Пианино рассказ об инструменте

Фортепиано музыкальный инструмент

Пианино — струнно-клавишный музыкальный инструмент с клавиатурой. Обычное пианино имеет 88 клавиш. Хотя основные принципы работы фортепиано просты, утонченность, необходимая для разработки мощного, но чувствительного современного фортепиано, делает его также самым сложным из всех механических инструментов, кроме органа. Струны фортепиано ударяет войлочный молоток, который должен отскочить от струн мгновенно, иначе это ослабит их вибрации в самом процессе их инициации. Таким образом, молоток должен свободно лететь к струнам. Чтобы пианист сохранил максимальный контроль над громкостью, расстояние свободного полета молотка должно быть как можно меньше.

Инструмент бывает двух основных типов: рояль и фортепиано. Фортепиано — клавишный струнный инструмент с горизонтальным (рояль) или вертикальным (пианино) расположением струн. Пианино было чрезвычайно популярным инструментом в западной классической музыке с конца 18-го века. Человек, который играет на пианино, называется пианистом.

История происхождения пианино

Фортепиано было изобретено в 18-ом веке Бартоломео Кристофори из Падуи, Италия. Свой первый рояль он сделал в 1709 году. Он происходил от клавесина, который выглядит как пианино. В фортепьяно на струны ударяет кусок дерева, называемый молотком.

Хотя пианино было изобретено в начале 18-го века, только спустя 50 лет оно стало популярным. Первый раз на пианино было сыграно на публичном концерте в Лондоне, это было в 1768 году, когда на нем сыграл Иоганн Кристиан Бах. Вертикальное пианино было изобретено в 1800 году Джоном Исааком Хокингсом. Семь лет спустя Т. Саутвелл изобрел «перетягивание». Это означает, что струны для низких нот проходят по диагонали через деки, чтобы они могли быть длиннее и издавать гораздо больший звук.

У ранних фортепиано были струны, которые были прикреплены к деревянной раме. Они были не очень тяжелыми, но они были не очень сильными или громкими, поэтому их не очень хорошо слышали в большом концертном зале. В 1825 году чугунная рама была изобретена в Америке. Это сделало пианино намного сильнее, чтобы оно могло издавать больший звук, и струны вряд ли бы сломались.

Устройство фортепиано

У пианино есть клавиатура с белыми клавишами и черными. Когда клавиша нажата, демпфер отрывается от струны, и молоток ударяет струну. Он ударяет его очень быстро и отскакивает, так что струна может свободно вибрировать и издавать звук. Когда пианист убирает палец с ключа, демпфер падает обратно на струну, и звук прекращается. Струны натянуты очень плотно по раме, проходя по мосту на пути. Мост касается деки. Это означает, что вибрации отправляются на деки. Дека является очень важной частью фортепиано. Если он поврежден, пианино не издаст звука.

Механизм, который заставляет молот отскочить от струны очень быстро, называется «спуск». В 1821 году Себастьян Эрар изобрел своего рода двойной спуск. Молоток касается струны только около одной тысячной секунды. Молотки покрыты войлоком, который представляет собой смесь шерсти, шелка и волос.

Стандартные пианино имеет две педали, но есть разновидности с тремя.

• Педаль демпфера — эта педаль находится справа. Когда пианист прижимает его правой ногой, любые ноты, которые он играет, будут звучать, даже если он уберет палец с ноты. Это потому, что есть демпферы (они немного похожи на молотки), которые опираются на все струны. Когда пианист удерживает правую педаль, все демпферы отрываются от струн, так что струны могут свободно вибрировать. При воспроизведении ноты эта нота продолжит звучать. Некоторые другие струны также будут вибрировать очень легко (это называется «сочувствующей вибрацией»). Это сделает звук более гладким и богатым. Пианисты должны научиться правильно пользоваться педалью. Это будет зависеть от таких вещей, как стиль музыки, размер пианино, размер комнаты и много ли там обстановки.
• Вторая педаль — мягкая педаль находится слева. Когда пианист прижимает его левой ногой, ноты звучат тише. На рояле вся клавиатура и действие немного смещены влево, так что молотки бьют только по двум струнам вместо трех. Также части войлока, которые поражают нить, мягче, потому что они не стали твердыми при большом количестве использования.
• Средняя педаль, как и правая педаль, она поддерживает звучание, но влияет только на ноты, которые уже воспроизводятся в момент нажатия средней педали. Это позволяет сохранить один аккорд во время исполнения других нот, которые не будут продолжаться. У всех концертных роялей есть такая педаль, а также у некоторых современных пианино.

Знаменитые композиторы и пианисты

Пианисты, играющие популярную музыку, Либераче, Джерри Ли Льюис, Литтл Ричард, Элтон Джон, Билли Джоэл, Телониус Монах, Тори Эймос и Рэй Чарльз. Возможно, величайшим джазовым пианистом был Фэтс Уоллер.

Пианино было очень популярным инструментом с середины 18-го века, когда вскоре он заменил клавикорд и клавесин. К началу 19-го века звучание фортепиано было достаточно большим, чтобы заполнить большие концертные залы. Маленькие пианино были сделаны для использования в домах людей.

Пианино не часто используются в оркестрах (если они есть, они являются частью секции ударных). Они могут использоваться для концертов фортепьяно (пьесы для сольного пианиста в сопровождении оркестра). Существует огромное количество музыки, написанной для фортепиано соло. Пианино также можно использовать вместе с другими инструментами, в джазовых группах и для сопровождения пения.

Видео

Посмотрите видео ниже чтобы послушать и насладиться звучанием инструмента.

Фортепиано – общее название для клавишно-струнных инструментов, имеющих молоточковую механику. Умение играть на нем – признак хорошего вкуса. Образ старательного, талантливого музыканта столетия сопровождает каждого пианиста. Можно сказать, это – инструмент для избранных, хотя владение игрой на нем является составной частью любого музыкального образования.

Изучение истории помогает глубже понять устройство и специфику сочинений прошлой эпохи.

История пианино

История фортепиано насчитывает более двух веков. Собственно первое пианино изобрели одновременно в Америке (Дж. Хокинс в конце 1800 года) и Австрии (М. Мюллер в начале 1801 года). Со временем развивающийся инструмент получил педали. Настоящая форма с чугунной рамой, перекрестными струнами, разноуровневым расположением демпферов сложилась в середине XIX века.

Самыми распространенными являются «кабинетные пианино». У них стандартный размер корпуса 1400Х1200 мм, диапазон из 7 октав, педальный механизм, установленный на цокольном полу, вертикальная консоль, соединяющаяся с ножкой и балкой пианино. Таким образом, история создания пианино почти на сто лет короче эпохи развития данного инструментов типа.

Предки современного инструмента

Самыми древними представителями данного класса считаются клавикорд и клавесин. Кто и в каком году придумал или изобрел эти клавишно-щипковые инструменты, предшествующие фортепиано, не известно. Возникнув примерно в XIV веке, они получили широкое распространение в Европе в XVI-XVIII веках.

Отличие клавесина – выразительный звук. Он получается благодаря прикрепленному к концу клавиши стержню с перышком. Это приспособление дергает струну, вызывая звучание. Особенность в малой певучести, что не позволяет развить динамическое разнообразие, обуславливая необходимость устройства двух клавиатур, громкой и тихой. Особенности внешней отделки клавесина: изящество и своеобразная окраска клавиш. Верхняя клавиатура имеет белый, нижняя – черный цвет.

Другой предшественник фортепиано – клавикорд. Относится к инструментам камерного типа. Язычки заменены металлическими пластинами, не дергающими, а касающимися струн. Это определяет певучее звучание, дает возможность исполнять динамически насыщенное произведение.

Сила и яркость звучания ниже, поэтому инструмент по преимуществу применялся в домашнем музицировании, а не на концертах.

История создания нового инструмента и его эволюция

С течением времени музыкальное искусство стало требовательно к качеству динамики. Старые клавишные инструменты постепенно модернизировались. Так появилось фортепиано. Его изобретателем считается флорентинец Барталамео Кристофори. Около 1709 года итальянский создатель фортепиано разместил под струнами молоточки. Эта конструкция получила наименование gravicembalo col piano e forte. Во Франции подобное новшество было разработано Ж. Мариусом в 1716 году, в Германии К. Г. Шретером в 1717 году. Благодаря изобретению двойной репетиции Эраром появилась возможность быстро повторно нажимать клавиши, вызывая более совершенное и мощное звучание. С конца XVIII века оно уверенно вытеснило распространенные до этого клавесины и клавикорды. При этом возникли своеобразные гибриды, сочетающие органные, клавесинные и фортепианные механизмы.

Отличие нового инструмента в наличии металлических пластин вместо язычков. Это повлияло на звучание, позволив изменять громкость. Сочетание громких (forte) и тихих (piano) звуков на одной клавиатуре дало название инструменту. Постепенно возникли фабрики, производящие фортепиано. Самые популярные предприятия – Штрейхера и Штейна.

В Российской империи его развитием занимались в 1818-1820-х годах Тишнер и Вирта.

Благодаря специализированному производству началось усовершенствование инструмента, прочно занявшего свое место в музыкальной культуре девятнадцатого столетия. Его конструкция несколько раз менялась. В течение всего века итальянские, немецкие, английские мастера вносили улучшения в устройство. Значительным вкладом стала работа Зильберманна, Цумпе, Шретера и Штейна. В настоящее время сложились отдельные традиции производства фортепиано, отличающиеся механикой. Также на основе классического инструмента появились новые: синтезаторы, электронные пианино.

Выпуск инструментов в СССР, несмотря на большое количество, не отличался высоким качеством. Фабрики «Красный Октябрь», «Заря», «Аккорд», «Лира», «Кама», «Ростов-Дон», «Ноктюрн», «Ласточка» производили недорогие добротные изделия из натуральных материалов, уступающие европейским аналогам. После распада Союза практически исчезло производство фортепиано в России.

Значения инструмента в истории

Развитие фортепиано стало поворотным моментом в музыкальной истории. Благодаря его появлению изменились концерты, в которых он занял ведущее положение. Это определило быстрый рост популярности в период классицизма и романтизма. Возникла плеяда композиторов, посвятивших свое творчество исключительно этому инструменту. Одними из первых его освоили В. А. Моцарт, Й Гайдн, Л. Бетховен, Р. Шуман, Ш. Гуно. Известны многочисленные шедевры фортепианной музыки. Даже не предназначенные для фортепиано произведения звучат именно на нем значительно интереснее, чем на других инструментах.

Вывод

Появление фортепиано – своеобразный технический ответ на назревшую в музыкальной культуре потребность в новом клавишном инструменте с сильным звучанием и широкой гаммой динамических оттенков. Будучи подходящим для воспроизведения лучших и сложных мелодий, оно стало неизменным атрибутом дворянских усадеб и квартир современной интеллигенции. А история создания фортепиано – триумфальное шествие идеального инструмента.

История пианино

в Клавишные инструменты

Каждый советский ребенок помнит огромный музыкальный инструмент, занимающий полкомнаты в наших небольших квартирах — пианино. Оно считалось и роскошью, и необходимостью, для многих семей. В прошлом же веке, каждая девушка или девочка, просто обязана была уметь играть на этом инструменте.Есть ли у него свои секреты?
Может показаться что в наш век интерес к нему иссяк, но возможно кто-то пересмотрит свой взгляд на пианино, узнав сколько труда и времени понадобилось, чтобы создать привычное современное звучание и его внешний удобный вид. А так же то, сколько произведений не только полюбившихся классиков, но и современных шедевров, созданы, используя звучание именно пианино, этого громоздкого, казалось бы, устаревшего инструмента.

Как и для чего создавалось пианино?
Пианино — меньшая по размеру разновидность фортепиано. В свою очередь предшественниками фортепиано считаются клавикорды и клавесины. Создавался этот инструмент специально для комнатного музицирования в небольших помещениях. Пианино — по-итальянски «pianino», переводится как «маленькое фортепиано». Теперь несложно догадаться зачем понадобился этот инструмент, при наличии рояля. В отличие от рояля у пианино струны, дека и механическая часть расположены вертикально, поэтому он занимает гораздо меньше места в помещении. И это немаловажно, ведь со временем инструменты и музыка, стали доступнее простому народу, и переселились из замков в дома обычных граждан. Из-за компактных размеров, у пианино звук тише, чем у рояля. Оно практически не используется для концертных целей. Родиной первого фортепиано стала Италия. Его создал в 1709 году итальянский мастер Бартоломео Кристофори. За основу он взял корпус клавесина и клавишный механизм клавикорда. Это событие дало толчок появлению пианино.

В 1800 году американец Дж. Хокинс изобрел первое в мире пианино. В 1801 году похожую конструкцию, но уже с педалями, придумал М. Мюллер из Австралии. Вот так, два разных человека, не зная друг друга, живя на разных континентах создали это чудо! Однако выглядело пианино тогда совсем не так, каким общество знает его сейчас. Современный форму он получит только в середине 19 века.

В России о фортепиано узнали в 1818—1820 годах благодаря мастерам Тишнеру и Вирты. Вот так…почти через сто лет существования фортепиано узнали о нем и мы. И полюбили. Полюбилось пианино настолько, что этот инструмент продолжали усовершенствовать на протяжении почти трехсот лет. В 20 веке появляются знакомые многим электронные пианино и синтезаторы. Если копнуть историю, инструмент, который возможно кто-то считает древним, а его произведения не интересными по звучанию, на самом деле — плод не только таланта, но и усиленного труда, даже в те времена, когда для пианино не было таких электронных «конкурентов» как сейчас.

Видимо, когда был рожден этот инструмент, с ним вместе родились и умельцы создавать шедевры на нем. Как бы то ни было, чтобы музыка этого необычного инструмента доставляла наслаждение, его нужно любить, чувствовать, понимать.

Популярные в конце XVII века клавесин и клавикорд претерпели ряд принципиальных конструктивных изменений. В результате произошло возникновение нового инструмента – фортепиано, обладающего великолепными техническими возможностями, обширным диапазоном звучания, тембровой выразительностью. В советские годы пианино было почти в каждом доме, игре на нем обучали в музыкальных школах, а умение играть на фортепиано считалось частью хорошего образования.

Что такое фортепиано

Музыкальный струнный ударно-клавишный инструмент – так классифицируется фортепиано. Он появился более трех столетий назад, по прошествии времени не теряет актуальность, используется, как сольно, так и в сопровождении оркестров.

Старинное название фортепиано – клавир. До изобретения инструмента существовали и другие ударно-клавишные струнные виды – клавесин и клавикорд. Объединяет их то, что все они состоят из корпуса и внутреннего ударно-струнного механизма. Клавесины и клавикорды утратили свое значение из-за негромкого затихающего звука, недостаточно динамичного звучания, невозможности менять громкость.

Устройство

В элегантном корпусе инструмента прячется «начинка», отвечающая за звукоизвлечение. На тяжелой чугунной раме располагаются колки. На них натягиваются струны. Под струнами располагаются штеги. Взаимодействуя с резонансной декой, они усиливают струнные колебания, звуки воспроизводятся громко с выразительным тембром.

Фортепьяно имеет клавиатуру из 88 клавиш-полутонов. Под ней располагаются две или три педали. При нажатии правой педали происходит неразрывное звучание «legato». При нажатии средней педали музыкант удерживает избранные демпферы, а левая педаль используется для ослабления звука.

Конструкция фортепиано сложная. Но, благодаря ей, инструмент имеет богатые выразительные возможности и диапазон звучания целого оркестра. Звукоизвлечение происходит, когда пианист ударяет по клавишам. В это время деревянные молоточки, обтянутые войлоком, ударяют по струнам. В нижнем регистре «работает» одна струна, в среднем и верхнем молоточки ударяют сразу по двум или трем.

Диапазон звучания инструмента семь с четвертью октав от «ля» субконтроктавы до ноты «до» пятой октавы. Наиболее популярны две основные октавы – малая и первая. Контроктава представлена тремя самыми низкими нотами, а пятая – всего одной самой высокой нотой.

Вес пианино внушительный – 250-350 килограммов. Некоторые концертные экземпляры весят около полтонны.

История

Далекий предок фортепиано – монохорд. Этот инструмент использовался в Древней Греции во времена Пифагора. Представлял собой узкий длинный деревянный ящик с натянутой над ним струной. При помощи специальной подставки, которую музыкант передвигал по длине, извлекался звук разной высоты, воспроизводимый молоточками.

Со временем струн стало больше, ящик увеличился в размерах, появилась клавиатура. Нажатием клавиш приводились в движение тангеты – пластинки из металла. Конструкция получила название клавикорд от сочетания латинских слов «clavis» и «chorde», которое означает «клавиша» и «струна». В 17 столетии он был украшением гостиных и музыкальных салонов, являлся роскошью, украшался позолотой, перламутром, драгоценными камнями.

В это же время происходило создание и развитие другого предшественника фортепиано – клавесина. От клавикорда он отличался длиной струн, вследствие чего и имел другую форму, которая позднее перешла к роялю. На струны воздействовали щипковые язычки из птичьих перышек. Звук, извлекаемый таким способом, был мощным, но невыразительным.

В начале 18 века итальянский мастер Бартоломео Кристофори изобрел новый инструмент, в механизм которого заложил все составляющие современного фортепиано: демпфер, молоточек, шультер, шпиллер. Его создание стало началом происхождения пианино.

Первое фортепиано миру представил американский изобретатель Дж. Хаккинс в 1800 году. Через год конструкцию усовершенствовал другой мастер М. Мюллер, добавив к ней педали. Выглядело пианино не так, как сегодня. Фортепиано в том виде, в каком мы привыкли видеть его сегодня, появилось только в 19 веке. В это время он стал популярным и в России. В Петербурге работало несколько десятков мастеров, развивалось фабричное производство.

Разновидности фортепьяно

Пианино и рояль – два вида одного инструмента с разными конструкционными особенностями. Их строение отличается расположением струн. Пианино – разновидность фортепиано, у которой они лежат перпендикулярно клавиатуре, у рояля – в одной плоскости с ней. Поэтому размеры рояля больше, звук громче, насыщеннее.

Отличаются типы инструмента и количеством педалей – у пианино их две, а у более крупного представителя ударных струнно-клавишных – три. В семействе фортепиано эти инструменты называют «младшим» и «старшим» братьями.

Пианино имеет меньшие габариты, является инструментом для домашнего или камерного музицирования, «старший брат» – для концертного. В свою очередь пианино и рояль имеют разновидности, которые отличаются размерами.

Игра на инструменте

Овладение инструментом – сложный, долгий, кропотливый процесс. Поэтому обучение игре на фортепиано начинается с раннего возраста. Среди выдающихся пианистов прошлого века выделяются Артур Рубинштейн, Сергей Рахманинов, Святослав Рихтер. В современной музыкальной культуре место непревзойденного виртуоза занимает Денис Мацуев.

Инструмент позволяет реализовать многогранные задачи в музыке. Он используется для аккомпанемента сольным вокальным исполнителям. Широко распространены концерты для фортепиано с оркестром. Используются рояль или пианино и в камерных ансамблях в сочетании со струнными или духовыми инструментами.

Интересные факты

1. До 50-х годов прошлого века клавиши фортепьяно изготавливались исключительно из слоновой кости. Позднее их заменили на пластиковые и деревянные.
2. Японская игрушечная корпорация выпустила мини-пианино шириной всего 25 сантиметров. Это полностью функциональная модель. Она выглядит реалистично, а строение конструктивно правильное, настрой точный. Клавиши пианино всего полсантиметра в ширину.
3. В советское время фортепиано было признаком самодостаточности, статусности, особого отношения к культуре. Его дарили за заслуги перед государством. Такой подарок после полета в космос получил Юрий Гагарин.
4. На одном из концертов пианист-виртуоз Денис Мацуев настолько рьяно играл на инструменте, что у рояля сломалась ножка, а сам музыкант повредил палец.
5. Особое отношение к пианино проявляли техасские ковбои. Даже во время перестрелок, которые часто случались в салунах, пианист продолжал играть, а даже самые отъявленные негодяи не осмеливались стрелять в музыканта.
6. Рояль «Challen» – самый габаритный концертный инструмент. Весит знаменитый экземпляр более полутоны, длина корпуса составляет 3 метра 30 сантиметров.
7. В истории аукционов отмечен рояль, проданный за баснословную сумму – 2,1 миллиона долларов. Он принадлежал Джону Леннону.

Фортепиано – универсальный инструмент с беспрецедентной популярностью, открывающий многогранное звучание. Для него написано бессчетное количество произведений, а музыкальная литература по художественному значению и ценности граничит с симфонической. Пианино используется в концертах, написанных для фортепиано, но и находит применение в джазовой музыке, применяется для сопровождения вокальных партий.

Фортепиано – популярный и универсальный музыкальный инструмент, с помощью которого можно исполнить множество мелодий. Отдельного фортепьяно как такового нет, это собирательное название для двух типов инструмента – рояля и пианино.

Что такое фортепиано

Фортепиано – музыкальный ударно-клавишный струнный инструмент. Несколько столетий назад был известен клавир – это старинное название фортепиано. Сменившее его наименование фортепиано происходит от соединения итальянских терминов “форте”, что обозначает “быстро”, и пиано – “тихо”. Его назвали так за возможность регулирования высоты звучания.

История создания

Два старинных инструмента – клавикорд и клавесин – являются предшественниками фортепиано. Данные “предки” клавишного инструмента имели негромкий затихающий звук и недостаточно динамично звучали, поэтому появилась необходимость их усовершенствования. От них было перенято внешнее устройство корпуса и внутренний ударно-струнный механизм.

Механизм будущего фортепиано был изобретен Бартоломео Кристофори (1655-1731), мастером из Италии. В 1709 году изобретатель разработал “пианофорте”. В дальнейшем у инструмента появились металлические рамы и изменилось расположение струн.

В 1721 году Готтлиб Шретер, немецкий композитор и педагог, сконструировал новый механизм. В нем прикрепленный к клавише молоточек подскакивал, ударяя по струне.

В 1770 году Иоганн Штайн усовершенствовал механизм и фортепьяно оставалось таким без изменений до середины XIX века.

В начале XIX века Джон Айзек Хокинс сконструировал пианино, поместив струнный механизм вертикально. В 1842 году Роберт Уорнум получил патент на детально разработанный им механизм пианино. Данная система используется в современном инструменте.

С середины XIX века устройство фортепьяно усовершенствуется еще больше.

Строение фортепиано

Разные модели фортепиано отличаются по размерам. Но длина должна быть не менее 1,8 м, а ширина – не менее 1,5 м. Устройство фортепиано сложное, поэтому настройка фортепиано считается кропотливой и трудной.

Инструмент состоит из:

1. Акустического аппарата, включающего в себя резонансную деку и струнные переплетения.
2. Дека для резонирования представляет собой расположенный под струнами деревянный щит. На ней расположены подставки для струн, которые передают ей колебания.
3. Струны натягиваются на чугунную раму, находящейся над деревянной резонансной декой. С одного края они крепятся на металлические стержни, а с другого – на металлические колки, с помощью которых регулируется натяжение струн.
4. Клавишного механизма. Фортепиано имеет 88 клавиш и 220 струн. Белых клавиш 56, а черных 32. Звук извлекается, когда пианист касается клавиш. При этом молоточки, головки которых обтянуты войлоком, бьют по струнам. Вместе с нажатием клавиш и ударом молоточка отделяется особое приспособление для прекращения колебаний – демпфер.
5. Корпуса из различных пород древесины, совмещенных в несколько слоев. Верхний слой полированный. Корпус также имеет деревянную основу, к которой крепятся резонансная дека и чугунная рама.
6. Педального механизма. В основном, устройство имеет две педали. При нажатии на правую отделяются все демпферы, поэтому все звуки усиливаются и становятся более продолжительными.

Нажатие левой педали ослабляет звучание и изменяет тембр. У рояля это происходит за счет смещения молоточков вправо, у пианино – приближения молоточков к струнам.

В некоторых моделях имеется средняя педаль. Она продолжает задерживать демпферы еще некоторое время после того, как клавиша будет опущена. Таким образом ноты продолжают звучать независимо от дальнейшей игры.

Как звучит фортепиано

На фортепиано можно сыграть практически любую мелодию как в сольных произведениях, так и в оркестровых.

Диапазон фортепьяно – 7 с четвертью октав: от ноты ля субконтроктавы до ноты до пятой октавы. Белые ноты называются по нотам, которые они извлекают, и повторяются на клавишах несколько раз, каждый раз в новом регистре. Черные клавиши соответствуют тем же нотам, что и белые, но только с повышением (диез) или понижением (бемоль) на полутон. К названиям добавляются соответствующие обозначения – диез или бемоль.

Каждая клавиша имеет по 3 струны в верхнем и среднем регистрах, по 2 – в басовом и по одной в самом низком регистрах. Высота звука возрастает слева направо: в левой части находятся самые низкие звуки, в правой – самые высокие.

Виды фортепиано

Фортепиано – общее название для группы подобных музыкальных инструментов. К ним относятся пианино и рояль.

Рояль образовано от французского “королевский”. В рояле, как и в фортепиано, струны имеют горизонтальное расположение. Сам инструмент имеет большие размеры и по форме напоминает птичье крыло. Во время исполнения крышка рояля приоткрыта, что усиливает мощность звука.

Рояль отличается размерами от малых (длина 1,2-1,5 м) до концертных видов инструмента (2,2-2,7 м).

Пианино на итальянском языке означает “маленькое фортепиано”. Струны и весь механизм расположены в нем вертикально. Это дало инструменту малые габариты и позволило добиться компактности, чтобы расположить пианино в любом помещении. Также уменьшилась стоимость инструмента.

Пианино находит применение не только на концертах вместо рояля, но и в джазовой музыке, для аккомпанемента вокальных партий, домашних занятий музыкой и обучения игры на фортепиано.

Наиболее распространенный вид – это пианино-консоль, высотой 1,1 м. Профессиональные и большие пианино по звуку равнозначны роялю, их высота достигает более 1,15 м.

Интересные факты

Несколько примечательных фактов о музыкальном инструменте:

1. Первое произведение для фортепиано была соната “12 Sonate da cimbalo di piano e forte”, написанная Людовико Джустини в 1732 году.
2. До середины XX века клавиши фортепиано изготавливались из слоновой кости. Позже их заменили на деревянные и пластиковые.
3. Белые и черные клавиши фортепьяно не всегда имели расположение как в современном виде. В XVIII веке они размещались наоборот.
4. Каждая струна имеет натяжение в 70 кг. Общее натяжение всех струн – примерно 18 тонн, у концертного рояля достигает 30 тонн.
5. В общей сложности сумма всех деталей фортепиано составляет около 12 000 деталей. Из них 7500 деталей составляют механизм, приводящий фортепиано в действие.
6. Самый большой концертный инструмент – рояль Challen. Он весит более полутонны, а корпус в длину достигает 3 м 30 см.
7. Самыми взыскательными слушателями пианистов были техасские ковбои XIX- начала XX века. В одном из салунов Остина была надпись “Не стреляйте в пианиста, он играет, как умеет”. Из-за риска попасть под горячую руку ковбоя или стать невольной жертвой перестрелки американский инженер Э. С. Воти разработал механическую пианолу. Аппаратура проигрывателя сама регулировала клавиши с педалями. Мелодия выбиралась с помощью съемных барабанов.

У каждой вещи есть своя история, есть она и у клавишных инструментоов. Знать ее, несомненно, не только интересно, но и полезно. Это позволяет лучше разбираться в музыкальных стилях и понимать содержание того или иного произведения

    Клавишные инструменты существовали еще в Средние Века. Орган, самый старый из них, — это духовой клавишный инструмент. У него нет струн, а есть множество труб.

    Первый клавишный инструмент, у которого были струны, — клавикорд. Он появился в позднее Средневековье. Его звук был слишком мягким и тихим для того, чтобы на нем можно было играть перед большим количеством людей.

Клавикорд, будучи намного меньше по размеру и проще, чем его родственник клавесин, был достаточно популярным инструментом домашнего музицирования, и его наверняка можно было найти в домах композиторов эпохи барокко, включая Баха.

    Клавикорд имел очень простое устройство. При нажатии на клавишу маленький медный квадратик под названием тангент ударял струну. В то же время поднятый демпфер позволял струне вибрировать. Будучи очень тихим инструментом, клавикорд все же позволял делать крещендо и диминуэндо. 

    Другой клавишный инструмент – клавесин. Звук у клавесина извлекается птичьими перышками или кусочками кожи (наподобие медиатора). К тому же струны клавесина расположены параллельно клавишам, как у современного рояля, а не перпендикулярно, как у клавикорда и современного пианино. Звук клавесина — блестящий, но малопевучий (отрывистый) – значит, не поддающийся  динамическим изменениям (он более громкий, но менее выразительный, чем у клавикорда), изменение силы и тембра звука не зависит от характера удара по клавишам. В 17—18 вв. для придания клавесину динамически более разнообразного звучания изготовлялись инструменты с 2 (иногда 3) ручными клавиатурами (мануалами), которые располагались террасообразно одна над другой (обычно верхний мануал настраивался на октаву выше). В пьесы для клавесина композиторы вставляли множество мелизмов (украшений) для того, чтобы длинные ноты могли звучать достаточно протяженно. 

     На рубеже XVIII века композиторы и музыканты стали остро ощущать потребность в новом клавишном инструменте, который не уступал бы по выразительности скрипке.

Более того, был необходим инструмент с большим динамическим диапазоном, способным на громовое фортиссимо, нежнейшее пианиссимо и тончайшие динамические переходы. Эти мечты стали реальностью, когда в 1709 году итальянец Бартоломео Кристофори, изобрел первое фортепиано.

Он назвал свое изобретение «gravicembalo col piano e forte», что означает «клавишный инструмент, играющий нежно и громко». Это название затем было сокращено, и появилось слово «фортепиано». 

    Самое замечательное в фортепиано — это способность резонировать и динамический диапазон. Деревянный корпус и стальная рама  позволяют инструменту достигать почти колокольного звучания на форте. Другое отличие фортепиано от его предшественников — это способность звучать не только тихо и громко, но и делать крещендо и диминуэндо, менять динамику внезапно или постепенно.

    В период классицизма фортепиано стало популярным инструментом домашнего музицирования и концертного исполнения. Фортепиано как нельзя более подходило для исполнения появившегося в это время жанра сонаты, ярким образцом которого являются произведения Гайдна, Моцарта, Бетховена

    Появление фортепиано также вызвало изменение репертуара ансамблей и оркестров. Концерт для фортепиано с оркестром — новый жанр, ставший весьма популярным в период классицизма. Динамические возможности позволили фортепиано встать в ряд сольных инструментов, таких, как скрипка и труба, и занять центральное место в концертных залах Европы. 

    На смену классицизму приходит эпоха романтизма, когда в музыке, да и в искусстве в целом, основную роль стало играть выражение эмоций. Это выразилось, в частности, в фортепианном творчестве Шумана, Листа, Шопена.

И здесь выразительные возможности фортепиано оказались очень кстати.

Произведения для фортепиано в четыре руки стали очень популярными в этот период, когда из фортепиано одновременно извлекали до двадцати звуков, порождая новые краски.

    В период романтизма фортепиано было популярным инструментом домашнего музицирования. Любители музыки предпочитали именно фортепиано, потому что оно давало возможность исполнять одновременно и мелодию, и гармонию.

Очевидно, что появление фортепиано стало поворотным моментом в истории искусства. Это изобретение изменило характер всей европейской музыки, которая является важной частью всей мировой культуры.

За прошедшие триста лет почти все великие композиторы писали для фортепиано, и многие из них знамениты именно своими фортепианными произведениями. Сегодня нельзя найти музыканта — будь то певец или композитор, кларнетист или скрипач — у которого в доме не было бы фортепиано.

Несмотря на его молодость, фортепиано оказывает на общество в целом большее воздействие, чем какой-либо другой инструмент, и надо полагать, что его славе еще очень далеко до заката. 

    Часто спрашивают, чем отличается пианино от рояля  или  чем отличается пианино от фортепиано?

Фортепиано и пианино – это один и тот же инструмент. Рояль и фортепиано это тоже один и тот же инструмент. Фортепиано – общее название для них. Так же, как под духовыми подразумевают саксофоны, тромбоны, трубы. Кроме формы мало кто может понять, в чем же состоит разница между роялем и пианино, но мало кто задумывается, почему же они имеют различную форму. 

    Пианино – инструмент с вертикальным построением струн, это построение обеспечивает компактность (относительную, конечно) инструмента. 

У рояля же построение горизонтальное, он имеет дугообразную форму и, 

в отличие от пианино, устанавливается на трёх ножках. Более крупная дека рояля выдаёт более громкое звучание, что делает его незаменимым на концертах. 

• Помимо размера имеется еще одно ключевое отличие. В рояле существует особый механизм, 
• называющийся «механизмом двойной репетиции» («репетиция» – повторение) – он создан для того, чтобы легко можно было бы проигрывать быстро повторяющиеся нажатия на клавиши, что также незаменимо на концертах, где требуется максимально продемонстрировать своё мастерство.
•     Все мы прекрасно знаем, что фортепиано очень многогранно как инструмент, и синтезатор как раз является одной из его граней, которая смогла в корне поменять всю музыку, расширить её возможности до пределов, которые себе и представить не могли классические композиторы. 

   Корень слова «синтезатор» —  «синтез», то есть создание чего-либо из ранее разрозненных частей. Одной из его ключевых особенностей является то, что синтезатор способен воспроизводить не только звуки классического пианино, но и имитировать звучание многих других инструментов. В них заложены и электронные звуки, которые смогут воспроизвести только синтезаторы. 

    Своё начало создание электронных инструментов берёт еще в конце XIX века, русский учёный Лев Термен изобрёл один из первых полноценных инструментов, использующих законы физики и электрическое питание, известный как терменвокс.

Он представлял собой довольно простую и мобильную конструкцию, аналогов которой нет до сих пор – это единственный инструмент, на котором играют, даже не касаясь его.

Музыкант, перемещая руки в пространстве между антеннами инструмента, меняет колебательные волны и тем самым изменяет и ноты, которые выдает терменвокс. 

    Один из первых электронных инструментов, на этот раз уже клавишных, назывался Теллармониум и был изобретен Таддеусом Кэхилом из Айовы.

 Инструмент, целью которого было заменить церковный орган, вышел воистину масштабным: он весил около 200 тонн, состоял из 145 огромных электрогенераторов, а, чтобы перевезти его в Нью-Йорк, понадобилось 30 железнодорожных вагонов.

Но сам факт его создания показал, куда двигаться музыке, показал, насколько еще может технический прогресс помочь развитию искусства. Говорили, что Кэхил опередил своё время, называли его невоспетым гением.

Однако, несмотря на все прелести инструмента, ему еще было куда развиваться: дело в том, что он вызывал помехи на телефонных линиях, да и качество звука его было достаточно посредственным даже по меркам начала XX века.

    Во время Первой мировой войны, когда на долгое время гул разрывающихся снарядов, свист пуль, скрежет гусениц танков  наполняли окружающий мир, французский радист Морис Мартено (Maurice Martenot), сидя в окопах, мечтал найти новое звучание, которое бы заглушило звуки войны.

 Экспериментируя с военной радиостанцией, он заинтересовался необычным «поющим» звуком, который издавали лампы оборудования.

Будучи музыкантом по призванию (он в совершенстве играл на скрипке), ему не составило труда превратить случайные электрические звуки радиостанции в незатейливые мелодии. 

    После окончания войны, увлеченный электрическим звучанием, Морис Мартено продолжил свои эксперименты. Почти десять лет он работал над своим проектом и только лишь в 1928 году достиг желаемого результата.

В этом же году на Парижской выставке он представил мировому сообществу свое изобретение, назвав его «Волны Мартено» (Ondes Martenot).

Поскольку это был один из первых подобных инструментов, изобретение Мартено вызвало оживленный интерес. 

    Мартено действительно удалось найти новое звучание. Люди, впервые  услышавшие в 1928 году его инструмент, окрестили его «космическим пианино», поскольку он издавал необычные для того времени неземные звуки, которые одновременно кажутся и радостными, и загадочными, и величественными! М. Равель, когда услышал звучание Волн Мартено, сказал: «Что за изумительный звук! Это просто фантастика. Но ему не хватает способности колебаться». Через некоторое время Мартено усовершенствует его в соответствии с пожеланиями Равеля. 

    В тридцатые годы композиторы, ищущие новое звучание, пишут музыку для Волн Мартено. Среди них были такие известные композиторы, как Оливье Мессиан, Богуслав Мартину, Дариюс Мийо, Артюр Онеггер, Шарль Кёклен и другие. Широкое применение этот инструмент нашел в кино-индустрии при создании музыки к фантастическим фильмам.

    Следующей ступенью в развитии клавишных электронных инструментов стал орган Хаммонда. Он великолепно имитировал – синтезировал  – звучание настоящего духового органа. Лоренс Хаммонд спроектировал его в далеком 1935 году. Не все церкви могли позволить себе настоящий дорогой духовой орган, поэтому он планировался как замена классическому церковному инструменту, но со временем оказалось, что он чрезвычайно популярен и среди «мирян». Да не просто мирян, а блюзменов, джазменов, рок-н-рольщиков и даже военных музыкантов.

    RCA (Radio Corporation of America) приняла первую попытку создать синтезаторы, которые стали бы шагом вперёд после органа Хаммонда, но созданные корпорацией модели Mark I иMark II не снискали успеха из-за, опять же, болезни всех электронных устройств того времени –  габаритов (синтезатор занимал целую комнату!) и астрономической цены, однако определенно стали новой вехой в развитии технологий звукового синтеза.

    Казалось бы, что развитие идёт полным ходом, однако инженерам всё так и не удавалось сделать инструмент простым и доступным, пока за работу не взялся Джон Муг, владелец фирмы по производству уже знакомых вам терменвоксов, который, наконец, хоть как-то приблизил синтезатор к простым смертным. Он создал Minimoog – воистину культовый инструмент, популяризировавший жанр электронной музыки. Он был компактным, стоил, пусть и дорого – 1500$, но это первый синтезатор с двумя нулями в конце цены. Помимо этого Minimoog обладал звуком, который ценим музыкантами по сей день.

    С начала 1960х появилось множество компаний, каждая из которых заняла свою нишу в создании синтезаторов: Sequential Circuits, E-mu, Roland, ARP, Korg, Oberheim, Yamaha и это еще не весь список.

Аналоговые синтезаторы с тех времен не подверглись кардинальным изменениям, они до сих пор ценимы и очень дороги – модели представляли собой тот классический вид синтезаторов, к которому мы привыкли.

    Между прочим, советские производители тоже не отставали. Советские синтезаторы являются очень интересными в плане звучания, в СССР даже были свои маэстро электронной музыки, такие как,  Эдуард Артемьев. Самыми известными сериями были Аэлита, Юность,  Лель, Электроника ЭМ.

    К середине 80-х годов в музыкальную индустрию стали уверенно входить цифровые технологии.

Оказалось, что в ряде случаев  сложный и неповторимый процесс аналогового синтеза можно просто и быстро заменить цифровым запоминанием полученного результата — сэмпла.

Появились простые и дешёвые клавишные инструменты, которые используют библиотеку сэмплов, записанных в ROM-памяти, их назвали ромплерами.

Источник: https://www.sites.google.com/site/muzlomteva/iz-istorii-klavisnyh-instrumentov

Древние родственники пианино: история развития инструмента

Пианино само по себе является разновидностью фортепиано.

Под фортепиано можно подразумевать не только инструмент с вертикальным расположением струн, но и рояль, у которого струны натянуты горизонтально.

Но это – современное пианино, которое мы привыкли видеть, а до него существовали другие разновидности струнно-клавишных инструментов, имеющие с привычным нам инструментом мало чего общего.

Давным-давно можно было встретить такие инструменты, как пирамидальное фортепиано, пиано-лира, пиано-бюро, пиано-арфа и некоторые другие.

В какой-то степени предшественником современного пианино можно назвать клавикорд и клавесин. Но последний имел лишь постоянную динамику звука, который к тому же быстро затухал.

В шестнадцатом веке был создан так называемый «клавицитерий» – клавикорд с вертикальным расположением струн. Итак, начнем по порядку…

Клавикорд

Этот не такой уж и древний инструмент стоит отдельного упоминания. Хотя бы потому, что на нем удалось сделать то, что оставалось спорным моментом на протяжении долгих лет: окончательно определиться с разбивкой октавы на тона, и, самое главное, полутона.

За это стоит благодарить Себастьяна Баха, который и проделал этуогромнейшую работу. Он же известен и как автор сорока восьми произведений, написанных специально для клавикорда.

По сути, написаны они были для домашнего воспроизведения: клавикорд был слишком тихим для концертных залов. Зато для дома он был поистине бесценным инструментом, а потому довольно долгое время оставался популярным.

Отличительной особенностью клавишных инструментов того времени были струны одинаковой длины. Это значительно усложняло настройку инструмента, а потому стали разрабатываться конструкции со струнами различной длины.

Клавесин

Мало какие клавишные обладают столь же необычной конструкцией, как клавесин. В нем вы могли бы увидеть и струны, и клавиатуру, но вот звук извлекался не ударами молоточка, а медиаторами.

По форме клавесин уже больше напоминает современное фортепиано,  так как содержит струны различной длины.

Но, как и в истории с фортепиано, крыловидный вид клавесина был лишь одной из распространенных конструкций.

Другой вид был похож на прямоугольный, иногда квадратный, ящик. Были как горизонтальные клавесины, так и вертикальные, которые могли иметь размер значительно больший, чем у горизонтальной конструкции.

Как и клавикорд, клавесин не был инструментом больших концертных залов, – это был домашний или салонный инструмент. Тем не менее, со временем он снискал репутацию отличного ансамблевого инструмента.

клавесин

Постепенно к клавесину стали относиться, как к шикарной игрушке дорогих людей. Инструмент изготавливался из ценных пород дерева и был богато украшен.

Некоторые клавесины имели по две клавиатуры с разной силой звука, к ним приделывали педали – эксперименты ограничивались лишь фантазией мастеров,  которые стремились любыми путями разнообразить суховатое звучание клавесина.  Но в то же время подобное отношение побудило выше ценить музыку, написанную для клавесина.

Сейчас этот инструмент хоть и не пользуется такой же популярностью, что и прежде, но все же иногда встречается.

Его можно услышать на концертах старинной и авангардной музыки. Хотя стоит признать, что современные музыканты куда вероятней будут использовать цифровой синтезатор с семплами, имитирующими звук клавесина, чем сам инструмент. Все-таки это сейчас редкость.

Подготовленное фортепиано

Точнее, препарированное. Или тюнингованное. Суть не меняется: для изменения характера звучания струн несколько дорабатывают конструкцию современного  пианино, подкладывая под струны разнообразные предметы и устройства или извлекая звуки уже не столько клавишами, сколько подручными средствами: иногда медиатором, а в особо запущенных случаях  – пальцами.

Словно повторяется история клавесина, но уже на современный лад. Вот только современное пианино, если особо не вмешиваться в его конструкцию, способно служить столетиями.

Отдельные экземпляры, сохранившиеся с середины девятнадцатого века (к примеру, фирмы «Смит энд Вегнер», англ. “Smidt&Wegener”), и сейчас обладают на редкость богатым и насыщенным звучанием, практически недоступным современным инструментам.

Абсолютная экзотика – кошачье пианино

Когда слышишь название «кошачье пианино», то сперва кажется, что это – метафорическое название. Ан нет, такое пианино действительно состояло из клавиатуры и…. котов.

Зверство, конечно, и надо обладать изрядной долей садизма, чтобы верно оценить юмор того времени. Коты были рассажены по голосам, из деки торчали их головы, а с другой стороны виднелись их хвосты.

Вот за них-то и дергали, чтобы извлечь звуки нужной высоты.

Сейчас, конечно, такое фортепиано в принципе возможно, но лучше пусть об этом не будет известно обществу защиты животных. Сойдут с ума заочно.

Но вы можете расслабиться, этот инструмент имел место в далеком шестнадцатом веке, а именно в 1549-м году, во время одной из процессий испанского короля в Брюсселе. Несколько описаний встречается и в более позднее время, но уже не так понятно, существовали ли эти инструменты дальше, или о них остались лишь сатирические воспоминания.

Хотя ходил слух, что однажды его использовал некий И.Х. Рейль, чтобы вылечить от меланхолии итальянского принца. По его версии, подобный забавный инструмент должен был отвлечь принца от его грустных мыслей.

Так что может это и было жестоким обращением с животными, но одновременно и серьезным прогрессом в обращении с душевнобольными, что ознаменовало рождение психотерапии в ее зачаточном виде.

 На этом видео клавесинистка исполняет сонату ре-минор Domenico Scarlatti (Доменико Скарлатти):

(1

Источник: https://ProPianino.ru/drevnie-rodstvenniki-pianino

История фортепиано

История создания фортепиано уходит корнями в далекую эпоху Средневековья. Именно тогда появились первые прообразы современных клавишных инструментов — портативные органы. Однако все-таки следует отнести их к классу клавишно-духовых инструментов. В те времена на них играли бродячие артисты и таким образом увеселяли публику и зарабатывали себе на хлеб. Далее портативный орган видоизменился, стал больше по размеру, а применять его начали в основном в церковной музыке.

Другими близкими «родственниками» фортепиано можно назвать клавикорд и клавесин. Первые упоминания о них появляются в 16 веке. Однако самый старый клавикорд был изготовлен в 15 веке. Основное отличие данных инструментов — в их звучании, обусловленном разной конструкцией.

Клавикорд относится к группе клавишно-ударных, а клавесин — клавишно-щипковых инструментов, к тому же последний обладает более сложным механизмом. В свое время эти инструменты использовали для создания своих шедевров Моцарт, Бах, Бетховен и многие другие известные композиторы.

В начале 18 века итальянский клавесинный мастер Бартоломео Кристофори изобрел инструмент, называемый «пианофорте», за которым в дальнейшем закрепилось название фортепиано.

Основными его достоинствами можно назвать динамическую свободу и резонанс, за счет которого удавалось получать звук любой протяженности, благодаря наличию у инструмента специальных педалей для отрывистого звука и для более протяженного.

Кроме того, фортепиано обладало более сложной молоточковой системой по сравнению со своими предшественниками.

В дальнейшем фортепиано совершенствовалось: улучшился клавишный механизм, увеличился диапазон, произошли изменения расположения струн и многое другое. Проблему слабой репетиции удалось решить в 1823 году Себастьяну Эрару. Это позволило вывести фортепианную музыку на новый уровень.

В 19 веке фортепиано стало пользоваться большой популярностью в Европе, а затем дошло и до России. Многие компании начали заниматься изготовлением данного инструмента. В настоящее время таких фирм около 20 000.

В первую очередь, рост популярности фортепиано был связан с тем, что его предшественник клавесин издавал быстро затихающий звук, а это не позволяло играть legato.

Тем не менее, клавесинная музыка не вышла из употребления, а, наоборот, пережила свое возрождение в начале 20 столетия.

В 20 веке на смену фортепиано пришли синтезаторы и электронные пианино, позволяющие создавать различные композиции с элементами электронной музыки.

В целом же современные фортепиано делятся на две группы: рояль и пианино, диапазон которых в большинстве случаев составляет 88 полутонов (52 белых и 36 черных ключей). Они отличаются друг от друга как по форме и размерам, так и по способу звучания. У рояля струны расположены горизонтально, а у пианино – вертикально.

Если вы хотите освоить игру на фортепиано или синтезаторе, начните свой путь в музыкальной школе Jam’s cool. Благодаря проверенным методикам обучения и качественной подготовке преподавателей, уже через несколько месяцев вы сможете исполнить первые несложные композиции.

18 октября — Трибьют Antonio Jobim (ударный)

Подробнее

Розыгрыш бесплатного месяца в Jam’s cool

Подробнее

28-29.09 — Мастер-класс Раза Кеннеди в Jam’s cool

Подробнее

Источник: https://jamschool.ru/istoriya-fortepiano/

История фортепиано

В современном мире существует огромное количество различных музыкальных инструментов, любой из которых имеет свою неповторимую историю. История фортепиано стоит особняком хотя бы потому, что именно фортепиано является одним из самых популярных музыкальных инструментов.

Уникальный диапазон звучания, широчайший спектр динамических оттенков, возможность плавно переходить от forte к piano и обратно, извлекать одновременно 10 и более звуков, ровность тембра во всех регистрах, исключительная способность подражать другим инструментам, возможность исполнять на нем все, что можно назвать музыкой, все это стало причиной, по которой музыкальный инструмент, под названием фортепиано, вот уже на протяжении двух с лишним столетий, стал основным инструментом, как для профессионального, так и для любительского музицирования. Занять лидирующие позиции фортепиано помогли труды многих мастеров и изобретателей, а также богатая предыстория.

Предки современного фортепиано

Орган
Первым инструментом, в котором начали использовать клавиши, был орган.

Изобретение органа с трубами принадлежит александрийцу Ктесибию (III в. до н. э.).

Правда, его гидравлос был не столько музыкальным инструментом, сколько эффективным приспособлением для демонстрации принципов гидравлики.

В первое время органы служили дипломатическими подарками и знаками королевской власти; только лишь в X веке, с оживлением деятельности монастырей, они начали проникать в церковную службу.

Первое время клавиши органа были похожи на те, которые использовались в клавишных карийонах XVI века. Их ширина составляла 10-12 см, и их не нажимали пальцами, а ударяли по ним кулаками. Так же следует заметить, что приблизительно до конца X века клавиатуры были исключительно диатоническими.

Монохорд
Ранним предшественником фортепиано был монохорд (от греческого monos – «один» и chorda – «струна»). Первое упоминание о монохорде относится к V в. до н. э. По преданию монохорд был изобретен Пифагором, и использовался им для исследования музыкальных интервалов.

То есть опять же не столько как музыкальный инструмент, сколько инструмент для исследования музыки. Таким монохорд оставался до XIX в., по большей части он использовался в опытах по акустике, при настройке инструментов и при обучении теории музыки и пению, а еще как прибор для проектирования и измерения колоколов и органных труб.

Правда, в греческих и средневековых источниках монохорд иногда упоминается также как ансамблевый инструмент.

Состоял монохорд из продолговатого корпуса длиной порядка метра, вдоль которого сверху натягивалась струна.

Помещенная под струной нефиксированная подставка (порожек) делила струну на 2 части; передвижение этой подставки давало возможность извлекать (щипком или молоточками) звуки различной высоты.

Позже монохорд снабдили несколькими струнами, что увеличило его диапазон примерно до двух октав. Именно из многострунного монохорда позже возник клавикорд.

Клавикорд
Клавикорд (от латинского clavis – «ключ» или «клавиша», chorda – «струна»). Струнный клавишный ударный инструмент XV-XVIII вв. Диапазон инструмента как правило составлял 4 октавы (до большой – до третьей), при этом мог варьироваться от 1 до 5 октав.

Когда играющий на клавикорде нажимает на клавишу, укрепленный на ее задней части металлический штифт – тангент – ударяет по струне. Чем сильнее исполнитель ударяет по клавише (и, соответственно, чем сильнее тангент давит на струну), тем громче звук.

Пока тангент остается прижатым к струне, исполнитель может варьировать высоту звука, добиваясь эффекта вибрато («бебунг») и даже иллюзии crescendo.

На протяжении большей части своей истории клавир использовался преимущественно для домашнего музицирования. В XVI в. его рекомендовали в качестве возможной замены клавесину. Отношение к клавиру изменилось в середине XVIII века т.е. в эпоху чувствительного стиля.

Немецкие авторы этой поры считали клавир идеальным инструментом для излияния нежных чувств. Так К. Ф. Э. Бах высоко отозвался о клавире в своем «Руководстве к истинному искусству игры на клавире». Тем не менее, к концу XVIII в.

интерес к клавиру исчезает – с появлением фортепиано эта участь становится неизбежной не только для него одного.

Клавесин
Современником и одновременно конкурентом клавикорда и еще одним дальним предком фортепиано является клавесин, возникший в пятнадцатом веке в Италии.

Главное отличие этого струнного клавишного инструмента, заключается в том, что его струны не ударяются, а защипываются. Клавесин имеет форму продолговатого треугольника, чем-то напоминающую современный рояль. Его струны расположены горизонтально на разных высотных уровнях.

Позади каждой клавиши находится деревянный стерженек, так называемый толкачик, на верхнем конце которого помещен плектр из птичьего пера или кожи. При нажатии клавиши толкачик поднимается, и плектр зацепляется за струну, таким образом извлекается звук.

Вибрация струны заглушается кусочком войлока, прикрепленным к верхней части толкачика. Для изменения силы и тембра звука, используются ручные и ножные переключатели.

Конечно, если сравнивать клавесин и клавикорд, у первого был гораздо более ясный и сильных звук, однако изменять громкость на клавесине было практически невозможно.

Для того, чтобы обойти это ограничение создавались инструменты с большим количеством мануалов и с несколькими регистрами, это частично решало проблему, хотя плавное увеличение или уменьшение звука на клавесине невозможно в принципе.

Уже к XVI в. существовало несколько разновидностей клавесина:1) крылообразный инструмент с клавиатурой на короткой стороне, струны которого расположены горизонтально, параллельно клавишам – собственно клавесин, cembalo.

2) вертикально стоящий инструмент крылообразной формы – клавицитериум (clavicytherium).3) горизонтальный крылообразный инструмент с клавиатурой на большой стороне, часто трапецивидный, струны которого протянуты по диагонали слева направо – спинет (итал.

spinetta, от – spina – «колючка»). 4) горизонтальный инструмент, похожий на спинет, но прямоугольной формы, струны которого идут параллельно клавиатуре — вёрджинел (англ. virginal, от virgin – «дева», «барышня»). В XV в. диапазон инструмента составлял 3 октавы, в XVI в.

он расширился до 4 октав (до большой – до третьей), в XVIII в. – до 5 октав (фа контроктавы – фа третьей).

Изобретение нового инструмента

Настоящая история фортепиано началась в XVII веке в Европе, когда многие думали над конструкцией, легшей в основу молоточкового фортепиано. Прорыв совершил итальянский мастер клавишных инструментов Бартоломео Кристофори (1655 Падуя — 1731 Флоренция). Собственно он и изобрел около 1698 года фортепианную механику. Причем молоточковое фортепиано Кристофори стало не только первым, но и надолго лучшим. Гениальную механику этого инструмента смогли усовершенствовать лишь в во второй половине XVIII века.

Сам Бартоломео Кристофори назвал свое изобретение Gravecembalo col piano e forte (т.е. «клавесин с тихим и громким [звучанием]»). Позже сокращенное до «Piano forte» . Инструмент уже в то время имел все сущностные качества более поздних разновидностей фортепиано, в том числе сложный механизм подбрасывания молоточка с одновременным отходом демпферов от струн.

Эволюция

Сразу после того, как Бартоломео Кристофори изобрел свое «Пианофорте», оно было оценено и музыкантами, и композиторами.

Потому в восемнадцатом многие другие европейские мастера стали работать над развитием нового инструмента, тем самым определяя развитие его конструкции и механизма на годы вперед.

Фортепиано развивали Готфрид Зильберман, Цумпе, Штейн, Бродвуд, Эрар и многие другие. Уже к девятнадцатому веку возникла целая индустрия производства фортепиано.

Из всего спектра всевозможных конструктивных нововведений в истории фортепиано, можно выделить следующие наиболее значимые. В 1808 году Французский мастер Себастьян Эрар изобрел механизм так называемой двойной репетиции (что запатентовано, правда, было лишь в 1822 году).

В результате чего стало возможно не только более быстрое повторение звука, что само по себе способствовало повышению динамичности игры и как следствие придавало мощь и силу звучанию инструмента, но также появлялась возможность связанного извлечения звуков при непрерывно поднятом демпфере, что давало эффект схожий с игрой на грифе струнного инструмента.

В конце XVIII века в Англии и США началось производство фортепиано с металлической рамой, которая долго выдерживала натяжение струн без изменения настройки. На рубеже XVIII-XIX веков филадельфийский мастер Джон Айзек Хокинс изобрел пианино современного типа.

В 1825 году Алфеус Бэбкок, работавший в Бостоне и Филадельфии, запатентовал цельнолитую металлическую раму. Одно из последних крупных нововведений стало использование чугунной рамы, позволившей дополнительно повысить натяжение струн, увеличив их толщину, и тем самым добиться более сильного и полного тона.

Позднее для равномерного распределения натяжения по поверхности рамы струны стали располагать крест-накрест друг над другом.

Сегодня фортепиано делится на два основных вида: рояль и пианино. Рояль (франц. royal – «королевский») стал прямым продолжением развития молоточкового фортепиано, вобрав в себя все конструктивные нововведения прежних столетий, и став по сути олицетворением самого понятия фортепиано.

Внешне он сохранил отличительные признаки своих предшественников: крыловидный корпус и горизонтальное расположение деки, механики и струн. В XIX- XX веках среди ведущих производителей роялей были такие фирмы как: Бёзендорфер, Бехштейн, Эрар, Блютнер, Бродвуд, Стейнуэй, Ибах, Плейель, Штрейхер, Штейн, Ямаха.

В XX веке появился также малый (кабинетный) рояль.

Пианино (итал. pianino – уменьш. от piano[forte] – «фортепиано»), в отличие от своего старшего брата рояля, который создан для концертного исполнения, применяется главным образом для занятий и музицирования в домашних условиях. Главное конструктивное отличие заключается в вертикальном расположении струн, деки и механики. Со временем появляются всевозможные малые разновидности пианино.

В XX веке появляются различные новшества. В первой трети века популярностью пользовалось механическое пианино, инструмент способный автоматически играть музыку, записанную на перфорированной бумажной ленте.

В наши дни существует аналог такой самоиграющей системы, но уже компьютеризированный.

Появляются различного рода электрические фортепиано, как модифицированные, то есть обычные фортепиано с электронным усилением звука, так и полностью электронные клавишные инструменты.

История фортепиано насчитывает более четырех сотен лет. Начиная с Иоганна Себастьяна Баха (1685 — 1750) фортепиано стало определяющим музыкальным инструментом в истории музыкальной культуры. Нет ни одного инструмента, который в истории музыки имел бы настолько сильное влияние на целые эпохи.

Забавное видео про историю музыки, которую писали для фортепиано в последние два столетия:

Источник: http://My-Piano.ru/instrument/istoriya-fortepiano.html

Статья на тему «Из истории создания фортепиано»

Из истории создания фортепиано

Фортепиано  – это удивительный музыкальный инструмент; пожалуй, самый совершенный. Существует он в двух разновидностях –рояль, что означает «королевский», и пианино. 

История создания этого удивительного инструмента уходит своими корнями в глубокую древность.

С тех пор, как первобытный человек стал использовать для охоты лук и стрелы, он заметил, что момент спуска стрелы сопровождается гудящим звуком, возникающим от колебания тетивы.

Заинтересовавшись этим, человек стал использовать лук как орудие для звукоизвлечения; таким образом, появился первый струнный музыкальный инструмент.

Струны современного фортепиано приводятся в колебание ударами молоточков. Исходя из этого, связь с прошлым очевидна. Конечно, фортепиано в том виде, в котором мы видим его сегодня, изобрели не сразу. Это был довольно долгий путь.

После рождения струны был изобретён монохорд,представлявший собой деревянный прямоугольный ящик-резонатор, над верхней плоскостью которого крепилась сначала одна струна, а затем и несколько десятков струн.

Звук появлялся в момент защипывания струны, либо от удара по ним специальной пластинкой – плектром. Но управляться с большим количеством струн — дело вовсе не простое. И в эпоху раннего средневековья появляются инструменты с клавиатурой.

Первые клавишные потомки монохорда уступили место инструменту клавикорду.

Клавикорд  появился в позднее Средневековье, хотя никто не знает, когда именно. Это был достаточно простой и небольшой по конструкции музыкальный инструмент с тихим звучанием, выполненный в виде небольшого плоского ящика без подставки и ножек.

Струны у клавикорда располагались перпендикулярно клавишам, как у современного пианино, и их количество было часто меньшим, чем количество клавиш. В этом случае одна струна обслуживала несколько клавиш. Отдельная для каждой ноты струна была только в басовой октаве.

Диапазон первых клавикордов охватывал всего 2,5 октавы, к 17 веку он расширился до 4-х октав, а в 18 веке достиг 5-6 октав, и для каждой ноты была своя струна. Поскольку клавикорд был небольшим, он предназначался исключительно для домашнего музицирования.

В отличие от тонкого и нежного звука клавикорда,клавесин обладает игрой более звучной и блестящей, звук у него более резкий.

При нажатии на клавишу клавесина плектр из гусиного пера цеплялся за струну и она звучала.

В клавесине могли звучать от одной до четырех струн одновременно и располагались они параллельно клавишам, как у современного рояля. И ещё одна особенность клавесина – у него было две клавиатуры.

Таким образом, прямыми предшественниками фортепиано считаются клавесиныиклавикорды.

В 17-18 веках многие мастера трудились над тем, чтобы создать достаточно громко звучащий инструмент.

И в 1709 году клавесинный мастер Бартоломео Кристофори  изобрел клавишный инструмент,  в котором молоточки ударяли непосредственно по струнам, чутко откликаясь на прикосновение пальца к клавише.

Специальный механизм позволял молоточку после удара по струне быстро возвращаться в исходную позицию, даже если при этом исполнитель продолжал держать палец на клавише.

Этот новый инструмент сначала получил название «клавишный инструмент, играющий тихо и громко», затем это название сократилось до пьянофорте и только позже обрел современное название  фортепиано.

Первое музыкальное произведение, написанное специально для фортепиано, появилось в 1732 г. (соната Лодовико Джустини).

Фортепианообладает огромным преимуществом перед клавикордом и клавесином — это возможность изменять динамику звучания, способность воспроизводить различные музыкальные оттенки от pp и p до нескольких f, но эта возможность появилась уже позже. А в начале фортепиано, на котором играл И.-Х.

Бах в 1768 году, звучал совершенно не так, как звучит современный рояль. Сегодня Бетховен и Моцарт могли бы просто не узнать собственную музыку, поскольку «современное» звучание рояль обрёл только приблизительно к 1850 году.

Это объясняется тем, что фортепианные струны в начале 19 века были по сравнению с современными струнами очень тонкими и лёгкими, и натянуты они были намного слабее, — ведь струны на современных роялях напоминают скорее жёсткие неподвижные бруски.

Тонкие струны, которые устанавливались на ранних фортепиано, издавали массу обертонов, поэтому такие инструменты показались бы нам, современным слушателям, плохо настроенными.

Еще один ключевой момент в истории пианино, —клавиши. Раньше клавиатура состояла из одних только белых клавиш, называвшихся по первым буквам латинского алфавита. Как правило, эти же буквы наносились и на клавиши самого инструмента – это делалось для того, чтобы помочь музыканту ориентироваться в сплошном ряду одинаковых клавиш.

Да и классическая система семи нот, которую мы сейчас используем, тоже родилась не сразу. Немало музыкантов, имена которых остались неизвестны, бились над тем, чтобы понять, какой же все-таки должна быть ее структура.

И начиная с 13 века уже создается привычное нашим глазам и пальцам построение клавиш – 7 белых и 5 черных в октаве, всего 88 клавиш.

  Итак, изобретенный Бартоломео Кристофори  инструмент с годами менялся, совершенствовался разными мастерами. И в 1783 году были изобретены ножные педали. Одна педаль использовалась для игры f, а вторая – для того, чтобы приглушить струну. Многие мастера экспериментировали с другими видами педалей, количество которых на некоторых инструментах доходило до 4-х и даже 6-и.

В начале 18 века новый инструмент – фортепиано – не сразу был принят публикой. Ведь механика первых фортепиано была не совершенна, а звук, хотя и менялся по силе, был резким и сухим.

Вторая половина 18 века является переломным моментом в истории фортепиано. Отныне крыловидное фортепианополучило название рояль, что означает «королевский».

Главной особенностью этого инструмента был певучий звук.

Динамические возможности позволили фортепиано встать в ряд сольных инструментов и занять центральное место в концертных залах Европы. В 19 веке роялю, завоевавшему большие залы, не хватало силы звука. Для этого струны сделали толще, длиннее и больше натянули их. Но деревянные корпуса роялей не выдерживали большого натяжения струн, которое исчислялось сотнями килограммов.

На помощь дереву пришёл металл – чугунная рама, позволявшая увеличить силу натяжения струн до 20 с лишним тонн! А сами струны стали располагаться перекрёстно в два яруса. В результате звук стал ярче, полнее, громче.

Изменились не только сила, но и качество звука. Раньше молоточки обтягивали лосиной кожей, но она была жёсткая и не долговечная, а теперь стали использовать прессованный войлок – фильц.

Но самым удивительным усовершенствованием рояля стало изобретение педали.

Одна педаль использовалась для задержания звука, для его продления после того, как клавиша отпущена, а вторая – для того, чтобы приглушить струну и сделать звук особо тихим и мягким.

Всего фортепиано понадобилось более 200 лет на то, чтобы окончательно сформироваться в тот инструмент, который мы с вами привыкли видеть и слышать.

Источник: https://infourok.ru/statya-na-temu-iz-istorii-sozdaniya-fortepiano-1561999.html

Клавикорд и клавесин — предшественники пианино

Клавикорды берут  свое начало от XIV-XV вв.

Изначально небольшие и легкие переносные клавикорды в Западной Европы использовались исключительно бродячими музыкантами, из чего можно сделать вывод о крайне невысокой стоимости инструментов.

Клавикорд представлял собой деревянный ящик, в которой размещались узкая клавиатура и набор металлических струн. Так как все струны имели идентичные длину, клавикорды были прямоугольной формы. 

Позже мастера  пришли к выводы, что из-за струн одной длины существует много проблем и неудобств, даже в настройке, поэтому началось производство инструментов, обладавших разной длиной струн, а также бóльшими размерами и наличием ножек.

В связи со схожей с фортепиано механикой, клавикорд располагал, говоря современным языком, «динамической» клавиатурой, благодаря чему сила звука имела зависимость от силы удара по клавише.

Специально под этот инструмент создавались шедевры такими композиторами, как Бах, Гендель, Моцарт, Гайдн, Телеман и даже Бетховен в своих ранних сонатах. 

Кстати говоря, именно под клавикорд, на базе которого мастерами, наконец, был решен вопрос искусственного уравнивания полутонов, а также равенства бемолей  и диезов, Иоганн Себастьян Бах  написал целых сорок восемь бесценных для мировой музыкальной культуры фуг и прелюдий, получивших легендарное название «Wohltemperierte Klavier». 

И все-таки звук клавикорда был слишком тихим  и мягким, чтобы на нем можно  было проводить выступления в  залах перед большим количеством  слушателей. Поэтому потом клавикорд широко применялся в домашнем музицировании. 

Вторым видом  струнно-клавишного инструмента, пользовавшегося  популярностью в XV, XVI и XVII веках, является спинет. Фактически, спинет представляет собой мини-версию (слегка упрощенную) клавесина, обладающего одной или двумя клавиатурами с размерностью в четыре или пять октав. Отличительной чертой клавесина, как правило, было богатое декорирование.  

Но гораздо  большую популярность снискал третий и, наверное, самый необычный музыкальный инструмент – сам клавесин. Его даже по-разному называли: и вёрджинел, и чембало, и клавичембало. Если расцвет искусства игры на клавикорде относится к Германии, то клавесин с его разновидностями широко применялся в Англии, Франции и Скандинавии. 

Клавесин напоминает спинет, у него та же щипковая механика, но размеры крупнее.

Внутри корпуса находились натянутые струны, имевшие идентичную толщину, но разную длину: именно этим объясняется его характерная форма – по внешнему виду он напоминает современный рояль.

Извлечение звука осуществлялось при помощи упругих язычков из кусочков кожи или ороговевших кончиков птичьих перьев, которые, будучи закрепленными на специальных тангентах, которые приводились в движение клавишами, щипали струны.  

Клавесины делятся  на два типа: прямоугольный или  квадратный среднего размера и крыловидный  горизонтальный или вертикальный размером побольше.

Инструмент пользовался особой популярностью в эпоху барокко, когда модными были пышные наряды с кринолинами и оборками, и даже архитектура и живопись отражала салонное искусство во всех своих проявлениях.

Клавесин являлся уже настоящим концертным инструментом. 

Первоначально музицирование на клавесине можно  было проводить только в гостиных и светских салонах. В крупных залах его звонкий голос затухал, как и у клавикорда. Клавесин издает достаточно специфичный звук – слегка суховатый, «стеклянный», не выдающий достаточной протяженности, которой отличался клавикорд.

Но это был добротный, сравнительно звучный музыкальный инструмент, на котором при условии определенного умения можно было играть подвижные пьесы, легкие композиции и аккомпанемент, сопровождающий речитатив и пение. Отличная гармония достигалась при дополнении друг другом коротких звуков клавесина и плавно тянущихся звуков голоса, скрипки или виолы.

Таким образом, клавесин постепенно превратился в прекрасный ансамблевый инструмент. 

В оркестре его  роль была двоякой: партия сопровождения (дирижер музицировал за клавесином, левой рукой исполняя аккорды, а  правой руководя оркестром), генерал-бас, и параллельно – партия звеняще-шелестящих ударных. Именно благодаря этим свойствам клавесина, мы можем наблюдать, как почти во всей музыке эпохи барокко партия виолы, а позднее и виолончели, дублируется клавесином. 

С течением времени клавесин появился во всех богатых домах. Инструмент уже изготавливался из самых драгоценных пород дерева.

Проводилась инкрустация бронзой, слоновой костью, золотом, а на стенках и крыловидных крышках клавесина модными салонными живописцами писались разнообразные картины. Клавиши обзаводились покрытием из самоцветных пластинок.

Никогда прежде музыкальный инструмент не становился столь дорогой, ценимой и почитаемой… игрушкой. 

Роскошный вид  клавесина заставлял придворных вельмож ценить и музыку, которую на нем исполняли. Расцвет клавесинной музыки, наравне с Германией, приходится на Англию (Гендель, Пёрселл) и Францию (Люли, Куперен, Рамо). 

Мастера, разумеется, не хотели смиряться с тем, что  звучание клавесина стало слишком  однообразным, поэтому начали изобретать различные усовершенствования, призванные разнообразить его звучание.

К примеру, устанавливались несколько клавиатур, как на органных мануалах, обладающих разной силой звука; приделывалась педаль, нажатие на которой приглушал звук – но все они не отличались удобством.

Несмотря на то, что популярность клавесина упала, сам инструмент насовсем не исчез – услышать его можно и в настоящее время на концертах как старинной, так и современной авангардной музыки.

Источник: http://www.pianinoff.ru/vse-o-pianino/klavesin-i-klavikord

«Хорошо темперированный клавир», «Осенний вальс, «Весенняя рапсодия», «Аппассионата», «Лунная соната»… Бах, Шопен, Бетховен… Все бывшие и нынешние ученики музыкальной школы знают, о чем речь. Но теперь гениальными сочинениями для фортепиано мы можем наслаждаться, просто подключившись к интернету. С легкостью можно найти современные вариации в клавишном исполнении на различные песни. Их не сосчитать. Почти во всех группах разных направлений клавишный инструмент обязателен. Часто это синтезатор ー навороченный потомок пианино. Лет 15 назад в каждой второй семье обязательно стояло фортепиано, и хотя бы один из членов семьи обязан был уметь играть на нем. Это было модным. Даже сейчас можно встретить такие семьи.

Пианино никогда не утратит своих позиций. В его звучании есть что-то чарующее. Веселящее и воодушевляющее при мажоре, навевающее на грустные, но серьезные мысли при миноре. Можете себе представить, что пианино не изобрели? А знаете историю его возникновения? Нет? Вы здесь, значит, уже можете считать, что знаете.

Первые версии

Самый первый предок пианино ー орган. Его изобрел александриец Ктесибий в III веке н. э.  Вот как это было. Отличительная черта органа ー это трубы вместо струн. Этот инструмент нам известен тем, что его использовали в католических церквях. До этого орган был дипломатическим подарком и знаком королевской власти. Музыкальным инструментом он не был.

В V веке на мир появился монохорд. Создал его Пифагор. Как и орган, в начале своей истории, этот инструмент не был музыкальным. Пифагор использовал его для изучения и исследования музыки. Часто монохорд использовали в опытах по акустике.

Интересно: Некоторые средневековые источники утверждают, что монохорд в Греции был ансамблевым инструментом.

Монохорд и орган ー первые клавишные инструменты, как рассказывает нам история создания пианино, потомка клавесина и клавикорда. Именно их когда-то вытеснил известный нам инструмент.

В XV веке в Италии появился клавесин. По своей форме он чем-то похож на современное фортепиано.

Само строение клавесина было довольно сложным. Струны защипываются, а не ударяются. Звук извлекался чем-то вроде медиатора: перышками или кусочками кожи и был достаточно громким, но невыразительным. Со временем для улучшения тембра звука клавесин изменяли, и к концу XVI века существовало несколько видов инструмента:

• Спинет. Горизонтальный и крылообразный. Клавиатура на большой стороне.
• Клавицитериум. Крылообразный и вертикально стоящий.
• Оригинальный клавесин. Крылообразный, клавиатура на короткой стороне.
• Верджинел. Он похож на спинет, но прямоугольной формы.

Диапазон клавесина достигал 5 октав.

Кто и когда изобрел клавикорд — неизвестно. Это произошло примерно в XIV веке. В его диапазоне было 4 октавы. На задней части клавиши клавикорда был укреплен тангент ー это такой небольшой медный квадратик. Когда нажимали на клавишу клавикорда, тангент ударял по струне. Пока тангент прижат к струне, у играющего была возможность менять громкость звука.

Недостаток клавикорда заключался в его звучании. Звук был слишком мягким и тихим. Это не позволяло играть на клавикорде для большой аудитории. Поэтому инструмент использовали для домашнего музицирования.

XVIII век ー это век стиля рококо. Время популярности клавикорда у именитых немецких авторов. К. Ф. Э. Бах выпустил свое «Руководство к истинному искусству игры на клавире», в котором очень высоко и трепетно отозвался о клавикорде. Но конец XVIII века ー конец истории клавикорда. Появилось первое пианино.

Кто, как и когда создал пианино?

Современное фортепиано ー потомок клавикорда, как рассказывает нам история происхождения. Пианино начали создавать еще в XVII веке. В Европе многие ломали голову над тем, как сделать молоточковое фортепиано.

Представитель одной нации смог прорваться вперед и внести свой вклад в историю. В какой стране? Создали пианино в Италии, во Флоренции. Этот человек превосходно разбирался в устройстве клавесина, так как сам создавал эти инструменты. Он разработал инновации, которые добавил к клавесину и в итоге получил молоточковый клавишный инструмент. Кто? Создал пианино Бартоломео Кристофори.

Остается открытым один вопрос: когда? Создали пианино ближе к концу XVII века. К сожалению, более подробного ответа история изобретения пианино нам дать не может.

Почему в создании фортепиано преуспел именно Кристофори? Об этом мы можем только догадываться, но, возможно, ответ кроется где-то в изначальной идеи итальянца: создать клавесин, который звучит громко и мягко.

Развитие инструмента

Сейчас мы хорошо знаем историю возникновения. Пианино, однако, точнее само его существование в XVII веке, долго оставалось в тайне. За ее открытие стоит поблагодарить Щипионе Мэффеи ー итальянского журналиста. Его статья об «усовершенствованном клавесине” не на шутку взбудоражила общество и гениальные умы изобретателей.

Всем знакомы педальки на современном фортепиано. Левая педалька заглушает звук, правая ー создает вибрацию, удлиняя звучание. Этот механизм много лет совершенствовали, но создал его основу органный мастер ー Готтфрид Зильберман. Главным критиком творения Зильбермана выступал Бах. Сначала великому композитору инструмент не нравился, но Готтфрид прислушивался к критике и постоянно улучшал свое творение.

В итоге Бах не только на словах был в восторге от окончательного результата. Музыкант активно помогал в продаже и продвижении инструмента.

Интересные факты

Вот некоторые интересные факты из истории пианино, которым стоит уделить особое внимание:

1. Некоторые люди не понимают, в чем схожесть или разница между роялем, пианино и фортепиано. Секрет прост: это все один инструмент, просто фортепиано ー обобщенное название. У рояля горизонтальная, дугообразная форма, он на трех ножках и именно его используют на больших концертах, так как его звук более громкий.
2. Свое имя фортепиано получило от итальянских слов «forte» и «piano». На музыкальном языке эти слова переводились как громкое и тихое исполнение. Возможность регулировать громкость звука на пианино осталось еще со времен клавикорда. И эта же возможность позволила клавикорду выиграть в гонке с клавесином.
3. «Тихогром» ー так называли на Руси первые фортепиано.
4. Лодовико Джустини ー итальянский музыкант и композитор. Именно он в 1732 году написал первое произведение для пианино.
5. В XIX веке в Америке пианистов сильно не хватало. Фортепиано было очень популярным. Отсюда излишек инструментов и нехватка исполнителей. Особенно ковбои любили исполнение на пианино. Настолько сильно, что в одном салуне на табличке красовалось надпись: «В пианиста не стрелять. Он играет, как может».
6. Пианино всегда было показателем уровня культуры и дохода хозяина инструмента. В Советском Союзе покупку пианино мало кто мог себе позволить. Часто в те времена фортепиано считалось роскошным подарком. Юрий Гагарин в свое время получил пианино в подарок со множеством других наград.
7. Доказано, что обучение игре на пианино благотворно влияет на детей. Их внимательность возрастает. Появляется самодисциплина, повышается чувство ответственности.
8. В XIX веке в Англии было особое отношение ко всему, что хоть самую малость выглядело непристойно и могло нести эротический характер. От всех таких вещей избавлялись: их либо прятали, либо уничтожали. Ножки роялей резные и изогнутые. Из-за этого они попали «под раздачу». Во время концертов их обязательно накрывали чехлом или обматывали полотном.

Сейчас мы все еще можем увидеть 3 самых старых пианино. В Метрополитене Нью-Йорка хранится фортепиано 1720 года, в музее Рима ー инструмент 1722, а пианино 1726 года находится в Германии при Лейпцигском университете, в Музее музыкальных инструментов.

This article is about the musical instrument. For other uses, see Piano (disambiguation).

«Pianoforte» redirects here. For earliest versions of the instrument only, see Fortepiano. For the 1984 film, see Pianoforte (film).

Piano

A grand piano (left) and an upright piano (right)
Keyboard instrument
Hornbostel–Sachs classification	314.122-4-8 (Simple chordophone with keyboard sounded by hammers)
Inventor(s)	Bartolomeo Cristofori
Developed	Early 18th century
Playing range
Musicians
Pianists (Lists of pianists)

The piano is a stringed keyboard instrument in which the strings are struck by wooden hammers that are coated with a softer material (modern hammers are covered with dense wool felt; some early pianos used leather). It is played using a keyboard, which is a row of keys (small levers) that the performer presses down or strikes with the fingers and thumbs of both hands to cause the hammers to strike the strings. It was invented in Italy by Bartolomeo Cristofori around the year 1700.

Description

The word «piano» is a shortened form of pianoforte, the Italian term for the early 1700s versions of the instrument, which in turn derives from clavicembalo col piano e forte (key cimbalom with quiet and loud)^[1] and fortepiano. The Italian musical terms piano and forte indicate «soft» and «loud» respectively,^[2] in this context referring to the variations in volume (i.e., loudness) produced in response to a pianist’s touch or pressure on the keys: the greater the velocity of a key press, the greater the force of the hammer hitting the strings, and the louder the sound of the note produced and the stronger the attack. The first fortepianos in the 1700s allowed for a quieter sound and greater dynamic range than the harpsichord.^[3]

A piano usually has a protective wooden case surrounding the soundboard and metal strings, which are strung under great tension on a heavy metal frame. Pressing one or more keys on the piano’s keyboard causes a wooden or plastic hammer (typically padded with firm felt) to strike the strings. The hammer rebounds from the strings, and the strings continue to vibrate at their resonant frequency.^[4] These vibrations are transmitted through a bridge to a soundboard that amplifies by more efficiently coupling the acoustic energy to the air. When the key is released, a damper stops the strings’ vibration, ending the sound. Notes can be sustained, even when the keys are released by the fingers and thumbs, by the use of pedals at the base of the instrument. The sustain pedal enables pianists to play musical passages that would otherwise be impossible, such as sounding a 10-note chord in the lower register and then, while this chord is being continued with the sustain pedal, shifting both hands to the treble range to play a melody and arpeggios over the top of this sustained chord. Unlike the pipe organ and harpsichord, two major keyboard instruments widely used before the piano, the piano allows gradations of volume and tone according to how forcefully or softly a performer presses or strikes the keys.

Most modern pianos have a row of 88 black and white keys, 52 white keys for the notes of the C major scale (C, D, E, F, G, A and B) and 36 shorter black keys, which are raised above the white keys, and set further back on the keyboard. This means that the piano can play 88 different pitches (or «notes»), spanning a range of a bit over seven octaves. The black keys are for the «accidentals» (F♯/G♭, G♯/A♭, A♯/B♭, C♯/D♭, and D♯/E♭), which are needed to play in all twelve keys. More rarely, some pianos have additional keys (which require additional strings), an example of which is the Bösendorfer Concert Grand 290 Imperial, which has 97 keys.^[5] Most notes have three strings, except for the bass, which graduates from one to two. The strings are sounded when keys are pressed or struck, and silenced by dampers when the hands are lifted from the keyboard. Although an acoustic piano has strings, it is usually classified as a percussion instrument rather than as a stringed instrument, because the strings are struck rather than plucked (as with a harpsichord or spinet); in the Hornbostel–Sachs system of instrument classification, pianos are considered chordophones. There are two main types of piano: the grand piano and the upright piano. The grand piano has a better sound and gives the player a more precise control of the keys, and is therefore the preferred choice for every situation in which the available floor-space and the budget will allow, as well as often being considered a requirement in venues where skilled pianists will frequently give public performances. The upright piano, which necessarily involves some compromise in both tone and key action compared to a grand piano of equivalent quality, is nevertheless much more widely used, because it occupies less space (allowing it to fit comfortably in a room where a grand piano would be too large) and is significantly less expensive.

During the 1800s, influenced by the musical trends of the Romantic music era, innovations such as the cast iron frame (which allowed much greater string tensions) and aliquot stringing gave grand pianos a more powerful sound, with a longer sustain and richer tone. In the nineteenth century, a family’s piano played the same role that a radio or phonograph played in the twentieth century; when a nineteenth-century family wanted to hear a newly published musical piece or symphony, they could hear it by having a family member play a simplified version on the piano. During the nineteenth century, music publishers produced many types of musical works (symphonies, opera overtures, waltzes, etc.) in arrangements for piano, so that music lovers could play and hear the popular pieces of the day in their home. The piano is widely employed in classical, jazz, traditional and popular music for solo and ensemble performances, accompaniment, and for composing, songwriting and rehearsals. Although the piano is very heavy and thus not portable and is expensive, its musical versatility, the large number of musicians –both amateurs and professionals– trained in it, and its wide availability in performance venues, schools and rehearsal spaces have made it one of the Western world’s most familiar musical instruments.

History

The piano was founded on earlier technological innovations in keyboard instruments. Pipe organs have been used since antiquity, and as such, the development of pipe organs enabled instrument builders to learn about creating keyboard mechanisms for sounding pitches. The first string instruments with struck strings were the hammered dulcimers,^[6] which were used since the Middle Ages in Europe. During the Middle Ages, there were several attempts at creating stringed keyboard instruments with struck strings.^[7] By the 17th century, the mechanisms of keyboard instruments such as the clavichord and the harpsichord were well developed. In a clavichord, the strings are struck by tangents, while in a harpsichord, they are mechanically plucked by quills when the performer depresses the key. Centuries of work on the mechanism of the harpsichord in particular had shown instrument builders the most effective ways to construct the case, soundboard, bridge, and mechanical action for a keyboard intended to sound strings.

Invention

The invention of the piano is credited to Bartolomeo Cristofori (1655–1731) of Padua, Italy, who was employed by Ferdinando de’ Medici, Grand Prince of Tuscany, as the Keeper of the Instruments.^[8] Cristofori was an expert harpsichord maker, and was well acquainted with the body of knowledge on stringed keyboard instruments; this knowledge of keyboard mechanisms and actions helped him to develop the first pianos. It is not known exactly when Cristofori first built a piano. An inventory made by his employers, the Medici family, indicates the existence of a piano by the year 1700. The three Cristofori pianos that survive today date from the 1720s.^[9][10] Cristofori named the instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte («a keyboard of cypress with soft and loud»), abbreviated over time as pianoforte, fortepiano, and later, simply, piano.^[11]

Cristofori’s great success was designing a stringed keyboard instrument in which the notes are struck by a hammer. The hammer must strike the string, but not remain in contact with it, because continued contact would damp the sound and stop the string from vibrating and making sound. This means that after striking the string, the hammer must quickly fall from (or rebound from) the strings. Moreover, the hammer must return to its rest position without bouncing violently (thus preventing notes from being re-played by accidental rebound), and it must return to a position in which it is ready to play again almost immediately after its key is depressed, so the player can repeat the same note rapidly when desired. Cristofori’s piano action was a model for the many approaches to piano actions that followed in the next century.

Cristofori’s early instruments were made with thin strings, and were much quieter than the modern piano, but they were much louder and with more sustain in comparison to the clavichord—the only previous keyboard instrument capable of dynamic nuance responding to the player’s touch, the velocity with which the keys are pressed. While the clavichord allows expressive control of volume and sustain, it is relatively quiet even at its loudest. The harpsichord produces a sufficiently loud sound, especially when a coupler joins each key to both manuals of a two-manual harpsichord, but it offers no dynamic or expressive control over individual notes. The piano in some sense offers the best of both of the older instruments, combining the ability to play at least as loudly as a harpsichord with the ability to continuously vary dynamics by touch.

Early fortepiano

Cristofori’s new instrument remained relatively unknown until an Italian writer, Scipione Maffei, wrote an enthusiastic article about it in 1711, including a diagram of the mechanism, that was translated into German and widely distributed.^[10] Most of the next generation of piano builders started their work based on reading this article. One of these builders was Gottfried Silbermann, better known as an organ builder. Silbermann’s pianos were virtually direct copies of Cristofori’s, with one important addition: Silbermann invented the forerunner of the modern sustain pedal, which lifts all the dampers from the strings simultaneously.^[12] This innovation allows the pianist to sustain the notes that they have depressed even after their fingers are no longer pressing down the keys. As such, by holding a chord with the sustain pedal, pianists can relocate their hands to a different register of the keyboard in preparation for a subsequent section.

Silbermann showed Johann Sebastian Bach one of his early instruments in the 1730s, but Bach did not like the instrument at that time, saying that the higher notes were too soft to allow a full dynamic range. Although this earned him some animosity from Silbermann, the criticism was apparently heeded.^[12] Bach did approve of a later instrument he saw in 1747, and even served as an agent in selling Silbermann’s pianos. «Instrument: piano et forte genandt»—a reference to the instrument’s ability to play soft and loud—was an expression that Bach used to help sell the instrument when he was acting as Silbermann’s agent in 1749.^[13]

Piano making flourished during the late 18th century in the Viennese school, which included Johann Andreas Stein (who worked in Augsburg, Germany) and the Viennese makers Nannette Streicher (daughter of Stein) and Anton Walter. Viennese-style pianos were built with wood frames, two strings per note, and leather-covered hammers. Some of these Viennese pianos had the opposite coloring of modern-day pianos; the natural keys were black and the accidental keys white.^[14] It was for such instruments that Wolfgang Amadeus Mozart composed his concertos and sonatas, and replicas of them are built in the 21st century for use in authentic-instrument performance of his music. The pianos of Mozart’s day had a softer tone than 21st century pianos or English pianos, with less sustaining power. The term fortepiano now distinguishes these early instruments (and modern re-creations) from later pianos.

Modern piano

In the period from about 1790 to 1860, the Mozart-era piano underwent tremendous changes that led to the modern structure of the instrument. This revolution was in response to a preference by composers and pianists for a more powerful, sustained piano sound, and made possible by the ongoing Industrial Revolution with resources such as high-quality piano wire for strings, and precision casting for the production of massive iron frames that could withstand the tremendous tension of the strings.^[15] Over time, the tonal range of the piano was also increased from the five octaves of Mozart’s day to the seven octave (or more) range found on today’s pianos.

Early technological progress in the late 1700s owed much to the firm of Broadwood. John Broadwood joined with another Scot, Robert Stodart, and a Dutchman, Americus Backers, to design a piano in the harpsichord case—the origin of the «grand». This was achieved by about 1777. They quickly gained a reputation for the splendour and powerful tone of their instruments, with Broadwood constructing pianos that were progressively larger, louder, and more robustly constructed. They sent pianos to both Joseph Haydn and Ludwig van Beethoven, and were the first firm to build pianos with a range of more than five octaves: five octaves and a fifth during the 1790s, six octaves by 1810 (Beethoven used the extra notes in his later works), and seven octaves by 1820. The Viennese makers similarly followed these trends; however the two schools used different piano actions: Broadwoods used a more robust action, whereas Viennese instruments were more sensitive.

By the 1820s, the center of piano innovation had shifted to Paris, where the Pleyel firm manufactured pianos used by Frédéric Chopin and the Érard firm manufactured those used by Franz Liszt. In 1821, Sébastien Érard invented the double escapement action, which incorporated a repetition lever (also called the balancier) that permitted repeating a note even if the key had not yet risen to its maximum vertical position. This facilitated rapid playing of repeated notes, a musical device exploited by Liszt. When the invention became public, as revised by Henri Herz, the double escapement action gradually became standard in grand pianos, and is still incorporated into all grand pianos currently produced in the 2000s. Other improvements of the mechanism included the use of firm felt hammer coverings instead of layered leather or cotton. Felt, which Jean-Henri Pape was the first to use in pianos in 1826, was a more consistent material, permitting wider dynamic ranges as hammer weights and string tension increased. The sostenuto pedal (see below), invented in 1844 by Jean-Louis Boisselot and copied by the Steinway firm in 1874, allowed a wider range of effects.

One innovation that helped create the powerful sound of the modern piano was the use of a massive, strong, cast iron frame. Also called the «plate», the iron frame sits atop the soundboard, and serves as the primary bulwark against the force of string tension that can exceed 20 tons (180 kilonewtons) in a modern grand piano. The single piece cast iron frame was patented in 1825 in Boston by Alpheus Babcock,^[16] combining the metal hitch pin plate (1821, claimed by Broadwood on behalf of Samuel Hervé) and resisting bars (Thom and Allen, 1820, but also claimed by Broadwood and Érard). Babcock later worked for the Chickering & Mackays firm who patented the first full iron frame for grand pianos in 1843. Composite forged metal frames were preferred by many European makers until the American system was fully adopted by the early 20th century. The increased structural integrity of the iron frame allowed the use of thicker, tenser, and more numerous strings. In 1834, the Webster & Horsfal firm of Birmingham brought out a form of piano wire made from cast steel; it was «so superior to the iron wire that the English firm soon had a monopoly.»^[17] But a better steel wire was soon created in 1840 by the Viennese firm of Martin Miller,^[17] and a period of innovation and intense competition ensued, with rival brands of piano wire being tested against one another at international competitions, leading ultimately to the modern form of piano wire.^[18]

Several important advances included changes to the way the piano was strung. The use of a «choir» of three strings, rather than two for all but the lowest notes, enhanced the richness and complexity of the treble. The use of a Capo d’Astro bar instead of agraffes in the uppermost treble allowed the hammers to strike the strings in their optimal position, greatly increasing that area’s power. The implementation of over-stringing (also called cross-stringing), in which the strings are placed in two separate planes, each with its own bridge height, allowed greater length to the bass strings and optimized the transition from unwound tenor strings to the iron or copper-wound bass strings. Over-stringing was invented by Pape during the 1820s, and first patented for use in grand pianos in the United States by Henry Steinway Jr. in 1859.

Some piano makers added variations to enhance the tone of each note, such as Pascal Taskin (1788),^[19] Collard & Collard (1821), and Julius Blüthner, who developed Aliquot stringing in 1893. These systems were used to strengthen the tone of the highest register of notes on the piano, which up until this time were viewed as being too weak-sounding. Each used more distinctly ringing, undamped vibrations of sympathetically vibrating strings to add to the tone, except the Blüthner Aliquot stringing, which uses an additional fourth string in the upper two treble sections. While the hitchpins of these separately suspended Aliquot strings are raised slightly above the level of the usual tri-choir strings, they are not struck by the hammers but rather are damped by attachments of the usual dampers. Eager to copy these effects, Theodore Steinway invented duplex scaling, which used short lengths of non-speaking wire bridged by the «aliquot» throughout much of the upper range of the piano, always in locations that caused them to vibrate sympathetically in conformity with their respective overtones—typically in doubled octaves and twelfths.

Variations in shape and design

Some early pianos had shapes and designs that are no longer in use. The square piano (not truly square, but rectangular) was cross strung at an extremely acute angle above the hammers, with the keyboard set along the long side. This design is attributed to Christian Ernst Friderici, a pupil of Gottfried Silbermann, in Germany, and Johannes Zumpe in England,^[20] and it was improved by changes first introduced by Guillaume-Lebrecht Petzold in France and Alpheus Babcock in the United States.^[21] Square pianos were built in great numbers through the 1840s in Europe and the 1890s in the United States, and saw the most visible change of any type of piano: the iron-framed, over-strung squares manufactured by Steinway & Sons were more than two-and-a-half times the size of Zumpe’s wood-framed instruments from a century before. Their overwhelming popularity was due to inexpensive construction and price, although their tone and performance were limited by narrow soundboards, simple actions and string spacing that made proper hammer alignment difficult.

The tall, vertically strung upright grand was arranged like a grand set on end, with the soundboard and bridges above the keys, and tuning pins below them. «Giraffe pianos», «pyramid pianos» and «lyre pianos» were arranged in a somewhat similar fashion, using evocatively shaped cases. The very tall cabinet piano was introduced about 1805 and was built through the 1840s. It had strings arranged vertically on a continuous frame with bridges extended nearly to the floor, behind the keyboard and very large sticker action. The short cottage upright or pianino with vertical stringing, made popular by Robert Wornum around 1815, was built into the 20th century. They are informally called birdcage pianos because of their prominent damper mechanism. The oblique upright, popularized in France by Roller & Blanchet during the late 1820s, was diagonally strung throughout its compass. The tiny spinet upright was manufactured from the mid-1930s until recent times. The low position of the hammers required the use of a «drop action» to preserve a reasonable keyboard height. Modern upright and grand pianos attained their present, 2000-era forms by the end of the 19th century. While improvements have been made in manufacturing processes, and many individual details of the instrument continue to receive attention, and a small number of acoustic pianos in the 2010s are produced with MIDI recording and digital sound module-triggering capabilities, the 19th century was the era of the most dramatic innovations and modifications of the instrument.

Types

Modern pianos have two basic configurations, the grand piano and the upright piano, with various styles of each. There are also specialized and novelty pianos, electric pianos based on electromechanical designs, electronic pianos that synthesize piano-like tones using oscillators, and digital pianos using digital samples of acoustic piano sounds.

Grand

In grand pianos the frame and strings are horizontal, with the strings extending away from the keyboard. The action lies beneath the strings, and uses gravity as its means of return to a state of rest. Grand pianos range in length from approximately 1.5 meters (4 ft 11 in) to 3 meters (9 ft 10 in). Some of the lengths have been given more-or-less customary names, which vary from time to time and place to place, but might include:

• Baby grand – around 1.5 meters (4 ft 11 in)
• Parlor grand or boudoir grand – 1.7 to 2.2 meters (5 ft 7 in – 7 ft 3 in)
• Concert grand – between 2.2 and 3 meters (7 ft 3 in – 9 ft 10 in))

All else being equal, longer pianos with longer strings have larger, richer sound and lower inharmonicity of the strings. Inharmonicity is the degree to which the frequencies of overtones (known as partials or harmonics) sound sharp relative to whole multiples of the fundamental frequency. This results from the piano’s considerable string stiffness; as a struck string decays its harmonics vibrate, not from their termination, but from a point very slightly toward the center (or more flexible part) of the string. The higher the partial, the further sharp it runs. Pianos with shorter and thicker string (i.e., small pianos with short string scales) have more inharmonicity. The greater the inharmonicity, the more the ear perceives it as harshness of tone.

The inharmonicity of piano strings requires that octaves be stretched, or tuned to a lower octave’s corresponding sharp overtone rather than to a theoretically correct octave. If octaves are not stretched, single octaves sound in tune, but double—and notably triple—octaves are unacceptably narrow. Stretching a small piano’s octaves to match its inherent inharmonicity level creates an imbalance among all the instrument’s intervallic relationships. In a concert grand, however, the octave «stretch» retains harmonic balance, even when aligning treble notes to a harmonic produced from three octaves below. This lets close and widespread octaves sound pure, and produces virtually beatless perfect fifths. This gives the concert grand a brilliant, singing and sustaining tone quality—one of the principal reasons that full-size grands are used in the concert hall. Smaller grands satisfy the space and cost needs of domestic use; as well, they are used in some small teaching studios and smaller performance venues.

Upright

Upright pianos, also called vertical pianos, are more compact due to the vertical structure of the frame and strings. The mechanical action structure of the upright piano was invented in London, England in 1826 by Robert Wornum, and upright models became the most popular model for domestic use.^[22] Upright pianos took less space than a grand piano, and as such they were a better size for use in private homes for domestic music-making and practice. The hammers move horizontally, and return to their resting position via springs, which are susceptible to degradation. Upright pianos with unusually tall frames and long strings were sometimes marketed as upright grand pianos, but that label is misleading. Some authors classify modern pianos according to their height and to modifications of the action that are necessary to accommodate the height. Upright pianos are generally less expensive than grand pianos. Upright pianos are widely used in churches, community centers, schools, music conservatories and university music programs as rehearsal and practice instruments, and they are popular models for in-home purchase.

• The top of a spinet model barely rises above the keyboard. Unlike all other pianos, the spinet action is located below the keys, operated by vertical wires that are attached to the backs of the keys.
• Console pianos, which have a compact action (shorter hammers than a large upright has), but because the console’s action is above the keys rather than below them as in a spinet, a console almost always plays better than a spinet does. Console pianos are a few inches shorter than studio models.
• Studio pianos are around 107 to 114 cm (42–45 in) tall. This is the shortest cabinet that can accommodate a full-sized action located above the keyboard.
• Anything taller than a studio piano is called an upright. (Technically, any piano with a vertically oriented soundboard could be called an upright, but that word is often reserved for the full-size models.)

Specialized

The toy piano, introduced in the 19th century, is a small piano-like instrument, that generally uses round metal rods to produce sound, rather than strings. The US Library of Congress recognizes the toy piano as a unique instrument with the subject designation, Toy Piano Scores: M175 T69.^[23]

In 1863, Henri Fourneaux invented the player piano, which plays itself from a piano roll. A machine perforates a performance recording into rolls of paper, and the player piano replays the performance using pneumatic devices. Modern equivalents of the player piano include the Bösendorfer CEUS, Yamaha Disklavier and QRS Pianomation,^[24] using solenoids and MIDI rather than pneumatics and rolls.

A silent piano is an acoustic piano having an option to silence the strings by means of an interposing hammer bar. They are designed for private silent practice, to avoid disturbing others.

Edward Ryley invented the transposing piano in 1801. This rare instrument has a lever under the keyboard to move the keyboard relative to the strings, so a pianist can play in a familiar key while the music sounds in a different key.

The minipiano is an instrument patented by the Brasted brothers of the Eavestaff Ltd. piano company in 1934.^[25] This instrument has a braceless back and a soundboard positioned below the keys—long metal rods pull on the levers to make the hammers strike the strings. The first model, known as the Pianette, was unique in that the tuning pins extended through the instrument, so it could be tuned at the front.

The prepared piano, present in some contemporary art music from the 20th and 21st century is a piano which has objects placed inside it to alter its sound, or has had its mechanism changed in some other way. The scores for music for prepared piano specify the modifications, for example, instructing the pianist to insert pieces of rubber, paper, metal screws, or washers in between the strings. These objects mute the strings or alter their timbre.

The pedal piano is a rare type of piano that has a pedal keyboard at the base, designed to be played by the feet. The pedals may play the existing bass strings on the piano, or rarely, the pedals may have their own set of bass strings and hammer mechanisms. While the typical intended use for pedal pianos is to enable a keyboardist to practice pipe organ music at home, a few players of pedal piano use it as a performance instrument.

Wadia Sabra had a microtone piano manufactured by Pleyel in 1920.^[26] Abdallah Chahine later constructed his quartertone «Oriental piano» with the help of Austrian Hofmann.^[27][28]

Electric, electronic, and digital

With technological advances, amplified electric pianos (1929), electronic pianos (1970s), and digital pianos (1980s) have been developed. The electric piano became a popular instrument in the 1960s and 1970s genres of jazz fusion, funk music and rock music. The first electric pianos from the late 1920s used metal strings with a magnetic pickup, an amplifier and a loudspeaker. The electric pianos that became most popular in pop and rock music in the 1960s and 1970s, such as the Fender Rhodes use metal tines in place of strings and use electromagnetic pickups similar to those on an electric guitar. The resulting electrical, analogue signal can then be amplified with a keyboard amplifier or electronically manipulated with effects units. In classical music, electric pianos are mainly used as inexpensive rehearsal or practice instruments. However, electric pianos, particularly the Fender Rhodes, became important instruments in 1970s funk and jazz fusion and in some rock music genres.

Electronic pianos are non-acoustic; they do not have strings, tines or hammers, but are a type of analog synthesizer that simulates or imitates piano sounds using oscillators and filters that synthesize the sound of an acoustic piano.^[29] They must be connected to a keyboard amplifier and speaker to produce sound (however, some electronic keyboards have a built-in amp and speaker). Alternatively, a person can play an electronic piano with headphones in quieter settings.

Digital pianos are also non-acoustic and do not have strings or hammers. They use digital audio sampling technology to reproduce the acoustic sound of each piano note accurately. They also must be connected to a power amplifier and speaker to produce sound (however, most digital pianos have a built-in amp and speaker). Alternatively, a person can practise with headphones to avoid disturbing others. Digital pianos can include sustain pedals, weighted or semi-weighted keys, multiple voice options (e.g., sampled or synthesized imitations of electric piano, Hammond organ, violin, etc.), and MIDI interfaces. MIDI inputs and outputs connect a digital piano to other electronic instruments or musical devices. For example, a digital piano’s MIDI out signal could be connected by a patch cord to a synth module, which would allow the performer to use the keyboard of the digital piano to play modern synthesizer sounds. Early digital pianos tended to lack a full set of pedals but the synthesis software of later models such as the Yamaha Clavinova series synthesised the sympathetic vibration of the other strings (such as when the sustain pedal is depressed) and full pedal sets can now be replicated. The processing power of digital pianos has enabled highly realistic pianos using multi-gigabyte piano sample sets with as many as ninety recordings, each lasting many seconds, for each key under different conditions (e.g., there are samples of each note being struck softly, loudly, with a sharp attack, etc.). Additional samples emulate sympathetic resonance of the strings when the sustain pedal is depressed, key release, the drop of the dampers, and simulations of techniques such as re-pedalling.

Digital, MIDI-equipped pianos can output a stream of MIDI data, or record and play via a CD ROM or USB flash drive using MIDI format files, similar in concept to a pianola. The MIDI file records the physics of a note rather than its resulting sound and recreates the sounds from its physical properties (e.g., which note was struck and with what velocity). Computer based software, such as Modartt’s 2006 Pianoteq, can be used to manipulate the MIDI stream in real time or subsequently to edit it. This type of software may use no samples but synthesize a sound based on aspects of the physics that went into the creation of a played note.

Hybrid instruments

In the 2000s, some pianos include an acoustic grand piano or upright piano combined with MIDI electronic features. Such a piano can be played acoustically, or the keyboard can be used as a MIDI controller, which can trigger a synthesizer module or music sampler. Some electronic feature-equipped pianos such as the Yamaha Disklavier electronic player piano, introduced in 1987, are outfitted with electronic sensors for recording and electromechanical solenoids for player piano-style playback. Sensors record the movements of the keys, hammers, and pedals during a performance, and the system saves the performance data as a Standard MIDI File (SMF). On playback, the solenoids move the keys and pedals and thus reproduce the original performance. Modern Disklaviers typically include an array of electronic features, such as a built-in tone generator for playing back MIDI accompaniment tracks, speakers, MIDI connectivity that supports communication with computing devices and external MIDI instruments, additional ports for audio and SMPTE input/output (I/O), and Internet connectivity. Disklaviers have been manufactured in the form of upright, baby grand, and grand piano styles (including a nine-foot concert grand). Reproducing systems have ranged from relatively simple, playback-only models to professional models that can record performance data at resolutions that exceed the limits of normal MIDI data. The unit mounted under the keyboard of the piano can play MIDI or audio software on its CD.^[30]

Construction and components

Pianos can have over 12,000 individual parts,^[31] supporting six functional features: keyboard, hammers, dampers, bridge, soundboard, and strings.^[32] Many parts of a piano are made of materials selected for strength and longevity. This is especially true of the outer rim. It is most commonly made of hardwood, typically hard maple or beech, and its massiveness serves as an essentially immobile object from which the flexible soundboard can best vibrate. According to Harold A. Conklin,^[33] the purpose of a sturdy rim is so that, «… the vibrational energy will stay as much as possible in the soundboard instead of dissipating uselessly in the case parts, which are inefficient radiators of sound.»

Hardwood rims are commonly made by laminating thin, hence flexible, strips of hardwood, bending them to the desired shape immediately after the application of glue.^[34] The bent plywood system was developed by C.F. Theodore Steinway in 1880 to reduce manufacturing time and costs. Previously, the rim was constructed from several pieces of solid wood, joined and veneered, and European makers used this method well into the 20th century.^[35] A modern exception, Bösendorfer, the Austrian manufacturer of high-quality pianos, constructs their inner rims from solid spruce,^[36] the same wood that the soundboard is made from, which is notched to allow it to bend; rather than isolating the rim from vibration, their «resonance case principle» allows the framework to resonate more freely with the soundboard, creating additional coloration and complexity of the overall sound.^[37]

The thick wooden posts on the underside (grands) or back (uprights) of the piano stabilize the rim structure, and are made of softwood for stability. The requirement of structural strength, fulfilled by stout hardwood and thick metal, makes a piano heavy. Even a small upright can weigh 136 kg (300 lb), and the Steinway concert grand (Model D) weighs 480 kg (1,060 lb). The largest piano available on the general market, the Fazioli F308, weighs 570 kg (1,260 lb).^[38][39]

The pinblock, which holds the tuning pins in place, is another area where toughness is important. It is made of hardwood (typically hard maple or beech), and is laminated for strength, stability and longevity. Piano strings (also called piano wire), which must endure years of extreme tension and hard blows, are made of high carbon steel. They are manufactured to vary as little as possible in diameter, since all deviations from uniformity introduce tonal distortion. The bass strings of a piano are made of a steel core wrapped with copper wire, to increase their mass whilst retaining flexibility. If all strings throughout the piano’s compass were individual (monochord), the massive bass strings would overpower the upper ranges. Makers compensate for this with the use of double (bichord) strings in the tenor and triple (trichord) strings throughout the treble.

The plate (harp), or metal frame, of a piano is usually made of cast iron. A massive plate is advantageous. Since the strings vibrate from the plate at both ends, an insufficiently massive plate would absorb too much of the vibrational energy that should go through the bridge to the soundboard. While some manufacturers use cast steel in their plates, most prefer cast iron. Cast iron is easy to cast and machine, has flexibility sufficient for piano use, is much more resistant to deformation than steel, and is especially tolerant of compression. Plate casting is an art, since dimensions are crucial and the iron shrinks about one percent during cooling. Including an extremely large piece of metal in a piano is potentially an aesthetic handicap. Piano makers overcome this by polishing, painting, and decorating the plate. Plates often include the manufacturer’s ornamental medallion. In an effort to make pianos lighter, Alcoa worked with Winter and Company piano manufacturers to make pianos using an aluminum plate during the 1940s. Aluminum piano plates were not widely accepted, and were discontinued.

The numerous parts of a piano action are generally made from hardwood, such as maple, beech, and hornbeam; however, since World War II, makers have also incorporated plastics. Early plastics used in some pianos in the late 1940s and 1950s, proved disastrous when they lost strength after a few decades of use. Beginning in 1961, the New York branch of the Steinway firm incorporated Teflon, a synthetic material developed by DuPont, for some parts of its Permafree grand action in place of cloth bushings, but abandoned the experiment in 1982 due to excessive friction and a «clicking» that developed over time; Teflon is «humidity stable» whereas the wood adjacent to the Teflon swells and shrinks with humidity changes, causing problems. More recently, the Kawai firm built pianos with action parts made of more modern materials such as carbon fiber reinforced plastic, and the piano parts manufacturer Wessell, Nickel and Gross has launched a new line of carefully engineered composite parts. Thus far these parts have performed reasonably, but it will take decades to know if they equal the longevity of wood.

In all but the lowest quality pianos the soundboard is made of solid spruce (that is, spruce boards glued together along the side grain). Spruce’s high ratio of strength to weight minimizes acoustic impedance while offering strength sufficient to withstand the downward force of the strings. The best piano makers use quarter-sawn, defect-free spruce of close annular grain, carefully seasoning it over a long period before fabricating the soundboards. This is the identical material that is used in quality acoustic guitar soundboards. Cheap pianos often have plywood soundboards.^[40]

The design of the piano hammers requires having the hammer felt be soft enough so that it will not create loud, very high harmonics that a hard hammer will cause. The hammer must be lightweight enough to move swiftly when a key is pressed; yet at the same time, it must be strong enough so that it can hit strings hard when the player strikes the keys forcefully for fortissimo playing or sforzando accents.

Keyboard

In the early years of piano construction, keys were commonly made from sugar pine. In the 2010s, they are usually made of spruce or basswood. Spruce is typically used in high-quality pianos. Black keys were traditionally made of ebony, and the white keys were covered with strips of ivory. However, since ivory-yielding species are now endangered and protected by treaty, or are illegal in some countries, makers use plastics almost exclusively. Also, ivory tends to chip more easily than plastic. Legal ivory can still be obtained in limited quantities. Yamaha developed a plastic called Ivorite intended to mimic the look and feel of ivory; other manufacturers have done likewise.

Almost every modern piano has 52 white keys and 36 black keys for a total of 88 keys (seven octaves plus a minor third, from A₀ to C₈). Many older pianos only have 85 keys (seven octaves from A₀ to A₇). Some piano manufacturers have extended the range further in one or both directions. For example, the Imperial Bösendorfer has nine extra keys at the bass end, giving a total of 97 keys and an eight octave range. These extra keys are sometimes hidden under a small hinged lid that can cover the keys to prevent visual disorientation for pianists unfamiliar with the extra keys, or the colours of the extra white keys are reversed (black instead of white). More recently, Australian manufacturer Stuart & Sons created a piano with 108 keys, going from C₀ to B₈, covering nine full octaves.^[41] The extra keys are the same as the other keys in appearance.

The extra keys are added primarily for increased resonance from the associated strings; that is, they vibrate sympathetically with other strings whenever the damper pedal is depressed and thus give a fuller tone. Only a very small number of works composed for piano actually use these notes.

Toy piano company Schoenhut manufactures grands and uprights with only 44 or 49 keys and a shorter distance between the keyboard and the pedals. These are true pianos with working mechanisms and strings.

A rare variant of the piano called the Emánuel Moór Pianoforte has double keyboards, one lying above the other. It was invented by Hungarian composer and pianist, Emánuel Moór (19 February 1863 – 20 October 1931). The lower keyboard has the usual 88 keys, whilst the upper keyboard has 76 keys. When the upper keyboard is played, an internal mechanism pulls down the corresponding key on the lower keyboard, but an octave higher. This lets a pianist reach two octaves with one hand, impossible on a conventional piano. Due to its double keyboard, musical works that were originally created for double-manual harpsichord, such as the Goldberg Variations by Bach, become much easier to play, since playing on a conventional single keyboard piano involves complex and hand-tangling cross-hand movements. The design also features a special fourth pedal that couples the lower and upper keyboard, so when playing on the lower keyboard the note one octave higher also plays. Only about 60 Emánuel Moór Pianofortes were made, mostly by Bösendorfer. Other piano manufacturers, such as Bechstein, Chickering, and Steinway & Sons, also manufactured a few.^[42]

Pianos have been built with alternative keyboard systems, e.g., the Jankó keyboard.

Pedals

Pianos have had pedals, or some close equivalent, since the earliest days. (In the 18th century, some pianos used levers pressed upward by the player’s knee instead of pedals.) Most grand pianos in the US have three pedals: the soft pedal (una corda), sostenuto, and sustain pedal (from left to right, respectively), while in Europe, the standard is two pedals: the soft pedal and the sustain pedal. Most modern upright pianos also have three pedals: soft pedal, practice pedal and sustain pedal, though older or cheaper models may lack the practice pedal. In Europe the standard for upright pianos is two pedals: the soft and the sustain pedals.

The sustain pedal (or, damper pedal) is often simply called «the pedal», since it is the most frequently used. It is placed as the rightmost pedal in the group. It lifts the dampers from all keys, sustaining all played notes. In addition, it alters the overall tone by allowing all strings, including those not directly played, to reverberate. When all of the other strings on the piano can vibrate, this allows sympathetic vibration of strings that are harmonically related to the sounded pitches. For example, if the pianist plays the 440 Hz «A» note, the higher octave «A» notes will also sound sympathetically.

The soft pedal or una corda pedal is placed leftmost in the row of pedals. In grand pianos it shifts the entire action/keyboard assembly to the right (a very few instruments have shifted left) so that the hammers hit two of the three strings for each note. In the earliest pianos whose unisons were bichords rather than trichords, the action shifted so that hammers hit a single string, hence the name una corda, or ‘one string’. The effect is to soften the note as well as change the tone. In uprights this action is not possible; instead the pedal moves the hammers closer to the strings, allowing the hammers to strike with less kinetic energy. This produces a slightly softer sound, but no change in timbre.

On grand pianos, the middle pedal is a sostenuto pedal. This pedal keeps raised any damper already raised at the moment the pedal is depressed. This makes it possible to sustain selected notes (by depressing the sostenuto pedal before those notes are released) while the player’s hands are free to play additional notes (which don’t sustain). This can be useful for musical passages with low bass pedal points, in which a bass note is sustained while a series of chords changes over top of it, and other otherwise tricky parts. On many upright pianos, the middle pedal is called the «practice» or celeste pedal. This drops a piece of felt between the hammers and strings, greatly muting the sounds. This pedal can be shifted while depressed, into a «locking» position.

There are also non-standard variants. On some pianos (grands and verticals), the middle pedal can be a bass sustain pedal: that is, when it is depressed, the dampers lift off the strings only in the bass section. Players use this pedal to sustain a single bass note or chord over many measures, while playing the melody in the treble section.

The rare transposing piano (an example of which was owned by Irving Berlin) has a middle pedal that functions as a clutch that disengages the keyboard from the mechanism, so the player can move the keyboard to the left or right with a lever. This shifts the entire piano action so the pianist can play music written in one key so that it sounds in a different key.

Some piano companies have included extra pedals other than the standard two or three. On the Stuart and Sons pianos as well as the largest Fazioli piano, there is a fourth pedal to the left of the principal three. This fourth pedal works in the same way as the soft pedal of an upright piano, moving the hammers closer to the strings.^[43]
The Crown and Schubert Piano Company also produced a four-pedal piano.

Wing and Son of New York offered a five-pedal piano from approximately 1893 through the 1920s. There is no mention of the company past the 1930s. Labeled left to right, the pedals are Mandolin, Orchestra, Expression, Soft, and Forte (Sustain). The Orchestral pedal produced a sound similar to a tremolo feel by bouncing a set of small beads dangling against the strings, enabling the piano to mimic a mandolin, guitar, banjo, zither and harp, thus the name Orchestral. The Mandolin pedal used a similar approach, lowering a set of felt strips with metal rings in between the hammers and the strings (aka rinky-tink effect). This extended the life of the hammers when the Orch pedal was used, a good idea for practicing, and created an echo-like sound that mimicked playing in an orchestral hall.^[44][45]

The pedalier piano, or pedal piano, is a rare type of piano that includes a pedalboard so players can use their feet to play bass register notes, as on an organ. There are two types of pedal piano. On one, the pedal board is an integral part of the instrument, using the same strings and mechanism as the manual keyboard. The other, rarer type, consists of two independent pianos (each with separate mechanics and strings) placed one above the other—one for the hands and one for the feet. This was developed primarily as a practice instrument for organists, though there is a small repertoire written specifically for the instrument.

Mechanics

When the key is struck, a chain reaction occurs to produce the sound. First, the key raises the «wippen» mechanism, which forces the jack against the hammer roller (or knuckle). The hammer roller then lifts the lever carrying the hammer. The key also raises the damper; and immediately after the hammer strikes the wire it falls back, allowing the wire to resonate and thus produce sound. When the key is released the damper falls back onto the strings, stopping the wire from vibrating, and thus stopping the sound.^[46] The vibrating piano strings themselves are not very loud, but their vibrations are transmitted to a large soundboard that moves air and thus converts the energy to sound. The irregular shape and off-center placement of the bridge ensure that the soundboard vibrates strongly at all frequencies.^[47] The raised damper allows the note to sound until the key (or sustain pedal) is released.

There are three factors that influence the pitch of a vibrating wire.

• Length: All other factors the same, the shorter the wire, the higher the pitch.
• Mass per unit length: All other factors the same, the thinner the wire, the higher the pitch.
• Tension: All other factors the same, the tighter the wire, the higher the pitch.

A vibrating wire subdivides itself into many parts vibrating at the same time. Each part produces a pitch of its own, called a partial. A vibrating string has one fundamental and a series of partials. The purest combination of two pitches is when one is double the frequency of the other.^[48]

For a repeating wave, the velocity v equals the wavelength λ times the frequency f,

v = λf

On the piano string, waves reflect from both ends. The superposition of reflecting waves results in a standing wave pattern, but only for wavelengths λ = 2L, L, 2L/3, L/2, … = 2L/n, where L is the length of the string. Therefore, the only frequencies produced on a single string are f = nv/2L. Timbre is largely determined by the content of these harmonics. Different instruments have different harmonic content for the same pitch. A real string vibrates at harmonics that are not perfect multiples of the fundamental. This results in a little inharmonicity, which gives richness to the tone but causes significant tuning challenges throughout the compass of the instrument.^[47]

Striking the piano key with greater velocity increases the amplitude of the waves and therefore the volume. From pianissimo (pp) to fortissimo (ff) the hammer velocity changes by almost a factor of a hundred. The hammer contact time with the string shortens from 4 milliseconds at pp to less than 2 ms at ff.^[47] If two wires adjusted to the same pitch are struck at the same time, the sound produced by one reinforces the other, and a louder combined sound of shorter duration is produced. If one wire vibrates out of synchronization with the other, they subtract from each other and produce a softer tone of longer duration.^[49]

Maintenance

Pianos are heavy and powerful, yet delicate instruments. Over the years, professional piano movers have developed special techniques for transporting both grands and uprights, which prevent damage to the case and to the piano’s mechanical elements. Pianos need regular tuning to keep them on correct pitch. The hammers of pianos are voiced to compensate for gradual hardening of the felt, and other parts also need periodic regulation. Pianos need regular maintenance to ensure the felt hammers and key mechanisms are functioning properly. Aged and worn pianos can be rebuilt or reconditioned by piano rebuilders. Strings eventually must be replaced. Often, by replacing a great number of their parts, and adjusting them, old instruments can perform as well as new pianos.

Piano tuning involves adjusting the tensions of the piano’s strings with a specialized wrench, thereby aligning the intervals among their tones so that the instrument is in tune. While guitar and violin players tune their own instruments, pianists usually hire a piano tuner, a specialized technician, to tune their pianos. The piano tuner uses special tools. The meaning of the term in tune in the context of piano tuning is not simply a particular fixed set of pitches. Fine piano tuning carefully assesses the interaction among all notes of the chromatic scale, different for every piano, and thus requires slightly different pitches from any theoretical standard. Pianos are usually tuned to a modified version of the system called equal temperament (see Piano key frequencies for the theoretical piano tuning). In all systems of tuning, each pitch is derived from its relationship to a chosen fixed pitch, usually the internationally recognized standard concert pitch of A₄ (the A above middle C). The term A440 refers to a widely accepted frequency of this pitch – 440 Hz.

The relationship between two pitches, called an interval, is the ratio of their absolute frequencies. Two different intervals are perceived as the same when the pairs of pitches involved share the same frequency ratio. The easiest intervals to identify, and the easiest intervals to tune, are those that are just, meaning they have a simple whole-number ratio. The term temperament refers to a tuning system that tempers the just intervals (usually the perfect fifth, which has the ratio 3:2) to satisfy another mathematical property; in equal temperament, a fifth is tempered by narrowing it slightly, achieved by flattening its upper pitch slightly, or raising its lower pitch slightly. A temperament system is also known as a set of «bearings». Tempering an interval causes it to beat, which is a fluctuation in perceived sound intensity due to interference between close (but unequal) pitches. The rate of beating is equal to the frequency differences of any harmonics that are present for both pitches and that coincide or nearly coincide. Piano tuners have to use their ear to «stretch» the tuning of a piano to make it sound in tune. This involves tuning the highest-pitched strings slightly higher and the lowest-pitched strings slightly lower than what a mathematical frequency table (in which octaves are derived by doubling the frequency) would suggest.

Playing and technique

As with any other musical instrument, the piano may be played from written music, by ear, or through improvisation. While some folk and blues pianists were self-taught, in Classical and jazz, there are well-established piano teaching systems and institutions, including pre-college graded examinations, university, college and music conservatory diplomas and degrees, ranging from the B.Mus. and M.Mus. to the Doctor of Musical Arts in piano. Piano technique evolved during the transition from harpsichord and clavichord to fortepiano playing, and continued through the development of the modern piano. Changes in musical styles and audience preferences over the 19th and 20th century, as well as the emergence of virtuoso performers, contributed to this evolution and to the growth of distinct approaches or schools of piano playing. Although technique is often viewed as only the physical execution of a musical idea, many pedagogues and performers stress the interrelatedness of the physical and mental or emotional aspects of piano playing.^{[50][51][52][53][54]} Well-known approaches to piano technique include those by Dorothy Taubman, Edna Golandsky, Fred Karpoff, Charles-Louis Hanon and Otto Ortmann.

Performance styles

Many classical music composers, including Haydn, Mozart, and Beethoven, composed for the fortepiano, a rather different instrument than the modern piano. Even composers of the Romantic movement, like Franz Liszt, Frédéric Chopin, Clara and Robert Schumann, Fanny and Felix Mendelssohn, and Johannes Brahms, wrote for pianos substantially different from 2010-era modern pianos. Contemporary musicians may adjust their interpretation of historical compositions from the 1600s to the 1800s to account for sound quality differences between old and new instruments or to changing performance practice.

Starting in Beethoven’s later career, the fortepiano evolved into an instrument more like the modern piano of the 2000s. Modern pianos were in wide use by the late 19th century. They featured an octave range larger than the earlier fortepiano instrument, adding around 30 more keys to the instrument, which extended the deep bass range and the high treble range. Factory mass production of upright pianos made them more affordable for a larger number of middle-class people. They appeared in music halls and pubs during the 19th century, providing entertainment through a piano soloist, or in combination with a small dance band. Just as harpsichordists had accompanied singers or dancers performing on stage, or playing for dances, pianists took up this role in the late 1700s and in the following centuries.

During the 19th century, American musicians playing for working-class audiences in small pubs and bars, particularly African-American composers, developed new musical genres based on the modern piano. Ragtime music, popularized by composers such as Scott Joplin, reached a broader audience by 1900. The popularity of ragtime music was quickly succeeded by Jazz piano. New techniques and rhythms were invented for the piano, including ostinato for boogie-woogie, and Shearing voicing. George Gershwin’s Rhapsody in Blue broke new musical ground by combining American jazz piano with symphonic sounds. Comping, a technique for accompanying jazz vocalists on piano, was exemplified by Duke Ellington’s technique. Honky-tonk music, featuring yet another style of piano rhythm, became popular during the same era. Bebop techniques grew out of jazz, with leading composer-pianists such as Thelonious Monk and Bud Powell. In the late 20th century, Bill Evans composed pieces combining classical techniques with his jazz experimentation. In the 1970s, Herbie Hancock was one of the first jazz composer-pianists to find mainstream popularity working with newer urban music techniques such as jazz-funk and jazz-rock.

Pianos have also been used prominently in rock and roll and rock music by performers such as Jerry Lee Lewis, Little Richard, Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer), Elton John, Ben Folds, Billy Joel, Nicky Hopkins, and Tori Amos, to name a few. Modernist styles of music have also appealed to composers writing for the modern grand piano, including John Cage and Philip Glass.

Role

The piano is a crucial instrument in Western classical music, jazz, blues, rock, folk music, and many other Western musical genres. Pianos are used in soloing or melodic roles and as accompaniment instruments. As well, pianos can be played alone, with a voice or other instrument, in small groups (bands and chamber music ensembles) and large ensembles (big band or orchestra). A large number of composers and songwriters are proficient pianists because the piano keyboard offers an effective means of experimenting with complex melodic and harmonic interplay of chords and trying out multiple, independent melody lines that are played at the same time. Pianos are used by composers doing film and television scoring, as the large range permits composers to try out melodies and bass lines, even if the music will be orchestrated for other instruments.

Bandleaders and choir conductors often learn the piano, as it is an excellent instrument for learning new pieces and songs to lead in performance. Many conductors are trained in piano, because it allows them to play parts of the symphonies they are conducting (using a piano reduction or doing a reduction from the full score), so that they can develop their interpretation. The piano is an essential tool in music education in elementary and secondary schools, and universities and colleges. Most music classrooms and many practice rooms have a piano. Pianos are used to help teach music theory, music history and music appreciation classes, and even non-pianist music professors or instructors may have a piano in their office.

See also

• Piano extended technique – Unconventional method of playing piano
• Piano trio – Musical group of piano and two other instruments
• Street piano – Piano placed in a public area
• Agraffe – Internal part of a grand piano
• Chiroplast
• List of classical pianists
• List of films about pianists
• List of piano manufacturers
• List of piano brand names
• List of piano makers
• List of piano composers

Notes

References

Further reading

External links

• History of the Piano Forte, Association of Blind Piano Tuners, UK
• Section Table of Music Pitches of the Virginia Tech Multimedia Music Dictionary
• The Frederick Historical Piano Collection
• The Pianofortes of Bartolomeo Cristofori, Heilbrunn Timeline of Art History, The Metropolitan Museum of Art
• Five lectures on the Acoustics of the piano
• The Piano in Polish Collections (historical instruments)

This article is about the musical instrument. For other uses, see Piano (disambiguation).

«Pianoforte» redirects here. For earliest versions of the instrument only, see Fortepiano. For the 1984 film, see Pianoforte (film).

Piano

A grand piano (left) and an upright piano (right)
Keyboard instrument
Hornbostel–Sachs classification	314.122-4-8 (Simple chordophone with keyboard sounded by hammers)
Inventor(s)	Bartolomeo Cristofori
Developed	Early 18th century
Playing range
Musicians
Pianists (Lists of pianists)

The piano is a stringed keyboard instrument in which the strings are struck by wooden hammers that are coated with a softer material (modern hammers are covered with dense wool felt; some early pianos used leather). It is played using a keyboard, which is a row of keys (small levers) that the performer presses down or strikes with the fingers and thumbs of both hands to cause the hammers to strike the strings. It was invented in Italy by Bartolomeo Cristofori around the year 1700.

Description

The word «piano» is a shortened form of pianoforte, the Italian term for the early 1700s versions of the instrument, which in turn derives from clavicembalo col piano e forte (key cimbalom with quiet and loud)^[1] and fortepiano. The Italian musical terms piano and forte indicate «soft» and «loud» respectively,^[2] in this context referring to the variations in volume (i.e., loudness) produced in response to a pianist’s touch or pressure on the keys: the greater the velocity of a key press, the greater the force of the hammer hitting the strings, and the louder the sound of the note produced and the stronger the attack. The first fortepianos in the 1700s allowed for a quieter sound and greater dynamic range than the harpsichord.^[3]

A piano usually has a protective wooden case surrounding the soundboard and metal strings, which are strung under great tension on a heavy metal frame. Pressing one or more keys on the piano’s keyboard causes a wooden or plastic hammer (typically padded with firm felt) to strike the strings. The hammer rebounds from the strings, and the strings continue to vibrate at their resonant frequency.^[4] These vibrations are transmitted through a bridge to a soundboard that amplifies by more efficiently coupling the acoustic energy to the air. When the key is released, a damper stops the strings’ vibration, ending the sound. Notes can be sustained, even when the keys are released by the fingers and thumbs, by the use of pedals at the base of the instrument. The sustain pedal enables pianists to play musical passages that would otherwise be impossible, such as sounding a 10-note chord in the lower register and then, while this chord is being continued with the sustain pedal, shifting both hands to the treble range to play a melody and arpeggios over the top of this sustained chord. Unlike the pipe organ and harpsichord, two major keyboard instruments widely used before the piano, the piano allows gradations of volume and tone according to how forcefully or softly a performer presses or strikes the keys.

Most modern pianos have a row of 88 black and white keys, 52 white keys for the notes of the C major scale (C, D, E, F, G, A and B) and 36 shorter black keys, which are raised above the white keys, and set further back on the keyboard. This means that the piano can play 88 different pitches (or «notes»), spanning a range of a bit over seven octaves. The black keys are for the «accidentals» (F♯/G♭, G♯/A♭, A♯/B♭, C♯/D♭, and D♯/E♭), which are needed to play in all twelve keys. More rarely, some pianos have additional keys (which require additional strings), an example of which is the Bösendorfer Concert Grand 290 Imperial, which has 97 keys.^[5] Most notes have three strings, except for the bass, which graduates from one to two. The strings are sounded when keys are pressed or struck, and silenced by dampers when the hands are lifted from the keyboard. Although an acoustic piano has strings, it is usually classified as a percussion instrument rather than as a stringed instrument, because the strings are struck rather than plucked (as with a harpsichord or spinet); in the Hornbostel–Sachs system of instrument classification, pianos are considered chordophones. There are two main types of piano: the grand piano and the upright piano. The grand piano has a better sound and gives the player a more precise control of the keys, and is therefore the preferred choice for every situation in which the available floor-space and the budget will allow, as well as often being considered a requirement in venues where skilled pianists will frequently give public performances. The upright piano, which necessarily involves some compromise in both tone and key action compared to a grand piano of equivalent quality, is nevertheless much more widely used, because it occupies less space (allowing it to fit comfortably in a room where a grand piano would be too large) and is significantly less expensive.

During the 1800s, influenced by the musical trends of the Romantic music era, innovations such as the cast iron frame (which allowed much greater string tensions) and aliquot stringing gave grand pianos a more powerful sound, with a longer sustain and richer tone. In the nineteenth century, a family’s piano played the same role that a radio or phonograph played in the twentieth century; when a nineteenth-century family wanted to hear a newly published musical piece or symphony, they could hear it by having a family member play a simplified version on the piano. During the nineteenth century, music publishers produced many types of musical works (symphonies, opera overtures, waltzes, etc.) in arrangements for piano, so that music lovers could play and hear the popular pieces of the day in their home. The piano is widely employed in classical, jazz, traditional and popular music for solo and ensemble performances, accompaniment, and for composing, songwriting and rehearsals. Although the piano is very heavy and thus not portable and is expensive, its musical versatility, the large number of musicians –both amateurs and professionals– trained in it, and its wide availability in performance venues, schools and rehearsal spaces have made it one of the Western world’s most familiar musical instruments.

History

The piano was founded on earlier technological innovations in keyboard instruments. Pipe organs have been used since antiquity, and as such, the development of pipe organs enabled instrument builders to learn about creating keyboard mechanisms for sounding pitches. The first string instruments with struck strings were the hammered dulcimers,^[6] which were used since the Middle Ages in Europe. During the Middle Ages, there were several attempts at creating stringed keyboard instruments with struck strings.^[7] By the 17th century, the mechanisms of keyboard instruments such as the clavichord and the harpsichord were well developed. In a clavichord, the strings are struck by tangents, while in a harpsichord, they are mechanically plucked by quills when the performer depresses the key. Centuries of work on the mechanism of the harpsichord in particular had shown instrument builders the most effective ways to construct the case, soundboard, bridge, and mechanical action for a keyboard intended to sound strings.

Invention

The invention of the piano is credited to Bartolomeo Cristofori (1655–1731) of Padua, Italy, who was employed by Ferdinando de’ Medici, Grand Prince of Tuscany, as the Keeper of the Instruments.^[8] Cristofori was an expert harpsichord maker, and was well acquainted with the body of knowledge on stringed keyboard instruments; this knowledge of keyboard mechanisms and actions helped him to develop the first pianos. It is not known exactly when Cristofori first built a piano. An inventory made by his employers, the Medici family, indicates the existence of a piano by the year 1700. The three Cristofori pianos that survive today date from the 1720s.^[9][10] Cristofori named the instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte («a keyboard of cypress with soft and loud»), abbreviated over time as pianoforte, fortepiano, and later, simply, piano.^[11]

Cristofori’s great success was designing a stringed keyboard instrument in which the notes are struck by a hammer. The hammer must strike the string, but not remain in contact with it, because continued contact would damp the sound and stop the string from vibrating and making sound. This means that after striking the string, the hammer must quickly fall from (or rebound from) the strings. Moreover, the hammer must return to its rest position without bouncing violently (thus preventing notes from being re-played by accidental rebound), and it must return to a position in which it is ready to play again almost immediately after its key is depressed, so the player can repeat the same note rapidly when desired. Cristofori’s piano action was a model for the many approaches to piano actions that followed in the next century.

Cristofori’s early instruments were made with thin strings, and were much quieter than the modern piano, but they were much louder and with more sustain in comparison to the clavichord—the only previous keyboard instrument capable of dynamic nuance responding to the player’s touch, the velocity with which the keys are pressed. While the clavichord allows expressive control of volume and sustain, it is relatively quiet even at its loudest. The harpsichord produces a sufficiently loud sound, especially when a coupler joins each key to both manuals of a two-manual harpsichord, but it offers no dynamic or expressive control over individual notes. The piano in some sense offers the best of both of the older instruments, combining the ability to play at least as loudly as a harpsichord with the ability to continuously vary dynamics by touch.

Early fortepiano

Cristofori’s new instrument remained relatively unknown until an Italian writer, Scipione Maffei, wrote an enthusiastic article about it in 1711, including a diagram of the mechanism, that was translated into German and widely distributed.^[10] Most of the next generation of piano builders started their work based on reading this article. One of these builders was Gottfried Silbermann, better known as an organ builder. Silbermann’s pianos were virtually direct copies of Cristofori’s, with one important addition: Silbermann invented the forerunner of the modern sustain pedal, which lifts all the dampers from the strings simultaneously.^[12] This innovation allows the pianist to sustain the notes that they have depressed even after their fingers are no longer pressing down the keys. As such, by holding a chord with the sustain pedal, pianists can relocate their hands to a different register of the keyboard in preparation for a subsequent section.

Silbermann showed Johann Sebastian Bach one of his early instruments in the 1730s, but Bach did not like the instrument at that time, saying that the higher notes were too soft to allow a full dynamic range. Although this earned him some animosity from Silbermann, the criticism was apparently heeded.^[12] Bach did approve of a later instrument he saw in 1747, and even served as an agent in selling Silbermann’s pianos. «Instrument: piano et forte genandt»—a reference to the instrument’s ability to play soft and loud—was an expression that Bach used to help sell the instrument when he was acting as Silbermann’s agent in 1749.^[13]

Piano making flourished during the late 18th century in the Viennese school, which included Johann Andreas Stein (who worked in Augsburg, Germany) and the Viennese makers Nannette Streicher (daughter of Stein) and Anton Walter. Viennese-style pianos were built with wood frames, two strings per note, and leather-covered hammers. Some of these Viennese pianos had the opposite coloring of modern-day pianos; the natural keys were black and the accidental keys white.^[14] It was for such instruments that Wolfgang Amadeus Mozart composed his concertos and sonatas, and replicas of them are built in the 21st century for use in authentic-instrument performance of his music. The pianos of Mozart’s day had a softer tone than 21st century pianos or English pianos, with less sustaining power. The term fortepiano now distinguishes these early instruments (and modern re-creations) from later pianos.

Modern piano

In the period from about 1790 to 1860, the Mozart-era piano underwent tremendous changes that led to the modern structure of the instrument. This revolution was in response to a preference by composers and pianists for a more powerful, sustained piano sound, and made possible by the ongoing Industrial Revolution with resources such as high-quality piano wire for strings, and precision casting for the production of massive iron frames that could withstand the tremendous tension of the strings.^[15] Over time, the tonal range of the piano was also increased from the five octaves of Mozart’s day to the seven octave (or more) range found on today’s pianos.

Early technological progress in the late 1700s owed much to the firm of Broadwood. John Broadwood joined with another Scot, Robert Stodart, and a Dutchman, Americus Backers, to design a piano in the harpsichord case—the origin of the «grand». This was achieved by about 1777. They quickly gained a reputation for the splendour and powerful tone of their instruments, with Broadwood constructing pianos that were progressively larger, louder, and more robustly constructed. They sent pianos to both Joseph Haydn and Ludwig van Beethoven, and were the first firm to build pianos with a range of more than five octaves: five octaves and a fifth during the 1790s, six octaves by 1810 (Beethoven used the extra notes in his later works), and seven octaves by 1820. The Viennese makers similarly followed these trends; however the two schools used different piano actions: Broadwoods used a more robust action, whereas Viennese instruments were more sensitive.

By the 1820s, the center of piano innovation had shifted to Paris, where the Pleyel firm manufactured pianos used by Frédéric Chopin and the Érard firm manufactured those used by Franz Liszt. In 1821, Sébastien Érard invented the double escapement action, which incorporated a repetition lever (also called the balancier) that permitted repeating a note even if the key had not yet risen to its maximum vertical position. This facilitated rapid playing of repeated notes, a musical device exploited by Liszt. When the invention became public, as revised by Henri Herz, the double escapement action gradually became standard in grand pianos, and is still incorporated into all grand pianos currently produced in the 2000s. Other improvements of the mechanism included the use of firm felt hammer coverings instead of layered leather or cotton. Felt, which Jean-Henri Pape was the first to use in pianos in 1826, was a more consistent material, permitting wider dynamic ranges as hammer weights and string tension increased. The sostenuto pedal (see below), invented in 1844 by Jean-Louis Boisselot and copied by the Steinway firm in 1874, allowed a wider range of effects.

One innovation that helped create the powerful sound of the modern piano was the use of a massive, strong, cast iron frame. Also called the «plate», the iron frame sits atop the soundboard, and serves as the primary bulwark against the force of string tension that can exceed 20 tons (180 kilonewtons) in a modern grand piano. The single piece cast iron frame was patented in 1825 in Boston by Alpheus Babcock,^[16] combining the metal hitch pin plate (1821, claimed by Broadwood on behalf of Samuel Hervé) and resisting bars (Thom and Allen, 1820, but also claimed by Broadwood and Érard). Babcock later worked for the Chickering & Mackays firm who patented the first full iron frame for grand pianos in 1843. Composite forged metal frames were preferred by many European makers until the American system was fully adopted by the early 20th century. The increased structural integrity of the iron frame allowed the use of thicker, tenser, and more numerous strings. In 1834, the Webster & Horsfal firm of Birmingham brought out a form of piano wire made from cast steel; it was «so superior to the iron wire that the English firm soon had a monopoly.»^[17] But a better steel wire was soon created in 1840 by the Viennese firm of Martin Miller,^[17] and a period of innovation and intense competition ensued, with rival brands of piano wire being tested against one another at international competitions, leading ultimately to the modern form of piano wire.^[18]

Several important advances included changes to the way the piano was strung. The use of a «choir» of three strings, rather than two for all but the lowest notes, enhanced the richness and complexity of the treble. The use of a Capo d’Astro bar instead of agraffes in the uppermost treble allowed the hammers to strike the strings in their optimal position, greatly increasing that area’s power. The implementation of over-stringing (also called cross-stringing), in which the strings are placed in two separate planes, each with its own bridge height, allowed greater length to the bass strings and optimized the transition from unwound tenor strings to the iron or copper-wound bass strings. Over-stringing was invented by Pape during the 1820s, and first patented for use in grand pianos in the United States by Henry Steinway Jr. in 1859.

Some piano makers added variations to enhance the tone of each note, such as Pascal Taskin (1788),^[19] Collard & Collard (1821), and Julius Blüthner, who developed Aliquot stringing in 1893. These systems were used to strengthen the tone of the highest register of notes on the piano, which up until this time were viewed as being too weak-sounding. Each used more distinctly ringing, undamped vibrations of sympathetically vibrating strings to add to the tone, except the Blüthner Aliquot stringing, which uses an additional fourth string in the upper two treble sections. While the hitchpins of these separately suspended Aliquot strings are raised slightly above the level of the usual tri-choir strings, they are not struck by the hammers but rather are damped by attachments of the usual dampers. Eager to copy these effects, Theodore Steinway invented duplex scaling, which used short lengths of non-speaking wire bridged by the «aliquot» throughout much of the upper range of the piano, always in locations that caused them to vibrate sympathetically in conformity with their respective overtones—typically in doubled octaves and twelfths.

Variations in shape and design

Some early pianos had shapes and designs that are no longer in use. The square piano (not truly square, but rectangular) was cross strung at an extremely acute angle above the hammers, with the keyboard set along the long side. This design is attributed to Christian Ernst Friderici, a pupil of Gottfried Silbermann, in Germany, and Johannes Zumpe in England,^[20] and it was improved by changes first introduced by Guillaume-Lebrecht Petzold in France and Alpheus Babcock in the United States.^[21] Square pianos were built in great numbers through the 1840s in Europe and the 1890s in the United States, and saw the most visible change of any type of piano: the iron-framed, over-strung squares manufactured by Steinway & Sons were more than two-and-a-half times the size of Zumpe’s wood-framed instruments from a century before. Their overwhelming popularity was due to inexpensive construction and price, although their tone and performance were limited by narrow soundboards, simple actions and string spacing that made proper hammer alignment difficult.

The tall, vertically strung upright grand was arranged like a grand set on end, with the soundboard and bridges above the keys, and tuning pins below them. «Giraffe pianos», «pyramid pianos» and «lyre pianos» were arranged in a somewhat similar fashion, using evocatively shaped cases. The very tall cabinet piano was introduced about 1805 and was built through the 1840s. It had strings arranged vertically on a continuous frame with bridges extended nearly to the floor, behind the keyboard and very large sticker action. The short cottage upright or pianino with vertical stringing, made popular by Robert Wornum around 1815, was built into the 20th century. They are informally called birdcage pianos because of their prominent damper mechanism. The oblique upright, popularized in France by Roller & Blanchet during the late 1820s, was diagonally strung throughout its compass. The tiny spinet upright was manufactured from the mid-1930s until recent times. The low position of the hammers required the use of a «drop action» to preserve a reasonable keyboard height. Modern upright and grand pianos attained their present, 2000-era forms by the end of the 19th century. While improvements have been made in manufacturing processes, and many individual details of the instrument continue to receive attention, and a small number of acoustic pianos in the 2010s are produced with MIDI recording and digital sound module-triggering capabilities, the 19th century was the era of the most dramatic innovations and modifications of the instrument.

Types

Modern pianos have two basic configurations, the grand piano and the upright piano, with various styles of each. There are also specialized and novelty pianos, electric pianos based on electromechanical designs, electronic pianos that synthesize piano-like tones using oscillators, and digital pianos using digital samples of acoustic piano sounds.

Grand

In grand pianos the frame and strings are horizontal, with the strings extending away from the keyboard. The action lies beneath the strings, and uses gravity as its means of return to a state of rest. Grand pianos range in length from approximately 1.5 meters (4 ft 11 in) to 3 meters (9 ft 10 in). Some of the lengths have been given more-or-less customary names, which vary from time to time and place to place, but might include:

• Baby grand – around 1.5 meters (4 ft 11 in)
• Parlor grand or boudoir grand – 1.7 to 2.2 meters (5 ft 7 in – 7 ft 3 in)
• Concert grand – between 2.2 and 3 meters (7 ft 3 in – 9 ft 10 in))

All else being equal, longer pianos with longer strings have larger, richer sound and lower inharmonicity of the strings. Inharmonicity is the degree to which the frequencies of overtones (known as partials or harmonics) sound sharp relative to whole multiples of the fundamental frequency. This results from the piano’s considerable string stiffness; as a struck string decays its harmonics vibrate, not from their termination, but from a point very slightly toward the center (or more flexible part) of the string. The higher the partial, the further sharp it runs. Pianos with shorter and thicker string (i.e., small pianos with short string scales) have more inharmonicity. The greater the inharmonicity, the more the ear perceives it as harshness of tone.

The inharmonicity of piano strings requires that octaves be stretched, or tuned to a lower octave’s corresponding sharp overtone rather than to a theoretically correct octave. If octaves are not stretched, single octaves sound in tune, but double—and notably triple—octaves are unacceptably narrow. Stretching a small piano’s octaves to match its inherent inharmonicity level creates an imbalance among all the instrument’s intervallic relationships. In a concert grand, however, the octave «stretch» retains harmonic balance, even when aligning treble notes to a harmonic produced from three octaves below. This lets close and widespread octaves sound pure, and produces virtually beatless perfect fifths. This gives the concert grand a brilliant, singing and sustaining tone quality—one of the principal reasons that full-size grands are used in the concert hall. Smaller grands satisfy the space and cost needs of domestic use; as well, they are used in some small teaching studios and smaller performance venues.

Upright

Upright pianos, also called vertical pianos, are more compact due to the vertical structure of the frame and strings. The mechanical action structure of the upright piano was invented in London, England in 1826 by Robert Wornum, and upright models became the most popular model for domestic use.^[22] Upright pianos took less space than a grand piano, and as such they were a better size for use in private homes for domestic music-making and practice. The hammers move horizontally, and return to their resting position via springs, which are susceptible to degradation. Upright pianos with unusually tall frames and long strings were sometimes marketed as upright grand pianos, but that label is misleading. Some authors classify modern pianos according to their height and to modifications of the action that are necessary to accommodate the height. Upright pianos are generally less expensive than grand pianos. Upright pianos are widely used in churches, community centers, schools, music conservatories and university music programs as rehearsal and practice instruments, and they are popular models for in-home purchase.

• The top of a spinet model barely rises above the keyboard. Unlike all other pianos, the spinet action is located below the keys, operated by vertical wires that are attached to the backs of the keys.
• Console pianos, which have a compact action (shorter hammers than a large upright has), but because the console’s action is above the keys rather than below them as in a spinet, a console almost always plays better than a spinet does. Console pianos are a few inches shorter than studio models.
• Studio pianos are around 107 to 114 cm (42–45 in) tall. This is the shortest cabinet that can accommodate a full-sized action located above the keyboard.
• Anything taller than a studio piano is called an upright. (Technically, any piano with a vertically oriented soundboard could be called an upright, but that word is often reserved for the full-size models.)

Specialized

The toy piano, introduced in the 19th century, is a small piano-like instrument, that generally uses round metal rods to produce sound, rather than strings. The US Library of Congress recognizes the toy piano as a unique instrument with the subject designation, Toy Piano Scores: M175 T69.^[23]

In 1863, Henri Fourneaux invented the player piano, which plays itself from a piano roll. A machine perforates a performance recording into rolls of paper, and the player piano replays the performance using pneumatic devices. Modern equivalents of the player piano include the Bösendorfer CEUS, Yamaha Disklavier and QRS Pianomation,^[24] using solenoids and MIDI rather than pneumatics and rolls.

A silent piano is an acoustic piano having an option to silence the strings by means of an interposing hammer bar. They are designed for private silent practice, to avoid disturbing others.

Edward Ryley invented the transposing piano in 1801. This rare instrument has a lever under the keyboard to move the keyboard relative to the strings, so a pianist can play in a familiar key while the music sounds in a different key.

The minipiano is an instrument patented by the Brasted brothers of the Eavestaff Ltd. piano company in 1934.^[25] This instrument has a braceless back and a soundboard positioned below the keys—long metal rods pull on the levers to make the hammers strike the strings. The first model, known as the Pianette, was unique in that the tuning pins extended through the instrument, so it could be tuned at the front.

The prepared piano, present in some contemporary art music from the 20th and 21st century is a piano which has objects placed inside it to alter its sound, or has had its mechanism changed in some other way. The scores for music for prepared piano specify the modifications, for example, instructing the pianist to insert pieces of rubber, paper, metal screws, or washers in between the strings. These objects mute the strings or alter their timbre.

The pedal piano is a rare type of piano that has a pedal keyboard at the base, designed to be played by the feet. The pedals may play the existing bass strings on the piano, or rarely, the pedals may have their own set of bass strings and hammer mechanisms. While the typical intended use for pedal pianos is to enable a keyboardist to practice pipe organ music at home, a few players of pedal piano use it as a performance instrument.

Wadia Sabra had a microtone piano manufactured by Pleyel in 1920.^[26] Abdallah Chahine later constructed his quartertone «Oriental piano» with the help of Austrian Hofmann.^[27][28]

Electric, electronic, and digital

With technological advances, amplified electric pianos (1929), electronic pianos (1970s), and digital pianos (1980s) have been developed. The electric piano became a popular instrument in the 1960s and 1970s genres of jazz fusion, funk music and rock music. The first electric pianos from the late 1920s used metal strings with a magnetic pickup, an amplifier and a loudspeaker. The electric pianos that became most popular in pop and rock music in the 1960s and 1970s, such as the Fender Rhodes use metal tines in place of strings and use electromagnetic pickups similar to those on an electric guitar. The resulting electrical, analogue signal can then be amplified with a keyboard amplifier or electronically manipulated with effects units. In classical music, electric pianos are mainly used as inexpensive rehearsal or practice instruments. However, electric pianos, particularly the Fender Rhodes, became important instruments in 1970s funk and jazz fusion and in some rock music genres.

Electronic pianos are non-acoustic; they do not have strings, tines or hammers, but are a type of analog synthesizer that simulates or imitates piano sounds using oscillators and filters that synthesize the sound of an acoustic piano.^[29] They must be connected to a keyboard amplifier and speaker to produce sound (however, some electronic keyboards have a built-in amp and speaker). Alternatively, a person can play an electronic piano with headphones in quieter settings.

Digital pianos are also non-acoustic and do not have strings or hammers. They use digital audio sampling technology to reproduce the acoustic sound of each piano note accurately. They also must be connected to a power amplifier and speaker to produce sound (however, most digital pianos have a built-in amp and speaker). Alternatively, a person can practise with headphones to avoid disturbing others. Digital pianos can include sustain pedals, weighted or semi-weighted keys, multiple voice options (e.g., sampled or synthesized imitations of electric piano, Hammond organ, violin, etc.), and MIDI interfaces. MIDI inputs and outputs connect a digital piano to other electronic instruments or musical devices. For example, a digital piano’s MIDI out signal could be connected by a patch cord to a synth module, which would allow the performer to use the keyboard of the digital piano to play modern synthesizer sounds. Early digital pianos tended to lack a full set of pedals but the synthesis software of later models such as the Yamaha Clavinova series synthesised the sympathetic vibration of the other strings (such as when the sustain pedal is depressed) and full pedal sets can now be replicated. The processing power of digital pianos has enabled highly realistic pianos using multi-gigabyte piano sample sets with as many as ninety recordings, each lasting many seconds, for each key under different conditions (e.g., there are samples of each note being struck softly, loudly, with a sharp attack, etc.). Additional samples emulate sympathetic resonance of the strings when the sustain pedal is depressed, key release, the drop of the dampers, and simulations of techniques such as re-pedalling.

Digital, MIDI-equipped pianos can output a stream of MIDI data, or record and play via a CD ROM or USB flash drive using MIDI format files, similar in concept to a pianola. The MIDI file records the physics of a note rather than its resulting sound and recreates the sounds from its physical properties (e.g., which note was struck and with what velocity). Computer based software, such as Modartt’s 2006 Pianoteq, can be used to manipulate the MIDI stream in real time or subsequently to edit it. This type of software may use no samples but synthesize a sound based on aspects of the physics that went into the creation of a played note.

Hybrid instruments

In the 2000s, some pianos include an acoustic grand piano or upright piano combined with MIDI electronic features. Such a piano can be played acoustically, or the keyboard can be used as a MIDI controller, which can trigger a synthesizer module or music sampler. Some electronic feature-equipped pianos such as the Yamaha Disklavier electronic player piano, introduced in 1987, are outfitted with electronic sensors for recording and electromechanical solenoids for player piano-style playback. Sensors record the movements of the keys, hammers, and pedals during a performance, and the system saves the performance data as a Standard MIDI File (SMF). On playback, the solenoids move the keys and pedals and thus reproduce the original performance. Modern Disklaviers typically include an array of electronic features, such as a built-in tone generator for playing back MIDI accompaniment tracks, speakers, MIDI connectivity that supports communication with computing devices and external MIDI instruments, additional ports for audio and SMPTE input/output (I/O), and Internet connectivity. Disklaviers have been manufactured in the form of upright, baby grand, and grand piano styles (including a nine-foot concert grand). Reproducing systems have ranged from relatively simple, playback-only models to professional models that can record performance data at resolutions that exceed the limits of normal MIDI data. The unit mounted under the keyboard of the piano can play MIDI or audio software on its CD.^[30]

Construction and components

Pianos can have over 12,000 individual parts,^[31] supporting six functional features: keyboard, hammers, dampers, bridge, soundboard, and strings.^[32] Many parts of a piano are made of materials selected for strength and longevity. This is especially true of the outer rim. It is most commonly made of hardwood, typically hard maple or beech, and its massiveness serves as an essentially immobile object from which the flexible soundboard can best vibrate. According to Harold A. Conklin,^[33] the purpose of a sturdy rim is so that, «… the vibrational energy will stay as much as possible in the soundboard instead of dissipating uselessly in the case parts, which are inefficient radiators of sound.»

Hardwood rims are commonly made by laminating thin, hence flexible, strips of hardwood, bending them to the desired shape immediately after the application of glue.^[34] The bent plywood system was developed by C.F. Theodore Steinway in 1880 to reduce manufacturing time and costs. Previously, the rim was constructed from several pieces of solid wood, joined and veneered, and European makers used this method well into the 20th century.^[35] A modern exception, Bösendorfer, the Austrian manufacturer of high-quality pianos, constructs their inner rims from solid spruce,^[36] the same wood that the soundboard is made from, which is notched to allow it to bend; rather than isolating the rim from vibration, their «resonance case principle» allows the framework to resonate more freely with the soundboard, creating additional coloration and complexity of the overall sound.^[37]

The thick wooden posts on the underside (grands) or back (uprights) of the piano stabilize the rim structure, and are made of softwood for stability. The requirement of structural strength, fulfilled by stout hardwood and thick metal, makes a piano heavy. Even a small upright can weigh 136 kg (300 lb), and the Steinway concert grand (Model D) weighs 480 kg (1,060 lb). The largest piano available on the general market, the Fazioli F308, weighs 570 kg (1,260 lb).^[38][39]

The pinblock, which holds the tuning pins in place, is another area where toughness is important. It is made of hardwood (typically hard maple or beech), and is laminated for strength, stability and longevity. Piano strings (also called piano wire), which must endure years of extreme tension and hard blows, are made of high carbon steel. They are manufactured to vary as little as possible in diameter, since all deviations from uniformity introduce tonal distortion. The bass strings of a piano are made of a steel core wrapped with copper wire, to increase their mass whilst retaining flexibility. If all strings throughout the piano’s compass were individual (monochord), the massive bass strings would overpower the upper ranges. Makers compensate for this with the use of double (bichord) strings in the tenor and triple (trichord) strings throughout the treble.

The plate (harp), or metal frame, of a piano is usually made of cast iron. A massive plate is advantageous. Since the strings vibrate from the plate at both ends, an insufficiently massive plate would absorb too much of the vibrational energy that should go through the bridge to the soundboard. While some manufacturers use cast steel in their plates, most prefer cast iron. Cast iron is easy to cast and machine, has flexibility sufficient for piano use, is much more resistant to deformation than steel, and is especially tolerant of compression. Plate casting is an art, since dimensions are crucial and the iron shrinks about one percent during cooling. Including an extremely large piece of metal in a piano is potentially an aesthetic handicap. Piano makers overcome this by polishing, painting, and decorating the plate. Plates often include the manufacturer’s ornamental medallion. In an effort to make pianos lighter, Alcoa worked with Winter and Company piano manufacturers to make pianos using an aluminum plate during the 1940s. Aluminum piano plates were not widely accepted, and were discontinued.

The numerous parts of a piano action are generally made from hardwood, such as maple, beech, and hornbeam; however, since World War II, makers have also incorporated plastics. Early plastics used in some pianos in the late 1940s and 1950s, proved disastrous when they lost strength after a few decades of use. Beginning in 1961, the New York branch of the Steinway firm incorporated Teflon, a synthetic material developed by DuPont, for some parts of its Permafree grand action in place of cloth bushings, but abandoned the experiment in 1982 due to excessive friction and a «clicking» that developed over time; Teflon is «humidity stable» whereas the wood adjacent to the Teflon swells and shrinks with humidity changes, causing problems. More recently, the Kawai firm built pianos with action parts made of more modern materials such as carbon fiber reinforced plastic, and the piano parts manufacturer Wessell, Nickel and Gross has launched a new line of carefully engineered composite parts. Thus far these parts have performed reasonably, but it will take decades to know if they equal the longevity of wood.

In all but the lowest quality pianos the soundboard is made of solid spruce (that is, spruce boards glued together along the side grain). Spruce’s high ratio of strength to weight minimizes acoustic impedance while offering strength sufficient to withstand the downward force of the strings. The best piano makers use quarter-sawn, defect-free spruce of close annular grain, carefully seasoning it over a long period before fabricating the soundboards. This is the identical material that is used in quality acoustic guitar soundboards. Cheap pianos often have plywood soundboards.^[40]

The design of the piano hammers requires having the hammer felt be soft enough so that it will not create loud, very high harmonics that a hard hammer will cause. The hammer must be lightweight enough to move swiftly when a key is pressed; yet at the same time, it must be strong enough so that it can hit strings hard when the player strikes the keys forcefully for fortissimo playing or sforzando accents.

Keyboard

In the early years of piano construction, keys were commonly made from sugar pine. In the 2010s, they are usually made of spruce or basswood. Spruce is typically used in high-quality pianos. Black keys were traditionally made of ebony, and the white keys were covered with strips of ivory. However, since ivory-yielding species are now endangered and protected by treaty, or are illegal in some countries, makers use plastics almost exclusively. Also, ivory tends to chip more easily than plastic. Legal ivory can still be obtained in limited quantities. Yamaha developed a plastic called Ivorite intended to mimic the look and feel of ivory; other manufacturers have done likewise.

Almost every modern piano has 52 white keys and 36 black keys for a total of 88 keys (seven octaves plus a minor third, from A₀ to C₈). Many older pianos only have 85 keys (seven octaves from A₀ to A₇). Some piano manufacturers have extended the range further in one or both directions. For example, the Imperial Bösendorfer has nine extra keys at the bass end, giving a total of 97 keys and an eight octave range. These extra keys are sometimes hidden under a small hinged lid that can cover the keys to prevent visual disorientation for pianists unfamiliar with the extra keys, or the colours of the extra white keys are reversed (black instead of white). More recently, Australian manufacturer Stuart & Sons created a piano with 108 keys, going from C₀ to B₈, covering nine full octaves.^[41] The extra keys are the same as the other keys in appearance.

The extra keys are added primarily for increased resonance from the associated strings; that is, they vibrate sympathetically with other strings whenever the damper pedal is depressed and thus give a fuller tone. Only a very small number of works composed for piano actually use these notes.

Toy piano company Schoenhut manufactures grands and uprights with only 44 or 49 keys and a shorter distance between the keyboard and the pedals. These are true pianos with working mechanisms and strings.

A rare variant of the piano called the Emánuel Moór Pianoforte has double keyboards, one lying above the other. It was invented by Hungarian composer and pianist, Emánuel Moór (19 February 1863 – 20 October 1931). The lower keyboard has the usual 88 keys, whilst the upper keyboard has 76 keys. When the upper keyboard is played, an internal mechanism pulls down the corresponding key on the lower keyboard, but an octave higher. This lets a pianist reach two octaves with one hand, impossible on a conventional piano. Due to its double keyboard, musical works that were originally created for double-manual harpsichord, such as the Goldberg Variations by Bach, become much easier to play, since playing on a conventional single keyboard piano involves complex and hand-tangling cross-hand movements. The design also features a special fourth pedal that couples the lower and upper keyboard, so when playing on the lower keyboard the note one octave higher also plays. Only about 60 Emánuel Moór Pianofortes were made, mostly by Bösendorfer. Other piano manufacturers, such as Bechstein, Chickering, and Steinway & Sons, also manufactured a few.^[42]

Pianos have been built with alternative keyboard systems, e.g., the Jankó keyboard.

Pedals

Pianos have had pedals, or some close equivalent, since the earliest days. (In the 18th century, some pianos used levers pressed upward by the player’s knee instead of pedals.) Most grand pianos in the US have three pedals: the soft pedal (una corda), sostenuto, and sustain pedal (from left to right, respectively), while in Europe, the standard is two pedals: the soft pedal and the sustain pedal. Most modern upright pianos also have three pedals: soft pedal, practice pedal and sustain pedal, though older or cheaper models may lack the practice pedal. In Europe the standard for upright pianos is two pedals: the soft and the sustain pedals.

The sustain pedal (or, damper pedal) is often simply called «the pedal», since it is the most frequently used. It is placed as the rightmost pedal in the group. It lifts the dampers from all keys, sustaining all played notes. In addition, it alters the overall tone by allowing all strings, including those not directly played, to reverberate. When all of the other strings on the piano can vibrate, this allows sympathetic vibration of strings that are harmonically related to the sounded pitches. For example, if the pianist plays the 440 Hz «A» note, the higher octave «A» notes will also sound sympathetically.

The soft pedal or una corda pedal is placed leftmost in the row of pedals. In grand pianos it shifts the entire action/keyboard assembly to the right (a very few instruments have shifted left) so that the hammers hit two of the three strings for each note. In the earliest pianos whose unisons were bichords rather than trichords, the action shifted so that hammers hit a single string, hence the name una corda, or ‘one string’. The effect is to soften the note as well as change the tone. In uprights this action is not possible; instead the pedal moves the hammers closer to the strings, allowing the hammers to strike with less kinetic energy. This produces a slightly softer sound, but no change in timbre.

On grand pianos, the middle pedal is a sostenuto pedal. This pedal keeps raised any damper already raised at the moment the pedal is depressed. This makes it possible to sustain selected notes (by depressing the sostenuto pedal before those notes are released) while the player’s hands are free to play additional notes (which don’t sustain). This can be useful for musical passages with low bass pedal points, in which a bass note is sustained while a series of chords changes over top of it, and other otherwise tricky parts. On many upright pianos, the middle pedal is called the «practice» or celeste pedal. This drops a piece of felt between the hammers and strings, greatly muting the sounds. This pedal can be shifted while depressed, into a «locking» position.

There are also non-standard variants. On some pianos (grands and verticals), the middle pedal can be a bass sustain pedal: that is, when it is depressed, the dampers lift off the strings only in the bass section. Players use this pedal to sustain a single bass note or chord over many measures, while playing the melody in the treble section.

The rare transposing piano (an example of which was owned by Irving Berlin) has a middle pedal that functions as a clutch that disengages the keyboard from the mechanism, so the player can move the keyboard to the left or right with a lever. This shifts the entire piano action so the pianist can play music written in one key so that it sounds in a different key.

Some piano companies have included extra pedals other than the standard two or three. On the Stuart and Sons pianos as well as the largest Fazioli piano, there is a fourth pedal to the left of the principal three. This fourth pedal works in the same way as the soft pedal of an upright piano, moving the hammers closer to the strings.^[43]
The Crown and Schubert Piano Company also produced a four-pedal piano.

Wing and Son of New York offered a five-pedal piano from approximately 1893 through the 1920s. There is no mention of the company past the 1930s. Labeled left to right, the pedals are Mandolin, Orchestra, Expression, Soft, and Forte (Sustain). The Orchestral pedal produced a sound similar to a tremolo feel by bouncing a set of small beads dangling against the strings, enabling the piano to mimic a mandolin, guitar, banjo, zither and harp, thus the name Orchestral. The Mandolin pedal used a similar approach, lowering a set of felt strips with metal rings in between the hammers and the strings (aka rinky-tink effect). This extended the life of the hammers when the Orch pedal was used, a good idea for practicing, and created an echo-like sound that mimicked playing in an orchestral hall.^[44][45]

The pedalier piano, or pedal piano, is a rare type of piano that includes a pedalboard so players can use their feet to play bass register notes, as on an organ. There are two types of pedal piano. On one, the pedal board is an integral part of the instrument, using the same strings and mechanism as the manual keyboard. The other, rarer type, consists of two independent pianos (each with separate mechanics and strings) placed one above the other—one for the hands and one for the feet. This was developed primarily as a practice instrument for organists, though there is a small repertoire written specifically for the instrument.

Mechanics

When the key is struck, a chain reaction occurs to produce the sound. First, the key raises the «wippen» mechanism, which forces the jack against the hammer roller (or knuckle). The hammer roller then lifts the lever carrying the hammer. The key also raises the damper; and immediately after the hammer strikes the wire it falls back, allowing the wire to resonate and thus produce sound. When the key is released the damper falls back onto the strings, stopping the wire from vibrating, and thus stopping the sound.^[46] The vibrating piano strings themselves are not very loud, but their vibrations are transmitted to a large soundboard that moves air and thus converts the energy to sound. The irregular shape and off-center placement of the bridge ensure that the soundboard vibrates strongly at all frequencies.^[47] The raised damper allows the note to sound until the key (or sustain pedal) is released.

There are three factors that influence the pitch of a vibrating wire.

• Length: All other factors the same, the shorter the wire, the higher the pitch.
• Mass per unit length: All other factors the same, the thinner the wire, the higher the pitch.
• Tension: All other factors the same, the tighter the wire, the higher the pitch.

A vibrating wire subdivides itself into many parts vibrating at the same time. Each part produces a pitch of its own, called a partial. A vibrating string has one fundamental and a series of partials. The purest combination of two pitches is when one is double the frequency of the other.^[48]

For a repeating wave, the velocity v equals the wavelength λ times the frequency f,

v = λf

On the piano string, waves reflect from both ends. The superposition of reflecting waves results in a standing wave pattern, but only for wavelengths λ = 2L, L, 2L/3, L/2, … = 2L/n, where L is the length of the string. Therefore, the only frequencies produced on a single string are f = nv/2L. Timbre is largely determined by the content of these harmonics. Different instruments have different harmonic content for the same pitch. A real string vibrates at harmonics that are not perfect multiples of the fundamental. This results in a little inharmonicity, which gives richness to the tone but causes significant tuning challenges throughout the compass of the instrument.^[47]

Striking the piano key with greater velocity increases the amplitude of the waves and therefore the volume. From pianissimo (pp) to fortissimo (ff) the hammer velocity changes by almost a factor of a hundred. The hammer contact time with the string shortens from 4 milliseconds at pp to less than 2 ms at ff.^[47] If two wires adjusted to the same pitch are struck at the same time, the sound produced by one reinforces the other, and a louder combined sound of shorter duration is produced. If one wire vibrates out of synchronization with the other, they subtract from each other and produce a softer tone of longer duration.^[49]

Maintenance

Pianos are heavy and powerful, yet delicate instruments. Over the years, professional piano movers have developed special techniques for transporting both grands and uprights, which prevent damage to the case and to the piano’s mechanical elements. Pianos need regular tuning to keep them on correct pitch. The hammers of pianos are voiced to compensate for gradual hardening of the felt, and other parts also need periodic regulation. Pianos need regular maintenance to ensure the felt hammers and key mechanisms are functioning properly. Aged and worn pianos can be rebuilt or reconditioned by piano rebuilders. Strings eventually must be replaced. Often, by replacing a great number of their parts, and adjusting them, old instruments can perform as well as new pianos.

Piano tuning involves adjusting the tensions of the piano’s strings with a specialized wrench, thereby aligning the intervals among their tones so that the instrument is in tune. While guitar and violin players tune their own instruments, pianists usually hire a piano tuner, a specialized technician, to tune their pianos. The piano tuner uses special tools. The meaning of the term in tune in the context of piano tuning is not simply a particular fixed set of pitches. Fine piano tuning carefully assesses the interaction among all notes of the chromatic scale, different for every piano, and thus requires slightly different pitches from any theoretical standard. Pianos are usually tuned to a modified version of the system called equal temperament (see Piano key frequencies for the theoretical piano tuning). In all systems of tuning, each pitch is derived from its relationship to a chosen fixed pitch, usually the internationally recognized standard concert pitch of A₄ (the A above middle C). The term A440 refers to a widely accepted frequency of this pitch – 440 Hz.

The relationship between two pitches, called an interval, is the ratio of their absolute frequencies. Two different intervals are perceived as the same when the pairs of pitches involved share the same frequency ratio. The easiest intervals to identify, and the easiest intervals to tune, are those that are just, meaning they have a simple whole-number ratio. The term temperament refers to a tuning system that tempers the just intervals (usually the perfect fifth, which has the ratio 3:2) to satisfy another mathematical property; in equal temperament, a fifth is tempered by narrowing it slightly, achieved by flattening its upper pitch slightly, or raising its lower pitch slightly. A temperament system is also known as a set of «bearings». Tempering an interval causes it to beat, which is a fluctuation in perceived sound intensity due to interference between close (but unequal) pitches. The rate of beating is equal to the frequency differences of any harmonics that are present for both pitches and that coincide or nearly coincide. Piano tuners have to use their ear to «stretch» the tuning of a piano to make it sound in tune. This involves tuning the highest-pitched strings slightly higher and the lowest-pitched strings slightly lower than what a mathematical frequency table (in which octaves are derived by doubling the frequency) would suggest.

Playing and technique

As with any other musical instrument, the piano may be played from written music, by ear, or through improvisation. While some folk and blues pianists were self-taught, in Classical and jazz, there are well-established piano teaching systems and institutions, including pre-college graded examinations, university, college and music conservatory diplomas and degrees, ranging from the B.Mus. and M.Mus. to the Doctor of Musical Arts in piano. Piano technique evolved during the transition from harpsichord and clavichord to fortepiano playing, and continued through the development of the modern piano. Changes in musical styles and audience preferences over the 19th and 20th century, as well as the emergence of virtuoso performers, contributed to this evolution and to the growth of distinct approaches or schools of piano playing. Although technique is often viewed as only the physical execution of a musical idea, many pedagogues and performers stress the interrelatedness of the physical and mental or emotional aspects of piano playing.^{[50][51][52][53][54]} Well-known approaches to piano technique include those by Dorothy Taubman, Edna Golandsky, Fred Karpoff, Charles-Louis Hanon and Otto Ortmann.

Performance styles

Many classical music composers, including Haydn, Mozart, and Beethoven, composed for the fortepiano, a rather different instrument than the modern piano. Even composers of the Romantic movement, like Franz Liszt, Frédéric Chopin, Clara and Robert Schumann, Fanny and Felix Mendelssohn, and Johannes Brahms, wrote for pianos substantially different from 2010-era modern pianos. Contemporary musicians may adjust their interpretation of historical compositions from the 1600s to the 1800s to account for sound quality differences between old and new instruments or to changing performance practice.

Starting in Beethoven’s later career, the fortepiano evolved into an instrument more like the modern piano of the 2000s. Modern pianos were in wide use by the late 19th century. They featured an octave range larger than the earlier fortepiano instrument, adding around 30 more keys to the instrument, which extended the deep bass range and the high treble range. Factory mass production of upright pianos made them more affordable for a larger number of middle-class people. They appeared in music halls and pubs during the 19th century, providing entertainment through a piano soloist, or in combination with a small dance band. Just as harpsichordists had accompanied singers or dancers performing on stage, or playing for dances, pianists took up this role in the late 1700s and in the following centuries.

During the 19th century, American musicians playing for working-class audiences in small pubs and bars, particularly African-American composers, developed new musical genres based on the modern piano. Ragtime music, popularized by composers such as Scott Joplin, reached a broader audience by 1900. The popularity of ragtime music was quickly succeeded by Jazz piano. New techniques and rhythms were invented for the piano, including ostinato for boogie-woogie, and Shearing voicing. George Gershwin’s Rhapsody in Blue broke new musical ground by combining American jazz piano with symphonic sounds. Comping, a technique for accompanying jazz vocalists on piano, was exemplified by Duke Ellington’s technique. Honky-tonk music, featuring yet another style of piano rhythm, became popular during the same era. Bebop techniques grew out of jazz, with leading composer-pianists such as Thelonious Monk and Bud Powell. In the late 20th century, Bill Evans composed pieces combining classical techniques with his jazz experimentation. In the 1970s, Herbie Hancock was one of the first jazz composer-pianists to find mainstream popularity working with newer urban music techniques such as jazz-funk and jazz-rock.

Pianos have also been used prominently in rock and roll and rock music by performers such as Jerry Lee Lewis, Little Richard, Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer), Elton John, Ben Folds, Billy Joel, Nicky Hopkins, and Tori Amos, to name a few. Modernist styles of music have also appealed to composers writing for the modern grand piano, including John Cage and Philip Glass.

Role

The piano is a crucial instrument in Western classical music, jazz, blues, rock, folk music, and many other Western musical genres. Pianos are used in soloing or melodic roles and as accompaniment instruments. As well, pianos can be played alone, with a voice or other instrument, in small groups (bands and chamber music ensembles) and large ensembles (big band or orchestra). A large number of composers and songwriters are proficient pianists because the piano keyboard offers an effective means of experimenting with complex melodic and harmonic interplay of chords and trying out multiple, independent melody lines that are played at the same time. Pianos are used by composers doing film and television scoring, as the large range permits composers to try out melodies and bass lines, even if the music will be orchestrated for other instruments.

Bandleaders and choir conductors often learn the piano, as it is an excellent instrument for learning new pieces and songs to lead in performance. Many conductors are trained in piano, because it allows them to play parts of the symphonies they are conducting (using a piano reduction or doing a reduction from the full score), so that they can develop their interpretation. The piano is an essential tool in music education in elementary and secondary schools, and universities and colleges. Most music classrooms and many practice rooms have a piano. Pianos are used to help teach music theory, music history and music appreciation classes, and even non-pianist music professors or instructors may have a piano in their office.

See also

• Piano extended technique – Unconventional method of playing piano
• Piano trio – Musical group of piano and two other instruments
• Street piano – Piano placed in a public area
• Agraffe – Internal part of a grand piano
• Chiroplast
• List of classical pianists
• List of films about pianists
• List of piano manufacturers
• List of piano brand names
• List of piano makers
• List of piano composers

Notes

References

Further reading

External links

• History of the Piano Forte, Association of Blind Piano Tuners, UK
• Section Table of Music Pitches of the Virginia Tech Multimedia Music Dictionary
• The Frederick Historical Piano Collection
• The Pianofortes of Bartolomeo Cristofori, Heilbrunn Timeline of Art History, The Metropolitan Museum of Art
• Five lectures on the Acoustics of the piano
• The Piano in Polish Collections (historical instruments)