Рассказ на тему пионеры абстракционизма

«История одного шедевра»

«Герника» Пабло Пикассо (1937 г.) 

26 апреля 1937 года баскский городок Герника стал мишенью для бомбардировки франкистскими самолетами Ju-52 легиона «Кондор». Всего было сброшено 22 тонны бомб. Результаты: центр города практически стерт с лица земли, более 70% зданий разрушено полностью или частично, убито более 1600 человек.

«Герника» (исп. Guernica) была заказана Пикассо испанским правительством, которое собиралось разместить ее на Всемирной выставке в Париже. Художник представил картину в мае 1937 года. Огромная, 3,5 м высотой и 7,8 м шириной, она была написана маслом в черно-белом стиле в течение одного месяца. Первые дни Пикассо стоял у мольберта по 12-14 часов.

Впервые произведение «Герника» было вставлено на всеобщее обозрение в июне 1937 года в испанском павильоне на Всемирной выставке и вызвало очень неоднозначную реакцию у критиков и даже поклонников художника.

В 1939 году картина была перевезена в Нью-Йорк, с условием, что она будет возвращена в Испанию, только, когда там будет установлена демократия. В 1967 году, после некоторого политического смягчения авторитарного строя генерала Франко, правительство Испании попыталось вернуть «Гернику», однако Пикассо ответил отказом. И только в 1981 году она вернулось на родину художника.

Как и во времена Пикассо, в настоящее время отношение к картине неоднозначное. В первую очередь осторожность проявляется со стороны политических деятелей. Известно, что в 2003 году копия картины в здании ООН в Америке была занавешена тканью. Это совпало с обсуждением вторжения в Ирак.

Однажды нацистский офицер, увидев на столе фотографию «Герники», спросил: «Это вы сделали?». «Нет» — ответил художник — «это сделали вы».

«Пионеры абстракционизма»

В 1910-х годах живописцы Европы и США создают первые абстрактные произведения искусства. Пионерами абстракционизма стали: Василий Кандинский, Артур Доув, Франтишек Купкуа, Пит Мондриан, Франсис Пикабиа, Робер Делоне, Казимир Малевич.

В 1910 году в Германии, в Мурнау, Василий Кандинский написал первую абстрактную композицию (акварель), которая в настоящее время находится в Национальном музее Грузии. Из воспоминаний Кандинского, идея абстрактности живописи у него возникла, когда он перевернул картину Клода Моне и заметил что в перевёрнутом виде она выглядит лучше.

В 1911 году Альфред Стиглиц знакомит Артура Доува с абстрактными произведениями Василия Кандинского, как следствие в период 1911-1912 года Артур Доув создаёт серию абстрактных рисунков пастелью, которые были выставлены в 1912 году в Нью-Йоркской фотогалерее «291» на 5-й авеню. Это была не только первая выставка абстрактного искусства в Америке, но и первая в мировой истории выставка, на которой экспонировались только произведения абстрактной живописи.

В октябре 1912 года на Парижской выставке Salon de la Section d’Or, Франтишек Купка выставил полноценное абстрактное живописное произведение размером около 2-х метров, выполненное маслом на полотне «Фигура в двух цветах».

В декабре 1915 года в Петрограде открылась выставка «0,10» (НОЛЬ-ДЕСЯТЬ). На этой выставке была выставлена картина Казимира Малевича «Чёрный квадрат».

«Наука и абстрактное искусство»

Нейроэстетика

Наука, придуманная в 1990-х нейробиологом Семиром Зеки и официально признанная в 2002-м, занимается внедрением научной объективности в понимание искусства. Ряд нейроэстетических исследований, изучающих связь между объектами, изображенными в картине, и последующим воздействием на мозг, обнаружил, что человеческое сознание распознает замысел произведений абстрактного искусства и намерение художника, сподвигнувшее его на конкретное произведение. Таким образом, даже если вы думаете, что линии и цветные квадраты на картинах Мондриана ни о чем вам не говорят, подсознательно вы считываете заложенную в них информацию.

В исследовании, проведенном Анджелиной Хоули-Долан, группа добровольцев рассматривала пары картин: одна из «дуэта» была творением известного абстракциониста, а другая — рисунком любителя или каракулями шимпанзе. В испытании было установлено, что большинство предпочитает работы настоящих художников, что дает ученым основание полагать, что зритель способен ощущать и ценить самую что ни на есть абстрактную идею художника, выражаемую на картине.

155 лет назад, 16 декабря 1866 года, в семье селенгинского купца первой гильдии родился первенец. Дело было в Москве, куда этот самый купец переехал по вполне логичным соображениям — он занимался торговлей чаем. Древняя столица России, будучи самым крупным потребителем этого продукта, конечно, была наиболее перспективным местом. Звали купца Василием Кандинским.

Точно так же, Василием, он назовёт и своего сына, которому будет суждено стяжать роду Кандинских небывалую мировую славу. Потому что словосочетание «Василий Кандинский» уже больше ста лет означает только одно: «Русский живописец, художник и теоретик искусства, стоял у истоков абстракционизма».

Хотя на отсутствие славы этот род, в общем, никогда не жаловался. Если даже оставить в стороне семейные предания о предках — князьях мансийского Кондинского княжества, то всё равно будет, чем похвастать. Правда, слава эта была с отчётливым криминальным душком, но для наших палестин это, наверное, даже прибавляет авторитета и веса.

Скажем, прапрадед нашего героя, якутский посадский Пётр Кандинский был в 1752 году посажен в острог за ограбление церкви, а потом сослан в Нерчинск. Зато его женой была Дарья Атласова — судя по всему, родственница знаменитого первопроходца Владимира Атласова, подарившего России Камчатку.

Прадед пошёл по стопам отца. Хрисанф Петрович Кандинский был знаменитым разбойником, грабил купцов на таёжных дорогах и тропах в Китай. Разбогатев на грабежах, стал купцом, а впоследствии даже «коммерции советником». Между прочим, это звание приравнивалось к VIII классу статской службы по Табели о рангах и соответствовало коллежскому асессору, а в армейском эквиваленте — к майору. Кстати, его брат Алексей принимал у себя дома ссыльных декабристов, например, князя Сергея Волконского.

Дед, Сильвестр Хрисанфович, легально занимался торговлей пшеницей, а по непроверенным данным — ещё и ростовщичеством. Вроде бы даже промышлял тайной — в обход казны — добычей золота, но здесь уже нет совсем никаких достоверных данных, а сплошь наветы недоброжелателей. То, что в недоброжелателях ходила чуть ли не вся Нерчинская волость, опутанная кабальными долгами всесильному клану Кандинских, никого не волнует.

Отец художника, Василий Сильвестрович, был интеллигентным светским человеком. Он женился на барышне, происходящей по матери из рода остзейских немцев. Дома у них царило двуязычие, и будущая мировая знаменитость заговорила по-немецки едва ли не раньше, чем по-русски. Однако криминальные наклонности никуда не делись и в этом колене рода. Правда, перешли в другую плоскость. Василий Сильвестрович ездил в Лондон, встречался там с «первым русским социалистом» Александром Герценом и нелегально ввозил в Россию его журнал «Колокол» и альманах «Полярная звезда».

Словом, Кандинские — это люди беспокойные, с явным авантюрным складом характера, склонные к крутым поворотам. Это в полной мере проявилось и в жизни Василия Васильевича. Но не сразу.

Поначалу его карьера развивалась более чем логично. Дальние предки — разбойники, потом — торговцы, а потом что? Правильно, юристы.

Василий Васильевич учился на юрфаке Московского университета. Учился очень даже неплохо. Диплом выпускника Кандинского насчитывает двенадцать отметок «весьма удовлетворительно», что соответствует нынешнему «отлично». И всего три отметки «удовлетворительно» — аналог современного «хорошо». В целом — более чем заслуженный диплом «первой степени». С дальнейшими очень хорошими перспективами — его оставили в университете «для подготовки к профессорскому званию и написанию диссертации».

Но тут знаменитая родовая авантюрность взяла своё. В возрасте тридцати лет Кандинский оставляет юриспруденцию и решает стать художником. В истории отечественного искусства случай уникальный. Можно вспомнить только Павла Федотова, который в двадцать девять лет оставил офицерскую карьеру и подался в вольные художники. Правда, автор «Свежего кавалера» и «Сватовства майора» к тому моменту был уже признанным живописцем-любителем. Его работа «Встреча Великого князя» была куплена самим Великим князем, Михаилом Павловичем. У Кандинского же не было ничего, кроме воспоминаний о детских занятиях рисунком, да о запахе скипидара «таком обворожительном, серьёзном и строгом».

Выставка в нью-йоркском Музее современного искусства рассказывает о том, как создавалось беспредметное направление, совершившее самую радикальную революцию в искусстве после эпохи Возрождения. Причем впервые покажут, как все происходило, не на примере привычных хрестоматийных шедевров, а с привлечением работ из частных коллекций и новых фактов, доказывающих, что 100 лет назад у художников уже была своя «социальная сеть».

Куратор отделов живописи и скульптуры нью-йоркского Музея современного искусства (MoMA) Лия Дикерман не без основания считает высобытий года. Обширнейшая экспозиция включает более 400 произведений: живопись, скульптуру, графику, фильмы, фотографии, а также печатные издания указанного периода, который, по ее мнению, был столь же судьбоносным для смены культурных кодов в искусстве, как и эпоха Возрождения. «Абстракция могла возникнуть уже в 1910 году, — рассказывает она. — Пикассо приблизился к беспредметности вплотную, но не решился переступить границу, посчитав такой шаг опасным. В это же время Кандинский заложил теоретическую базу абстракции, но не реализовал ее на практике. И только в 1912 году шлюзы прорвало, и начался настоящий потоп». Словно сговорившись, художники из разных стран переступили наконец эту черту. Франсис Пикабиа, один из пионеров направления, утверждал, что именно он «придумал» абстракцию, путешествуя с Клодом Дебюсси и Гийомом Аполлинером по Франции в 1913 году. Однако Дикерман полагает, что на самом деле концепция абстрактного искусства была подготовлена несколькими художникамиTANR № 08–09, с. 14). Первопроходцами здесь были, помимо Франсиса Пикабиа (его работа Источник (1912) представлена в экспозиции), в первую очередь Василий Кандинский (его Композиция № 5 (1911) из частной нью-йоркской коллекции стала украшением выставки), Франтишек Купка, Робер и Соня Делоне (их знаковые вещи тоже фигурируют в экспозиции). И далее по списку — хрестоматийные для абстракции имена Казимира Малевича, Марселя Дюшана, Пита Мондриана. Большая часть работ — из собрания МоМА, остальные, за редким исключением (несколько вещей из европейских музеев), предоставлены частными коллекционерами. Как и полагается выставке такого размаха, она интерактивная: звучит любовная лирика Аполлинера, саундпоэзия дадаистов, демонстрируются кадры из фильмов 1910–1920-х, где запечатлена хореография новаторов танца Рудольфа фон Лабана и Мэри Уигмен. Объявлена и концертная программа: 26 февраля прозвучит музы-ка Клода Дебюсси и Стива Райха, а 4 марта — Арнольда Шёнберга.

Самые известные русские художники-абстракционисты
Самые дорогие картины известных русских художников в стиле абстракционизма
Самые известные абстрактные картины русских художников

Так как всяческие каноны и нормы сдерживают развитие живописи, рано или поздно появляются смельчаки, идущие против них. Одними из таких решительных художников стали абстракционисты. Им было непросто шокировать публику кубическими формами, цветовыми пятнами или полным отсутствием формы и цвета. Они вынуждены были скрываться и переезжать на новые места, когда начались преследования за так называемое дегенеративное искусство, но остановить новый способ выражения себя в живописи уже было невозможно. В этой статье мы рассмотрим самых известных русских художников-абстракционистов и их знаменитые картины с точки зрения популярности и продаж на аукционах.

Самые известные русские художники-абстракционисты

У истоков русского абстракционизма стоит Василий Кандинский. Как и большинство русских художников, он находился в постоянном поиске себя, изучал труды иностранных мастеров и увлекался новыми стилями. В этом бесконечном поиске он хотел найти ответ на вопрос, как можно в живописи уйти от формы. И внезапно он нашел этот ответ в собственной мастерской. Погрузившись в очередные размышления, он вдруг заметил какую-то странную картину, на которой ничего не было понятно, но ее красочность вызвала у него глубокие переживания. Тут художник понял, что смотрит на собственное полотно, повернутое на бок. Это озарение и легло в дальнейшем в его три формы абстракции: композицию, импровизацию и импрессию.

В 1910 году в Германии он создал свою первую абстрактную картину, которая под таким названием и известна. В дальнейшем аналогичные работы художник называл композициями с разными номерами.

К пионерам русского абстракционизма относится и известный художник Казимир Малевич, который удивил мир своим черным квадратом. Живописец пробовал себя в разных стилях, не хотел мириться с навязываемыми канонами и в конечном итоге в 1915 году пришел к теории супрематизма. Эта теория стала центральной для русского авангарда и выражалась в комбинировании простых геометрических фигур. Внешне казалось, что это обычные фигуры на плоскости, например квадраты, круги, прямоугольники. Они изображались по отдельности или собирались в композицию. Однако при детальном рассмотрении картин зритель мог наблюдать сложный переход одного тона в другой в каждой фигуре. Малевич использовал собственные приемы наложения одних тонов на другие, по которым его работы легко отличить от подделок. С помощью этих тонов создавалось впечатление движения внутри фигур, что уводило зрителя от необходимости традиционно оценивать картину.

У Казимира Малевича было много учеников, которые прониклись идеями супрематизма и развивали его в дальнейшем. Это Николай Суетин, Илья Чашник, Любовь Попова, Лев Юдин и многие другие. Одним из самых преданных его учеников был Илья Чашник. Молодой художник прожил всего 26 лет, но за эти годы успел создать множество прикладных проектов, благодаря которым супрематические картины стали появляться на фарфоре, тканях, обложках книг и других практичных вещах. Он же активно развивал космический супрематизм и динамизм. Первый из них выражался в том, что геометрические фигуры наделялись космическим смыслом (вертикальный прямоугольник обозначал движение в космос, горизонтальный — Землю).

Ученица Малевича Любовь Попова использовала свое видение — она заполняла полотна разнообразными фигурами и таким образом создала серию работ из цикла «Живописная архитектоника».

В одном ряду с Кандинским и Малевичем стоит и Марк Ротко — художник, который возглавляет рейтинг самых дорогих русских живописцев за последние двадцать лет. Ротко из всех геометрических фигур выбрал только одну — прямоугольник, называемый им цветовым полем. Такие цветовые поля изображались по размерам больше человеческого роста, чтобы оказать наибольшее влияние на зрителя. При создании цветовых полей Ротко использовал уникальный стиль: наносил десятки слоев самодельных красок, особенным образом оформляя края. В выставочных залах картины ставились без рам и использовалось специальное освещение, чтобы ничто не отвлекало зрителя от эмоций. Именно сильные эмоции самого художника и зрителя были той целью, ради которой он писал картины. И ему это сполна удавалось, так как зрители могли засмеяться или даже заплакать при созерцании его работ.

Идеи абстракционистов повлияли на Михаила Ларионова и Наталью Гончарову, которые также интересовались созданием новых форм. В 1912 году Ларионов пришел к идее лучизма, согласно которому формы получались путем пересечения лучей, отраженных от разных поверхностей. Идеей вдохновилась и его супруга Наталья Гончарова, которая не просто создала ряд картин в стиле лучизма, но оставалась приверженцем русского быта, русского народа. Проникнувшись теорией Ларионова под названием всёчество (любой стиль признавался подходящим для творчества художника), она использовала самые разные стили, но неизменно выражала это через любовь к русскому народу.

Не менее известен художник Никола де Сталь, в творчестве которого наблюдались периоды чистой абстракции и так называемой предметной абстракции. Если вначале художник изображал полотна, в которых невозможно определить какой-то сюжет, то постепенно абстракции стали опредмечиваться, то есть в них можно узнать конкретные предметы. Например, это работы «Крыши Парижа», «Цветы» или «Футбольный матч». В последней работе легко различить фигуры бегущих по полю футболистов, но в то же время картина остается абстрактной — состоит из отдельных фигур и модулей, соединить которые в знакомый сюжет помогает лишь название картины и наше воображение.

Если многие абстракционисты отказывались от размышлений над картиной и рисовали интуитивно, то Павел Филонов, напротив, считал необходимым тщательное размышление в процессе создания каждой картины. Такой подход он назвал аналитическим искусством и провозгласил так называемую сделанность, то есть максимальную работу художника над каждой ячейкой картины. В некоторых его картинах холст заполнен настолько, что не остается ни одного свободного кусочка.

Эффект максимального заполнения картины цветовыми ячейками встречается и у Евгения Чубарова. В своих работах он концентрировался на энергии, исходящей из полотна. Заметим, что прославился художник именно благодаря своим абстрактным работам, которые сегодня высоко ценятся на аукционах.

Если Малевич использовал в качестве базовых элементов картины простые геометрические фигуры вроде круга и квадрата, то у Антуана Певзнера был целый алфавит из цилиндров и конусов. Он собирал их в причудливые группы, что рождало на свет новые необычные картины. Позже Певзнер изобрел кинетическое искусство, смысл которого заключался в том, что любая композиция должна жить (вращаться, двигаться). Это привело к появлению разнообразных объемных конструкций, которые с помощью разных механизмов закручивались, сворачивались, вращались или двигались как-то иначе.

Самые дорогие картины известных русских художников в стиле абстракционизма

Посмотрим, насколько высоко оценивается сегодня беспредметное искусство русских художников на международных аукционах. Для этого рассмотрим несколько самых дорогих продаж за период с 2000 по 2020 годы.

Хотя далеко не каждый человек воспринимает абстрактную картину как нечто ценное в искусстве, тройку лидеров по продажам заняли именно работы абстракционистов. Самой дорогой картиной русских художников, ушедшей с торгов за последние двадцать лет, стала работа Марка Ротко «Оранжевый, красный, желтый». Это холст внушительных размеров более двух метров в высоту и ширину, созданный мастером в 1961 году. Картины этой серии художник писал с целью пережить глубокие эмоции при их создании и вызвать такие же переживания у зрителей. Надо сказать, что своей цели он достигал сполна, возможно, поэтому его полотна сегодня столь высоко ценятся. Работа была представлена в торговом доме Christieʼs в 2012 году и ушла с молотка за 87 миллионов долларов.

Второй по стоимости ухода является «Супрематическая композиция» Казимира Малевича. Интересно, что мы могли никогда не увидеть эту работу, так как общество не всегда готово принимать такие вещи. Автор возил ее на выставку в Германию, где картина застряла и могла быть уничтожена представителями нацистского режима. Как известно, последние абстракционизм не признавали и отнесли его к так называемому дегенеративному искусству. Тем не менее, картину удалось спасти в музее, а позже она попала в руки наследников и за последние десятилетия уже дважды появлялась на аукционах. В 2008 году она ушла с торгов на Sothebyʼs за 60 млн долларов, еще через десять лет ее выставили на торгах Christieʼs и продали за 85,8 млн долларов.

Замыкает тройку еще одна абстрактная работа — «Картина с белыми линиями» Василия Кандинского. Эту картину художник создал в Мюнхене в 1913 году, который стал фактически революционным в искусстве. Именно в этом году в Нью-Йорке прошла Арсенальная выставка, организованная с целью преодоления косных требований традиционной школы. На выставке были в том числе представлены абстрактные работы, вызвавшие большой общественный резонанс. Именно в этом году Кандинский написал свою известную серию абстрактных полотен, признанных одной из самых значительных в искусстве ХХ века. Наиболее важной работой этой серии является «Картина с белыми линиями». Вполне ожидаемо, что при попадании такой масштабной работы на аукцион, она имела большой успех и была продана на Sotheby’s в 2017 году за 41,8 млн долларов.

Из других уходов известных абстракционистов отметим такие. Картина «Стадион “Парк де Пренс”» Никола де Сталя продана за 22 млн долларов, картина «Цветы» Натальи Гончаровой ушла за 10,9 млн долларов, а работу Spherical suprematism Ивана Клюна продали за 6,2 млн долларов. Это примеры самых крупных продаж, помимо которых есть множество уходов по меньшим ценам.

Самые известные абстрактные картины русских художников

Начнем с культовой работы, о которой наслышан каждый. Это картина «Черный квадрат» Казимира Малевича, созданная автором в 1915 году. Это произведение произвело настоящий переворот в сознании художников и зрителей, поэтому его называют и нулевой точкой живописи, и образцом новой формы живописи, и символом всей живописи в целом. Политики полагали, что черным квадратом живописец отрекается от буржуазного строя России и называли его народным художником, а противники высмеивали и называли невеждой, который просто не умеет рисовать (Малевича дважды не приняли в Московское училище живописи). Так или иначе, но автор «Черного квадрата» сегодня входит с список самых дорогих русских художников, картины которых уходят с аукционов за десятки миллионов долларов.

Следующее известное творение принадлежит Кандинскому. Как мы писали выше, 1913 год стал революционным в плане рождения нового искусства. Именно в этом году Кандинский создал картину, которая считается вершиной его творчества. Это «Композиция VII», созданная после работы «Композиция VI». Скептики считают, что такую картину можно нарисовать за двадцать минут, не особенно стараясь. Однако в картине не просто был филигранно вырисован каждый ее участок, автор создал три десятка эскизов, прежде чем приступил к воплощению своего видения и ощущений на холсте. По словам самого Кандинского, картина имеет самую сложную структуру, которую ему когда-либо приходилось создавать.

Работу он написал в библейском ключе. Если «Композиция VI» была посвящена Всемирному потопу, то в следующей версии к этой тематике добавились другие. Так, автор рассуждал на тему райского сада, Судного дня и других религиозных понятий, пытаясь объединить эти темы в одной картине. Он неспроста выбрал цветовые пятна и линии вместо знакомых образов, так как именно они наилучшим образом демонстрировали стихию жизни. Душа находится в некоем круговороте, который словно воронка затягивает в себя любые формы, разбегающиеся по всему полотну многочисленными метаморфозами. При столкновении последние объединяются или разбиваются друг от друга, создавая новое движение.

Недоумевать зрителей заставляет не только «Черный квадрат» Малевича, но и картины Марка Ротко, расположенные в часовне Rothko Chapel. Основатели часовни поручили Ротко создать своеобразный центр медитации, для чего мастер написал 14 картин. Но когда посетители заходят в часовню, они неизменно задают один и тот же вопрос: «А где картины?». Все дело в том, что все четырнадцать полотен выполнены разными оттенками черного цвета, с разными текстурами, что никак не соответствует ожиданиям зрителей. Однако часовня Ротко действительно стала центром медитации, центром международных собраний и святым местом, доступным человеку любой религии.

У каждого из названных мастеров есть и другие широко известные работы. Так, у Малевича это «Красная конница», «Белое на белом», «Красный квадрат», «Черный круг» и другие. Интересно, что в США картина «Белое на белом» больше известна, чем «Черный квадрат», так как ее оригинал доступен американской публике.

У Кандинского это такие работы, как «Квадраты с концентрическими кругами», «Импровизация 10», «Первая абстрактная акварель», «Импровизация 31 (Морской бой)» и другие. Кандинского не зря считают отцом абстракционизма, так как благодаря своему нестандартному видению искусства и социальной активности он быстро собирал вокруг себя единомышленников и способствовал расцвету в России этого направления.

У Ротко помимо названных ранее картин это работы «Белый центр», №61 («Ржавый и синий»), «Чёрное на тёмно-бордовом», «Четыре темные отметины на красном» и другие. Популярность некоторых из них возросла после определенных событий. Так, в 2012 году во время просмотра картины вандал сделал надпись на холсте «Чёрное на тёмно-бордовом», пытаясь привлечь внимание к своему художественному течению. Незадачливый художник был уверен, что с его подписью шедевр будет стоить еще дороже. Однако его выходку не оценили: реставрация заняла полтора года, так как краска пропитала холст насквозь, а самому автору подписи дали два года тюрьмы.

Известные картины русских абстракционистов можно перечислять еще долго, так как многие из художников смело шли против устоев общества и выражали себя так, как чувствовали. В результате этого мы имеем большое наследие абстракций, в которых каждый найдет для себя что-то удивительное и волнительное.

АБСТРАКЦИОНИЗМ (лат. abstractio – удаление, отвлечение) – беспредметное, нефигуративное искусство – форма изобразительной деятельности, не ставящая своей целью имитацию или отображение визуально воспринимаемой реальности. Абстрактная живопись, графика, скульптура исключают ассоциации с узнаваемыми предметами.

Истоки абстрактной живописи и время создания первой абстрактной картины не установлены. С уверенностью можно говорить только о том, что между 1910 и 1915 годами многие европейские художники пробовали себя в беспредметных, нефигуративных композициях (в живописи, рисунке, скульптуре). Среди них: Р.Делоне, М.Ф.Ларионов, Ф.Пикабиа, Ф.Купка, П.Клее, Ф.Марк, А.Г.Явленский, У.Бочиони, Ф.Маринетти и др. Самые оригинальные и известные – В.В.Кандинский, П.Мондриан, К.С.Малевич. «Изобретателем» абстракции обычно называют Кандинского, имея в виду его акварели 1910–1912 и его теоретические работы, которые объективно свидетельствуют о самодостаточности искусства, указывают на его способность своими собственными средствами создавать некую новую реальность. И в практике, и в теории Кандинский был наиболее решительным и последовательным из тех, кто в это время подошел к черте, отделяющей фигуративность от абстракции. Невыясненный вопрос о том, кто первым пересек эту черту, не имеет принципиального значения, так как в первые годы XX в. новейшие течения европейского искусства вплотную приблизились к этой границе, причем все указывало на то, что она будет опрокинута.

Абстракция вопреки бытующим представлениям не является стилистической категорией. Эта специфическая форма изобразительного творчества распадается на несколько направлений. Геометрическая абстракция, лирическая абстракция, жестикуляционная абстракция, аналитическая абстракция и более частные течения, такие, как супрематизм, аранформель, нюажизм и т.д.

Стили абстрактного искусства складываются из тех же стилеобразующих элементов, что и стили фигуративного. Об это свидетельствует, в частности, тот факт, что монохромная живопись – холст, закрашенный одним тоном, – находится в таком же нейтральном отношении к стилю, как абсолютно натуралистическое фигуративное изображение. Абстрактная живопись – это особый вид изобразительной деятельности, функции которой сравнивают с функциями музыки в аудиопространстве.

Ускоряющаяся смена эстетических установок в искусстве берет начало в революционных преобразованиях в культуре, науке и технике XX в. В искусстве новые тенденции становятся заметны уже в первой половине XIX в. В это время в европейской живописи можно видеть одновременно совершенствование натуралистической техники (Ж.Энгр, Ж.-Л.Давид, Т.Шассерио) и нарастающую тенденцию к условности (К.Коро, Э.Делакруа, Ф.Гойя); последняя особенно заостряется в английской живописи – у Р.О.Бонингтона и особенно У.Тернера, чьи картины Солнце, восходящее в тумане… (1806), Музыкальный вечер (1829–1839) и некоторые другие работы представляют самые смелые обобщения, граничащие с абстракцией. Обратим внимание на форму, но также и на сюжет одной из его последних работ – Дождь, пар, скорость, которая изображает паровоз, мчащийся сквозь туман и пелену дождя. Эта картина, написанная в 1848, – высшая мера условности в искусстве первой половины XIX в.

С середины XIX в. живопись, графика, скульптура обращаются к тому, что недоступно непосредственному изображению. Все более интенсивно разворачиваются поиски новых изобразительных средств, способов типизации, повышенной экспрессии, универсальных символов, сжатых пластических формул. С одной стороны, это направлено на отображение внутреннего мира человека – его эмоциональных психологических состояний, с другой – на обновление видения предметного мира. В 1900-е годы открытие – вначале в Испании, а потом во Франции – первобытного и чуть позднее традиционного («примитивного») искусства решительно меняет представление о значении условных форм в изобразительном искусстве.

Состояние, в котором находится в это время искусство, можно назвать перманентной эстетической революцией; главные события происходят во Франции. Универсальная международная выставка 1900 в Париже, на авеню Николая II, была первой официальной экспозицией, включавшей работы еще «скандальных» в это время художников: Э.Мане, К.Моне, О.Ренуара и других импрессионистов, а также П.Гогена и П.Сезанна. В 1904 новейшая французская живопись, показанная в Германии, произвела ошеломляющее впечатление на немецких художников и послужила толчком к созданию молодежного Союза, в который вошли будущие знаменитые экспрессионисты: Э.Л.Кирхнер, К.Шмидт-Роттлюф и др.

С 1905 по 1910 в западноевропейском искусстве происходит последовательная «деконструкция» классической изобразительной системы, радикальная смена эстетических установок. После того как импрессионизм – впервые в истории искусства – внес в живопись структурные (нестилистические) изменения, французские фовисты и немецкие экспрессионисты меняют отношение к цвету, рисунку, которые окончательно выходят из подчинения натуре. Затем кубизм освобождает живопись от нарративности повествовательного сюжета.

Если живопись, так же как другие искусства, – это не столько демонстрация мастерства – создание произведения, сколько способ самовыражения, тогда абстрактное искусство надо признать наиболее продвинутой ступенью изобразительной деятельности. Это «восхождение» демонстрирует творческая эволюция пионера абстракционизма – Кандинского, которая проходит ряд этапов, включая академический рисунок и реалистическую пейзажную живопись, прежде чем выйти в свободное пространство цвета и линии. Абстрактная композиция – это тот последний, молекулярный, уровень, на котором живопись еще остается живописью. Дальше – распад.

«Доказательством моего бытия, – говорит один из современных художников, – является не мое имя, мое тело – они исчезнут в океане времени, а вымысел, создание видимости» (Francllin C. Jean Le Gac. Цит. по: Милле К. Современное искусство Франции. Минск, 1995, с. 235).

Творчество – самый интимный, аутентичный способ самоутверждения, в котором остро нуждается человек. Эта потребность охватывает все большие массы людей (о чем, в частности, свидетельствуют учащающиеся жестокие способы коллективного и индивидуального утверждения своей аутентичности).

Абстрактное искусство – самый доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, подобной факсимильному оттиску. В то же время это прямая реализация свободы.

В США подъем абстракционизма начинается уже в середине 1940-х. Первыми заметными фигурами в это время, кроме ученика П.Мондриана Дж.Поллока, были Б.Диллер, М.Тобей, Б.У.Томлин, А.Горки. Среди тех, чье творчество позднее оказало влияние на европейскую живопись, – Б.Ньюмен, М.Ротко, Ф.Клин, Р.Раушенберг, У.Кунинг, А.Рейнхардт.

Один из первых послевоенных французских абстракционистов, воспринявших уроки американской живописи, – П.Сулаж. Его не лучшие работы напоминают экспрессивные абстракции Ф.Клина. Работы Г.Хартунга ближе к первоистоку европейской абстракции – Кандинскому. В числе европейских художников, самостоятельно пришедших к абстракционизму в послевоенные годы, Ж.Фотрие, Ж.Матье, Ж.-П.Риопель, Дж.Капогросси, М.Эстев, А.Ланской, С.Поляков, Р.Биссьер и Ж.Базен. Особенно влиятельными во Франции в послевоенные годы были Ж.Базен и Р.Биссьер. Пережила всех и продолжает расти в цене и популярности живопись Н. де Сталя, колеблющаяся, как и живопись Биссьера и отчасти Базена, на тонкой грани между полной абстракцией и намеком на фигуративность.

В 1950 в Париже появляется первая мастерская, в которой художники Ж.Девань и Э.Пиле учат молодежь избавляться от реалистического видения, создавать картину исключительно живописными средствами и использовать в композиции не более трех тонов, так как «цвет определяет форму» (надо стремиться к тому, чтобы найти точный цвет). В начале 50-х абстрактные композиции создает А.Матисс. Абстрактная картина Деваня Апофеоз Марата (1951) была встречена с большим энтузиазмом. Критики писали, что это не только интеллектуальный портрет пламенного трибуна, но, кроме того, «праздник чистого цвета, динамичной игры кривых и прямых линий», «эта вещь – доказательство того, что абстракция выражает не только духовные ценности, но так же, как фигуративное искусство, может обращаться к событиям историческим и политическим».

В начале 50-х во Франции становится популярна «лирическая абстракция» Ж.Матье. Ему принадлежит высказывание, которое отражает новый подход к искусству: «Законы семантики действуют по принципу инверсии: поскольку дана вещь, для нее подыскивается знак, если дан знак, он утверждает себя, если находит воплощаемое». То есть сначала создается знак, потом подыскивается его смысл. В классическом искусстве смысл ищет воплощения (первично означаемое).

В начале 50-х в нью-йоркской галерее Бетти Парсон, где в конце 40-х впервые были выставлены работы Ганса Хофмана и Дж. Поллока, появляются новые имена – Барнет Ньюмен и Роберт Раушенберг.

Стилистика американской абстракции 50-х годов отличается прямолинейным геометризмом: Б.Диллер, А.Рейнхардт, У.Кунинг, Ф.Клин, М.Ротко, Б.Ньюмен, Р.Раушенберг (исключение – А.Горки, отчасти М.Тобей и А.Готлиб). Эта стилистика связана с нью-йоркской школой, внезапно приобретающей международную известность.

Искусство всегда было, в той или иной мере, средством самовыражения. Личность, опосредованно запечатлевавшая себя в нормативных структурах Больших стилей, в Новое время сама создает для себя такие структуры.

С выходом в абстракцию творческая личность получила свободу. Некорректируемые вчуже, линия, цвет, фактура становятся авторским факсимильным отпечатком. Теоретически ничто не мешает запечатлению личности в пластической, графической, живописной проекциях, в которых как и что сливаются воедино («Мой рисунок – это прямое и самое чистое воплощение моих эмоций», – говорит Матисс. L’Aventure du XX siecle. Paris, 1998. P. 511).

С другой стороны, и мера отчуждения, которую допускает абстракция, превосходит все существовавшее раньше. Живописный конструктор супрематизма предполагает небывалое по своим возможностям удовлетворение эстетических потребностей.

Как фактор стилеобразующий, абстракция безгранично расширяет возможности воплощения двух противоположных сущностей – уникального и универсального. Тексты, художественные изделия всех времен свидетельствуют о том, что автор в той или иной мере говорил о себе всегда, но все же никогда так осознанно обстоятельно и откровенно, как в XX в.

В сумме факторов (изобретение фотографии, научные и квазинаучные теории цвета и света и др.), определивших в Новое время основной вектор изменений в искусстве – движение от натурализма к абстракции, первое место занимает индивидуализация творчества – превращение его в прямую проекцию личности.

Прямая проекция темперамента – жестикуляционная живопись – рождается в Америке. Победа нового искусства в Америке может показаться неожиданной, если вспомнить о возмущении американцев, впервые увидевших в 1913 большую выставку европейского авангарда. В военное и послевоенное время американцы могли убедиться, что вложения в искусство надежны и доходны. Тот, кто вовремя осознал доходность современного искусства, получил шанс сказочно разбогатеть (Пегги Гуггенхейм, Бетти Парсон и др.). Почти все классики европейского авангарда оказались во время войны в США в положении эмигрантов. Самый знаменитый из американских абстракционистов – Поллок, ученик Мондриана, а его успех – это успех галереи Бетти Парсон.

В начале 1960-х в обновленном виде абстрактное искусство возвращается из Америки в Европу. «Это становится открытием, – пишет К.Милле, – для тех, кто еще окончательно не выработал свое художественное кредо… Сначала абстрактное искусство (чаще всего американское) изучается по репродукциям». «Девад с юмором отмечает, что, имея доступ к американской живописи только через фотографии журнала „Артфорум», он избрал для работы формат почтовой марки, тогда как Виалла, напротив, думая, что Джексон Поллок использует большой формат, все более увеличивает и формат своих работ! Только немногие, как, например, Девад или Бюрен и Пармантье, смогли увидеть американскую живопись своими глазами» (Милле К. Современное искусство Франции. Минск, 1995, с. 156).

Первые выставки американской живописи в Париже организуются в начале 60-х, самая представительная, «Искусство реальности» (1968), развернутая в Гран-пале, была посвящена целиком абстрактному американскому искусству. Американское влияние на европейское искусство приходится на годы холодной войны. В эти десятилетия горизонтально организованная демократическая структура жестко противостоит вертикально организованной коммунистической. Абстрактное антинормативное искусство – в немалой степени из-за его отторжения в СССР – становится символом свободного творчества, которое противостоит фигуративному нормативному «социалистическому реализму». В годы холодной войны централизованная структура – не обязательно левая или правая – для интеллектуала ассоциируется с идеей подавления личности. На государственном уровне воплощением идеально организованной структуры являются противостоящие друг другу гигантские военные монстры, угрожающие гибелью всему живому. Возможно, здесь подсознательные истоки новых тенденций в абстрактном искусстве – тенденции к декомпозиции, децентрализации. Эти настроения воплощаются в американской живописи all over, которая упраздняет компоновку кадра картины, превращая живопись в красочное поле или просто в окрашенную поверхность (Color Field, Hard Edge, Minimal Art).

Полицентричное состояние художественного пространства предполагает автономное существование сильной творческой личности, которая сама в состоянии утвердить свой индивидуальный стиль, метод, направление (напомним, что в 50-е годы еще работали крупнейшие мастера первого эшелона авангарда – А.Матисс, А.Дерен, Ж.Брак, П.Пикассо и др.).

Во второй половине 50-х появляется первая абстрактная скульптура, снабженная «электронным мозгом», – Cysp I Никола Шёффера. Александр Кальдер после «мобилей», имевших успех, создает свои «стабили». Возникает одно из обособленных направлений абстракционизма – оп-арт.

В то же время, почти одновременно в Англии и США, появляются первые коллажи, использующие этикетки массовых изделий, фотографии, репродукции и тому подобные предметы новой стилистики поп-арта. На этом фоне успех скромного экспрессиониста Бернара Бюффе представляется неожиданным. Его стилистика (определенность форм, уравновешенная композиция) коррелирует с такими явлениями, как Падение Икара Пикассо во дворце ЮНЕСКО, абстрактными полотнами Ф.Хундертвассера, монументальным стилем К.Клапека, монохромными конструкциями М.Е. Виеры-да-Сильвы.

Одна из первых попыток структурного анализа постклассического художественного творчества принадлежит Умберто Эко. Жестикуляционная живопись Дж. Поллока, по мнению Эко, оставляет зрителю полную свободу интерпретации. Сравнивая такую живопись с «мобилями», семантическими играми поэзии и музыкальными композициями конца 50-х, Эко пытается выявить общую для них структуру «свободного взрыва», в котором, как он считает, происходит «слияние элементов, подобное тому, которое использует традиционная поэзия в своих лучших проявлениях, когда звук и смысл, условное значение звука и эмоциональное содержание сливаются воедино. Этот сплав и есть то, что западная культура считает особенностью искусства: эстетическим фактом», пишет Эко (Eco U. L’Oeuvre ouverte. Paris, 1965. Цит. по: L’Aventure de l’art au XX-e siecle. Paris, 1988. Р. 597).

Искусство 60-х – это взрыв инноваций и окончательное признание музеями различных нетрадиционных явлений, появившихся в 50-е.

Знаменитая нью-йоркская школа живописи, ставшая в 50-х высшим авторитетом в своей области, началась с обращения к абстракции ее зачинателей: Дж. Поллока, М.Ротко, У.Кунинга. До второй половины 40-х американская живопись оставалась ничем не примечательной. Ее провинциальность и консерватизм не содержали в себе ничего специфического, кроме известной сдержанности, холодности и аскетизма. Позднее это наследие пуританизма нашло выход в стилистике абстрактного экспрессионизма.

Кроме названных, американская живопись 50-х представлена именами Б.Диллера, А.Рейнхардта, М.Тобей, Б.У.Томлина, К.Стила, Ф.Клина, А.Готлиба, Б.Ньюмена, Г.Хофмана, Дж. Алберса, Р.Кроуфорда. При отчетливом различии направлений и индивидуальных манер американская живопись 50-х демонстрирует ясность, определенность, однозначность, уверенность. Иногда – с некоторой избыточностью – принимающей агрессивный характер. Художники этого поколения знают, чего хотят, уверены в себе, жестко утверждают свое право на самовыражение.

В живописи 60-х от этого периода остается наименее агрессивная, статичная форма – минимализм. Основатель американской геометрической абстракции Барнет Ньюмен и в еще более очевидной форме А.Либерман, А.Хельд, К.Ноланд, так же как несколько раньше Б.Диллер, успешно развивают идеи неопластицизма и супрематизма.

Новое течение американской живописи, получившее название «хроматической» или «постживописной» абстракции, исходит из горизонта фовизма и постимпрессионизма. Жесткий стиль, подчеркнуто резкие очертания работ Э.Келли, Дж.Юнгермана, Ф.Стеллы постепенно уступают место живописи созерцательного меланхолического склада.

Стиль Элен Франкенталер, Мориса Луиса отличается мягкими контурами, тонкими цветовыми нюансами, неопределенными очертаниями. Геометрическая абстракция также переходит в регистр округлых форм (А.Либерман, А.Хельд).

Американская живопись 70-х возвращается к фигуративности. Считается, что 70-е – это момент истины для американской живописи, которая освобождается от питавшей ее европейской традиции и становится чисто американской. Происходящее выглядит так, если только считать, что абстракция чужда американскому «национальному духу». Показательно, что выступления против абстрактного искусства, по существу своему космополитического, принадлежащего мировой цивилизации, как правило, исходили и исходят от коллективистских идеологий, подавляющих личность.

С точки зрения продолжающейся трансформации стиля (от жесткого геометризма к биоморфизму) происходящие перемены следовало бы интерпретировать, наоборот, как отход от коренных пуританских добродетелей – аскетизма, решительности, твердости, определенности.

Считается, что американская живопись 70-х скорее «душевна», нежели «духовна». «Живопись семидесятых, – пишет Барбара Розе, – на самом деле не только более разнообразна, более гетерогенна и плюралистична, чем живопись шестидесятых, но она также значительно интимнее, поэтичнее и более личностна. Живопись вновь наполняется содержанием уникальным и субъективным» (Rose B. La peinture americaine le XX ciecle. Paris – Zurich, 1992. P. 126).

В живописи 80-х видят едва ли не полный «возврат к эстетике реалистического искусства». Однако, несмотря на возвращение традиционных форм, от портрета до исторической и жанровой живописи, ничто из появившегося в предыдущие десятилетия не исчезает. Преодолена не абстракция, но ее канонизация, запреты на фигуративное искусство, на «низкие» жанры, на социальные функции искусства.

При этом стиль абстрактной и абстрактно-фигуративной живописи приобретает отсутствовавшую прежде мягкость – обтекаемость объемов, размытость контуров, богатство полутонов, тонкие колористические оттенки (ср. работы Е.Мюррей, Г.Стефан, Л.Риверса, М.Морли, Л.Чезе, А.Бялоброда). Не исчезает полностью и жесткий стиль; он отходит на задний план и продолжает существовать в творчестве геометристов и художников-экспрессионистов старшего поколения (Х.Бухвальд, Д.Ашбауг, Дж. Гарет и др.).

Живопись как средство самовыражения не уступает музыке в воплощении «невыразимого», а при необходимости может быть более конкретной, чем слово. Обладая во всем объеме средствами рисунка и пластическими возможностями скульптуры, воссоздавая иллюзию пространства реального и фантастического, значительно превосходя скульптуру в возможностях манипуляции объемами, живопись обладает своим собственным уникальным средством – цветом.

Возможности цвета, раскрытые французскими импрессионистами, с выходом живописи в абстракцию были развернуты еще шире. Мнение о том, что живопись сегодня является анахронизмом, бытует потому, что наш век – это век музыки, а также потому, что, думая о живописи, представляют себе грунтованный холст, натянутый на подрамник, покрытый слоем краски и лака, – некий музейный экспонат. Но живопись – это процесс, мир открытых возможностей – остановленных мгновений, явления вожделенных образов, приключений, конфронтации, размышлений, освобождения от избыточности, восполнения недостаточности, это акт самоутверждения и прямая проекция интуиции, демонстрация мастерства и возможность открытий. Особенно хорошо это знают те, кому посчастливилось, войдя в мир абстрактной живописи, свободно реализовать эту возможность.

Виль Мириманов