death, he defies the stars’ course for him.^[48][64]

Another central theme is haste: Shakespeare’s Romeo and Juliet spans a period of four to six days, in contrast to Brooke’s poems spanning nine months.^[59] Scholars such as G. Thomas Tanselle believe that time was «especially important to Shakespeare» in this play, as he used references to «short-time» for the young lovers as opposed to references to «long-time» for the «older generation» to highlight «a headlong rush towards doom».^[59] Romeo and Juliet fight time to make their love last forever. In the end, the only way they seem to defeat time is through a death that makes them immortal through art.^[65]

Time is also connected to the theme of light and dark. In Shakespeare’s day, plays were most often performed at noon or in the afternoon in broad daylight.^[d] This forced the playwright to use words to create the illusion of day and night in his plays. Shakespeare uses references to the night and day, the stars, the moon, and the sun to create this illusion. He also has characters frequently refer to days of the week and specific hours to help the audience understand that time has passed in the story. All in all, no fewer than 103 references to time are found in the play, adding to the illusion of its passage.^[66][67]

Criticism and interpretation

Critical history

The earliest known critic of the play was diarist Samuel Pepys, who wrote in 1662: «it is a play of itself the worst that I ever heard in my life.»^[68] Poet John Dryden wrote 10 years later in praise of the play and its comic character Mercutio: «Shakespear show’d the best of his skill in his Mercutio, and he said himself, that he was forc’d to kill him in the third Act, to prevent being killed by him.»^[68] Criticism of the play in the 18th century was less sparse but no less divided. Publisher Nicholas Rowe was the first critic to ponder the theme of the play, which he saw as the just punishment of the two feuding families. In mid-century, writer Charles Gildon and philosopher Lord Kames argued that the play was a failure in that it did not follow the classical rules of drama: the tragedy must occur because of some character flaw, not an accident of fate. Writer and critic Samuel Johnson, however, considered it one of Shakespeare’s «most pleasing» plays.^[69]

In the later part of the 18th and through the 19th century, criticism centred on debates over the moral message of the play. Actor and playwright David Garrick’s 1748 adaptation excluded Rosaline: Romeo abandoning her for Juliet was seen as fickle and reckless. Critics such as Charles Dibdin argued that Rosaline had been included in the play in order to show how reckless the hero was and that this was the reason for his tragic end. Others argued that Friar Laurence might be Shakespeare’s spokesman in his warnings against undue haste. At the beginning of the 20th century, these moral arguments were disputed by critics such as Richard Green Moulton: he argued that accident, and not some character flaw, led to the lovers’ deaths.^[70]

Dramatic structure

In Romeo and Juliet, Shakespeare employs several dramatic techniques that have garnered praise from critics, most notably the abrupt shifts from comedy to tragedy (an example is the punning exchange between Benvolio and Mercutio just before Tybalt arrives). Before Mercutio’s death in Act III, the play is largely a comedy.^[71] After his accidental demise, the play suddenly becomes serious and takes on a tragic tone. When Romeo is banished, rather than executed, and Friar Laurence offers Juliet a plan to reunite her with Romeo, the audience can still hope that all will end well. They are in a «breathless state of suspense» by the opening of the last scene in the tomb: If Romeo is delayed long enough for the Friar to arrive, he and Juliet may yet be saved.^[72] These shifts from hope to despair, reprieve, and new hope serve to emphasise the tragedy when the final hope fails and both the lovers die at the end.^[73]

Shakespeare also uses sub-plots to offer a clearer view of the actions of the main characters. For example, when the play begins, Romeo is in love with Rosaline, who has refused all of his advances. Romeo’s infatuation with her stands in obvious contrast to his later love for Juliet. This provides a comparison through which the audience can see the seriousness of Romeo and Juliet’s love and marriage. Paris’ love for Juliet also sets up a contrast between Juliet’s feelings for him and her feelings for Romeo. The formal language she uses around Paris, as well as the way she talks about him to her Nurse, show that her feelings clearly lie with Romeo. Beyond this, the sub-plot of the Montague–Capulet feud overarches the whole play, providing an atmosphere of hate that is the main contributor to the play’s tragic end.^[73]

Language

Shakespeare uses a variety of poetic forms throughout the play. He begins with a 14-line prologue in the form of a Shakespearean sonnet, spoken by a Chorus. Most of Romeo and Juliet is, however, written in blank verse, and much of it in strict iambic pentameter, with less rhythmic variation than in most of Shakespeare’s later plays.^[74] In choosing forms, Shakespeare matches the poetry to the character who uses it. Friar Laurence, for example, uses sermon and sententiae forms and the Nurse uses a unique blank verse form that closely matches colloquial speech.^[74] Each of these forms is also moulded and matched to the emotion of the scene the character occupies. For example, when Romeo talks about Rosaline earlier in the play, he attempts to use the Petrarchan sonnet form. Petrarchan sonnets were often used by men to exaggerate the beauty of women who were impossible for them to attain, as in Romeo’s situation with Rosaline. This sonnet form is used by Lady Capulet to describe Count Paris to Juliet as a handsome man.^[75] When Romeo and Juliet meet, the poetic form changes from the Petrarchan (which was becoming archaic in Shakespeare’s day) to a then more contemporary sonnet form, using «pilgrims» and «saints» as metaphors.^[76] Finally, when the two meet on the balcony, Romeo attempts to use the sonnet form to pledge his love, but Juliet breaks it by saying «Dost thou love me?»^[77] By doing this, she searches for true expression, rather than a poetic exaggeration of their love.^[78] Juliet uses monosyllabic words with Romeo but uses formal language with Paris.^[79] Other forms in the play include an epithalamium by Juliet, a rhapsody in Mercutio’s Queen Mab speech, and an elegy by Paris.^[80] Shakespeare saves his prose style most often for the common people in the play, though at times he uses it for other characters, such as Mercutio.^[81] Humour, also, is important: scholar Molly Mahood identifies at least 175 puns and wordplays in the text.^[82] Many of these jokes are sexual in nature, especially those involving Mercutio and the Nurse.^[83]

Psychoanalytic criticism

Early psychoanalytic critics saw the problem of Romeo and Juliet in terms of Romeo’s impulsiveness, deriving from «ill-controlled, partially disguised aggression»,^[84] which leads both to Mercutio’s death and to the double suicide.^[84][e] Romeo and Juliet is not considered to be exceedingly psychologically complex, and sympathetic psychoanalytic readings of the play make the tragic male experience equivalent with sicknesses.^[86] Norman Holland, writing in 1966, considers Romeo’s dream^[87] as a realistic «wish fulfilling fantasy both in terms of Romeo’s adult world and his hypothetical childhood at stages oral, phallic and oedipal» – while acknowledging that a dramatic character is not a human being with mental processes separate from those of the author.^[88] Critics such as Julia Kristeva focus on the hatred between the families, arguing that this hatred is the cause of Romeo and Juliet’s passion for each other. That hatred manifests itself directly in the lovers’ language: Juliet, for example, speaks of «my only love sprung from my only hate»^[89] and often expresses her passion through an anticipation of Romeo’s death.^[90] This leads on to speculation as to the playwright’s psychology, in particular to a consideration of Shakespeare’s grief for the death of his son, Hamnet.^[91]

Feminist criticism

Feminist literary critics argue that the blame for the family feud lies in Verona’s patriarchal society. For Coppélia Kahn, for example, the strict, masculine code of violence imposed on Romeo is the main force driving the tragedy to its end. When Tybalt kills Mercutio, Romeo shifts into a violent mode, regretting that Juliet has made him so «effeminate».^[92] In this view, the younger males «become men» by engaging in violence on behalf of their fathers, or in the case of the servants, their masters. The feud is also linked to male virility, as the numerous jokes about maidenheads aptly demonstrate.^[93][94] Juliet also submits to a female code of docility by allowing others, such as the Friar, to solve her problems for her. Other critics, such as Dympna Callaghan, look at the play’s feminism from a historicist angle, stressing that when the play was written the feudal order was being challenged by increasingly centralised government and the advent of capitalism. At the same time, emerging Puritan ideas about marriage were less concerned with the «evils of female sexuality» than those of earlier eras and more sympathetic towards love-matches: when Juliet dodges her father’s attempt to force her to marry a man she has no feeling for, she is challenging the patriarchal order in a way that would not have been possible at an earlier time.^[95]

Queer theory

A number of critics have found the character of Mercutio to have unacknowledged homoerotic desire for Romeo.^[96] Jonathan Goldberg examined the sexuality of Mercutio and Romeo utilising queer theory in Queering the Renaissance (1994), comparing their friendship with sexual love.^[97] Mercutio, in friendly conversation, mentions Romeo’s phallus, suggesting traces of homoeroticism.^[98] An example is his joking wish «To raise a spirit in his mistress’ circle … letting it there stand / Till she had laid it and conjured it down.»^[99][100] Romeo’s homoeroticism can also be found in his attitude to Rosaline, a woman who is distant and unavailable and brings no hope of offspring. As Benvolio argues, she is best replaced by someone who will reciprocate. Shakespeare’s procreation sonnets describe another young man who, like Romeo, is having trouble creating offspring and who may be seen as being a homosexual. Goldberg believes that Shakespeare may have used Rosaline as a way to express homosexual problems of procreation in an acceptable way. In this view, when Juliet says «…that which we call a rose, by any other name would smell as sweet»,^[101] she may be raising the question of whether there is any difference between the beauty of a man and the beauty of a woman.^[102]

The balcony scene

The balcony scene was introduced by Da Porto in 1524. He had Romeo walk frequently by her house, «sometimes climbing to her chamber window», and wrote, «It happened one night, as love ordained, when the moon shone unusually bright, that whilst Romeo was climbing the balcony, the young lady … opened the window, and looking out saw him».^[103] After this they have a conversation in which they declare eternal love to each other. A few decades later, Bandello greatly expanded this scene, diverging from the familiar one: Julia has her nurse deliver a letter asking Romeo to come to her window with a rope ladder, and he climbs the balcony with the help of his servant, Julia and the nurse (the servants discreetly withdraw after this).^[18]

Nevertheless, in October 2014, Lois Leveen pointed out in The Atlantic that the original Shakespeare play did not contain a balcony; it just says that Juliet appears at a window.^[104] The word balcone is not known to have existed in the English language until two years after Shakespeare’s death.^[105] The balcony was certainly used in Thomas Otway’s 1679 play, The History and Fall of Caius Marius, which had borrowed much of its story from Romeo and Juliet and placed the two lovers in a balcony reciting a speech similar to that between Romeo and Juliet. Leveen suggested that during the 18th century, David Garrick chose to use a balcony in his adaptation and revival of Romeo and Juliet and modern adaptations have continued this tradition.^[104]

Legacy

Shakespeare’s day

Romeo and Juliet ranks with Hamlet as one of Shakespeare’s most performed plays. Its many adaptations have made it one of his most enduring and famous stories.^[107] Even in Shakespeare’s lifetime, it was extremely popular. Scholar Gary Taylor measures it as the sixth most popular of Shakespeare’s plays, in the period after the death of Christopher Marlowe and Thomas Kyd but before the ascendancy of Ben Jonson during which Shakespeare was London’s dominant playwright.^[108][f] The date of the first performance is unknown. The First Quarto, printed in 1597, reads «it hath been often (and with great applause) plaid publiquely», setting the first performance before that date. The Lord Chamberlain’s Men were certainly the first to perform it. Besides their strong connections with Shakespeare, the Second Quarto actually names one of its actors, Will Kemp, instead of Peter, in a line in Act V. Richard Burbage was probably the first Romeo, being the company’s actor; and Master Robert Goffe (a boy), the first Juliet.^[106] The premiere is likely to have been at The Theatre, with other early productions at the Curtain.^[109] Romeo and Juliet is one of the first Shakespeare plays to have been performed outside England: a shortened and simplified version was performed in Nördlingen in 1604.^[110]

Restoration and 18th-century theatre

All theatres were closed down by the puritan government on 6 September 1642. Upon the restoration of the monarchy in 1660, two patent companies (the King’s Company and the Duke’s Company) were established, and the existing theatrical repertoire was divided between them.^[111]

Sir William Davenant of the Duke’s Company staged a 1662 adaptation in which Henry Harris played Romeo, Thomas Betterton Mercutio, and Betterton’s wife Mary Saunderson Juliet: she was probably the first woman to play the role professionally.^[112] Another version closely followed Davenant’s adaptation and was also regularly performed by the Duke’s Company. This was a tragicomedy by James Howard, in which the two lovers survive.^[113]

Thomas Otway’s The History and Fall of Caius Marius, one of the more extreme of the Restoration adaptations of Shakespeare, debuted in 1680. The scene is shifted from Renaissance Verona to ancient Rome; Romeo is Marius, Juliet is Lavinia, the feud is between patricians and plebeians; Juliet/Lavinia wakes from her potion before Romeo/Marius dies. Otway’s version was a hit, and was acted for the next seventy years.^[112] His innovation in the closing scene was even more enduring, and was used in adaptations throughout the next 200 years: Theophilus Cibber’s adaptation of 1744, and David Garrick’s of 1748 both used variations on it.^[114] These versions also eliminated elements deemed inappropriate at the time. For example, Garrick’s version transferred all language describing Rosaline to Juliet, to heighten the idea of faithfulness and downplay the love-at-first-sight theme.^[115][116] In 1750, a «Battle of the Romeos» began, with Spranger Barry and Susannah Maria Arne (Mrs. Theophilus Cibber) at Covent Garden versus David Garrick and George Anne Bellamy at Drury Lane.^[117]

The earliest known production in North America was an amateur one: on 23 March 1730, a physician named Joachimus Bertrand placed an advertisement in the Gazette newspaper in New York, promoting a production in which he would play the apothecary.^[118] The first professional performances of the play in North America were those of the Hallam Company.^[119]

19th-century theatre

Garrick’s altered version of the play was very popular, and ran for nearly a century.^[112] Not until 1845 did Shakespeare’s original return to the stage in the United States with the sisters Susan and Charlotte Cushman as Juliet and Romeo, respectively,^[120] and then in 1847 in Britain with Samuel Phelps at Sadler’s Wells Theatre.^[121] Cushman adhered to Shakespeare’s version, beginning a string of eighty-four performances. Her portrayal of Romeo was considered genius by many. The Times wrote: «For a long time Romeo has been a convention. Miss Cushman’s Romeo is a creative, a living, breathing, animated, ardent human being.»^[122][120] Queen Victoria wrote in her journal that «no-one would ever have imagined she was a woman».^[123] Cushman’s success broke the Garrick tradition and paved the way for later performances to return to the original storyline.^[112]

Professional performances of Shakespeare in the mid-19th century had two particular features: firstly, they were generally star vehicles, with supporting roles cut or marginalised to give greater prominence to the central characters. Secondly, they were «pictorial», placing the action on spectacular and elaborate sets (requiring lengthy pauses for scene changes) and with the frequent use of tableaux.^[124] Henry Irving’s 1882 production at the Lyceum Theatre (with himself as Romeo and Ellen Terry as Juliet) is considered an archetype of the pictorial style.^[125] In 1895, Sir Johnston Forbes-Robertson took over from Irving and laid the groundwork for a more natural portrayal of Shakespeare that remains popular today. Forbes-Robertson avoided the showiness of Irving and instead portrayed a down-to-earth Romeo, expressing the poetic dialogue as realistic prose and avoiding melodramatic flourish.^[126]

American actors began to rival their British counterparts. Edwin Booth (brother to John Wilkes Booth) and Mary McVicker (soon to be Edwin’s wife) opened as Romeo and Juliet at the sumptuous Booth’s Theatre (with its European-style stage machinery, and an air conditioning system unique in New York) on 3 February 1869. Some reports said it was one of the most elaborate productions of Romeo and Juliet ever seen in America; it was certainly the most popular, running for over six weeks and earning over $60,000 (equivalent to $1,000,000 in 2021).^[127][g][h] The programme noted that: «The tragedy will be produced in strict accordance with historical propriety, in every respect, following closely the text of Shakespeare.»^[i]

The first professional performance of the play in Japan may have been George Crichton Miln’s company’s production, which toured to Yokohama in 1890.^[128] Throughout the 19th century, Romeo and Juliet had been Shakespeare’s most popular play, measured by the number of professional performances. In the 20th century it would become the second most popular, behind Hamlet.^[129]

20th-century theatre

In 1933, the play was revived by actress Katharine Cornell and her director husband Guthrie McClintic and was taken on a seven-month nationwide tour throughout the United States. It starred Orson Welles, Brian Aherne and Basil Rathbone. The production was a modest success, and so upon the return to New York, Cornell and McClintic revised it, and for the first time the play was presented with almost all the scenes intact, including the Prologue. The new production opened on Broadway in December 1934. Critics wrote that Cornell was «the greatest Juliet of her time», «endlessly haunting», and «the most lovely and enchanting Juliet our present-day theatre has seen».^[130]

John Gielgud’s New Theatre production in 1935 featured Gielgud and Laurence Olivier as Romeo and Mercutio, exchanging roles six weeks into the run, with Peggy Ashcroft as Juliet.^[131] Gielgud used a scholarly combination of Q1 and Q2 texts and organised the set and costumes to match as closely as possible the Elizabethan period. His efforts were a huge success at the box office, and set the stage for increased historical realism in later productions.^[132] Olivier later compared his performance and Gielgud’s: «John, all spiritual, all spirituality, all beauty, all abstract things; and myself as all earth, blood, humanity … I’ve always felt that John missed the lower half and that made me go for the other … But whatever it was, when I was playing Romeo I was carrying a torch, I was trying to sell realism in Shakespeare.»^[133]

Peter Brook’s 1947 version was the beginning of a different style of Romeo and Juliet performances. Brook was less concerned with realism, and more concerned with translating the play into a form that could communicate with the modern world. He argued, «A production is only correct at the moment of its correctness, and only good at the moment of its success.»^[134] Brook excluded the final reconciliation of the families from his performance text.^[135]

Throughout the century, audiences, influenced by the cinema, became less willing to accept actors distinctly older than the teenage characters they were playing.^[136] A significant example of more youthful casting was in Franco Zeffirelli’s Old Vic production in 1960, with John Stride and Judi Dench, which would serve as the basis for his 1968 film.^[135] Zeffirelli borrowed from Brook’s ideas, altogether removing around a third of the play’s text to make it more accessible. In an interview with The Times, he stated that the play’s «twin themes of love and the total breakdown of understanding between two generations» had contemporary relevance.^[135][j]

Recent performances often set the play in the contemporary world. For example, in 1986, the Royal Shakespeare Company set the play in modern Verona. Switchblades replaced swords, feasts and balls became drug-laden rock parties, and Romeo committed suicide by hypodermic needle.
Neil Bartlett’s production of Romeo and Juliet themed the play very contemporary with a cinematic look which started its life at the Lyric Hammersmith, London then went to West Yorkshire Playhouse for an exclusive run in 1995. The cast included Emily Woof as Juliet, Stuart Bunce as Romeo, Sebastian Harcombe as Mercutio, Ashley Artus as Tybalt, Souad Faress as Lady Capulet and Silas Carson as Paris.^[138] In 1997, the Folger Shakespeare Theatre produced a version set in a typical suburban world. Romeo sneaks into the Capulet barbecue to meet Juliet, and Juliet discovers Tybalt’s death while in class at school.^[139]

The play is sometimes given a historical setting, enabling audiences to reflect on the underlying conflicts. For example, adaptations have been set in the midst of the Israeli–Palestinian conflict,^[140] in the apartheid era in South Africa,^[141] and in the aftermath of the Pueblo Revolt.^[142] Similarly, Peter Ustinov’s 1956 comic adaptation, Romanoff and Juliet, is set in a fictional mid-European country in the depths of the Cold War.^[143] A mock-Victorian revisionist version of Romeo and Juliet‘s final scene (with a happy ending, Romeo, Juliet, Mercutio, and Paris restored to life, and Benvolio revealing that he is Paris’s love, Benvolia, in disguise) forms part of the 1980 stage-play The Life and Adventures of Nicholas Nickleby.^[144] Shakespeare’s R&J, by Joe Calarco, spins the classic in a modern tale of gay teenage awakening.^[145] A recent comedic musical adaptation was The Second City’s Romeo and Juliet Musical: The People vs. Friar Laurence, the Man Who Killed Romeo and Juliet, set in modern times.^[146]

In the 19th and 20th centuries, Romeo and Juliet has often been the choice of Shakespeare plays to open a classical theatre company, beginning with Edwin Booth’s inaugural production of that play in his theatre in 1869, the newly re-formed company of the Old Vic in 1929 with John Gielgud, Martita Hunt, and Margaret Webster,^[147] as well as the Riverside Shakespeare Company in its founding production in New York City in 1977, which used the 1968 film of Franco Zeffirelli’s production as its inspiration.^[148]

21st-century theatre

In 2013, Romeo and Juliet ran on Broadway at Richard Rodgers Theatre from 19 September to 8 December for 93 regular performances after 27 previews starting on 24 August with Orlando Bloom and Condola Rashad in the starring roles.^[149]

Ballet

The best-known ballet version is Prokofiev’s Romeo and Juliet.^[150] Originally commissioned by the Kirov Ballet, it was rejected by them when Prokofiev attempted a happy ending and was rejected again for the experimental nature of its music. It has subsequently attained an «immense» reputation, and has been choreographed by John Cranko (1962) and Kenneth MacMillan (1965) among others.^[151]

In 1977, Michael Smuin’s production of one of the play’s most dramatic and impassioned dance interpretations was debuted in its entirety by San Francisco Ballet. This production was the first full-length ballet to be broadcast by the PBS series «Great Performances: Dance in America»; it aired in 1978.^[152]

Dada Masilo, a South African dancer and choreographer, reinterpreted Romeo and Juliet in a new modern light. She introduced changes to the story, notably that of presenting the two families as multiracial.^[153]

Music

At least 24 operas have been based on Romeo and Juliet.^[156] The earliest, Romeo und Julie in 1776, a Singspiel by Georg Benda, omits much of the action of the play and most of its characters and has a happy ending. It is occasionally revived. The best-known is Gounod’s 1867 Roméo et Juliette (libretto by Jules Barbier and Michel Carré), a critical triumph when first performed and frequently revived today.^[157][158] Bellini’s I Capuleti e i Montecchi is also revived from time to time, but has sometimes been judged unfavourably because of its perceived liberties with Shakespeare; however, Bellini and his librettist, Felice Romani, worked from Italian sources—principally Romani’s libretto for Giulietta e Romeo by Nicola Vaccai—rather than directly adapting Shakespeare’s play.^[159] Among later operas, there is Heinrich Sutermeister’s 1940 work Romeo und Julia.^[160]

Roméo et Juliette by Berlioz is a «symphonie dramatique», a large-scale work in three parts for mixed voices, chorus, and orchestra, which premiered in 1839.^[161] Tchaikovsky’s Romeo and Juliet Fantasy-Overture (1869, revised 1870 and 1880) is a 15-minute symphonic poem, containing the famous melody known as the «love theme».^[162] Tchaikovsky’s device of repeating the same musical theme at the ball, in the balcony scene, in Juliet’s bedroom and in the tomb^[163] has been used by subsequent directors: for example, Nino Rota’s love theme is used in a similar way in the 1968 film of the play, as is Des’ree’s «Kissing You» in the 1996 film.^[164] Other classical composers influenced by the play include Henry Hugh Pearson (Romeo and Juliet, overture for orchestra, Op. 86), Svendsen (Romeo og Julie, 1876), Delius (A Village Romeo and Juliet, 1899–1901), Stenhammar (Romeo och Julia, 1922), and Kabalevsky (Incidental Music to Romeo and Juliet, Op. 56, 1956).^[165]

The play influenced several jazz works, including Peggy Lee’s «Fever».^[155] Duke Ellington’s Such Sweet Thunder contains a piece entitled «The Star-Crossed Lovers»^[166] in which the pair are represented by tenor and alto saxophones: critics noted that Juliet’s sax dominates the piece, rather than offering an image of equality.^[167] The play has frequently influenced popular music, including works by The Supremes, Bruce Springsteen, Tom Waits, Lou Reed,^[168] and Taylor Swift.^[169] The most famous such track is Dire Straits’ «Romeo and Juliet».^[170]

The most famous musical theatre adaptation is West Side Story with music by Leonard Bernstein and lyrics by Stephen Sondheim. It débuted on Broadway in 1957 and in the West End in 1958 and was twice adapted as popular films in 1961 and in 2021. This version updated the setting to mid-20th-century New York City and the warring families to ethnic gangs.^[171] Other musical adaptations include Terrence Mann’s 1999 rock musical William Shakespeare’s Romeo and Juliet, co-written with Jerome Korman;^[172] Gérard Presgurvic’s 2001 Roméo et Juliette, de la Haine à l’Amour; Riccardo Cocciante’s 2007 Giulietta & Romeo^[173] and Johan Christher Schütz; and Johan Petterssons’s 2013 adaptation Carnival Tale (Tivolisaga), which takes place at a travelling carnival.^[174]

Literature and art

Romeo and Juliet had a profound influence on subsequent literature. Before then, romance had not even been viewed as a worthy topic for tragedy.^[175] In Harold Bloom’s words, Shakespeare «invented the formula that the sexual becomes the erotic when crossed by the shadow of death».^[176] Of Shakespeare’s works, Romeo and Juliet has generated the most—and the most varied—adaptations, including prose and verse narratives, drama, opera, orchestral and choral music, ballet, film, television, and painting.^[177][k] The word «Romeo» has even become synonymous with «male lover» in English.^[178]

Romeo and Juliet was parodied in Shakespeare’s own lifetime: Henry Porter’s Two Angry Women of Abingdon (1598) and Thomas Dekker’s Blurt, Master Constable (1607) both contain balcony scenes in which a virginal heroine engages in bawdy wordplay.^[179] The play directly influenced later literary works. For example, the preparations for a performance form a major plot in Charles Dickens’ Nicholas Nickleby.^[180]

Romeo and Juliet is one of Shakespeare’s most-illustrated works.^[181] The first known illustration was a woodcut of the tomb scene,^[182] thought to be created by Elisha Kirkall, which appeared in Nicholas Rowe’s 1709 edition of Shakespeare’s plays.^[183] Five paintings of the play were commissioned for the Boydell Shakespeare Gallery in the late 18th century, one representing each of the five acts of the play.^[184] Early in the 19th century, Henry Thomson painted Juliet after the Masquerade, an engraving. of which was published in The Literary Souvenir, 1828, with an accompanying poem by Letitia Elizabeth Landon. The 19th-century fashion for «pictorial» performances led to directors’ drawing on paintings for their inspiration, which, in turn, influenced painters to depict actors and scenes from the theatre.^[185] In the 20th century, the play’s most iconic visual images have derived from its popular film versions.^[186]

David Blixt’s 2007 novel The Master Of Verona imagines the origins of the famous Capulet-Montague feud, combining the characters from Shakespeare’s Italian plays with the historical figures of Dante’s time.^[187] Blixt’s subsequent novels Voice Of The Falconer (2010), Fortune’s Fool (2012), and The Prince’s Doom (2014) continue to explore the world, following the life of Mercutio as he comes of age. More tales from Blixt’s Star-Cross’d series appear in Varnished Faces: Star-Cross’d Short Stories (2015) and the plague anthology, We All Fall Down (2020). Blixt also authored Shakespeare’s Secrets: Romeo & Juliet (2018), a collection of essays on the history of Shakespeare’s play in performance, in which Blixt asserts the play is structurally not a Tragedy, but a Comedy-Gone-Wrong. In 2014 Blixt and his wife, stage director Janice L Blixt, were guests of the city of Verona, Italy for the launch of the Italian language edition of The Master Of Verona, staying with Dante’s descendants and filmmaker Anna Lerario, with whom Blixt collaborated on a film about the life of Veronese prince Cangrande della Scala.^[188][189]

Lois Leveen’s 2014 novel Juliet’s Nurse imagined the fourteen years leading up to the events in the play from the point of view of the nurse. The nurse has the third largest number of lines in the original play; only the eponymous characters have more lines.^[190]

The play was the subject of a 2017 General Certificate of Secondary Education (GCSE) question by the Oxford, Cambridge and RSA Examinations board that was administered to c. 14000 students. The board attracted widespread media criticism and derision after the question appeared to confuse the Capulets and the Montagues,^{[191][192][193]} with exams regulator Ofqual describing the error as unacceptable.^[194]

Romeo and Juliet was adapted into manga format by publisher UDON Entertainment’s Manga Classics imprint and was released in May 2018.^[195]

Screen

Romeo and Juliet may be the most-filmed play of all time.^[196] The most notable theatrical releases were George Cukor’s multi-Oscar-nominated 1936 production, Franco Zeffirelli’s 1968 version, and Baz Luhrmann’s 1996 MTV-inspired Romeo + Juliet. The latter two were both, in their time, the highest-grossing Shakespeare film ever.^[197] Romeo and Juliet was first filmed in the silent era, by Georges Méliès, although his film is now lost.^[196] The play was first heard on film in The Hollywood Revue of 1929, in which John Gilbert recited the balcony scene opposite Norma Shearer.^[198]

Shearer and Leslie Howard, with a combined age over 75, played the teenage lovers in George Cukor’s MGM 1936 film version. Neither critics nor the public responded enthusiastically. Cinema-goers considered the film too «arty», staying away as they had from Warner’s A Midsummer Night’s Dream a year before: leading to Hollywood abandoning the Bard for over a decade.^[199] Renato Castellani won the Grand Prix at the Venice Film Festival for his 1954 film of Romeo and Juliet.^[200] His Romeo, Laurence Harvey, was already an experienced screen actor.^[201] By contrast, Susan Shentall, as Juliet, was a secretarial student who was discovered by the director in a London pub and was cast for her «pale sweet skin and honey-blonde hair».^[202][l]

Stephen Orgel describes Franco Zeffirelli’s 1968 Romeo and Juliet as being «full of beautiful young people, and the camera and the lush technicolour make the most of their sexual energy and good looks».^[186] Zeffirelli’s teenage leads, Leonard Whiting and Olivia Hussey, had virtually no previous acting experience but performed capably and with great maturity.^[203][204] Zeffirelli has been particularly praised,^[m] for his presentation of the duel scene as bravado getting out-of-control.^[206] The film courted controversy by including a nude wedding-night scene^[207] while Olivia Hussey was only fifteen.^[208]

Baz Luhrmann’s 1996 Romeo + Juliet and its accompanying soundtrack successfully targeted the «MTV Generation»: a young audience of similar age to the story’s characters.^[209] Far darker than Zeffirelli’s version, the film is set in the «crass, violent and superficial society» of Verona Beach and Sycamore Grove.^[210] Leonardo DiCaprio was Romeo and Claire Danes was Juliet.

The play has been widely adapted for TV and film. In 1960, Peter Ustinov’s cold-war stage parody, Romanoff and Juliet was filmed.^[143] The 1961 film West Side Story—set among New York gangs—featured the Jets as white youths, equivalent to Shakespeare’s Montagues, while the Sharks, equivalent to the Capulets, are Puerto Rican.^[211] In 2006, Disney’s High School Musical made use of Romeo and Juliet‘s plot, placing the two young lovers in different high-school cliques instead of feuding families.^[212] Film-makers have frequently featured characters performing scenes from Romeo and Juliet.^[213][n] The conceit of dramatising Shakespeare writing Romeo and Juliet has been used several times,^[214][215] including John Madden’s 1998 Shakespeare in Love, in which Shakespeare writes the play against the backdrop of his own doomed love affair.^[216][217] An anime series produced by Gonzo and SKY Perfect Well Think, called Romeo x Juliet, was made in 2007 and the 2013 version is the latest English-language film based on the play. In 2013, Sanjay Leela Bhansali directed the Bollywood film Goliyon Ki Raasleela Ram-Leela, a contemporary version of the play which starred Ranveer Singh and Deepika Padukone in leading roles. The film was a commercial and critical success.^[218][219] In February 2014, BroadwayHD released a filmed version of the 2013 Broadway Revival of Romeo and Juliet. The production starred Orlando Bloom and Condola Rashad.^[220]

Modern social media and virtual world productions

In April and May 2010, the Royal Shakespeare Company and the Mudlark Production Company presented a version of the play, entitled Such Tweet Sorrow, as an improvised, real-time series of tweets on Twitter. The production used RSC actors who engaged with the audience as well each other, performing not from a traditional script but a «Grid» developed by the Mudlark production team and writers Tim Wright and Bethan Marlow. The performers also make use of other media sites such as YouTube for pictures and video.^[221]

Astronomy

Two of Uranus’s moons, Juliet and Mab, are named for the play.^[222]

Scene by scene

• 

  Title page of the Second Quarto of Romeo and Juliet published in 1599

• 

  Act I prologue

• 

  Act I scene 1: Quarrel between Capulets and Montagues

• 

  Act I scene 2

• 

  Act I scene 3

• 

  Act I scene 4

• 

  Act I scene 5

• 

  Act I scene 5: Romeo’s first interview with Juliet

• 

  Act II prologue

• 

  Act II scene 3

• 

  Act II scene 5: Juliet intreats her nurse

• 

  Act II scene 6

• 

  Act III scene 5: Romeo takes leave of Juliet

• 

  Act IV scene 5: Juliet’s fake death

• 

  Act IV scene 5: Another depiction

• 

  Act V scene 3: Juliet awakes to find Romeo dead

See also

• Pyramus and Thisbe
• Lovers of Cluj-Napoca
• Lovers of Teruel
• Antony and Cleopatra
• Tristan and Iseult
• Mem and Zin

Notes and references

Notes

References

All references to Romeo and Juliet, unless otherwise specified, are taken from the Arden Shakespeare second edition (Gibbons, 1980) based on the Q2 text of 1599, with elements from Q1 of 1597.^[223] Under its referencing system, which uses Roman numerals, II.ii.33 means act 2, scene 2, line 33, and a 0 in place of a scene number refers to the prologue to the act.

Sources

Editions of Romeo and Juliet

Secondary sources

External links

• Romeo and Juliet at Standard Ebooks
• Romeo and Juliet at Project Gutenberg
• Romeo and Juliet at the British Library
• Romeo and Juliet HTML version at MIT
• Romeo and Juliet Complete Annotated Text on One Page Without Ads or Images
• Romeo and Juliet HTML Annotated Play
• Easy Read Romeo and Juliet Full text with portraits and location drawings to make the play easy to follow from the printed page.
• Romeo and Juliet public domain audiobook at LibriVox

Romeo and Juliet
An 1870 oil painting by Ford Madox Brown depicting the play’s balcony scene
Written by	William Shakespeare
Characters	Romeo Juliet Count Paris Mercutio Tybalt The Nurse Rosaline Benvolio Friar Laurence
Date premiered	1597[a]
Original language	English
Series	First Quarto
Subject	Love
Genre	Shakespearean tragedy
Setting	Italy (Verona and Mantua)

Romeo and Juliet is a tragedy written by William Shakespeare early in his career about the romance between two Italian youths from feuding families. It was among Shakespeare’s most popular plays during his lifetime and, along with Hamlet, is one of his most frequently performed plays. Today, the title characters are regarded as archetypal young lovers.

Romeo and Juliet belongs to a tradition of tragic romances stretching back to antiquity. The plot is based on an Italian tale translated into verse as The Tragical History of Romeus and Juliet by Arthur Brooke in 1562 and retold in prose in Palace of Pleasure by William Painter in 1567. Shakespeare borrowed heavily from both but expanded the plot by developing a number of supporting characters, particularly Mercutio and Paris. Believed to have been written between 1591 and 1595, the play was first published in a quarto version in 1597. The text of the first quarto version was of poor quality, however, and later editions corrected the text to conform more closely with Shakespeare’s original.

Shakespeare’s use of poetic dramatic structure (including effects such as switching between comedy and tragedy to heighten tension, the expansion of minor characters, and numerous sub-plots to embellish the story) has been praised as an early sign of his dramatic skill. The play ascribes different poetic forms to different characters, sometimes changing the form as the character develops. Romeo, for example, grows more adept at the sonnet over the course of the play.

Romeo and Juliet has been adapted numerous times for stage, film, musical, and opera venues. During the English Restoration, it was revived and heavily revised by William Davenant. David Garrick’s 18th-century version also modified several scenes, removing material then considered indecent, and Georg Benda’s Romeo und Julie omitted much of the action and used a happy ending. Performances in the 19th century, including Charlotte Cushman’s, restored the original text and focused on greater realism. John Gielgud’s 1935 version kept very close to Shakespeare’s text and used Elizabethan costumes and staging to enhance the drama. In the 20th and into the 21st century, the play has been adapted in versions as diverse as George Cukor’s 1936 film Romeo and Juliet, Franco Zeffirelli’s 1968 film Romeo and Juliet, Baz Luhrmann’s 1996 film Romeo + Juliet, and most recently, Carlo Carlei’s 2013 film Romeo and Juliet.

Characters

Synopsis

The play, set in Verona, Italy, begins with a street brawl between Montague and Capulet servants who, like the masters they serve, are sworn enemies. Prince Escalus of Verona intervenes and declares that further breach of the peace will be punishable by death. Later, Count Paris talks to Capulet about marrying his daughter Juliet, but Capulet asks Paris to wait another two years and invites him to attend a planned Capulet ball. Lady Capulet and Juliet’s Nurse try to persuade Juliet to accept Paris’s courtship.

Meanwhile, Benvolio talks with his cousin Romeo, Montague’s son, about Romeo’s recent depression. Benvolio discovers that it stems from unrequited infatuation for a girl named Rosaline, one of Capulet’s nieces. Persuaded by Benvolio and Mercutio, Romeo attends the ball at the Capulet house in hopes of meeting Rosaline. However, Romeo instead meets and falls in love with Juliet. Juliet’s cousin, Tybalt, is enraged at Romeo for sneaking into the ball but is only stopped from killing Romeo by Juliet’s father, who does not wish to shed blood in his house. After the ball, in what is now famously known as the «balcony scene», Romeo sneaks into the Capulet orchard and overhears Juliet at her window vowing her love to him in spite of her family’s hatred of the Montagues. Romeo makes himself known to her, and they agree to be married. With the help of Friar Laurence, who hopes to reconcile the two families through their children’s union, they are secretly married the next day.

Tybalt, meanwhile, still incensed that Romeo had sneaked into the Capulet ball, challenges him to a duel. Romeo, now considering Tybalt his kinsman, refuses to fight. Mercutio is offended by Tybalt’s insolence, as well as Romeo’s «vile submission»,^[1] and accepts the duel on Romeo’s behalf. Mercutio is fatally wounded when Romeo attempts to break up the fight, and declares a curse upon both households before he dies. («A plague o’ both your houses!») Grief-stricken and racked with guilt, Romeo confronts and slays Tybalt.

Benvolio argues that Romeo has justly executed Tybalt for the murder of Mercutio. The Prince, now having lost a kinsman in the warring families’ feud, exiles Romeo from Verona, under penalty of death if he ever returns. Romeo secretly spends the night in Juliet’s chamber, where they consummate their marriage. Capulet, misinterpreting Juliet’s grief, agrees to marry her to Count Paris and threatens to disown her when she refuses to become Paris’s «joyful bride».^[2] When she then pleads for the marriage to be delayed, her mother rejects her.

Juliet visits Friar Laurence for help, and he offers her a potion that will put her into a deathlike coma or catalepsy for «two and forty hours».^[3] The Friar promises to send a messenger to inform Romeo of the plan so that he can rejoin her when she awakens. On the night before the wedding, she takes the drug and, when discovered apparently dead, she is laid in the family crypt.

The messenger, however, does not reach Romeo and, instead, Romeo learns of Juliet’s apparent death from his servant, Balthasar. Heartbroken, Romeo buys poison from an apothecary and goes to the Capulet crypt. He encounters Paris who has come to mourn Juliet privately. Believing Romeo to be a vandal, Paris confronts him and, in the ensuing battle, Romeo kills Paris. Still believing Juliet to be dead, he drinks the poison. Juliet then awakens and, discovering that Romeo is dead, stabs herself with his dagger and joins him in death. The feuding families and the Prince meet at the tomb to find all three dead. Friar Laurence recounts the story of the two «star-cross’d lovers», fulfilling the curse that Mercutio swore. The families are reconciled by their children’s deaths and agree to end their violent feud. The play ends with the Prince’s elegy for the lovers: «For never was a story of more woe / Than this of Juliet and her Romeo.»^[4]

Sources

Romeo and Juliet borrows from a tradition of tragic love stories dating back to antiquity. One of these is Pyramus and Thisbe, from Ovid’s Metamorphoses, which contains parallels to Shakespeare’s story: the lovers’ parents despise each other, and Pyramus falsely believes his lover Thisbe is dead.^[5] The Ephesiaca of Xenophon of Ephesus, written in the 3rd century, also contains several similarities to the play, including the separation of the lovers, and a potion that induces a deathlike sleep.^[6]

One of the earliest references to the names Montague and Capulet is from Dante’s Divine Comedy, who mentions the Montecchi (Montagues) and the Cappelletti (Capulets) in canto six of Purgatorio:^[7]

Come and see, you who are negligent,
Montagues and Capulets, Monaldi and Filippeschi
One lot already grieving, the other in fear.^[8]

However, the reference is part of a polemic against the moral decay of Florence, Lombardy, and the Italian Peninsula as a whole; Dante, through his characters, chastises German King Albert I for neglecting his responsibilities towards Italy («you who are negligent»), and successive popes for their encroachment from purely spiritual affairs, thus leading to a climate of incessant bickering and warfare between rival political parties in Lombardy. History records the name of the family Montague as being lent to such a political party in Verona, but that of the Capulets as from a Cremonese family, both of whom play out their conflict in Lombardy as a whole rather than within the confines of Verona.^[9] Allied to rival political factions, the parties are grieving («One lot already grieving») because their endless warfare has led to the destruction of both parties,^[9] rather than a grief from the loss of their ill-fated offspring as the play sets forth, which appears to be a solely poetic creation within this context.

The earliest known version of the Romeo and Juliet tale akin to Shakespeare’s play is the story of Mariotto and Ganozza by Masuccio Salernitano, in the 33rd novel of his Il Novellino published in 1476.^[10] Salernitano sets the story in Siena and insists its events took place in his own lifetime. His version of the story includes the secret marriage, the colluding friar, the fray where a prominent citizen is killed, Mariotto’s exile, Ganozza’s forced marriage, the potion plot, and the crucial message that goes astray. In this version, Mariotto is caught and beheaded and Ganozza dies of grief.^[11][12]

Luigi da Porto (1485–1529) adapted the story as Giulietta e Romeo^[13] and included it in his Historia novellamente ritrovata di due nobili amanti (A Newly-Discovered History of two Noble Lovers), written in 1524 and published posthumously in 1531 in Venice.^[14][15] Da Porto drew on Pyramus and Thisbe, Boccaccio’s Decameron, and Salernitano’s Mariotto e Ganozza, but it is likely that his story is also autobiographical: He was a soldier present at a ball on 26 February 1511, at a residence of the pro-Venice Savorgnan clan in Udine, following a peace ceremony attended by the opposing pro-Imperial Strumieri clan. There, Da Porto fell in love with Lucina, a Savorgnan daughter, but the family feud frustrated their courtship. The next morning, the Savorgnans led an attack on the city, and many members of the Strumieri were murdered. Years later, still half-paralyzed from a battle-wound, Luigi wrote Giulietta e Romeo in Montorso Vicentino (from which he could see the «castles» of Verona), dedicating the novella to the bellisima e leggiadra (the beautiful and graceful) Lucina Savorgnan.^[13][16] Da Porto presented his tale as historically factual and claimed it took place at least a century earlier than Salernitano had it, in the days Verona was ruled by Bartolomeo della Scala^[17] (anglicized as Prince Escalus).

Da Porto presented the narrative in close to its modern form, including the names of the lovers, the rival families of Montecchi and Capuleti (Cappelletti) and the location in Verona.^[10] He named the friar Laurence (frate Lorenzo) and introduced the characters Mercutio (Marcuccio Guertio), Tybalt (Tebaldo Cappelletti), Count Paris (conte (Paride) di Lodrone), the faithful servant, and Giulietta’s nurse. Da Porto originated the remaining basic elements of the story: the feuding families, Romeo—left by his mistress—meeting Giulietta at a dance at her house, the love scenes (including the balcony scene), the periods of despair, Romeo killing Giulietta’s cousin (Tebaldo), and the families’ reconciliation after the lovers’ suicides.^[18] In da Porto’s version, Romeo takes poison and Giulietta keeps her breath until she dies.^[19]

In 1554, Matteo Bandello published the second volume of his Novelle, which included his version of Giuletta e Romeo,^[15] probably written between 1531 and 1545. Bandello lengthened and weighed down the plot while leaving the storyline basically unchanged (though he did introduce Benvolio).^[18] Bandello’s story was translated into French by Pierre Boaistuau in 1559 in the first volume of his Histories Tragiques. Boaistuau adds much moralising and sentiment, and the characters indulge in rhetorical outbursts.^[20]

In his 1562 narrative poem The Tragical History of Romeus and Juliet, Arthur Brooke translated Boaistuau faithfully but adjusted it to reflect parts of Chaucer’s Troilus and Criseyde.^[21] There was a trend among writers and playwrights to publish works based on Italian novelle—Italian tales were very popular among theatre-goers—and Shakespeare may well have been familiar with William Painter’s 1567 collection of Italian tales titled Palace of Pleasure.^[22] This collection included a version in prose of the Romeo and Juliet story named «The goodly History of the true and constant love of Romeo and Juliett». Shakespeare took advantage of this popularity: The Merchant of Venice, Much Ado About Nothing, All’s Well That Ends Well, Measure for Measure, and Romeo and Juliet are all from Italian novelle. Romeo and Juliet is a dramatization of Brooke’s translation, and Shakespeare follows the poem closely but adds detail to several major and minor characters (the Nurse and Mercutio in particular).^[23][24][25]

Christopher Marlowe’s Hero and Leander and Dido, Queen of Carthage, both similar stories written in Shakespeare’s day, are thought to be less of a direct influence, although they may have helped create an atmosphere in which tragic love stories could thrive.^[21]

Date and text

It is unknown when exactly Shakespeare wrote Romeo and Juliet. Juliet’s Nurse refers to an earthquake she says occurred 11 years ago.^[26] This may refer to the Dover Straits earthquake of 1580, which would date that particular line to 1591. Other earthquakes—both in England and in Verona—have been proposed in support of the different dates.^[27] But the play’s stylistic similarities with A Midsummer Night’s Dream and other plays conventionally dated around 1594–95, place its composition sometime between 1591 and 1595.^[28][b] One conjecture is that Shakespeare may have begun a draft in 1591, which he completed in 1595.^[29]

Shakespeare’s Romeo and Juliet was published in two quarto editions prior to the publication of the First Folio of 1623. These are referred to as Q1 and Q2. The first printed edition, Q1, appeared in early 1597, printed by John Danter. Because its text contains numerous differences from the later editions, it is labelled a so-called ‘bad quarto’; the 20th-century editor T. J. B. Spencer described it as «a detestable text, probably a reconstruction of the play from the imperfect memories of one or two of the actors», suggesting that it had been pirated for publication.^[30] An alternative explanation for Q1’s shortcomings is that the play (like many others of the time) may have been heavily edited before performance by the playing company.^[31] However, «the theory, formulated by [Alfred] Pollard,» that the ‘bad quarto’ was «reconstructed from memory by some of the actors is now under attack. Alternative theories are that some or all of ‘the bad quartos’ are early versions by Shakespeare or abbreviations made either for Shakespeare’s company or for other companies.»^[32] In any event, its appearance in early 1597 makes 1596 the latest possible date for the play’s composition.^[27]

The superior Q2 called the play The Most Excellent and Lamentable Tragedie of Romeo and Juliet. It was printed in 1599 by Thomas Creede and published by Cuthbert Burby. Q2 is about 800 lines longer than Q1.^[31] Its title page describes it as «Newly corrected, augmented and amended». Scholars believe that Q2 was based on Shakespeare’s pre-performance draft (called his foul papers) since there are textual oddities such as variable tags for characters and «false starts» for speeches that were presumably struck through by the author but erroneously preserved by the typesetter. It is a much more complete and reliable text and was reprinted in 1609 (Q3), 1622 (Q4) and 1637 (Q5).^[30] In effect, all later Quartos and Folios of Romeo and Juliet are based on Q2, as are all modern editions since editors believe that any deviations from Q2 in the later editions (whether good or bad) are likely to have arisen from editors or compositors, not from Shakespeare.^[31]

The First Folio text of 1623 was based primarily on Q3, with clarifications and corrections possibly coming from a theatrical prompt book or Q1.^[30][33] Other Folio editions of the play were printed in 1632 (F2), 1664 (F3), and 1685 (F4).^[34] Modern versions—that take into account several of the Folios and Quartos—first appeared with Nicholas Rowe’s 1709 edition, followed by Alexander Pope’s 1723 version. Pope began a tradition of editing the play to add information such as stage directions missing in Q2 by locating them in Q1. This tradition continued late into the Romantic period. Fully annotated editions first appeared in the Victorian period and continue to be produced today, printing the text of the play with footnotes describing the sources and culture behind the play.^[35]

Themes and motifs

Scholars have found it extremely difficult to assign one specific, overarching theme to the play. Proposals for a main theme include a discovery by the characters that human beings are neither wholly good nor wholly evil, but instead are more or less alike,^[36] awaking out of a dream and into reality, the danger of hasty action, or the power of tragic fate. None of these have widespread support. However, even if an overall theme cannot be found it is clear that the play is full of several small thematic elements that intertwine in complex ways. Several of those most often debated by scholars are discussed below.^[37]

Love

Romeo and Juliet is sometimes considered to have no unifying theme, save that of young love.^[36] Romeo and Juliet have become emblematic of young lovers and doomed love. Since it is such an obvious subject of the play, several scholars have explored the language and historical context behind the romance of the play.^[39]

On their first meeting, Romeo and Juliet use a form of communication recommended by many etiquette authors in Shakespeare’s day: metaphor. By using metaphors of saints and sins, Romeo was able to test Juliet’s feelings for him in a non-threatening way. This method was recommended by Baldassare Castiglione (whose works had been translated into English by this time). He pointed out that if a man used a metaphor as an invitation, the woman could pretend she did not understand him, and he could retreat without losing honour. Juliet, however, participates in the metaphor and expands on it. The religious metaphors of «shrine», «pilgrim», and «saint» were fashionable in the poetry of the time and more likely to be understood as romantic rather than blasphemous, as the concept of sainthood was associated with the Catholicism of an earlier age.^[40] Later in the play, Shakespeare removes the more daring allusions to Christ’s resurrection in the tomb he found in his source work: Brooke’s Romeus and Juliet.^[41]

In the later balcony scene, Shakespeare has Romeo overhear Juliet’s soliloquy, but in Brooke’s version of the story, her declaration is done alone. By bringing Romeo into the scene to eavesdrop, Shakespeare breaks from the normal sequence of courtship. Usually, a woman was required to be modest and shy to make sure that her suitor was sincere, but breaking this rule serves to speed along the plot. The lovers are able to skip courting and move on to plain talk about their relationship—agreeing to be married after knowing each other for only one night.^[39] In the final suicide scene, there is a contradiction in the message—in the Catholic religion, suicides were often thought to be condemned to Hell, whereas people who die to be with their loves under the «Religion of Love» are joined with their loves in Paradise. Romeo and Juliet’s love seems to be expressing the «Religion of Love» view rather than the Catholic view. Another point is that, although their love is passionate, it is only consummated in marriage, which keeps them from losing the audience’s sympathy.^[42]

The play arguably equates love and sex with death. Throughout the story, both Romeo and Juliet, along with the other characters, fantasise about it as a dark being, often equating it with a lover. Capulet, for example, when he first discovers Juliet’s (faked) death, describes it as having deflowered his daughter.^[43] Juliet later erotically compares Romeo and death. Right before her suicide, she grabs Romeo’s dagger, saying «O happy dagger! This is thy sheath. There rust, and let me die.»^[44][45]

Fate and chance

Scholars are divided on the role of fate in the play. No consensus exists on whether the characters are truly fated to die together or whether the events take place by a series of unlucky chances. Arguments in favour of fate often refer to the description of the lovers as «star-cross’d». This phrase seems to hint that the stars have predetermined the lovers’ future.^[47] John W. Draper points out the parallels between the Elizabethan belief in the four humours and the main characters of the play (for example, Tybalt as a choleric). Interpreting the text in the light of humours reduces the amount of plot attributed to chance by modern audiences.^[48] Still, other scholars see the play as a series of unlucky chances—many to such a degree that they do not see it as a tragedy at all, but an emotional melodrama.^[48] Ruth Nevo believes the high degree to which chance is stressed in the narrative makes Romeo and Juliet a «lesser tragedy» of happenstance, not of character. For example, Romeo’s challenging Tybalt is not impulsive; it is, after Mercutio’s death, the expected action to take. In this scene, Nevo reads Romeo as being aware of the dangers of flouting social norms, identity, and commitments. He makes the choice to kill, not because of a tragic flaw, but because of circumstance.^[49]

Duality (light and dark)

Scholars have long noted Shakespeare’s widespread use of light and dark imagery throughout the play. Caroline Spurgeon considers the theme of light as «symbolic of the natural beauty of young love» and later critics have expanded on this interpretation.^[49][51] For example, both Romeo and Juliet see the other as light in a surrounding darkness. Romeo describes Juliet as being like the sun,^[52] brighter than a torch,^[53] a jewel sparkling in the night,^[54] and a bright angel among dark clouds.^[55] Even when she lies apparently dead in the tomb, he says her «beauty makes / This vault a feasting presence full of light.»^[56] Juliet describes Romeo as «day in night» and «Whiter than snow upon a raven’s back.»^[57][58] This contrast of light and dark can be expanded as symbols—contrasting love and hate, youth and age in a metaphoric way.^[49] Sometimes these intertwining metaphors create dramatic irony. For example, Romeo and Juliet’s love is a light in the midst of the darkness of the hate around them, but all of their activity together is done in night and darkness while all of the feuding is done in broad daylight. This paradox of imagery adds atmosphere to the moral dilemma facing the two lovers: loyalty to family or loyalty to love. At the end of the story, when the morning is gloomy and the sun hiding its face for sorrow, light and dark have returned to their proper places, the outward darkness reflecting the true, inner darkness of the family feud out of sorrow for the lovers. All characters now recognise their folly in light of recent events, and things return to the natural order, thanks to the love and death of Romeo and Juliet.^[51] The «light» theme in the play is also heavily connected to the theme of time since light was a convenient way for Shakespeare to express the passage of time through descriptions of the sun, moon, and stars.^[59]

Time

Time plays an important role in the language and plot of the play. Both Romeo and Juliet struggle to maintain an imaginary world void of time in the face of the harsh realities that surround them. For instance, when Romeo swears his love to Juliet by the moon, she protests «O swear not by the moon, th’inconstant moon, / That monthly changes in her circled orb, / Lest that thy love prove likewise variable.»^[61] From the very beginning, the lovers are designated as «star-cross’d»^[62][c] referring to an astrologic belief associated with time. Stars were thought to control the fates of humanity, and as time passed, stars would move along their course in the sky, also charting the course of human lives below. Romeo speaks of a foreboding he feels in the stars’ movements early in the play, and when he learns of Juliet’s death, he defies the stars’ course for him.^[48][64]

Another central theme is haste: Shakespeare’s Romeo and Juliet spans a period of four to six days, in contrast to Brooke’s poems spanning nine months.^[59] Scholars such as G. Thomas Tanselle believe that time was «especially important to Shakespeare» in this play, as he used references to «short-time» for the young lovers as opposed to references to «long-time» for the «older generation» to highlight «a headlong rush towards doom».^[59] Romeo and Juliet fight time to make their love last forever. In the end, the only way they seem to defeat time is through a death that makes them immortal through art.^[65]

Time is also connected to the theme of light and dark. In Shakespeare’s day, plays were most often performed at noon or in the afternoon in broad daylight.^[d] This forced the playwright to use words to create the illusion of day and night in his plays. Shakespeare uses references to the night and day, the stars, the moon, and the sun to create this illusion. He also has characters frequently refer to days of the week and specific hours to help the audience understand that time has passed in the story. All in all, no fewer than 103 references to time are found in the play, adding to the illusion of its passage.^[66][67]

Criticism and interpretation

Critical history

The earliest known critic of the play was diarist Samuel Pepys, who wrote in 1662: «it is a play of itself the worst that I ever heard in my life.»^[68] Poet John Dryden wrote 10 years later in praise of the play and its comic character Mercutio: «Shakespear show’d the best of his skill in his Mercutio, and he said himself, that he was forc’d to kill him in the third Act, to prevent being killed by him.»^[68] Criticism of the play in the 18th century was less sparse but no less divided. Publisher Nicholas Rowe was the first critic to ponder the theme of the play, which he saw as the just punishment of the two feuding families. In mid-century, writer Charles Gildon and philosopher Lord Kames argued that the play was a failure in that it did not follow the classical rules of drama: the tragedy must occur because of some character flaw, not an accident of fate. Writer and critic Samuel Johnson, however, considered it one of Shakespeare’s «most pleasing» plays.^[69]

In the later part of the 18th and through the 19th century, criticism centred on debates over the moral message of the play. Actor and playwright David Garrick’s 1748 adaptation excluded Rosaline: Romeo abandoning her for Juliet was seen as fickle and reckless. Critics such as Charles Dibdin argued that Rosaline had been included in the play in order to show how reckless the hero was and that this was the reason for his tragic end. Others argued that Friar Laurence might be Shakespeare’s spokesman in his warnings against undue haste. At the beginning of the 20th century, these moral arguments were disputed by critics such as Richard Green Moulton: he argued that accident, and not some character flaw, led to the lovers’ deaths.^[70]

Dramatic structure

In Romeo and Juliet, Shakespeare employs several dramatic techniques that have garnered praise from critics, most notably the abrupt shifts from comedy to tragedy (an example is the punning exchange between Benvolio and Mercutio just before Tybalt arrives). Before Mercutio’s death in Act III, the play is largely a comedy.^[71] After his accidental demise, the play suddenly becomes serious and takes on a tragic tone. When Romeo is banished, rather than executed, and Friar Laurence offers Juliet a plan to reunite her with Romeo, the audience can still hope that all will end well. They are in a «breathless state of suspense» by the opening of the last scene in the tomb: If Romeo is delayed long enough for the Friar to arrive, he and Juliet may yet be saved.^[72] These shifts from hope to despair, reprieve, and new hope serve to emphasise the tragedy when the final hope fails and both the lovers die at the end.^[73]

Shakespeare also uses sub-plots to offer a clearer view of the actions of the main characters. For example, when the play begins, Romeo is in love with Rosaline, who has refused all of his advances. Romeo’s infatuation with her stands in obvious contrast to his later love for Juliet. This provides a comparison through which the audience can see the seriousness of Romeo and Juliet’s love and marriage. Paris’ love for Juliet also sets up a contrast between Juliet’s feelings for him and her feelings for Romeo. The formal language she uses around Paris, as well as the way she talks about him to her Nurse, show that her feelings clearly lie with Romeo. Beyond this, the sub-plot of the Montague–Capulet feud overarches the whole play, providing an atmosphere of hate that is the main contributor to the play’s tragic end.^[73]

Language

Shakespeare uses a variety of poetic forms throughout the play. He begins with a 14-line prologue in the form of a Shakespearean sonnet, spoken by a Chorus. Most of Romeo and Juliet is, however, written in blank verse, and much of it in strict iambic pentameter, with less rhythmic variation than in most of Shakespeare’s later plays.^[74] In choosing forms, Shakespeare matches the poetry to the character who uses it. Friar Laurence, for example, uses sermon and sententiae forms and the Nurse uses a unique blank verse form that closely matches colloquial speech.^[74] Each of these forms is also moulded and matched to the emotion of the scene the character occupies. For example, when Romeo talks about Rosaline earlier in the play, he attempts to use the Petrarchan sonnet form. Petrarchan sonnets were often used by men to exaggerate the beauty of women who were impossible for them to attain, as in Romeo’s situation with Rosaline. This sonnet form is used by Lady Capulet to describe Count Paris to Juliet as a handsome man.^[75] When Romeo and Juliet meet, the poetic form changes from the Petrarchan (which was becoming archaic in Shakespeare’s day) to a then more contemporary sonnet form, using «pilgrims» and «saints» as metaphors.^[76] Finally, when the two meet on the balcony, Romeo attempts to use the sonnet form to pledge his love, but Juliet breaks it by saying «Dost thou love me?»^[77] By doing this, she searches for true expression, rather than a poetic exaggeration of their love.^[78] Juliet uses monosyllabic words with Romeo but uses formal language with Paris.^[79] Other forms in the play include an epithalamium by Juliet, a rhapsody in Mercutio’s Queen Mab speech, and an elegy by Paris.^[80] Shakespeare saves his prose style most often for the common people in the play, though at times he uses it for other characters, such as Mercutio.^[81] Humour, also, is important: scholar Molly Mahood identifies at least 175 puns and wordplays in the text.^[82] Many of these jokes are sexual in nature, especially those involving Mercutio and the Nurse.^[83]

Psychoanalytic criticism

Early psychoanalytic critics saw the problem of Romeo and Juliet in terms of Romeo’s impulsiveness, deriving from «ill-controlled, partially disguised aggression»,^[84] which leads both to Mercutio’s death and to the double suicide.^[84][e] Romeo and Juliet is not considered to be exceedingly psychologically complex, and sympathetic psychoanalytic readings of the play make the tragic male experience equivalent with sicknesses.^[86] Norman Holland, writing in 1966, considers Romeo’s dream^[87] as a realistic «wish fulfilling fantasy both in terms of Romeo’s adult world and his hypothetical childhood at stages oral, phallic and oedipal» – while acknowledging that a dramatic character is not a human being with mental processes separate from those of the author.^[88] Critics such as Julia Kristeva focus on the hatred between the families, arguing that this hatred is the cause of Romeo and Juliet’s passion for each other. That hatred manifests itself directly in the lovers’ language: Juliet, for example, speaks of «my only love sprung from my only hate»^[89] and often expresses her passion through an anticipation of Romeo’s death.^[90] This leads on to speculation as to the playwright’s psychology, in particular to a consideration of Shakespeare’s grief for the death of his son, Hamnet.^[91]

Feminist criticism

Feminist literary critics argue that the blame for the family feud lies in Verona’s patriarchal society. For Coppélia Kahn, for example, the strict, masculine code of violence imposed on Romeo is the main force driving the tragedy to its end. When Tybalt kills Mercutio, Romeo shifts into a violent mode, regretting that Juliet has made him so «effeminate».^[92] In this view, the younger males «become men» by engaging in violence on behalf of their fathers, or in the case of the servants, their masters. The feud is also linked to male virility, as the numerous jokes about maidenheads aptly demonstrate.^[93][94] Juliet also submits to a female code of docility by allowing others, such as the Friar, to solve her problems for her. Other critics, such as Dympna Callaghan, look at the play’s feminism from a historicist angle, stressing that when the play was written the feudal order was being challenged by increasingly centralised government and the advent of capitalism. At the same time, emerging Puritan ideas about marriage were less concerned with the «evils of female sexuality» than those of earlier eras and more sympathetic towards love-matches: when Juliet dodges her father’s attempt to force her to marry a man she has no feeling for, she is challenging the patriarchal order in a way that would not have been possible at an earlier time.^[95]

Queer theory

A number of critics have found the character of Mercutio to have unacknowledged homoerotic desire for Romeo.^[96] Jonathan Goldberg examined the sexuality of Mercutio and Romeo utilising queer theory in Queering the Renaissance (1994), comparing their friendship with sexual love.^[97] Mercutio, in friendly conversation, mentions Romeo’s phallus, suggesting traces of homoeroticism.^[98] An example is his joking wish «To raise a spirit in his mistress’ circle … letting it there stand / Till she had laid it and conjured it down.»^[99][100] Romeo’s homoeroticism can also be found in his attitude to Rosaline, a woman who is distant and unavailable and brings no hope of offspring. As Benvolio argues, she is best replaced by someone who will reciprocate. Shakespeare’s procreation sonnets describe another young man who, like Romeo, is having trouble creating offspring and who may be seen as being a homosexual. Goldberg believes that Shakespeare may have used Rosaline as a way to express homosexual problems of procreation in an acceptable way. In this view, when Juliet says «…that which we call a rose, by any other name would smell as sweet»,^[101] she may be raising the question of whether there is any difference between the beauty of a man and the beauty of a woman.^[102]

The balcony scene

The balcony scene was introduced by Da Porto in 1524. He had Romeo walk frequently by her house, «sometimes climbing to her chamber window», and wrote, «It happened one night, as love ordained, when the moon shone unusually bright, that whilst Romeo was climbing the balcony, the young lady … opened the window, and looking out saw him».^[103] After this they have a conversation in which they declare eternal love to each other. A few decades later, Bandello greatly expanded this scene, diverging from the familiar one: Julia has her nurse deliver a letter asking Romeo to come to her window with a rope ladder, and he climbs the balcony with the help of his servant, Julia and the nurse (the servants discreetly withdraw after this).^[18]

Nevertheless, in October 2014, Lois Leveen pointed out in The Atlantic that the original Shakespeare play did not contain a balcony; it just says that Juliet appears at a window.^[104] The word balcone is not known to have existed in the English language until two years after Shakespeare’s death.^[105] The balcony was certainly used in Thomas Otway’s 1679 play, The History and Fall of Caius Marius, which had borrowed much of its story from Romeo and Juliet and placed the two lovers in a balcony reciting a speech similar to that between Romeo and Juliet. Leveen suggested that during the 18th century, David Garrick chose to use a balcony in his adaptation and revival of Romeo and Juliet and modern adaptations have continued this tradition.^[104]

Legacy

Shakespeare’s day

Romeo and Juliet ranks with Hamlet as one of Shakespeare’s most performed plays. Its many adaptations have made it one of his most enduring and famous stories.^[107] Even in Shakespeare’s lifetime, it was extremely popular. Scholar Gary Taylor measures it as the sixth most popular of Shakespeare’s plays, in the period after the death of Christopher Marlowe and Thomas Kyd but before the ascendancy of Ben Jonson during which Shakespeare was London’s dominant playwright.^[108][f] The date of the first performance is unknown. The First Quarto, printed in 1597, reads «it hath been often (and with great applause) plaid publiquely», setting the first performance before that date. The Lord Chamberlain’s Men were certainly the first to perform it. Besides their strong connections with Shakespeare, the Second Quarto actually names one of its actors, Will Kemp, instead of Peter, in a line in Act V. Richard Burbage was probably the first Romeo, being the company’s actor; and Master Robert Goffe (a boy), the first Juliet.^[106] The premiere is likely to have been at The Theatre, with other early productions at the Curtain.^[109] Romeo and Juliet is one of the first Shakespeare plays to have been performed outside England: a shortened and simplified version was performed in Nördlingen in 1604.^[110]

Restoration and 18th-century theatre

All theatres were closed down by the puritan government on 6 September 1642. Upon the restoration of the monarchy in 1660, two patent companies (the King’s Company and the Duke’s Company) were established, and the existing theatrical repertoire was divided between them.^[111]

Sir William Davenant of the Duke’s Company staged a 1662 adaptation in which Henry Harris played Romeo, Thomas Betterton Mercutio, and Betterton’s wife Mary Saunderson Juliet: she was probably the first woman to play the role professionally.^[112] Another version closely followed Davenant’s adaptation and was also regularly performed by the Duke’s Company. This was a tragicomedy by James Howard, in which the two lovers survive.^[113]

Thomas Otway’s The History and Fall of Caius Marius, one of the more extreme of the Restoration adaptations of Shakespeare, debuted in 1680. The scene is shifted from Renaissance Verona to ancient Rome; Romeo is Marius, Juliet is Lavinia, the feud is between patricians and plebeians; Juliet/Lavinia wakes from her potion before Romeo/Marius dies. Otway’s version was a hit, and was acted for the next seventy years.^[112] His innovation in the closing scene was even more enduring, and was used in adaptations throughout the next 200 years: Theophilus Cibber’s adaptation of 1744, and David Garrick’s of 1748 both used variations on it.^[114] These versions also eliminated elements deemed inappropriate at the time. For example, Garrick’s version transferred all language describing Rosaline to Juliet, to heighten the idea of faithfulness and downplay the love-at-first-sight theme.^[115][116] In 1750, a «Battle of the Romeos» began, with Spranger Barry and Susannah Maria Arne (Mrs. Theophilus Cibber) at Covent Garden versus David Garrick and George Anne Bellamy at Drury Lane.^[117]

The earliest known production in North America was an amateur one: on 23 March 1730, a physician named Joachimus Bertrand placed an advertisement in the Gazette newspaper in New York, promoting a production in which he would play the apothecary.^[118] The first professional performances of the play in North America were those of the Hallam Company.^[119]

19th-century theatre

Garrick’s altered version of the play was very popular, and ran for nearly a century.^[112] Not until 1845 did Shakespeare’s original return to the stage in the United States with the sisters Susan and Charlotte Cushman as Juliet and Romeo, respectively,^[120] and then in 1847 in Britain with Samuel Phelps at Sadler’s Wells Theatre.^[121] Cushman adhered to Shakespeare’s version, beginning a string of eighty-four performances. Her portrayal of Romeo was considered genius by many. The Times wrote: «For a long time Romeo has been a convention. Miss Cushman’s Romeo is a creative, a living, breathing, animated, ardent human being.»^[122][120] Queen Victoria wrote in her journal that «no-one would ever have imagined she was a woman».^[123] Cushman’s success broke the Garrick tradition and paved the way for later performances to return to the original storyline.^[112]

Professional performances of Shakespeare in the mid-19th century had two particular features: firstly, they were generally star vehicles, with supporting roles cut or marginalised to give greater prominence to the central characters. Secondly, they were «pictorial», placing the action on spectacular and elaborate sets (requiring lengthy pauses for scene changes) and with the frequent use of tableaux.^[124] Henry Irving’s 1882 production at the Lyceum Theatre (with himself as Romeo and Ellen Terry as Juliet) is considered an archetype of the pictorial style.^[125] In 1895, Sir Johnston Forbes-Robertson took over from Irving and laid the groundwork for a more natural portrayal of Shakespeare that remains popular today. Forbes-Robertson avoided the showiness of Irving and instead portrayed a down-to-earth Romeo, expressing the poetic dialogue as realistic prose and avoiding melodramatic flourish.^[126]

American actors began to rival their British counterparts. Edwin Booth (brother to John Wilkes Booth) and Mary McVicker (soon to be Edwin’s wife) opened as Romeo and Juliet at the sumptuous Booth’s Theatre (with its European-style stage machinery, and an air conditioning system unique in New York) on 3 February 1869. Some reports said it was one of the most elaborate productions of Romeo and Juliet ever seen in America; it was certainly the most popular, running for over six weeks and earning over $60,000 (equivalent to $1,000,000 in 2021).^[127][g][h] The programme noted that: «The tragedy will be produced in strict accordance with historical propriety, in every respect, following closely the text of Shakespeare.»^[i]

The first professional performance of the play in Japan may have been George Crichton Miln’s company’s production, which toured to Yokohama in 1890.^[128] Throughout the 19th century, Romeo and Juliet had been Shakespeare’s most popular play, measured by the number of professional performances. In the 20th century it would become the second most popular, behind Hamlet.^[129]

20th-century theatre

In 1933, the play was revived by actress Katharine Cornell and her director husband Guthrie McClintic and was taken on a seven-month nationwide tour throughout the United States. It starred Orson Welles, Brian Aherne and Basil Rathbone. The production was a modest success, and so upon the return to New York, Cornell and McClintic revised it, and for the first time the play was presented with almost all the scenes intact, including the Prologue. The new production opened on Broadway in December 1934. Critics wrote that Cornell was «the greatest Juliet of her time», «endlessly haunting», and «the most lovely and enchanting Juliet our present-day theatre has seen».^[130]

John Gielgud’s New Theatre production in 1935 featured Gielgud and Laurence Olivier as Romeo and Mercutio, exchanging roles six weeks into the run, with Peggy Ashcroft as Juliet.^[131] Gielgud used a scholarly combination of Q1 and Q2 texts and organised the set and costumes to match as closely as possible the Elizabethan period. His efforts were a huge success at the box office, and set the stage for increased historical realism in later productions.^[132] Olivier later compared his performance and Gielgud’s: «John, all spiritual, all spirituality, all beauty, all abstract things; and myself as all earth, blood, humanity … I’ve always felt that John missed the lower half and that made me go for the other … But whatever it was, when I was playing Romeo I was carrying a torch, I was trying to sell realism in Shakespeare.»^[133]

Peter Brook’s 1947 version was the beginning of a different style of Romeo and Juliet performances. Brook was less concerned with realism, and more concerned with translating the play into a form that could communicate with the modern world. He argued, «A production is only correct at the moment of its correctness, and only good at the moment of its success.»^[134] Brook excluded the final reconciliation of the families from his performance text.^[135]

Throughout the century, audiences, influenced by the cinema, became less willing to accept actors distinctly older than the teenage characters they were playing.^[136] A significant example of more youthful casting was in Franco Zeffirelli’s Old Vic production in 1960, with John Stride and Judi Dench, which would serve as the basis for his 1968 film.^[135] Zeffirelli borrowed from Brook’s ideas, altogether removing around a third of the play’s text to make it more accessible. In an interview with The Times, he stated that the play’s «twin themes of love and the total breakdown of understanding between two generations» had contemporary relevance.^[135][j]

Recent performances often set the play in the contemporary world. For example, in 1986, the Royal Shakespeare Company set the play in modern Verona. Switchblades replaced swords, feasts and balls became drug-laden rock parties, and Romeo committed suicide by hypodermic needle.
Neil Bartlett’s production of Romeo and Juliet themed the play very contemporary with a cinematic look which started its life at the Lyric Hammersmith, London then went to West Yorkshire Playhouse for an exclusive run in 1995. The cast included Emily Woof as Juliet, Stuart Bunce as Romeo, Sebastian Harcombe as Mercutio, Ashley Artus as Tybalt, Souad Faress as Lady Capulet and Silas Carson as Paris.^[138] In 1997, the Folger Shakespeare Theatre produced a version set in a typical suburban world. Romeo sneaks into the Capulet barbecue to meet Juliet, and Juliet discovers Tybalt’s death while in class at school.^[139]

The play is sometimes given a historical setting, enabling audiences to reflect on the underlying conflicts. For example, adaptations have been set in the midst of the Israeli–Palestinian conflict,^[140] in the apartheid era in South Africa,^[141] and in the aftermath of the Pueblo Revolt.^[142] Similarly, Peter Ustinov’s 1956 comic adaptation, Romanoff and Juliet, is set in a fictional mid-European country in the depths of the Cold War.^[143] A mock-Victorian revisionist version of Romeo and Juliet‘s final scene (with a happy ending, Romeo, Juliet, Mercutio, and Paris restored to life, and Benvolio revealing that he is Paris’s love, Benvolia, in disguise) forms part of the 1980 stage-play The Life and Adventures of Nicholas Nickleby.^[144] Shakespeare’s R&J, by Joe Calarco, spins the classic in a modern tale of gay teenage awakening.^[145] A recent comedic musical adaptation was The Second City’s Romeo and Juliet Musical: The People vs. Friar Laurence, the Man Who Killed Romeo and Juliet, set in modern times.^[146]

In the 19th and 20th centuries, Romeo and Juliet has often been the choice of Shakespeare plays to open a classical theatre company, beginning with Edwin Booth’s inaugural production of that play in his theatre in 1869, the newly re-formed company of the Old Vic in 1929 with John Gielgud, Martita Hunt, and Margaret Webster,^[147] as well as the Riverside Shakespeare Company in its founding production in New York City in 1977, which used the 1968 film of Franco Zeffirelli’s production as its inspiration.^[148]

21st-century theatre

In 2013, Romeo and Juliet ran on Broadway at Richard Rodgers Theatre from 19 September to 8 December for 93 regular performances after 27 previews starting on 24 August with Orlando Bloom and Condola Rashad in the starring roles.^[149]

Ballet

The best-known ballet version is Prokofiev’s Romeo and Juliet.^[150] Originally commissioned by the Kirov Ballet, it was rejected by them when Prokofiev attempted a happy ending and was rejected again for the experimental nature of its music. It has subsequently attained an «immense» reputation, and has been choreographed by John Cranko (1962) and Kenneth MacMillan (1965) among others.^[151]

In 1977, Michael Smuin’s production of one of the play’s most dramatic and impassioned dance interpretations was debuted in its entirety by San Francisco Ballet. This production was the first full-length ballet to be broadcast by the PBS series «Great Performances: Dance in America»; it aired in 1978.^[152]

Dada Masilo, a South African dancer and choreographer, reinterpreted Romeo and Juliet in a new modern light. She introduced changes to the story, notably that of presenting the two families as multiracial.^[153]

Music

At least 24 operas have been based on Romeo and Juliet.^[156] The earliest, Romeo und Julie in 1776, a Singspiel by Georg Benda, omits much of the action of the play and most of its characters and has a happy ending. It is occasionally revived. The best-known is Gounod’s 1867 Roméo et Juliette (libretto by Jules Barbier and Michel Carré), a critical triumph when first performed and frequently revived today.^[157][158] Bellini’s I Capuleti e i Montecchi is also revived from time to time, but has sometimes been judged unfavourably because of its perceived liberties with Shakespeare; however, Bellini and his librettist, Felice Romani, worked from Italian sources—principally Romani’s libretto for Giulietta e Romeo by Nicola Vaccai—rather than directly adapting Shakespeare’s play.^[159] Among later operas, there is Heinrich Sutermeister’s 1940 work Romeo und Julia.^[160]

Roméo et Juliette by Berlioz is a «symphonie dramatique», a large-scale work in three parts for mixed voices, chorus, and orchestra, which premiered in 1839.^[161] Tchaikovsky’s Romeo and Juliet Fantasy-Overture (1869, revised 1870 and 1880) is a 15-minute symphonic poem, containing the famous melody known as the «love theme».^[162] Tchaikovsky’s device of repeating the same musical theme at the ball, in the balcony scene, in Juliet’s bedroom and in the tomb^[163] has been used by subsequent directors: for example, Nino Rota’s love theme is used in a similar way in the 1968 film of the play, as is Des’ree’s «Kissing You» in the 1996 film.^[164] Other classical composers influenced by the play include Henry Hugh Pearson (Romeo and Juliet, overture for orchestra, Op. 86), Svendsen (Romeo og Julie, 1876), Delius (A Village Romeo and Juliet, 1899–1901), Stenhammar (Romeo och Julia, 1922), and Kabalevsky (Incidental Music to Romeo and Juliet, Op. 56, 1956).^[165]

The play influenced several jazz works, including Peggy Lee’s «Fever».^[155] Duke Ellington’s Such Sweet Thunder contains a piece entitled «The Star-Crossed Lovers»^[166] in which the pair are represented by tenor and alto saxophones: critics noted that Juliet’s sax dominates the piece, rather than offering an image of equality.^[167] The play has frequently influenced popular music, including works by The Supremes, Bruce Springsteen, Tom Waits, Lou Reed,^[168] and Taylor Swift.^[169] The most famous such track is Dire Straits’ «Romeo and Juliet».^[170]

The most famous musical theatre adaptation is West Side Story with music by Leonard Bernstein and lyrics by Stephen Sondheim. It débuted on Broadway in 1957 and in the West End in 1958 and was twice adapted as popular films in 1961 and in 2021. This version updated the setting to mid-20th-century New York City and the warring families to ethnic gangs.^[171] Other musical adaptations include Terrence Mann’s 1999 rock musical William Shakespeare’s Romeo and Juliet, co-written with Jerome Korman;^[172] Gérard Presgurvic’s 2001 Roméo et Juliette, de la Haine à l’Amour; Riccardo Cocciante’s 2007 Giulietta & Romeo^[173] and Johan Christher Schütz; and Johan Petterssons’s 2013 adaptation Carnival Tale (Tivolisaga), which takes place at a travelling carnival.^[174]

Literature and art

Romeo and Juliet had a profound influence on subsequent literature. Before then, romance had not even been viewed as a worthy topic for tragedy.^[175] In Harold Bloom’s words, Shakespeare «invented the formula that the sexual becomes the erotic when crossed by the shadow of death».^[176] Of Shakespeare’s works, Romeo and Juliet has generated the most—and the most varied—adaptations, including prose and verse narratives, drama, opera, orchestral and choral music, ballet, film, television, and painting.^[177][k] The word «Romeo» has even become synonymous with «male lover» in English.^[178]

Romeo and Juliet was parodied in Shakespeare’s own lifetime: Henry Porter’s Two Angry Women of Abingdon (1598) and Thomas Dekker’s Blurt, Master Constable (1607) both contain balcony scenes in which a virginal heroine engages in bawdy wordplay.^[179] The play directly influenced later literary works. For example, the preparations for a performance form a major plot in Charles Dickens’ Nicholas Nickleby.^[180]

Romeo and Juliet is one of Shakespeare’s most-illustrated works.^[181] The first known illustration was a woodcut of the tomb scene,^[182] thought to be created by Elisha Kirkall, which appeared in Nicholas Rowe’s 1709 edition of Shakespeare’s plays.^[183] Five paintings of the play were commissioned for the Boydell Shakespeare Gallery in the late 18th century, one representing each of the five acts of the play.^[184] Early in the 19th century, Henry Thomson painted Juliet after the Masquerade, an engraving. of which was published in The Literary Souvenir, 1828, with an accompanying poem by Letitia Elizabeth Landon. The 19th-century fashion for «pictorial» performances led to directors’ drawing on paintings for their inspiration, which, in turn, influenced painters to depict actors and scenes from the theatre.^[185] In the 20th century, the play’s most iconic visual images have derived from its popular film versions.^[186]

David Blixt’s 2007 novel The Master Of Verona imagines the origins of the famous Capulet-Montague feud, combining the characters from Shakespeare’s Italian plays with the historical figures of Dante’s time.^[187] Blixt’s subsequent novels Voice Of The Falconer (2010), Fortune’s Fool (2012), and The Prince’s Doom (2014) continue to explore the world, following the life of Mercutio as he comes of age. More tales from Blixt’s Star-Cross’d series appear in Varnished Faces: Star-Cross’d Short Stories (2015) and the plague anthology, We All Fall Down (2020). Blixt also authored Shakespeare’s Secrets: Romeo & Juliet (2018), a collection of essays on the history of Shakespeare’s play in performance, in which Blixt asserts the play is structurally not a Tragedy, but a Comedy-Gone-Wrong. In 2014 Blixt and his wife, stage director Janice L Blixt, were guests of the city of Verona, Italy for the launch of the Italian language edition of The Master Of Verona, staying with Dante’s descendants and filmmaker Anna Lerario, with whom Blixt collaborated on a film about the life of Veronese prince Cangrande della Scala.^[188][189]

Lois Leveen’s 2014 novel Juliet’s Nurse imagined the fourteen years leading up to the events in the play from the point of view of the nurse. The nurse has the third largest number of lines in the original play; only the eponymous characters have more lines.^[190]

The play was the subject of a 2017 General Certificate of Secondary Education (GCSE) question by the Oxford, Cambridge and RSA Examinations board that was administered to c. 14000 students. The board attracted widespread media criticism and derision after the question appeared to confuse the Capulets and the Montagues,^{[191][192][193]} with exams regulator Ofqual describing the error as unacceptable.^[194]

Romeo and Juliet was adapted into manga format by publisher UDON Entertainment’s Manga Classics imprint and was released in May 2018.^[195]

Screen

Romeo and Juliet may be the most-filmed play of all time.^[196] The most notable theatrical releases were George Cukor’s multi-Oscar-nominated 1936 production, Franco Zeffirelli’s 1968 version, and Baz Luhrmann’s 1996 MTV-inspired Romeo + Juliet. The latter two were both, in their time, the highest-grossing Shakespeare film ever.^[197] Romeo and Juliet was first filmed in the silent era, by Georges Méliès, although his film is now lost.^[196] The play was first heard on film in The Hollywood Revue of 1929, in which John Gilbert recited the balcony scene opposite Norma Shearer.^[198]

Shearer and Leslie Howard, with a combined age over 75, played the teenage lovers in George Cukor’s MGM 1936 film version. Neither critics nor the public responded enthusiastically. Cinema-goers considered the film too «arty», staying away as they had from Warner’s A Midsummer Night’s Dream a year before: leading to Hollywood abandoning the Bard for over a decade.^[199] Renato Castellani won the Grand Prix at the Venice Film Festival for his 1954 film of Romeo and Juliet.^[200] His Romeo, Laurence Harvey, was already an experienced screen actor.^[201] By contrast, Susan Shentall, as Juliet, was a secretarial student who was discovered by the director in a London pub and was cast for her «pale sweet skin and honey-blonde hair».^[202][l]

Stephen Orgel describes Franco Zeffirelli’s 1968 Romeo and Juliet as being «full of beautiful young people, and the camera and the lush technicolour make the most of their sexual energy and good looks».^[186] Zeffirelli’s teenage leads, Leonard Whiting and Olivia Hussey, had virtually no previous acting experience but performed capably and with great maturity.^[203][204] Zeffirelli has been particularly praised,^[m] for his presentation of the duel scene as bravado getting out-of-control.^[206] The film courted controversy by including a nude wedding-night scene^[207] while Olivia Hussey was only fifteen.^[208]

Baz Luhrmann’s 1996 Romeo + Juliet and its accompanying soundtrack successfully targeted the «MTV Generation»: a young audience of similar age to the story’s characters.^[209] Far darker than Zeffirelli’s version, the film is set in the «crass, violent and superficial society» of Verona Beach and Sycamore Grove.^[210] Leonardo DiCaprio was Romeo and Claire Danes was Juliet.

The play has been widely adapted for TV and film. In 1960, Peter Ustinov’s cold-war stage parody, Romanoff and Juliet was filmed.^[143] The 1961 film West Side Story—set among New York gangs—featured the Jets as white youths, equivalent to Shakespeare’s Montagues, while the Sharks, equivalent to the Capulets, are Puerto Rican.^[211] In 2006, Disney’s High School Musical made use of Romeo and Juliet‘s plot, placing the two young lovers in different high-school cliques instead of feuding families.^[212] Film-makers have frequently featured characters performing scenes from Romeo and Juliet.^[213][n] The conceit of dramatising Shakespeare writing Romeo and Juliet has been used several times,^[214][215] including John Madden’s 1998 Shakespeare in Love, in which Shakespeare writes the play against the backdrop of his own doomed love affair.^[216][217] An anime series produced by Gonzo and SKY Perfect Well Think, called Romeo x Juliet, was made in 2007 and the 2013 version is the latest English-language film based on the play. In 2013, Sanjay Leela Bhansali directed the Bollywood film Goliyon Ki Raasleela Ram-Leela, a contemporary version of the play which starred Ranveer Singh and Deepika Padukone in leading roles. The film was a commercial and critical success.^[218][219] In February 2014, BroadwayHD released a filmed version of the 2013 Broadway Revival of Romeo and Juliet. The production starred Orlando Bloom and Condola Rashad.^[220]

Modern social media and virtual world productions

In April and May 2010, the Royal Shakespeare Company and the Mudlark Production Company presented a version of the play, entitled Such Tweet Sorrow, as an improvised, real-time series of tweets on Twitter. The production used RSC actors who engaged with the audience as well each other, performing not from a traditional script but a «Grid» developed by the Mudlark production team and writers Tim Wright and Bethan Marlow. The performers also make use of other media sites such as YouTube for pictures and video.^[221]

Astronomy

Two of Uranus’s moons, Juliet and Mab, are named for the play.^[222]

Scene by scene

• 

  Title page of the Second Quarto of Romeo and Juliet published in 1599

• 

  Act I prologue

• 

  Act I scene 1: Quarrel between Capulets and Montagues

• 

  Act I scene 2

• 

  Act I scene 3

• 

  Act I scene 4

• 

  Act I scene 5

• 

  Act I scene 5: Romeo’s first interview with Juliet

• 

  Act II prologue

• 

  Act II scene 3

• 

  Act II scene 5: Juliet intreats her nurse

• 

  Act II scene 6

• 

  Act III scene 5: Romeo takes leave of Juliet

• 

  Act IV scene 5: Juliet’s fake death

• 

  Act IV scene 5: Another depiction

• 

  Act V scene 3: Juliet awakes to find Romeo dead

See also

• Pyramus and Thisbe
• Lovers of Cluj-Napoca
• Lovers of Teruel
• Antony and Cleopatra
• Tristan and Iseult
• Mem and Zin

Notes and references

Notes

References

All references to Romeo and Juliet, unless otherwise specified, are taken from the Arden Shakespeare second edition (Gibbons, 1980) based on the Q2 text of 1599, with elements from Q1 of 1597.^[223] Under its referencing system, which uses Roman numerals, II.ii.33 means act 2, scene 2, line 33, and a 0 in place of a scene number refers to the prologue to the act.

Sources

Editions of Romeo and Juliet

Secondary sources

External links

• Romeo and Juliet at Standard Ebooks
• Romeo and Juliet at Project Gutenberg
• Romeo and Juliet at the British Library
• Romeo and Juliet HTML version at MIT
• Romeo and Juliet Complete Annotated Text on One Page Without Ads or Images
• Romeo and Juliet HTML Annotated Play
• Easy Read Romeo and Juliet Full text with portraits and location drawings to make the play easy to follow from the printed page.
• Romeo and Juliet public domain audiobook at LibriVox

трагедия Уильяма Шекспира

Ромео и Джульетта
Картина маслом 1870 года художника Форда Мэдокса Брауна изображающая сцену балкона пьесы
Автор	Уильям Шекспир
Персонажи	Ромео Джульетта Граф Пэрис Меркуцио Тибальт Медсестра Розалина Бенволио Брат Лоуренс
Дата премьеры	Неизвестно (1595–1597, до публикации Первой четверти)
Исходный язык	английский
Серия	Первая четверть
Тема	Любовь
Жанр	Шекспировская трагедия
Сеттинг	Италия (Верона и Мантуя ), 16 век

Ромео и Джульетта — это трагедия, написанная Уильямом Шекспиром в начале своей карьеры о двух молодых скрещенных звездах любовники, чья смерть в конечном итоге примирит их враждующие семьи. Это была одна из самых популярных пьес Шекспира при его жизни и, наряду с Гамлетом, одна из его наиболее часто исполняемых пьес. Сегодня главные герои считаются архетипическими юными любовниками.

Ромео и Джульетта принадлежит к традиции трагических романсов, уходящей корнями в глубокую древность. Сюжет основан на итальянской сказке, переведенной в стихах как Трагическая история Ромея и Джульетты Артуром Бруком в 1562 году и пересказанной в прозе в Palace of Pleasure Автор Уильям Пейнтер в 1567 году. Шекспир в значительной степени позаимствовал у обоих, но расширил сюжет, развивая ряд второстепенных персонажей, в частности Меркуцио и Пэрис. Считается, что она была написана между 1591 и 1595 годами, пьеса была впервые опубликована в версии кварто в 1597 году. Однако текст первой версии кварто был низкого качества, и в более поздних изданиях текст был исправлен. ближе к оригиналу Шекспира.

Использование Шекспиром своей поэтической драматической структуры (особенно такие эффекты, как переключение между комедией и трагедией для усиления напряжения, его расширение второстепенных персонажей и использование им дополнительных сюжетов для украшения истории) был оценен как ранний признак его драматического мастерства. В пьесе разным персонажам приписываются разные поэтические формы, иногда меняющие форму по мере развития персонажа. Ромео, например, становится более искусным в сонете по ходу пьесы.

«Ромео и Джульетта» много раз адаптировали для сцены, кино, музыкальных и оперных сцен. Во время английской реставрации он был возрожден и сильно переработан Уильямом Дэвенантом. Версия Дэвида Гаррика 18-го века также изменила несколько сцен, удалив материал, который тогда считался неприличным, а Георг Бенда Ромео и Джули опустил большую часть действия и использовал счастливый конец. Спектакли 19 века, в том числе спектакли Шарлотты Кушман, восстановили исходный текст и сосредоточились на большем реализме. Версия Джона Гилгуда 1935 года была очень близка к тексту Шекспира и использовала елизаветинские костюмы и постановку для усиления драмы. В 20-м и 21-м веках пьеса была адаптирована в таких разнообразных версиях, как фильм Джорджа Кьюкора 1936 года Ромео и Джульетта, Франко Дзеффирелли ‘ s Версия 1968 года Ромео и Джульетта и Баз Лурманн в 1996 году, вдохновленный MTV Ромео + Джульетта.

Содержание

• 1 Персонажи
• 2 Краткое содержание
• 3 Источники
• 4 Дата и текст
• 5 Темы и мотивы
  • 5.1 Любовь
  • 5.2 Судьба и случай
  • 5.3 Двойственность (свет и тьма)
  • 5.4 Время
• 6 Критика и интерпретация
  • 6.1 Критическая история
  • 6.2 Драматическая структура
  • 6.3 Язык
  • 6.4 Психоаналитическая критика
  • 6.5 Феминистская критика
  • 6.6 Квир-теория
  • 6.7 Сцена на балконе
• 7 Наследие
  • 7.1 День Шекспира
  • 7.2 Реставрация и театр XVIII века
  • 7.3 Театр XIX века
  • 7.4 Театр XX века
    • 7.4.1 Балет
  • 7.5 Музыка
  • 7.6 Литература и искусство
  • 7.7 Экран
  • 7.8 Современные социальные сети и создание виртуального мира
• 8 Сцена за сценой
• 9 См. Также
• 10 Примечания и ссылки
  • 10.1 Примечания
  • 10.2 Ссылки
• 11 Источники
  • 11.1 Издания «Ромео и Джульетты»
  • 11.2 Вторичные источники
• 12 Внешние ссылки

Персонажи

Правящие дом Вероны

• Принц Эскал — правящий принц Вероны.
• Граф Париж — родственник Эскала, который хочет жениться на Джульетте.
• Меркуцио — еще один родственник Эскал, друг Ромео.

Дом Капулетти

• Капулетти — патриарх дома Капулетти.
• Леди Капулетти — матриарх дома Капулетти.
• Джульетта. Капулетти — 13-летняя дочь Капулетти, главной героини пьесы.
• Тибальт — двоюродный брат Джульетты, племянника леди Капулетти.
• Медсестра — личное дело Джульетты. слуга и наперсница.
• Розалин — племянница лорда Капулетти, любовь Ромео в начале истории.
• Питер, Сэмпсон и Грегори — слуги дома Капулетти.

Дом Монтекки.

• Монтегю — патриарх дома
• Леди Монтегю — матриарх дома Монтегю.
• Ромео Монтегю, сын Монтегю, — главный герой пьесы.
• Бенволио двоюродный брат Ромео и лучший друг.
• Абрам и Бальтазар — слуги в доме Монтегю.

Другие

• Брат Лоуренс — монах-францисканец и доверенное лицо Ромео.
• Брат Иоанн отправляется доставить письмо брата Лоуренса Ромео.
• Аптекарь, который неохотно продает Ромео яд.
• Хор читает пролог каждому из первых два действия.

Сводка

L’ultimo bacio dato a Giulietta da Romeo Франческо Хайес. Холст, масло, 1823 год.

Действие пьесы, действие которой происходит в Вероне, Италии, начинается с уличной драки между Монтегю и Капулетти <117.>Слуги, которые, как и их хозяева, являются заклятыми врагами. Принц Вероны Эскал вмешивается и заявляет, что дальнейшее нарушение мира карается смертью. Позже граф Пэрис разговаривает с Капулетти о женитьбе на его дочери Джульетте, но Капулетти просит Пэрис подождать еще два года и приглашает его на запланированный бал Капулетти . Леди Капулетти и няня Джульетты пытаются убедить Джульетту принять ухаживания Пэрис.

Тем временем Бенволио разговаривает со своим кузеном Ромео, сыном Монтегю, о недавней депрессии Ромео. Бенволио обнаруживает, что это происходит из-за безответного увлечения девушкой по имени Розалин, одной из племянниц Капулетти. Убежденный Бенволио и Меркуцио, Ромео приходит на бал в доме Капулетти в надежде встретить Розалину. Однако вместо этого Ромео встречает и влюбляется в Джульетту. Двоюродный брат Джульетты, Тибальт, разгневан на Ромео за то, что тот пробрался в мяч, но его остановил только отец Джульетты, который не желает проливать кровь в своем доме. После бала, в том, что сейчас называется «сценой на балконе», Ромео пробирается в сад Капулетти и подслушивает у окна Джульетту, которая клянется ему в любви, несмотря на ненависть ее семьи к Монтекки. Ромео дает ей знать о себе, и они соглашаются пожениться. С помощью брата Лоуренса, который надеется примирить две семьи через союз своих детей, на следующий день они тайно женятся.

Тибальт, тем временем, все еще разгневанный тем, что Ромео пробрался на бал Капулетти, вызывает его на дуэль. Ромео, теперь считающий Тибальта своим родственником, отказывается сражаться. Меркуцио оскорблен дерзостью Тибальта, а также «гнусной покорностью» Ромео, и соглашается на дуэль от имени Ромео. Меркуцио смертельно ранен, когда Ромео пытается прервать бой. Убитый горем и охваченный чувством вины, Ромео противостоит Тибальту и убивает его.

Бенволио утверждает, что Ромео справедливо казнил Тибальта за убийство Меркуцио. Принц, потерявший родственника во вражде враждующих семей, изгоняет Ромео из Вероны под страхом смерти, если он когда-либо вернется. Ромео тайно проводит ночь в покоях Джульетты, где они завершают свой брак. Капулетти, неверно истолковав горе Джульетты, соглашается выдать ее замуж за графа Париса и угрожает отречься от нее, когда она отказывается стать «радостной невестой» Парижа. Когда она затем умоляет отложить брак, ее мать отвергает ее.

Джульетта приходит к брату Лоуренсу за помощью, и он предлагает ей зелье, которое погрузит ее в смертельную кому или каталепсию на «два сорока часа». Монах обещает послать гонца, чтобы сообщить Ромео о плане, чтобы он мог присоединиться к ней, когда она проснется. В ночь перед свадьбой она принимает наркотик и, когда ее обнаруживают мертвой, ее кладут в семейный склеп.

Посланник, однако, не достигает Ромео, и вместо этого Ромео узнает о очевидной смерти Джульетты от своего слуги Бальтазара. Убитый горем, Ромео покупает яд у аптекаря и отправляется в склеп Капулетти . Он встречает Пэрис, которая наедине пришла оплакивать Джульетту. Полагая, что Ромео вандал, Пэрис противостоит ему, и в завязавшейся битве Ромео убивает Пэрис. Все еще веря, что Джульетта мертва, он выпивает яд. Затем Джульетта просыпается и, обнаружив, что Ромео мертв, пронзает себя кинжалом и присоединяется к нему в смерти. Враждующие семьи и принц встречаются у гробницы, чтобы найти всех троих мертвыми. Брат Лоуренс рассказывает историю двух «влюбленных в звездный крест». Семьи примиряются смертью своих детей и соглашаются прекратить жестокую вражду. Пьеса заканчивается элегией принца для влюбленных: «Ибо никогда не было более печальной истории, чем эта история Джульетты и ее Ромео».

Источники

Титульный лист Артур Брук <117 Поэма «Ромей и Джульетта»

«Ромео и Джульетта» заимствует традицию трагических любовных историй, восходящих к античности. Один из них — Пирам и Фисба из книги Метаморфозы Овидия, которая содержит параллели с историей Шекспира: родители влюбленных презирают друг друга, а Пирам ложно считает, что его возлюбленная Тисба мертва. Эфесиака из Ксенофонт Эфесский, написанный в III веке, также содержит несколько общих черт с пьесой, в том числе разделение влюбленных и зелье, вызывающее смертельный сон. 91>

Одно из самых ранних упоминаний имен Монтекки и Капулетти от Данте Божественная комедия, в котором упоминаются Монтекки (Монтекки) и Капеллетти (Капулетти) в Песнь шестая из Чистилище :

Пойдем и посмотрим, вы, небрежные,. Монтекки и Капулетти, Мональди и Филиппески. Один из них уже скорбит, другой в страхе.

Однако ссылка такова. часть полемики против морального разложения Флоренции, Ломбардии и Итальянского полуострова в целом; Данте через своих персонажей наказывает немецкого короля Альберта I за пренебрежение своими обязанностями по отношению к Италии («вы, небрежные») и последующих пап. за их посягательство на чисто духовные дела, что привело к атмосфере непрерывных споров и войн между соперничающими политическими партиями в Ломбардии. История зафиксировала, что имя семьи Монтегю было одолжено такой политической партии в Вероне, а имя Капулетти — как из кремонской семьи, оба из которых разыгрывают свой конфликт в Ломбардия в целом, а не в пределах Вероны. Объединившись с соперничающими политическими фракциями, стороны скорбят («одна партия уже скорбит»), потому что их бесконечная война привела к разрушению обеих сторон, а не горе от потери их злополучного потомства, как разворачивается в пьесе. который в этом контексте кажется исключительно поэтическим творением.

Самая ранняя известная версия сказки «Ромео и Джульетта», родственная пьесе Шекспира, — это история Мариотто и Джаноцца Мазуччо Салернитано в 33-м романе его «Новеллино», опубликованном в 1476 году. Салернитано рассказывает историю Сиены и настаивает на том, что ее события произошли при его жизни. Его версия истории включает тайный брак, вступившего в сговор монаха, драку, в которой был убит известный гражданин, изгнание Мариотто, принудительный брак Джаноццы, заговор с зельями и важное сообщение, которое сбивается с пути. В этой версии Мариотто пойман и обезглавлен, а Джаноцца умирает от горя.

Луиджи да Порту (1485–1529) адаптировал рассказ как «Джульетта и Ромео» и включил его в свою «Историю новелламенте ритровата ди должного Нобили Аманти», написанную в 1524 г. и опубликовано посмертно в 1531 г. в Венеции. Да Порто опирался на Пирама и Тисбу, Боккаччо Декамерон и Мариотто и Ганоцца Салернитано, но вполне вероятно, что его рассказ также автобиографичен: он присутствует как солдат на балу. 26 февраля 1511 года, в резиденции клана Саворньян в Удине, после мирной церемонии с противоположным Струмьери, да Порту влюбился в Люсину, дочь дома, но отношения их наставников помешали продвижению.. На следующее утро саворгнаны напали на город, и многие члены Струмиери были убиты. Когда годы спустя, наполовину парализованный боевой травмой, он написал Giulietta e Romeo в Montorso Vicentino (откуда он мог видеть «замки» Вероны ), он посвятил новелла к беллисиме и мадонне леггиадра Люсине Саворньян. Да Порту представил свою историю как историческую правду и утверждал, что она произошла, по крайней мере, на столетие раньше, чем это было у Салернитано, в те дни, когда Вероной правил Бартоломео делла Скала (англ. принц Эскал ).

Да Порто дал Ромео и Джульетте большую часть его современной формы, включая имена влюбленных, соперничающих семейств Монтекки и Капулети, а также местоположение в Вероне. Он назвал монаха Лоуренс (братство Лоренцо) и представил персонажей Меркуцио (Маркуцио Гертио), Тибальт (Тебальдо Каппеллети), граф Пэрис (conti (Paride) di Лодроне ), верный слуга и няня Джульетты. Да Порту создал оставшиеся основные элементы истории: враждующие семьи, Ромео, оставленный его любовницей, встреча с Джульеттой на танцах в ее доме, любовные сцены (включая сцену на балконе), периоды отчаяния, убийство Ромео двоюродного брата Джульетты (Тебальдо) и примирение семей после самоубийств влюбленных. В версии да Порту Ромео принимает яд, а Джульетта пронзает себя своим кинжалом.

В 1554 Маттео Банделло опубликовал второй том своей новеллы, в которую вошла его версия «Джулетты и Ромео», вероятно, написан между 1531 и 1545 годами. Банделло расширил и утяжелил сюжет, оставив при этом сюжетную линию в основном неизменной (хотя он действительно представил Бенволио ). Рассказ Банделло был переведен на французский Пьером Боисту в 1559 году в первом томе его «Трагических историй». Боайстуау добавляет много морализаторов и настроений, а персонажи предаются риторическим вспышкам.

В своей повествовательной поэме 1562 Трагическая история Ромея и Джульетты Артур Брук перевел Боаистуау точно, но скорректирован, чтобы отразить части Троила и Крисейды Чосера. Среди писателей и драматургов была тенденция публиковать произведения, основанные на итальянских новеллах — итальянские сказки были очень популярны среди театралов — и Шекспир, возможно, был знаком со сборником итальянских сказок 1567 года Уильяма Пейнтера под названием Дворец удовольствий. В этот сборник вошла прозаическая версия повести «Ромео и Джульетта» под названием «Прекрасная история настоящей и постоянной любви Ромео и Джульетты». Шекспир воспользовался этой популярностью: Венецианский купец, Много шума из ничего, Все хорошо, что хорошо кончается, Мера за меру, а «Ромео и Джульетта» — все из итальянских романов. «Ромео и Джульетта» — это инсценировка перевода Брука, и Шекспир внимательно следует поэме, но добавляет дополнительные детали как к главным, так и второстепенным персонажам (в частности, к Медсестре и Меркуцио).

Кристофер Марлоу Герой и Леандер и Дидона, королева Карфагена, обе похожие истории, написанные во времена Шекспира, не имеют прямого влияния, хотя они, возможно, помогли создать атмосферу, в которой могли процветать трагические любовные истории..

Дата и текст

Титульный лист первого издания

Неизвестно, когда именно Шекспир написал «Ромео и Джульетту». Медсестра Джульетты говорит о землетрясении, которое, по ее словам, произошло 11 лет назад. Это может относиться к землетрясению в Дуврском проливе 1580 года, которое датирует эту конкретную линию 1591 годом. Другие землетрясения — как в Англии, так и в Вероне — были предложены в поддержку разных дат. Но стилистическое сходство пьесы с Сном в летнюю ночь и другими пьесами, условно датируемыми 1594–1595 годами, помещает ее композицию где-то между 1591 и 1595 годами. Одно из предположений состоит в том, что Шекспир, возможно, начал черновик в 1591 году, завершено в 1595 году.

Ромео и Джульетта Шекспира были опубликованы в двух изданиях кварт до публикации Первого фолио 1623 года. Они упоминаются как Q1 и Q2. Первое печатное издание Q1 появилось в начале 1597 года, напечатано Джоном Дантером. Поскольку его текст содержит множество отличий от более поздних изданий, он помечен так называемым «плохим кварто »; редактор 20-го века Т. Дж. Б. Спенсер описал его как «отвратительный текст, вероятно, реконструкцию пьесы по несовершенным воспоминаниям одного или двух актеров», предположив, что он был пиратским для публикации. Альтернативным объяснением недостатков Q1 является то, что пьеса (как и многие другие в то время) могла быть сильно отредактирована до выступления игровой компанией. Однако «теория, сформулированная [Альфредом] Поллардом» о том, что «плохой кварто» была «реконструирована по памяти некоторыми актерами», в настоящее время подвергается критике. Альтернативные теории гласят, что некоторые или все «плохие кварто» возникли рано. версии Шекспира или сокращения, сделанные либо для труппы Шекспира, либо для других трупп ». В любом случае, его появление в начале 1597 года делает 1596 год последней возможной датой для сочинения пьесы.

Титульный лист из Первого фолио, напечатанный в 1623 году.

Старший Q2 назвал пьесу The Самая прекрасная и прискорбная трагедия Ромео и Джульетты. Он был напечатан в 1599 году Томасом Кридом и опубликован Катбертом Бёрби. Второй квартал примерно на 800 строк длиннее первого квартала. На титульном листе он описан как «Вновь исправленный, дополненный и измененный». Ученые полагают, что Q2 был основан на предварительном проекте Шекспира (названном его грязными статьями ), поскольку в тексте есть странности, такие как переменные теги для символов и «фальстарт» для речей, которые предположительно были зачеркнуты автором. но ошибочно сохранены наборщиком. Это гораздо более полный и надежный текст, он был переиздан в 1609 (Q3), 1622 (Q4) и 1637 (Q5). Фактически, все более поздние кварталы и фолио Ромео и Джульетты основаны на Q2, как и все современные издания, поскольку редакторы считают, что любые отклонения от Q2 в более поздних изданиях (хорошие или плохие), вероятно, возникли по вине редакторов или композиторов. не из Шекспира.

Текст Первого фолио 1623 года был основан в основном на Q3, с уточнениями и исправлениями, возможно, из книги театральных подсказок или Q1. Другие фолио издания пьесы были напечатаны в 1632 г. (F2), 1664 (F3) и 1685 (F4). Современные версии — которые учитывают несколько Фолио и Quartos — впервые появились с изданием Николаса Роу 1709 года, за которым последовала версия Александра Поупа 1723 года. Поуп начал традицию редактирования пьесы, чтобы добавить информацию, такую ​​как указания к этапу, отсутствующие во втором квартале, разместив их в первом квартале. Эта традиция продолжалась до конца романтического периода. Полностью аннотированные издания впервые появились в викторианском периоде и продолжают выпускаться сегодня, печатая текст пьесы со сносками, описывающими источники и культуру пьесы.

Темы и мотивы

Ученые обнаружили, что чрезвычайно трудно назначить пьесе одну конкретную, всеобъемлющую тему. Предложения по основной теме включают открытие героями того факта, что люди не являются ни полностью добрыми, ни полностью злыми, но более или менее похожи друг на друга, пробуждающиеся от сна и погружающиеся в реальность, опасность поспешных действий или сила трагизма. судьба. Ни один из них не пользуется широкой поддержкой. Однако, даже если общая тема не может быть найдена, ясно, что пьеса полна нескольких небольших тематических элементов, которые сложным образом переплетаются. Некоторые из тех, которые наиболее часто обсуждаются учеными, обсуждаются ниже.

Любовь

«Ромео . Если я оскверняю своей недостойной рукой. Это святое святилище, мягкий грех таков:. Мои губы, два покрасневших паломника, готовы встать. Чтобы смягчить это грубое прикосновение нежным поцелуем.. Джульетта . Добрый паломник, ты слишком сильно обидел свою руку,. Какая манерная преданность проявляется в этом;. Ибо у святых есть руки, которых касаются руки паломников,. И ладонь к ладони — поцелуй святых пальмовых »

— Ромео и Джульетта, Акт I, Сцена V

Иногда считается, что у Ромео и Джульетты нет объединяющей темы, кроме юной любви. Ромео и Джульетта стали символом юных влюбленных и обреченной любви. Поскольку это столь очевидный объект пьесы, несколько ученых исследовали язык и исторический контекст, стоящий за романтикой пьесы.

При первой встрече Ромео и Джульетта используют форму общения, рекомендованную многими авторами этикета во времена Шекспира: метафия или. Используя метафоры святых и грехов, Ромео смог испытать чувства Джульетты к нему без опасений. Этот метод был рекомендован Бальдассаре Кастильоне (чьи работы к тому времени были переведены на английский язык). Он указал, что если мужчина использует метафору в качестве приглашения, женщина может притвориться, что не понимает его, и он может отступить, не потеряв своей чести. Джульетта, однако, участвует в этой метафоре и расширяет ее. Религиозные метафоры «святыня», «паломник» и «святой» были модными в поэзии того времени и, скорее всего, воспринимались как романтические, а не кощунственные, поскольку концепция святости была связана с католицизмом более ранней эпохи.. Позже в пьесе Шекспир удаляет более смелые намеки на воскресение Христа в гробнице, которые он нашел в своей исходной работе: «Ромеус и Джульетта» Брука.

Акварель Джона Мэйси Райта из акта II, сцена ii (сцена на балконе).

В более поздней сцене на балконе Шекспир заставляет Ромео подслушивать монолог Джульетты, но в версии истории Брука ее заявление сделано в одиночку. Привлекая Ромео к сцене, чтобы подслушать, Шекспир нарушает обычную последовательность ухаживаний. Обычно от женщины требовалось быть скромной и застенчивой, чтобы убедиться, что ее жених искренен, но нарушение этого правила ускоряет ход сюжета. Влюбленные могут отказаться от ухаживаний и перейти к откровенному разговору о своих отношениях — согласиться пожениться, узнав друг друга всего одну ночь. В заключительной сцене самоубийства есть противоречие в послании — в католической религии самоубийцы часто считались приговоренными к аду, тогда как люди, которые умирают, чтобы быть со своей любовью, в соответствии с «религией любви » «соединяются со своей любовью в Раю. Любовь Ромео и Джульетты, кажется, выражает точку зрения «религии любви», а не католическую точку зрения. Другой момент заключается в том, что, хотя их любовь страстна, она завершается только в браке, что удерживает их от потери симпатии публики.

В пьесе, возможно, любовь и секс приравниваются к смерти. На протяжении всей истории и Ромео, и Джульетта, вместе с другими персонажами, фантазируют о как о темном существе, часто приравнивая его к любовнику. Капулетти, например, когда он впервые обнаруживает (инсценированную) смерть Джульетты, описывает это как лишение матери его дочери. Позже Джульетта эротично сравнивает Ромео и смерть. Прямо перед самоубийством она хватает кинжал Ромео, говоря: «О счастливый кинжал! Это твои ножны. Вот ржавчина, и дай мне умереть».

Судьба и случай

«О, я дурак удачи!

— Ромео, Акт III Сцена I

Ученые разделились во мнениях относительно роли судьбы в пьесе. Не существует единого мнения о том, действительно ли персонажам суждено умереть вместе, или же события происходят из-за серии неудачных случаев. Аргументы в пользу судьбы часто относятся к описанию влюбленных как «звездный крест ». Эта фраза, кажется, намекает на то, что звезды предопределили будущее влюбленных. Джон У. Дрейпер указывает на параллели между елизаветинской верой в четыре юмора и главными героями пьесы. (например, Тибальт как холерик). Интерпретация текста в свете юмора уменьшает количество сюжета, приписываемого современной аудиторией случайно. Тем не менее, другие исследователи рассматривают пьесу как серию неудачных случаев — многие до такой степени, что они видят в ней вовсе не трагедию, а эмоциональную мелодраму. Рут Нево считает, что тот факт, что в повествовании подчеркивается случайность, превращает «Ромео и Джульетту» в «меньшую трагедию» случайности, а не характера. Например, бросающий вызов Тибальту Ромео не импульсивен; это и есть ожидаемое действие после смерти Меркуцио. В этой сцене Нево читает Ромео как осознающего опасность пренебрежения социальными нормами, идентичностью и обязательствами. Он делает выбор в пользу убийства не из-за трагической ошибки, а из-за обстоятельств.

Двойственность (свет и тьма)

«О драющаяся любовь, о любящая ненависть,. Сначала сотворите все из ничего!. О тяжелая легкость, серьезное тщеславие,. Деформированный хаос красивых форм,. Свинцовое перо, яркий дым, холодный огонь, больное здоровье,. Все еще бодрствующий сон, это не то, что есть! «

— Ромео, Акт I, Сцена I

Ученые давно отметили широкое использование Шекспиром светлых и темных образов на протяжении всей пьесы. Кэролайн Сперджен считает тему света «символом естественной красоты юной любви», и более поздние критики расширили эту интерпретацию. Например, и Ромео, и Джульетта видят друг друга как свет в окружающей тьме. Ромео описывает Джульетту как солнце, ярче факела, драгоценный камень, сверкающий в ночи, и яркий ангел среди темных облаков. Он говорит, что даже когда она лежит в гробнице, очевидно, мертвой, ее «красота делает это хранилище праздником, полным света». Джульетта описывает Ромео как «день в ночи» и «Белее снега на спине ворона». Этот контраст света и тьмы может быть расширен как символы — противопоставление любви и ненависти, молодости и возраста в метафорическом смысле. Иногда эти переплетающиеся метафоры создают драматическую иронию. Например, любовь Ромео и Джульетты — это свет посреди тьмы ненависти вокруг них, но все их совместные действия совершаются в ночи и темноте, в то время как все вражды происходят средь бела дня. Этот парадокс образов добавляет атмосферу к моральной дилемме, стоящей перед двумя влюбленными: верность семье или верность любви. В конце рассказа, когда утро пасмурно и солнце скрывает лицо от печали, свет и тьма вернулись на свои места, внешняя тьма отражает истинную, внутреннюю тьму семейной вражды из-за печали по влюбленным. Теперь все персонажи осознают свою глупость в свете недавних событий, и все возвращается в естественный порядок благодаря любви и смерти Ромео и Джульетты. «Световая» тема в пьесе также сильно связана с темой времени, поскольку свет был для Шекспира удобным способом выразить течение времени через описания солнца, луны и звезд.

Время

«Эти времена горя не оставляют времени для ухаживания».

— Париж, Акт III Сцена IV

Время играет важную роль в языке и сюжете пьесы. И Ромео, и Джульетта изо всех сил пытаются сохранить воображаемый мир, лишенный времени, перед лицом суровой реальности, которая их окружает. Например, когда Ромео клянется в любви Джульетте луной, она возражает: «О, не клянись луной, непостоянной луной, / Эти ежемесячные изменения в ее обведенном круге, / Чтобы твоя любовь не оказалась столь же изменчивой». С самого начала влюбленные обозначаются как «звездные кресты», имея в виду астрологическое убеждение, связанное со временем. Считалось, что звезды управляют судьбами человечества, и с течением времени звезды будут двигаться по небу, а также отображать ход человеческих жизней внизу. Ромео говорит о предчувствии, которое он испытывает в движениях звезд в начале пьесы, и когда он узнает о смерти Джульетты, он бросает вызов звездному курсу.

Другая центральная тема — поспешность: Ромео и Джульетта Шекспира охватывает период от четырех до шести дней, в отличие от стихотворения Брук, охватывающего девять месяцев. Такие ученые, как Дж. Томас Танселль, считают, что время было «особенно важно для Шекспира» в этой пьесе, поскольку он использовал ссылки на «кратковременность» для молодых влюбленных, а не на «долгое время» для «старшего поколения». «чтобы высветить» стремительный рывок навстречу гибели ». Ромео и Джульетта борются за то, чтобы их любовь длилась вечно. В конце концов, кажется, что единственный способ, которым они побеждают время, — это смерть, которая делает их бессмертными через искусство.

Время также связано с темой света и тьмы. Во времена Шекспира пьесы чаще всего ставились в полдень или днем ​​среди бела дня. Это заставило драматурга использовать слова для создания в своих пьесах иллюзии дня и ночи. Шекспир использует ссылки на ночь и день, звезды, луну и солнце, чтобы создать эту иллюзию. У него также есть персонажи, которые часто ссылаются на дни недели и определенные часы, чтобы помочь аудитории понять, что время в истории прошло. Всего в пьесе содержится не менее 103 упоминаний времени, что усиливает иллюзию ее отрывка.

Критика и интерпретация

Критическая история

Портрет самого раннего из записанных критик пьесы Сэмюэл Пепис, Джон Хейлс. Холст, масло, 1666 год.

Самым ранним известным критиком пьесы был дневник Сэмюэл Пепис, который в 1662 году писал: «Сама по себе эта пьеса — худшее из того, что я когда-либо слышал в своей жизни». Поэт Джон Драйден написал 10 лет спустя, восхваляя пьесу и ее комического персонажа Меркуцио: «Шекспир проявил все свое мастерство в своем Меркуцио, и он сам сказал, что он был вынужден убейте его в третьем акте, чтобы он не убил его ». Критика пьесы в XVIII веке была менее скудной, но не менее разрозненной. Издатель Николас Роу был первым критиком, который задумался над темой пьесы, которую он видел как справедливое наказание двух враждующих семей. В середине века писатель Чарльз Гилдон и философ лорд Камес утверждали, что пьеса провалилась, поскольку не следовала классическим правилам драмы: трагедия должна произойти из-за некоторых недостаток характера, а не случайность судьбы. Писатель и критик Сэмюэл Джонсон, однако, считал эту пьесу одной из «самых приятных» пьес Шекспира.

В конце 18-го и на протяжении 19-го века критика была сосредоточена на дебатах по поводу моральный посыл пьесы. Адаптация актера и драматурга Дэвида Гаррика 1748 года исключила Розалину: Ромео, бросивший ее ради Джульетты, считался непостоянным и безрассудным. Критики, такие как Чарльз Дибдин, утверждали, что Розалина была включена в пьесу, чтобы показать, насколько безрассудным был герой, и что это было причиной его трагического конца. Другие утверждали, что брат Лоуренс мог быть оратором Шекспира в своих предупреждениях против неуместной поспешности. С наступлением 20 века эти моральные аргументы оспаривались критиками, такими как Ричард Грин Моултон : он утверждал, что несчастный случай, а не какой-то изъян в характере, привел к смерти влюбленных.

Драматическая структура

В «Ромео и Джульетте» Шекспир использует несколько драматических приемов, получивших похвалу критиков, в первую очередь резкий переход от комедии к трагедии (примером является обмен каламбурами между Бенволио и Меркуцио незадолго до прибытия Тибальта). До смерти Меркуцио в третьем акте пьеса в основном была комедией. После его случайной кончины спектакль внезапно становится серьезным и приобретает трагический тон. Когда Ромео изгнан, а не казнен, и брат Лоуренс предлагает Джульетте план воссоединения ее с Ромео, публика все еще может надеяться, что все закончится хорошо. К началу последней сцены в гробнице они находятся в «состоянии ожидания, затаившего дыхание»: если Ромео задержится достаточно надолго, чтобы прибыл монах, он и Джульетта могут быть спасены. Эти сдвиги от надежды к отчаянию, отсрочке и новой надежде подчеркивают трагедию, когда последняя надежда терпит неудачу и оба любовника умирают в конце.

Шекспир также использует подсюжеты, чтобы предложить более ясное представление о происходящем. действия главных героев. Например, когда начинается пьеса, Ромео влюблен в Розалину, которая отказалась от всех его ухаживаний. Увлечение Ромео ею явно контрастирует с его более поздней любовью к Джульетте. Это дает сравнение, через которое зрители могут увидеть серьезность любви и брака Ромео и Джульетты. Любовь Пэрис к Джульетте также создает контраст между чувствами Джульетты к нему и ее чувствами к Ромео. Формальный язык, которым она пользуется в Париже, а также то, как она говорит о нем своей медсестре, показывают, что ее чувства явно связаны с Ромео. Кроме того, подсюжет вражды Монтекки и Капулетти охватывает всю пьесу, создавая атмосферу ненависти, которая является основным фактором трагического конца пьесы.

Язык

Шекспир использует в пьесе множество поэтических форм. Он начинается с 14-строчного пролога в форме шекспировского сонета, произнесенного хором. Однако большая часть «Ромео и Джульетты» написана пустым стихом, а большая часть — строгим пентаметром ямба, с меньшими ритмическими вариациями, чем в большинстве более поздних пьес Шекспира. Выбирая формы, Шекспир сопоставляет поэзию с персонажем, который ее использует. Брат Лоуренс, например, использует формы проповедь и sententiae, а медсестра использует уникальную форму пустой стих, которая близко соответствует разговорной речи. Каждая из этих форм также сформирована и соответствует эмоциям сцены, в которой находится персонаж. Например, когда Ромео в начале пьесы говорит о Розалине, он пытается использовать форму сонета Петрархан. Сонеты Петрархан часто использовались мужчинами, чтобы преувеличивать красоту женщин, которых им было невозможно достичь, как в ситуации Ромео с Розалиной. Эта форма сонета используется леди Капулетти, чтобы описать графа Парижа Джульетте как красивого человека. Когда встречаются Ромео и Джульетта, поэтическая форма меняется от Петрарханки (которая становилась архаичной во времена Шекспира) на более современную сонетную форму с использованием «паломников» и «святых» в качестве метафор. Наконец, когда они встречаются на балконе, Ромео пытается использовать форму сонета, чтобы поклясться в любви, но Джульетта нарушает ее, говоря: «Ты меня любишь?» Делая это, она ищет истинное выражение, а не поэтическое преувеличение их любви. Джульетта использует односложные слова с Ромео, но использует формальный язык с Парижем. Другие формы пьесы включают эпиталамиум Джульетты, рапсодию в речи Меркуцио королевы Мэб и элегию Пэрис. Шекспир чаще всего сохраняет свой стиль прозы для простых людей в пьесе, хотя иногда он использует его для других персонажей, таких как Меркуцио. Юмор также важен: ученый Молли Мейуд выделяет в тексте не менее 175 каламбур и словесных игр. Многие из этих шуток имеют сексуальный характер, особенно с участием Меркуцио и медсестры.

Психоаналитическая критика

Ранние психоаналитические критики рассматривали проблему Ромео и Джульетты с точки зрения Импульсивность Ромео, происходящая из «плохо контролируемой, частично замаскированной агрессии», которая приводит как к смерти Меркуцио, так и к двойному самоубийству. «Ромео и Джульетта» не считается слишком сложным психологом, и симпатическое психоаналитическое прочтение пьесы делает трагический мужской опыт равносильным болезни. Норман Холланд, писавший в 1966 году, рассматривает сон Ромео как реалистичное «желание, исполняющее фантазию как с точки зрения взрослого мира Ромео, так и его гипотетического детства на стадиях орального, фаллического и эдипального», при этом признавая, что драматический персонаж — это не человек с ментальным процессы, отличные от процессов автора. Критики, такие как Юлия Кристева, сосредотачиваются на ненависти между семьями, утверждая, что эта ненависть является причиной страсти Ромео и Джульетты друг к другу. Эта ненависть проявляется непосредственно на языке влюбленных: Джульетта, например, говорит о «моей единственной любви, возникшей из моей единственной ненависти» и часто выражает свою страсть через ожидание смерти Ромео. Это приводит к спекуляциям относительно психологии драматурга, в частности к размышлениям о горе Шекспира по поводу смерти его сына, Хэмнет.

Феминистская критика

Феминистские литературные критики утверждают, что виноваты в семейная вражда лежит в патриархальном обществе Вероны. Для Коппелии Кан, например, строгий мужской кодекс насилия, наложенный на Ромео, является главной силой, доводящей трагедию до конца. Когда Тибальт убивает Меркуцио, Ромео переходит в режим насилия, сожалея о том, что Джульетта сделала его таким «женоподобным». С этой точки зрения, молодые мужчины «становятся мужчинами», прибегая к насилию от имени своих отцов или, в случае слуг, своих хозяев. Вражда также связана с мужской мужественностью, что наглядно демонстрируют многочисленные анекдоты о девичьих головах. Джульетта также подчиняется женскому кодексу послушания, позволяя другим, например, Монаху, решать ее проблемы за нее. Другие критики, такие как Димпна Каллаган, смотрят на феминизм пьесы с историцистской точки зрения, подчеркивая, что, когда пьеса писалась, феодальному порядку бросали вызов все более централизованное правительство и приход капитализма. В то же время возникающие пуританские представления о браке были менее озабочены «злом женской сексуальности», чем идеи предыдущих эпох, и более благосклонно относились к любовным связям: когда Джульетта уклонялась от попытки отца заставить ее выходит замуж за человека, которого не чувствует, она бросает вызов патриархальному порядку способом, который был невозможен в прежние времена.

Странная теория

Афиша из постановки 1753 года на Королевский театр в Друри-Лейн в главной роли Дэвид Гаррик

Ряд критиков сочли, что персонаж Меркуцио испытывает непризнанное гомоэротическое желание Ромео. Джонатан Голдберг исследовал сексуальность Меркуцио и Ромео использует квир-теорию в Queering the Renaissance (1994), сравнивая их дружбу с сексуальной любовью. Меркуцио в дружеской беседе упоминает фаллос Ромео, предполагая следы гомоэротизма. Примером может служить его шутливое желание «Поднять дух в кругу своей хозяйки… дать ему там стоять / Пока она не положила его и не заколдовала». Гомоэротизм Ромео также можно найти в его отношении к Розалине, женщине, которая далека от мира и недоступна и не приносит надежды на потомство. Как утверждает Бенволио, ее лучше заменить тем, кто ответит взаимностью. Сонеты Шекспира о деторождении описывают другого молодого человека, который, как и Ромео, испытывает проблемы с рождением потомства и может считаться гомосексуалистом. Голдберг считает, что Шекспир мог использовать Розалину как способ приемлемым образом выразить гомосексуальные проблемы деторождения. С этой точки зрения, когда Джульетта говорит: «… то, что мы называем розой, любым другим именем будет пахнуть так же сладко», она может ставить вопрос о том, есть ли разница между красотой мужчины и красотой женщина.

Сцена на балконе

Сцена на балконе была представлена ​​да Порту в 1524 году. Он заставлял Ромео часто проходить мимо ее дома, «иногда поднимаясь к окну ее камеры», и писал: «Это случилось однажды ночью, как предначертано любовью, когда луна сияла необычайно ярко, когда Ромео поднимался на балкон, юная леди… открыла окно и, глядя наружу, увидела его». После этого у них происходит разговор, в котором они признаются друг другу в вечной любви. Спустя несколько десятилетий Банделло значительно расширил эту сцену, отклонившись от знакомой: Джулия приказывает медсестре доставить письмо с просьбой к Ромео подойти к ее окну с веревочной лестницей, и он поднимается на балкон с помощью своей слуги Джулии и медсестра (после этого слуги осторожно удаляются).

Тем не менее, в октябре 2014 года Лоис Левин предположила в Атлантике, что в оригинальной пьесе Шекспира не было балкона. Слово balcone не существовало в английском языке до двух лет после смерти Шекспира. Балкон, несомненно, использовался в пьесе Томаса Отуэя 1679 года История и падение Гая Мариуса, которая позаимствовала большую часть своей истории у Ромео и Джульетты и поместила двух влюбленных в балкон произносит речь, похожую на речь Ромео и Джульетты. Ливин предположил, что в течение 18 века Дэвид Гаррик решил использовать балкон в своей адаптации и возрождении «Ромео и Джульетты», и современные адаптации продолжили эту традицию.

Наследие

День Шекспира

Ричард Бербедж, вероятно, первый актер, изобразивший Ромео

Ромео и Джульетта, занимает место Гамлета как одна из самых исполняемых пьес Шекспира. Его многочисленные адаптации сделали его одним из самых ярких и известных его рассказов. Даже при жизни Шекспира он был чрезвычайно популярен. Ученый Гэри Тейлор считает ее шестой по популярности пьесой Шекспира в период после смерти Кристофера Марлоу и Томаса Кида, но до прихода к власти Бена Джонсона во время которого Шекспир был доминирующим драматургом Лондона. Дата первого выступления неизвестна. Первый квартал, напечатанный в 1597 году, гласит: «Это часто (и с огромными аплодисментами) публично шотландцы», устанавливая первое исполнение до этой даты. Люди лорда Чемберлена, безусловно, были первыми, кто это исполнил. Помимо их тесных связей с Шекспиром, Второй квартал фактически называет одного из своих действующих лиц, Уилла Кемпа, вместо Питера, в строке в Акте V. Ричард Бербедж был, наверное, первым Ромео, актером труппы; и мастер Роберт Гофф (мальчик), первая Джульетта. Премьера, вероятно, должна была состояться в «Театре », а другие ранние постановки — в «Занавес ». «Ромео и Джульетта» — одна из первых пьес Шекспира, поставленных за пределами Англии: сокращенная и упрощенная версия была поставлена ​​в Нёрдлингене в 1604 году.

Реставрация и театр XVIII века

Все театры были закрыты пуританским правительством 6 сентября 1642 года. После восстановления монархии в 1660 году две патентные компании (King’s Company и Duke’s Company ), и существующий театральный репертуар был разделен между ними.

Мэри Сондерсон, вероятно, первая женщина, которая профессионально сыграла Джульетту

Сэр Уильям Давенант из компании Герцога поставила экранизацию 1662 года, в которой Генри Харрис играл Ромео, Томас Беттертон Меркуцио и жену Беттертона Мэри Сондерсон Джульетта: она, вероятно, была первой женщиной, сыгравшей роль профессионально. Другая версия тесно связана с адаптацией Давенанта и также регулярно исполняется компанией Duke’s Company. Это была трагикомедия Джеймса Ховарда, в которой двое влюбленных выживают.

«История и падение Гая Мариуса» Томаса Отуэя, одна из наиболее ярких реставрационных адаптаций Шекспира, дебютировала в 1680 году. сцена перенесена из Вероны эпохи Возрождения в Древний Рим ; Ромео — это Мариус, Джульетта — это Лавиния, вражда между патрициями и плебеями; Джульетта / Лавиния просыпается от своего зелья перед смертью Ромео / Мариуса. Версия Отуэя стала хитом и действовала в течение следующих семидесяти лет. Его нововведение в заключительной сцене было еще более стойким и использовалось в адаптации в течение следующих 200 лет: адаптация Теофила Сиббера 1744 года и Дэвида Гаррика 1748 года. использовала вариации на нем. В этих версиях также были исключены элементы, которые в то время считались неуместными. Например, версия Гаррика перенесла весь язык, описывающий Розалин, на Джульетту, чтобы усилить идею верности и преуменьшить значение темы любви с первого взгляда. В 1750 году началась «Битва Ромео» с Шпрангером Барри и Сюзанной Марией Арне (миссис Теофилус Сиббер) в Ковент-Гарден против Дэвид Гаррик и Джордж Энн Беллами в Друри-Лейн.

Самое раннее известное производство в Северной Америке было любительским: 23 марта 1730 года врач по имени Иоахимус Бертран разместил рекламу в газета Gazette в Нью-Йорке, продвигающая постановку, в которой он будет играть аптекаря. Первыми профессиональными постановками пьесы в Северной Америке были выступления Hallam Company.

театра XIX века

Американские сестры Кушман, Шарлотта и Сьюзен, как «Ромео и Джульетта» в 1846 году

Измененная версия пьесы Гаррика была очень популярна и просуществовала почти столетие. Только в 1845 году Шекспир впервые вернулся на сцену в Соединенных Штатах с сестрами Сьюзен и Шарлоттой Кушман в роли Джульетты и Ромео соответственно, а затем в 1847 году в Великобритании с Сэмюэл Фелпс в Театр Сэдлерс Уэллс. Кушман придерживался версии Шекспира, начав серию из восьмидесяти четырех спектаклей. Ее изображение Ромео многие считали гением. The Times писала: «В течение долгого времени Ромео был условностью. Ромео мисс Кушман — творческий, живой, дышащий, одушевленный, пылкий человек». Королева Виктория написала в ее дневник, что «никто бы никогда не подумал, что она женщина». Успех Кушмана сломал традицию Гаррика и проложил путь для более поздних постановок, чтобы вернуться к исходной сюжетной линии.

Профессиональные спектакли Шекспира в середине 19 века имели две особенности: во-первых, они обычно были звездными. Транспортные средства, с сокращенными или обособленными второстепенными ролями, чтобы выделить центральных персонажей. Во-вторых, они были «живописными», помещая действие в зрелищные и сложные декорации (требующие длительных пауз для смены сцены) и с частым использованием картинок. постановка Генри Ирвинга 1882 года в Lyceum Theatre (с ним в роли Ромео и Эллен Терри в роли Джульетты) считается архетипом живописного стиля. В 1895 году сэр Джонстон Форбс-Робертсон сменил Ирвинга и заложил основу для более естественного изображения Шекспира, которое остается популярным сегодня. Форбс-Робертсон избегал эффектности Ирвинга и вместо этого изобразил приземленного Ромео, выражая поэтический диалог как реалистичную прозу и избегая мелодраматического расцвета.

Американские актеры начали соперничать со своими британскими коллегами. Эдвин Бут (брат Джона Уилкса Бута ) и Мэри МакВикер (скоро станет женой Эдвина) открылись в роли Ромео и Джульетты в роскошном Театре Бута (с его Европейский стиль сценическое оборудование и система кондиционирования воздуха, уникальная для Нью-Йорка) 3 февраля 1869 года. В некоторых сообщениях говорилось, что это была одна из самых сложных постановок «Ромео и Джульетта», когда-либо виденных в Америке; это, безусловно, было самым популярным: оно длилось более шести недель и принесло более 60 000 долларов (что эквивалентно 1000000 долларов в 2019 году). В программе отмечалось, что: «Трагедия будет поставлена ​​в строгом соответствии с историческими законами, во всех отношениях, в точности следуя тексту Шекспира».

Первым профессиональным исполнителем пьесы в Японии, возможно, был Джордж Крайтон. Постановка компании Милна, которая гастролировала в Иокогаме в 1890 году. На протяжении 19 века «Ромео и Джульетта» были самой популярной пьесой Шекспира, если судить по количеству профессиональных постановок. В 20 веке он станет вторым по популярности после Гамлета.

театра 20 века

В 1933 году спектакль возродили актриса Кэтрин Корнелл и ее режиссер. муж Гатри МакКлинтик и был взят в семимесячный тур по всей стране по Соединенным Штатам. В главных ролях снимались Орсон Уэллс, Брайан Ахерн и Бэзил Рэтбоун. Постановка имела скромный успех, и поэтому по возвращении в Нью-Йорк Корнелл и МакКлинтик пересмотрели ее, и впервые пьеса была представлена ​​практически со всеми неповрежденными сценами, включая Пролог. Новая постановка открылась на Бродвее в декабре 1934 года. Критики писали, что Корнелл была «величайшей Джульеттой своего времени», «бесконечно преследующей» и «самой красивой и очаровательной Джульеттой, которую видел наш современный театр».

Джон Гилгуд, который был одним из наиболее известных актеров 20-го века, сыгравший Ромео, брата Лоуренса и Меркуцио на сцене

в постановке Нового театра Джона Гилгуда в 1935 году с участием Гилгуда и Лоуренс Оливье в роли Ромео и Меркуцио, меняющиеся ролями через шесть недель после начала, с Пегги Эшкрофт в роли Джульетты. Гилгуд использовал научную комбинацию текстов Q1 и Q2 и организовал декорации и костюмы так, чтобы они максимально соответствовали елизаветинскому периоду. Его усилия имели огромный успех в прокате и подготовили почву для усиления исторического реализма в более поздних постановках. Позже Оливье сравнил свое выступление с игрой Гилгуда: «Джон, все духовное, все духовное, вся красота, все абстрактные вещи; и я как вся земля, кровь, человечество… Я всегда чувствовал, что Джон скучал по нижней половине, и это создавало я иду за другим… Но что бы это ни было, когда я играл Ромео, я нес факел, я пытался продать реализм в Шекспире ».

Версия Питера Брука 1947 года была началом другой стиль спектаклей «Ромео и Джульетта». Брук был менее озабочен реализмом и больше интересовался переводом пьесы в форму, которая могла бы общаться с современным миром. Он утверждал: «Постановка правильна только в момент ее правильности и хороша только в момент ее успеха». Брук исключил окончательное примирение семей из текста своего спектакля.

На протяжении столетия аудитория, находящаяся под влиянием кино, становилась менее склонной принимать актеров значительно старше подростков, которых они играли. Ярким примером более юного кастинга был фильм Франко Дзеффирелли Old Vic в 1960 году с Джоном Страйдом и Джуди Денч, который послужил основой для его фильма 1968 года. Дзеффирелли позаимствовал идеи Брука, удалив в общей сложности около трети текста пьесы, чтобы сделать ее более доступной. В интервью The Times он заявил, что «двойные темы любви и полного разрыва взаимопонимания между двумя поколениями» в пьесе имеют современное значение.

Недавние спектакли часто устанавливают пьесу. современный мир. Например, в 1986 году Королевская шекспировская компания поставила спектакль в современной Вероне. Клинки заменили мечи, пиршества и шары превратились в рок-вечеринки, наполненные наркотиками, и Ромео покончил жизнь самоубийством с помощью иглы для подкожных инъекций. В постановке Нила Бартлетта «Ромео и Джульетта» пьеса была очень современной с кинематографическим видом, который начал свою жизнь в Lyric Hammersmith в Лондоне, а затем отправился в театр Западного Йоркшира для эксклюзивного показа в 1995 году. Ромео, Себастьян Харкомб в роли Меркуцио, Эшли Артус в роли Тибальта, Суад Фаресс в роли леди Капулетти и Сайлас Карсон в роли Пэрис. В 1997 году Шекспировский театр Фолджера выпустил версию, действие которой происходит в типичном пригородном мире. Ромео пробирается на барбекю Капулетти, чтобы встретиться с Джульеттой, и Джульетта обнаруживает смерть Тибальта во время учебы в школе.

Иногда в пьесе дается историческая обстановка, позволяющая зрителям задуматься о скрытых конфликтах. Например, действие происходило в разгар израильско-палестинского конфликта, в эпоху апартеида в Южной Африке и после восстания пуэбло. Точно так же действие комической адаптации Петра Устинова 1956 года, Романов и Джульетта, происходит в вымышленной среднеевропейской стране в разгар холодной войны. Имитация викторианской ревизионистской версии финальной сцены Ромео и Джульетты (со счастливым концом, возвращением к жизни Ромео, Джульетты, Меркуцио и Пэрис, а также Бенволио, раскрывающего, что он — замаскированная любовь Париса, Бенволия) является частью сцены 1980 года. -игра Жизнь и приключения Николаса Никльби. Шекспировский «RJ» Джо Каларко воплощает классику в современной сказке о пробуждении подростков-геев. Недавней комедийной музыкальной адаптацией был мюзикл «Ромео и Джульетта: Люди против брата Лоуренса, человека, убившего Ромео и Джульетту» Второй город, действие которого происходит в наше время.

19 и 20 века «Ромео и Джульетта» из пьес Шекспира часто выбирали для открытия классической театральной труппы, начиная с первой постановки этой пьесы Эдвина Бутом в своем театре в 1869 году, недавно переизданной сформировал компанию Old Vic в 1929 году с Джоном Гилгудом, Мартитой Хант и Маргарет Вебстер, а также Компания Riverside Shakespeare в своей основной постановке в Нью-Йорке в 1977 году взяла за основу фильм 1968 года о постановке Франко Дзеффирелли.

В 2013 году «Ромео и Джульетта» выступали на Бродвее в Театре Ричарда Роджерса с 19 сентября по 8 декабря в 93 регулярных выступлениях после 27 предварительных просмотров, начавшихся 24 августа с Орландо Блумом и Кондолой. Ра Шад в главных ролях.

Театр Лестницы представил Ромео и Джульетту баскетбольную тему, 2018

Балет

Самая известная балетная версия — Прокофьев. Ромео и Джульетта. Первоначально заказанный Кировским балетом, он был отвергнут ими, когда Прокофьев попытался добиться счастливого конца, и снова был отвергнут из-за экспериментального характера его музыки. Впоследствии он приобрел «огромную» репутацию и был поставлен Джоном Крэнко (1962) и Кеннетом Макмилланом (1965) среди других.

В 1977 году, постановка Майкла Смуина одной из самых драматических и страстных танцевальных интерпретаций пьесы была полностью дебютирована балетом Сан-Франциско. Этот спектакль стал первым полнометражным балетом, транслировавшимся в сериале PBS «Великие выступления : Танцы в Америке»; он вышел в эфир в 1978 году.

Дада Масило, южноафриканский танцор и хореограф, переосмыслил «Ромео и Джульетту» в новом современном свете. Она внесла изменения в историю, в частности, в представлении двух семей как многорасовых.

Музыка

«Ромео любил Джульетту. Джульетту, она чувствовала то же самое. Когда он обнимал ее. Он сказал, Джули, детка, ты мое пламя. От тебя жар… «

—Пегги Ли в исполнении» Лихорадка «

Было сыграно не менее 24 опер » на основе ромео и Джульетты. Самый ранний, Romeo und Julie в 1776 году, Singspiel Георга Бенда, опускает большую часть действия пьесы и большую часть его персонажи и счастливый конец. Время от времени оно возрождается. Самым известным из них является Гуно 1867 Roméo et Juliette (либретто Жюля Барбье и Мишель Карре ), критический триумф, когда он впервые исполнялся и часто возрождается сегодня. I Capuleti ei Montecchi Беллини также время от времени возрождается, но иногда его осуждают неблагоприятно из-за его предполагаемых вольностей по отношению к Шекспиру; однако Беллини и его библиотека эттист, Феличе Романи, работал на основе итальянских источников — в основном либретто романи для Джульетты и Ромео Никола Ваккаи — а не непосредственно адаптации пьесы Шекспира. Среди более поздних опер произведение Генриха Шутермейстера 1940 года Ромео и Джулия.

Ромео и Джульетта Берлиоза — это «драматическая симфония», большая — масштабное произведение из трех частей для смешанных голосов, хора и оркестра, премьера которого состоялась в 1839 году. Фантазия-увертюра Чайковского «Ромео и Джульетта» (1869, переработанная 1870 и 1880) — 15-минутная симфоническая поэма, содержащая знаменитую мелодию, известную как «тема любви». Прием Чайковского повторения одной и той же музыкальной темы на балу, в сцене балкона, в спальне Джульетты и в гробнице использовался последующими режиссерами: например, тема любви Нино Рота используется в То же самое в фильме 1968 года по пьесе, как и в фильме Дезри «Целую тебя » в фильме 1996 года. Среди других классических композиторов, на которые оказала влияние пьеса, Генри Хью Пирсон (Ромео и Джульетта, увертюра для оркестра, соч.86), Свендсен (Ромео и Джули, 1876), Делиус (Деревенский Ромео и Джульетта, 1899–1901), Стенхаммар (Ромео и Джулия, 1922) и Кабалевский (Музыка к ромео и Juliet, Op. 56, 1956).

Игра оказала влияние на несколько джазовых произведений, в том числе на «Fever » Пегги Ли. 104>Такой сладкий гром герцога Эллингтона содержит пьесу под названием «Пересеченные звездами влюбленные», в которой пара представлена ​​тенорными и альт-саксофонами: критики отметили, что саксофон Джульетты доминирует в пьесе, вместо того, чтобы предлагать образ равенства. Пьеса часто оказывала влияние на популярную музыку, включая произведения The Supremes, Брюса Спрингстина, Тома Уэйтса, Лу Рида и Тейлор Свифт. Самый известный такой трек — Dire Straits ‘»Romeo and Juliet «.

Самая известная театральная адаптация — West Side Story на музыку Леонарда Бернстайна и слова Стивен Сондхейм. Он дебютировал на Бродвее в 1957 году и в Вест-Энде в 1958 году и был адаптирован как популярный фильм в 1961 году. Нью-Йорк 20-го века и враждующие семьи в этнических бандах. Другие музыкальные адаптации включают рок-мюзикл Терренса Манна «Ромео и Джульетта» 1999 года Уильяма Шекспира «Ромео и Джульетта», написанный в соавторстве с Джеромом Корманом; Жерар Прегурвич 2001 Roméo et Juliette, de la Haine à l’Amour ; Риккардо Коччианте 2007 Giulietta Romeo и Йохан Кристер Шютц ; и Йохан Петтерссонс Адаптация 2013 года Carnival Tale (Tivolisaga ), действие которой происходит на передвижном карнавале.

Литература и искусство

Ромео у смертного одра Джульетты, Генри Фузели, 1809

Ромео и Джульетта оказала глубокое влияние на последующую литературу. До этого романтика даже не рассматривалась как достойная тема для трагедии. По словам Гарольда Блума, Шекспир «изобрел формулу, согласно которой сексуальное становится эротическим, когда его пересекает тень смерти». Из произведений Шекспира «Ромео и Джульетта» создали самые — и самые разнообразные — адаптации, включая прозаические и стихотворные повествования, драму, оперу, оркестровую и хоровую музыку, балет, кино, телевидение и живопись. Слово «Ромео» даже стало синонимом «любовника мужского пола» в английском языке.

«Ромео и Джульетта» пародировались еще при жизни Шекспира: «Две разгневанные женщины Абингдона» Генри Портера (1598)) и Томаса Деккера Blurt, Master Constable (1607) оба содержат сцены балкона, в которых девственная героиня участвует в непристойной игре слов. Спектакль оказал непосредственное влияние на более поздние литературные произведения. Например, подготовка к спектаклю составляет главную сюжетную дугу в «Чарльз Диккенс » Николас Никльби.

«Ромео и Джульетта» — одно из самых иллюстрированных произведений Шекспира. Первой известной иллюстрацией была гравюра на дереве сцены гробницы, созданная Элишей Киркалл, которая появилась в издании Николаса Роу 1709 года по пьесам Шекспира. Пять картин пьесы были заказаны для Шекспировской галереи Бойделла в конце 18 века, по одному изображению каждого из пяти актов пьесы. Мода 19-го века на «живописные» представления привела к тому, что режиссеры черпали вдохновение в картинах, что, в свою очередь, побудило художников изображать актеров и сцены из театра. В 20-м веке самые знаковые визуальные образы пьесы были взяты из ее популярных киноверсий.

Роман Лоис Левин 2014 года «Кормилица Джульетты» представлял четырнадцать лет, предшествовавших событиям в пьесе, с точки зрения медсестры. У медсестры третье место по количеству строчек в оригинальной пьесе; больше строк есть только у одноименных персонажей.

Пьеса была предметом общего аттестата о среднем образовании (GCSE ) за 2017 год на экзаменах Оксфорда, Кембриджа и RSA Совет, которым управляли ок. 14000 студентов. Правление вызвало широкую критику и насмешки в СМИ после того, как вопрос, казалось, запутал Капулетти и Монтекки, а регулятор экзаменов Ofqual назвал ошибку недопустимой.

«Ромео и Джульетта» была адаптирована в формате манги издательством UDON Entertainment Manga Classics imprint и был выпущен в мае 2018 года.

Экран

Ромео и Джульетта, возможно, самая снимаемая пьеса всех времен. Наиболее заметными театральными релизами были Джордж Кьюкор, номинированный на несколько Оскар, постановка 1936 года, постановка Франко Дзеффирелли 1968 года. версия и Баз Лурманн, вдохновленный MTV 1996 года Ромео + Джульетта. Последние два были в свое время самым кассовым шекспировским фильмом за всю историю. «Ромео и Джульетта» впервые был снят в эпоху немого кино Жоржем Мельесом, хотя его фильм сейчас утерян. Впервые пьеса была услышана в фильме Голливудское обозрение 1929 года, в котором Джон Гилберт декламировал сцену на балконе напротив Нормы Ширер.

Лесли Ховард в роли Ромео и Нормы Ширер. в роли Джульетты в фильме MGM 1936 года режиссера Джорджа Кьюкора

Ширера и Лесли Ховарда, общий возраст которых превышает 75 лет, сыграли влюбленных-подростков в Джордж Кьюкор ‘ s MGM Версия фильма 1936 года. Ни критики, ни общественность не откликнулись. Кинозрители сочли фильм слишком «артистичным», держась подальше от фильма Уорнера Сон в летнюю ночь годом ранее: что привело к тому, что Голливуд отказался от Барда более чем на десять лет. Ренато Кастеллани выиграл Гран-при на Венецианском кинофестивале за его фильм 1954 года о Ромео и Джульетте. Его Ромео, Лоуренс Харви, уже был опытным киноактером. Напротив, Сьюзен Шенталл в роли Джульетты была студенткой-секретарем, которую директор обнаружил в лондонском пабе и выбрал из-за ее «бледно-сладкой кожи и медово-светлых волос».

Стивен Оргель описывает Фильм Франко Дзеффирелли «Ромео и Джульетта» 1968 года «полон красивых молодых людей, а камера и пышная цветовая гамма максимально используют их сексуальную энергию и красоту». Главные герои-подростки Дзеффирелли, Леонард Уайтинг и Оливия Хасси, практически не имели предыдущего актерского опыта, но играли талантливо и с большой зрелостью. Дзеффирелли получил особую похвалу за то, что он представил сцену дуэли как выходящую из-под контроля браваду. Фильм вызвал споры, включив в него сцену обнаженной брачной ночи, когда Оливии Хасси было всего пятнадцать.

Фильм Баз Лурманн 1996 года Ромео + Джульетта и его сопровождающий саундтрек успешно был нацелен на «Поколение MTV «: молодую аудиторию того же возраста, что и герои рассказа. Действие фильма намного мрачнее, чем версия Дзеффирелли, действие фильма происходит в «грубом, жестоком и поверхностном обществе» Верона-Бич и Сикомор-Гроув. Леонардо ДиКаприо был Ромео, а Клэр Дэйнс была Джульеттой.

Спектакль был широко адаптирован для телевидения и кино. В 1960 году Петр Устинов сценическая пародия на холодную войну, Романов и Джульетта были сняты. В фильме 1961 года Вестсайдская история, действие которого происходит среди банд Нью-Йорка, Джетс изображены как белые молодые люди, что эквивалентно Монтекки Шекспира, в то время как Акулы, эквивалентные Капулетти, являются пуэрториканцами. В 2006 году Disney’s High School Musical использовал сюжет Ромео и Джульетты, поместив двух молодых влюбленных в разные школьные клики, а не враждующие семьи. Кинематографисты часто изображали персонажей, исполняющих сцены из «Ромео и Джульетты». тщеславие драматизации Шекспира, написавшего «Ромео и Джульетту», использовалось несколько раз, в том числе Джон Мэдден 1998 года Влюбленный Шекспир, в котором Шекспир пишет пьесу против на фоне его собственной обреченной любви. аниме-сериал, созданный Гонзо и SKY Perfect Well Think, названный Romeo x Juliet, был снят в 2007 году, а Версия 2013 года — последний англоязычный фильм по пьесе. В 2013 году Санджай Лила Бхансали снял болливудский фильм Голийон Ки Рааслила Рам-Лила, современную версию пьесы, в которой снимались Ранвир Сингх и Дипика. Падуконе в главных ролях. Фильм имел коммерческий успех и успех у критиков. В феврале 2014 года BroadwayHD выпустил отснятую версию фильма «Возрождение Бродвея» 2013 года Ромео и Джульетты. В постановке снимались Орландо Блум и Кондола Рашад.

Современные социальные сети и постановки виртуального мира

В апреле и мае 2010 года Королевская шекспировская компания и Mudlark Production Company представили версия пьесы, озаглавленная Такая печаль твита, как импровизированная серия твитов в реальном времени в Твиттере. В постановке задействованы актеры RSC, которые взаимодействуют со зрителями, а также друг с другом, выступая не по традиционному сценарию, а по «сетке», разработанной производственной командой Mudlark и сценаристами Тимом Райтом и Бетан Марлоу. Исполнители также используют другие медиа-сайты, такие как YouTube, для изображений и видео.

Сцена за сценой

• 

  Титульный лист Второй квартал Ромео и Джульетты, опубликованный в 1599 году

• 

  Пролог первого акта

• 

  Акт I, сцена 1: Ссора между Капулетти и Монтекки

• 

  Акт I, сцена 2

• 

  Акт I, сцена 3

• 

  Акт I, сцена 4

• 

  Акт I, сцена 5

• 

  Акт I Сцена 5: Первое интервью Ромео с Джульеттой

• 

  Пролог II акта

• 

  Сцена 3 II акта

• 

  Сцена 5 II акта: Джульетта угощает медсестру

• 

  Сцена 6 II акта

• 

  Сцена III III Сцена: Ромео берет Оставление Джульетты

• 

  Акт IV, сцена 5: Фальшивая смерть Джульетты

• 

  Акт IV, сцена 5: Другое изображение

• 

  Акт V, сцена 3: Джульетта просыпается и находит мертвым Ромео

См. также

• Пирам и Фисба
• Любители Клуж-Напоки
• Любители Теруэля
• Антоний и Клеопатра
• Тристан и Изолт
• Мем и Зин

Примечания и ссылки

Примечания

Ссылки

Источники

Издания «Ромео и Джульетты»

Вторичные источники

Внешние ссылки

• Ромео и Джульетта в Британской энциклопедии
• Ромео и Джульетта в Проект Гутенберг
• Ромео и Джульетта в Британской библиотеке
• Ромео и Джульетта HTML-версия в Массачусетском технологическом институте
• Ромео и Джульетта Полный текст с аннотациями на одной странице без рекламы и изображений
• Ромео и Джульетта Игра с аннотациями HTML
• Легко читаемый Ромео и Джульетта Полный текст с портретами и локациями, чтобы можно было легко проследить игру с печатной страницы.
• Ромео и Джульетта общедоступная аудиокнига в LibriVox

История создания

Пожалуй, мировая литература не знает более знаменитого автора, чем Уильям Шекспир. Но главным его произведением считается «Ромео и Джульетта». Автор написал это бессмертное творение на основе трех ранее написанных новелл:

• «Трагическая история Ромеуса и Джульетты», созданная в середине XVI века известным в то время драматургом Артуром Бруком. Именно она стала основой для написания пьесы Шекспиром.
• «Ромео и Джульетта» итальянца писателя Маттео Банделло.
• «История двух благородных влюбленных», написанная Луиджи Да Порто.

Эти произведения не стали популярными, но именно они дали толчок к написанию бессмертной повести о двух юных влюбленных, которые не могли быть вместе. Для современного читателя нет секрета в том, кто написал «Ромео и Джульетта».

Роман о любви, поправшей смерть, был создан именно Шекспиром. Автор написал гениальное произведение, которое останется в веках. Оно всегда будет читаться легко и быстро.

Основа сюжета

Взяв за основу уже написанный сюжет, автор его изменил, сократив время действия до пяти дней. Описываемые события происходят в стране Италия, а конкретным местом действия является город Верона. Здесь живут два сильных правящих клана, между которыми идет постоянная вражда.

Накануне описываемых событий произошло последнее столкновение, приведшее к кровопролитию. Юный наследник рода Монтекки, Ромео, в нем участия не принимал, так как был занят более приятным делом, связанным с возможностью завоевания сердца прекрасной Розалины.

Друзья стараются отвлечь молодого человека от размышлений о своенравной красавице и предлагают проникнуть на праздник к семье Капулетти, скрывшись под маской.

Торжество связано с помолкой их юной дочери Джульетты. Несмотря на возраст, она уже стала настоящей красавицей. Граф Парис не смог устоять перед чарами девушки, которой идет только тринадцатый год. Ведь она обладает самыми привлекательными чертами:

• Свежестью и юностью.
• Непосредственностью.
• Живым умом.
• Преданностью.

Но в то же время в Джульетту влюбляется и Ромео, проникший на праздник под маской. Девушка отвечает ему взаимностью, еще не представляя, кто он по происхождению. Решение влюбленных обвенчаться не сбылось, так как жених во время ссоры убил двоюродного брата возлюбленной. Чтобы остаться в живых, ему нужно бежать из города. После ночи любви и страстных клятв они расстаются.

Родители невесты ведут подготовку к свадьбе с графом и уже назначена ее дата. В отчаянии девушка по совету брата пьет напиток, погружающий ее в мертвый сон, но предварительно пишет об этом возлюбленному.

Попав в склеп, где происходит действие «Ромео и Джульетты» в следующем сюжете, молодой человек решает, что она умерла и стремится последовать за ней, выпивая настоящий яд. Когда девушка, проснувшись, увидела это, то поняла, что ей предстоит жить без любимого и убивает себя кинжалом.

Родные влюбленных, поняв, какой страшной ценой они заплатили за вражду, решили ее прекратить. Так смерть двух юных влюбленных стала началом мира их кланов и в этом и заключается трагизм ситуации.

Шекспировская «Ромео и Джульетта» — это история трагической участи молодых людей, разделенных враждой. Сколько таких юных сердец стало жертвами обстоятельств не только в эпоху Возрождения, когда творил автор, но и в наши дни. По мотивам произведения снимаются фильмы и ставятся пьесы. Самые известные актеры горят желанием показать свою трактовку характеров героев.

Несмотря на то что место действия в пьесе — средневековая Италия, многие режисеры стараются перенести сюжет в другие места и даже страны. Их можно понять, ведь такая история могла произойти где и когда угодно.

Именно поэтому его творение актуально до сих пор и это нужно отразить в сочинение на данную тему.

История создания трагедии Уильяма Шекспира «Ромео и Джульетта»:

Сюжет мнимой смерти девушки, приведшей к самоубийству её возлюбленного, а потом и к самоубийству самой девушки, впервые встречается задолго до «Ромео и Джульетты» Уильяма Шекспира. В написанной в 1 веке н.э. древнеримским писателем Овидием поэме «Метаморфозы» рассказывается история живших в Вавилоне возлюбленных — Пирама и Фисбы. Родители Пирама и Фисбы были против их отношений и возлюбленные решили встретиться тайком ночью. Фисба пришла к месту свидания первой и увидала льва с окровавленной мордой, который только что вернулся с охоты на быков. Фисба убежала и уронила платок, который лев разорвал. Вскоре пришел Пирам, увидел окроваленный платок Фисбы и, решив, что его возлюбленная мертва, закололся мечом. Фисба вернулась и увидела, что Пирам умирает. Тогда она тоже бросилась на меч. Шекспир был знаком с историей Пирама и Фисбы и даже использовал эту историю в своей комедии «Сон в летнюю ночь», где спектакль о Пираме и Фисбе репетирует любительский театр.
В 1524 году итальянский писатель Луиджи да Порто в новелле «История двух благородных влюблённых» развивает тему, начало которой было положено Овидием в истории Пирама и Фисбы. Луиджи да Порто перемещает действие в Верону, где влюблются друг в друга Ромео и Джульетта, принадлежащие к враждующим домам — Монтекки и Каппеллетти (следует отметить, что Монтекки и Каппеллетти впервые упоминаются в «Божественной комедии» Данте Алигьери, где автор помещает их на второй уступ Предчистилища среди нерадивых, умерших насильственной смертью). Дальше в новелле Луиджи да Порто сюжет развивается практически так же, как и у Шекспира, хотя есть ряд отличий: у Шекспира Джульетте почти 14 лет, у Луиджи да Порто — почти 18; если у Шекспира Ромео умирает до пробуждения Джульетты, то у Луиджи да Порто Джульетта, очнувшись, видит Ромео умирающим и они последний раз успевают поговорить; наконец, если у Шекспира Джульетта, подобно Фисбе, закалывает себя, то у Луиджи да Порто Джульетта, подобно Изольде, просто умирает рядом с ним, не мысля себя без возлюбленного: «с великой болью в душе, с мыслью об утрате милого возлюбленного, она решила больше не жить, глубоко вздохнула и на время затаила в себе дыхание, а затем исторгла его с громким криком и упала замертво на бездыханное тело Ромео».
Новелла Луиджи да Порто несколько раз перерабатывалась в Италии, а потом этот сюжет попал и в Англию — в 1562 году Артур Брук написал поэму «Ромео и Джульетта». Именно поэма Брука и послужила Шекспиру главным, а может быть, даже единственным источником для его пьесы. Однако если у Брука действие длится 9 месяцев, то в трагедии Шекспира всего 5 дней. Также Шекспир изменил время действия с зимы на лето, добавил ряд очень выразительных сцен, которых нет у Брука.
«Ромео и Джульетта» — одна из ранних трагедий Шекспира, она была написана в период между 1591 и 1595 годами. Едва ли можно назвать «Ромео и Джульетту» трагедией в полном смысле этого слова. Во-первых, из-за концовки: Ромео и Джульетта погибают, но перед силой их любви отступает старинная вражда между Монтекки и Капулетти. Во-вторых, в отличие от более поздних трагедий Шекспира («Отелло», «Макбет», «Гамлет») в душе главных героев нет трагического кнфликта: Ромео и Джульетта уверены, что поступают правильно, следуя своей любви. В-третьих, общий фон «Ромео и Джульетты» — светлый. Исследователь творчества Шекспира А.А. Смирнов писал: «Вся пьеса как-то особенно «принаряжена» и расцвечена. Замечательно обилие в ней весёлых сценок и шуток. Комический элемент мы встретим и в других, более поздних трагедиях Шекспира («Гамлет», «Макбет», особенно «Король Лир»), но там он имеет целью усилить трагическое, оттенив его. Здесь же он приобретает почти самостоятельное значение, ослабляя трагическое. Сходным образом и картина столь короткого, но такого полного и светозарного счастья любящих уравновешивает, – если не превозмогает, – горечь их печального конца».

Краткое содержание трагедии Уильяма Шекспира «Ромео и Джульетта»:

В Вероне враждуют две знатных семьи: Монтекки и Капулетти (стоит отметить, что Данте или Луиджи да Порто писали «Каппеллетти»), что не мешает Ромео из семьи Монтекки придти на бал-маскарад в дом Капулетти, где юноша надеется увидеть свою любовь — Розалину. Однако Ромео тут же забывает Розалину, когда видит прекрасную девушку — Джульетту. Он подходит к ней и берет девушку за руку:

                                   Ромео (Джульетте)

                     Одна лишь в сердце ненависть была —
                     И жизнь любви единственной дала.
                     Не зная, слишком рано увидала
                     И слишком поздно я, увы, узнала.
                     Но победить я чувство не могу:
                     Горю любовью к злейшему врагу.

Бруно Вепхвадзе. Джульетта

Джон Уильям Уотерхаус. Джульетта

 

Philip H. Calderon. Джульетта

 

Jeffrey Barson Juliet. Джульетта

 

Станислав Плутенко. Джульетта на балконе

Ромео появляется перед Джульеттой и они решают обвенчаться как можно скорее.

 Frank Dicksee — Ромео и Джульетта

Galli — Ромео и Джульетта

Ромео договаривается, чтобы монах Лоренцо обвенчал их и тот соглашается в надежде, что эта любовь прекратит давнюю вражду между семьями Монтекки и Капулетти.

 John Gilbert. Ромео, Джульетта и монах Лоренцо

Артур Рэкхем. Ромео, Джульетта и монах Лоренцо

Однако через несколько часов после тайного венчания Ромео видит, как Тибальт из семьи Капулетти убивает Меркуцио, друга Ромео. Мстя за смерть друга, Ромео убивает Тибальта и за это герцог Вероны изгоняет Ромео из города навсегда. Последнюю ночь перед изгнанием Ромео тайно проводит в покоях Джульетты, после чего покидает город. Родители Джульетты хотят выдать её замуж за молодого и хорошего собой графа Париса.

John Gilbert. Мать и няня уговаривают Джульетту выйти замуж за Париса

 

Отец заставляет Джульетту выйти замуж за Париса

 

Джульетта в ужасе просит помощи у монаха Лоренцо и он даёт ей снадобье, которое она должна выпить, после чего все примут девушку за мёртвую и положат в семейный склеп, откуда её потом тайно вызволит Лоренцо.

 Джульетта и Лоренцо

Джульетта готовится выпить снадобье

 

John Opie. Мнимая смерть Джульетты

Мнимая смерть Джульетты 

Монах посылает письмо к Ромео, однако оно не доходит и юноша в ужасе узнает о смерти Джульетты, покупает яд и проникает к возлюбленной в гробницу. Парис (жених Джульетты) видит, как изгнанный из города Ромео проник в гробницу Капулетти и следует за ним. Между Ромео и Парисом разгорается схватка и Ромео убивает Париса. После этого Ромео прощается с безмолвной Джульеттой и принимает яд. Джульетта, очнувшись, в ужасе понимает причину самоубийства Ромео и закалывает себя.

 John R.S.Stanhope — Ромео и Джульетта

James Northcote — Ромео и Джульетта

James Bertrand — Ромео и Джульетта

Frederick Leighton — Примирение Монтекки и Капулетти

 Памятник Джульетте в Вероне

Пьеса Шекспира «Ромео и Джульетта» пользуется огромным успехом уже 4 века. В первом издании сочинений Шекспира 1623 года, находившемся в читальном зале Оксфордского университета, наиболее замусолены уголки страниц, содержащие «Ромео и Джульетту», особенно те, где напечатана ночная сцена свидания.
Эта трагедия Шекспира неоднократно экранизировалась и лучшей экранизацией считается фильм итальянского режиссёра Франко Дзеффирелли «Ромео и Джульетта» (1968). Роль Ромео в фильме сыграл 17-летний британский актёр Леонард Уайтинг, а роль Джульетты — 15-летняя британская актриса аргентинского происхождения Оливия Хасси.

На сайте можно посмотреть фильм «Ромео и Джульетта» в хорошем качестве.

Кадры из фильма «Ромео и Джульетта» (1968)

Оливия Хасси в роли Джульетты

 Оливия Хасси и Франко Дзеффирелли

Леонард Уайтинг и Оливия Хасси во время съёмок «Ромео и Джульетты»

Наверное, во всей мировой литературе не найдется столь же известного и великого произведения, не теряющего своей актуальности на протяжении веков, как пьеса «Ромео и Джульетта». Кто написал это бессмертное творение, сегодня известно всем образованным людям. Одна из трагедий, прославивших Уильяма Шекспира, – «Ромео и Джульетта». Автор ее – известнейший английский поэт и драматург – признан величайшей из гениальных личностей эпохи Возрождения. Его повесть о Ромео и Джульетте пронизана светлым чувством любви, побеждающем не только многолетнюю людскую вражду, но и смерть.

История создания

«Ромео и Джульетта»… Кто написал гениальное произведение? Известно, что до создания указанной пьесы уже существовало несколько легенд и новелл других авторов о любви двух представителей враждующих кланов. В основу трагедии Шекспира легли три новеллы. Самая ранняя была написана в 1562 году Артуром Бруком, известным драматургом. Она называлась «Трагическая история Ромеуса и Джульетты». Эту поэму считают непосредственным источником сюжета, на котором основано произведение «Ромео и Джульетта».

Кто написал еще один прототип пьесы Шекспира, также известно из истории литературы. Им стала новелла «Ромео и Джульетта», созданная одним из известных итальянских писателей XVI века, Маттео Банделло. Еще позже итальянский писатель и историограф Луиджи Да Порто написал новеллу «История двух благородных влюбленных», практически полностью повторявшую сюжет шекспировской пьесы.

Как известно, Уильям Шекспир только немного изменил предшествующие произведения, например, в ранних пьесах действие происходило на протяжении более длительного времени – около девяти месяцев. У Шекспира же по сюжету на все происходящее выделено пять дней.

«Ромео и Джульетта». Краткое содержание

В пьесе автор описывает события, которые происходят в итальянском городе Верона. Два враждующих клана, две семьи – Монтекки и Капулетти, долгое время соперничают между собой. Их вражда то затихает, то вновь возобновляется. Последняя вспышка начинается с перебранки слуг, потом переходит в настоящее побоище. Ромео Монтекки, наследник одной из семей, не участвует в кровопролитии, он занят размышлениями о завоевании благородной красавицы Розалины, сердце которой ему хотелось покорить. Его друзья – Меркуцио и Бенволио – всячески пытаются отвлечь его от тяжелых дум, но Ромео продолжает печалиться.

В это время в семье Капулетти намечается веселый праздник. Эти люди не имеют аристократических корней, но они очень состоятельные, а при помощи организуемых балов стремятся еще больше продемонстрировать свое богатство и роскошь. На их праздник приглашен родственник самого Герцога – граф Парис, который попадает под чары красавицы Джульетты и просит у главы семейства ее руки. Отец Джульетты дает свое согласие, несмотря на юный возраст дочери. Джульетте всего 13 лет.

В это время друзья Ромео предлагают ему надеть маску и проникнуть в дом Капулетти на бал, чтобы повеселиться. Ромео соглашается. Один из родственников семьи Капулетти – Тибальт – узнает в Ромео сына Монтекки, с которыми идет вражда. Но в это время Ромео видит Джульетту, влюбляется в нее с первого взгляда и забывает о своей прежней даме сердца Розалине. Джульетта тоже влюбляется в Ромео, они скрываются ото всех и дают друг другу клятву преданности.

Поздним вечером после бала Джульетта выходит на балкон и начинает вслух рассказывать о своих чувствах к Ромео, он слышит ее слова и признается ей в ответном влечении. Влюбленные планируют обвенчаться. Ранним утром в этом им помогает брат Лоренцо – служитель монастыря Святого Франциска.

В это же время случайно встречаются Меркуцио и Тибальт. Между ними вспыхивает ссора, и Тибальт убивает Меркуцио. Ромео вынужден отомстить за смерть своего друга, он убивает Тибальта. После этого молодой человек скрывается, чтобы не навлечь на себя гнев Герцога. Он вынужден бежать из города. Перед этим Ромео проводит ночь с Джульеттой, приближение рассвета означает их разлуку. Слушая утреннее щебетание жаворонков, они прощаются.

Семья Капулетти настроена выдать Джульетту за графа Париса, и родители невесты начинают подготовку к свадьбе. Девушка в отчаянии ищет утешения у брата Лоренцо, и он предлагает ей коварный план – выпить напиток, который погрузит ее в глубокий сон, похожий на смерть. Джульетта будет спать, тем временем все подумают, что она умерла, и таким образом удастся избежать роковой свадьбы. Ромео отправляют письмо, в котором предупреждают об этом плане. К несчастью, посланец не успевает предупредить Ромео из-за карантина по поводу чумы, и весть о смерти Джульетты приходит раньше. Ромео возвращается в Верону, чтобы проститься с любимой.

При виде умершей Джульетты, не зная о том, что она просто спит, Ромео выпивает яд, не в силах представить себе жизни без нее. Джульетта просыпается, когда Ромео уже мертв. Она в отчаянии считает себя виновной в смерти любимого, выхватив его кинжал, поражает себя в самое сердце. Когда соперничающие семьи Монтекки и Капулетти узнают о трагедии, они договариваются о мире – смерть любимых детей смягчает их сердца, вражда прекращается. Любовь Ромео и Джульетты становится искуплением за все зло кланов, причиненное друг другу.

Уильям Шекспир. «Ромео и Джульетта». Кто написал шедевр

О жизни талантливейшего английского драматурга У. Шекспира существует очень мало сведений. Он не вел дневник, не записывал свои воспоминания и практически ни с кем не переписывался. Все документы, имеющие его подпись или хоть какую-либо запись, сделанную его рукой, имеют огромную историческую ценность.

Уильям Шекспир родился в маленьком английском городке Стратфорде, который расположен на берегу реки Эйвон, в 1564 году.

Его отец, состоятельный торговец, разорился, когда Уильяму было пятнадцать лет. С этого возраста он сам был вынужден зарабатывать себе на жизнь. В 1585 Уильям Шекспир отправился в Лондон. Там он сменил несколько профессий. К примеру, он караулил лошадей, пока знатные господа смотрели представления. Затем он поступил на службу в театр, где иногда заменял суфлера, переписывал некоторые роли и следил за тем, чтобы актеры вовремя вышли на сцену. Такая работа в будущем помогла ему ставить потрясающие пьесы, так как он знал закулисье очень хорошо.

Постепенно, прослужив несколько лет, он добился того, чтобы ему давали маленькие роли на сцене. Затем он и сам стал писать и ставить пьесы. Шекспир известен своими поэмами и сонетами. Помимо «Ромео и Джульетты» у него есть еще некоторые бессмертные творения – «Сон в летнюю ночь», «Макбет», «Укрощение строптивой», «Гамлет», «Король Лир»,«Двенадцатая ночь», «Много шума из ничего» и другие. Всего известно 37 пьес Шекспира, 154 сонета и 4 поэмы.

Многие свои тексты Уильям не придумывал, а просто перерабатывал реальные события – именно благодаря этому таланту его произведения известны своей правдивостью и жизненностью. Творчество Шекспира передает дыхание того времени – гуманистические идеи эпохи Возрождения. Его произведения глубокомысленны, его герои – люди одухотворенные и сильные, они борются с человеческими страстями и пороками.

Одна из основных идей гениального Шекспира: людей нужно оценивать не по статусам и титулам, не по уровню достатка или положению, а по мыслям, поступкам и человеческим качествам. Вклад Шекспира в мировую культуру сложно переоценить, его произведения и сейчас актуальны, они завоевывают сердца миллионов поклонников по всему миру.

Уильям Шекспир умер в возрасте 52 лет в 1616 году. Он похоронен в родном городе, Стратфорде. На его могилу до сих пор приезжают многочисленные поклонники и туристы. Возможно, жизнь в городке совсем замерла бы, если бы в нем не организовали «шекспировскую» промышленность – каждая вывеска города непременно указывает на гений Уильяма Шекспира. Толпы туристов ежегодно приезжают в Стратфорд, чтобы поклониться могиле великого писателя и драматурга.

Театральные постановки

Спектакль «Ромео и Джульетта» ставился тысячи раз на многих сценах мира. Пожалуй, эту пьесу можно назвать одной из самых популярных в репертуарах множества мировых театров. В России спектакль «Ромео и Джульетта» ставился в театре «Сатирикон» им. А. Райкина, в театре им. Пушкина и во многих других. Главных героев играют самые талантливые актеры, великие режиссеры берутся ставить эту пьесу.

Шекспир, «Ромео и Джульетта» – это та самая вечно актуальная нестареющая классика, постановку которой можно считать честью для любого театра. Мюзиклы на тему несчастных влюбленных постоянно обновляются, в трагедию иногда вносятся самые неожиданные детали, постановка интерпретируется талантливейшими людьми самым неожиданным образом. «West Side Story» – это одна из адаптаций классической пьесы Шекспира, мировая премьера которой состоялась впервые в 1957 году. Пьеса «Ромео и Джульетта» (автор – Шекспир) – достояние мировой культуры, она постоянно привлекает множество почитателей таланта великого мастера.

Ромео и Джульетта в кино

С 1900 года, практически с момента появления кинематографа, Шекспир («Ромео и Джульетта» в частности) был экранизирован огромное число раз. Чуть ли не каждый год в разных странах мира снимаются фильмы о трагедии влюбленных. Во Франции и в США, в Великобритании и Испании, в Мексике, Бельгии, Италии, Аргентине, в Бразилии и Португалии Ромео и Джульетту играют лучшие актеры мирового кинематографа. В СССР фильм-балет «Ромео и Джульетта» был снят в 1983 году, главные роли играли Александр Михайлов и Ольга Сирина. Последний фильм совместного производства США и Италии вышел на экраны в 2013 году. Он имел успех во многих странах мира и признан одним из лучших по итогам года.

Музыка

По мотивам бессмертной пьесы Шекспира было написано много академических произведений. В 1830 году появилась опера «Ромео и Джульетта» В. Беллини, в 1839 – симфоническая поэма Г. Берлиоза, в 1938 году вышел в свет балет на музыку Прокофьева.

Помимо оперных и классических вариантов существует множество композиций рок-групп и поп-исполнителей. Песни о Ромео и Джульетте исполняли В. Кузьмин, А. Малинин, С. Пенкин, Д. Гурцкая. Название пьесы используется в названиях альбомов разных групп.

Перевод в литературе

Произведение «Ромео и Джульетта» (перевод на русском языке и не только ) переиздавалось многие сотни раз. По мотивам бессмертной пьесы были изданы новеллы Г. Келлера и роман Энн Фортье. Творение «Ромео и Джульетта» на русском впервые появилось во второй половине XIX века. Одним из лучших считается перевод И. Расковшенко. Пользовались популярностью у читателей переводы Грекова, Григорьева, Михаловского, Соколовского, Щепкиной-Куперник, Радловой. Произведение «Ромео и Джульетта» (на английском был оригинал) в переводе Б. Пастернака было встречено особенно тепло. Этот вариант – далеко не самый точный, зато самый красивый и поэтичный. Именно Пастернаку принадлежат строки «Но повесть о Ромео и Джульетте останется печальнейшей на свете…».

Любопытные факты

До настоящего времени туристам в Вероне предлагают посетить дома Ромео и Джульетты, и даже их могилы. На самом деле известно, что эти достопримечательности не имеют ничего общего с литературными персонажами Шекспира. Тем не менее, во дворе дома, где якобы жила Джульетта, стоит ее статуя, отлитая из бронзы. Местная легенда гласит, что любой, прикоснувшись к ее груди, обретет счастье и любовь.

Еще одним интересным фактом можно назвать тот, что в Италии, когда говорят о пьесе Шекспира и его героях, принято упоминать сначала имя девушки, а потом парня – Джульетта и Ромео. Для русского языка привычнее использовать имена в названии наоборот.

Балкон Джульетты – немаловажная деталь любой постановки или фильма о легендарных влюбленных. Однако известно, что в оригинальной версии у Шекспира речь идет не о балконе – Ромео слушал ее речь просто из окна. Тем не менее, балкон Джульетты со временем стал одной из значимых деталей всех постановок о влюбленных. Экскурсоводы Вероны и сейчас демонстрируют многочисленным туристам именно тот балкон, на котором стояла Джульетта.

Исторические личности или литературные персонажи?

История Ромео и Джульетты красива и очень трагична. Многих исследователей, историков и литературоведов волнует вопрос о том, жили ли герои пьесы Шекспира на самом деле. Известно, что некоторые личности действительно существовали – например, Эскала, упоминаемый Шекспиром, в реальности был герцогом Бартоломео I делла Скала. Примерно установлено, какой год описывается в пьесе – 1302-й.

Для Италии того времени действительно характерны различные конфликты, когда различные кланы соперничали за титулы и знатность рода. Американский историк Олин Мур посвятил изучению легенды о влюбленных несколько лет, и благодаря его исследованиям удалось выяснить, что именно в те годы, о которых идет речь, в Вероне действительно существовали два клана с очень похожими фамилиями – Даль Капелло и Монтиколи. Между ними на самом деле было противостояние, которое объяснялось разными партиями, чьими приверженцами были эти семьи. В истории города указывается, что на самом деле жила девушка, не ответившая взаимностью высокопоставленному лицу и обвенчавшаяся с бедным юношей, несмотря на давление со стороны родственников. Обиженный мужчина отомстил им, и влюбленные умерли во время пыток, так и не признав за собой никакой вины и не расставаясь даже после смерти.

Вполне возможно, что история несчастных влюбленных, описанная Шекспиром в его трагедии, была основана на реальных событиях, но немного изменена автором и украшена художественными деталями для большей выразительности.

Символ вечной любви

Трагедия о двух несчастных влюбленных, принадлежащая перу великого У. Шекспира, уже несколько веков не теряет своей актуальности. История произошла более четырехсот лет назад, но тема живет до сих пор во многочисленных театральных постановках, в скульптуре и живописи, в музыке и кинематографе. Возможно, все человечество с его многообразной культурой заметно обеднело бы, если б Шекспир не написал свое гениальное творение.

История Ромео и Джульетты – самая трогательная и красивая повесть, известная миру. Молодые люди признаны символом высоких чувств, преданности и верности, вечной любви и ее власти над смертью и временем. У этой пьесы много поклонников – существует Музей любви, в котором представлены все экспонаты, свидетельствующие о правдивости истории Ромео и Джульетты. Действуют клубы поклонников легендарных влюбленных. Джульетте даже можно написать письмо – в одном из ее клубов работают специальные секретари, которые получают послания на разных языках, читают их и отвечают от имени Джульетты.

В День влюбленных, 14 февраля, этот клуб выбирает самую трогательную и романтичную историю, а автор письма получает подарок от Джульетты. Тринадцатилетняя девочка, пострадавшая от глубоких чувств, почитаема поклонниками как та, которая может благословить влюбленных, придать им уверенность и принести настоящее счастье.

В Вероне легенда о влюбленных очень популярна и по сей день – там есть туристическое агентство и гостиница, названная в честь Джульетты, в кондитерских продают одноименные пирожные, гиды проводят экскурсии по особнякам, якобы принадлежавшим семьям Монтекки и Капулетти. Название «Ромео и Джульетта» дают шампанскому, кондитерским изделиям, мебели, цветам и ароматам – всему, что хочется считать романтичным и красивым. Вообще можно заметить, что промышленность также с удовольствием и выгодой поддерживает бренд Ромео и Джульетты – их история отлично продается, и производители не могут этим не пользоваться.

Не так уж важно, существовали ли герои Шекспира на самом деле, все равно люди хотят верить в сказку, не терять надежду и мечтать о таком же сильном и чистом чувстве, как у Ромео и Джульетты. Пока мы способны любить, история Ромео и Джульетты останется одной из самых популярных и самых романтичных в мировой культуре.