Рассказ о любом композиторе

Великие русские композиторы

Мировая классическая музыка немыслима без работ русских композиторов. Россия всегда была в числе ведущих локомотивов мирового прогресса и искусства, в том числе музыки. Русская композиторская школа, продолжателем традиций которой стала советская и сегодняшняя российская школы, начиналась в 19 веке с композиторов, объединивших европейское музыкальное искусство с русскими народными мелодиями, связав воедино европейскую форму и русский дух.

М. И. Глинка (1804-1857 гг.)

Великий русский композитор, который сыграл огромную роль в развитии русской классической музыки. Обобщив достижения своих предшественников, он заложил основы национального музыкального стиля, открыл, подобно Пушкину в литературе, классический период в истории русской музыки. Творчество Глинки отразило передовые устремления времени. С вольнолюбивой поэзией Пушкина и декабристов его искусство сближают гуманизм, идеи патриотического служения народу.

Наибольшее значение имеют оперы Глинки, правдиво воссоздающие героику исторического прошлого, романтику национального эпоса. В тонкой лирике романсов раскрывается исполненный красоты мир чувств. Живописность и красочность свойственны его симфоническим произведениям. Открыв в народной песне неистощимый источник поэзии, Глинка сотворил подлинно демократическое национальное искусство.

Создание оперы «Иван Сусанин» (1836 г.) имело огромное значение для дальнейшего развития русской музыкальной культуры. Высокой творческой зрелостью отмечена вторая опера композитора — «Руслан и Людмила» (1842 г.). Образы народной поэтической фантазии, запечатленные в юношеской поэме Пушкина, воплотились в опере Глинки с подлинно эпическим размахом. В годы работы над «Русланом и Людмилой» были написаны также музыка к трагедии Н. В. Кукольника «Князь Холмский» (1840 г.) и многочисленные романсы.

А. П. Бородин (1833—1887 гг.)

Выдающийся композитор, видный ученый-химик, неутомимый научно-общественный деятель.

Его музыкальное наследие невелико, но разнообразно по содержанию. Интерес композитора к богатырям из русского героического эпоса отразился в опере и двух симфониях, впечатляющих мощью, силой, величавым размахом. Бородин создал неувядаемые образцы вокальной лирики. Его музыкальный стиль отмечен гармонической ясностью, тяготением к монументальности и классической завершенностью.

Щедрый мелодический дар композитора питался как русской народной песней, так и восточной музыкой. Исполнение Первой симфонии (1869 г.) принесло композитору общественное признание. Тогда же были задуманы два монументальных сочинения — опера «Князь Игорь» и Вторая симфония, которую критик В. В. Стасов впоследствии метко назвал «Богатырской» (завершена в 1876 г.).

М. П. Мусоргский (1839—1881 гг.)

Великий композитор-реалист, создатель яркого самобытного новаторского искусства. Его художественные взгляды сложились под воздействием революционно-демократических идей 1860-х гг. Музыкант видел свою цель в правдивом изображении жизни угнетенного народа, в обличении социальных уродств самодержавно-крепостнического строя. Эту цель он преследовал и при обращении к переломным периодам русской истории. «Прошедшее в настоящем — вот моя задача», — говорил Мусоргский. Он обладал даром исключительно глубокого и чуткого проникновения в психологию народа, позволившим ему создать галерею живых, неповторимо своеобразных национальных характеров.

Новизна замыслов заставляла Мусоргского искать оригинальные формы и средства музыкальной выразительности, обогатившие мировое искусство. Вершиной творчества композитора стала музыкальная драма «Борис Годунов» (1868—1872 гг.). Над операми «Хованщина» и «Сорочинская ярмарка» (по Гоголю) композитор работал до конца жизни. В 1870-х гг. были созданы также баллада «Забытый» на сюжет одноименной картины В. Верещагина, цикл «Песни и пляски смерти» на слова А. Голенищева-Кутузова и фортепианный цикл «Картинки с выставки» (1874 г.).

Н. А. Римский-Корсаков (1844—1908 гг.)

Выдающийся композитор, музыкально-общественный деятель и педагог; оставил огромное творческое наследие. Оно включает 15 опер, 3 симфонии, ряд оркестровых сочинений (среди них наиболее популярны симфоническая сюита «Шехерезада» 1888 г. и «Испанское каприччио» 1887 г.), многочисленные романсы и другие произведения.

Римскому-Корсакову принадлежат также два сборника русских народных песен, фундаментальный труд «Основы оркестровки», учебник гармонии, содержательная «Летопись моей музыкальной жизни», статьи и заметки по различным вопросам музыкального искусства. Скрупулезное изучение русской народной песни позволило композитору создать знаменитые оперы «Майская ночь» (по Гоголю, 1879 г.) и «Снегурочка» (по Островскому, 1881 г.), отразившие глубокую увлеченность Римского-Корсакова национальной сказочностью и языческой мифологией.

И. Ф. Стравинский (1882—1971 гг.)

— русский композитор, дирижер и пианист, ключевая фигура музыкального модернизма, один из крупнейших представителей мировой музыкальной культуры XX в. Гражданин Франции (1934 г.) и США (1945 г.). Ранние балеты — «Петрушка» (1911 г.), «Весна священная» (1913 г.) — связаны с русским фольклором, обрядностью. Творчество Стравинского при образно-стилистической многоплановости отличается целостностью и органической связью с традициями русской музыкальной культуры. Среди произведений этого композитора следует отметить оперы «Соловей» (1914 г.), «Мавра» (1922 г.), «Похождения повесы» (1951 г.), хореографическую кантату «Свадебка» (1923 г.), пантомиму с пением «Байка про лису, петуха, кота да барана» (1916 г.), балеты «Жар-птица» (1910 г.), «Орфей» (1947 г.), «Агон» (1957 г.), а также «Симфонию псалмов» (для хора и оркестра, 1930 г.).

Д. Д. Шостакович (1906—1975 гг.)

Один из крупнейших композиторов современности, выдающийся музыкально-общественный деятель, педагог. В его творчестве представлены все жанры музыкального искусства: опера и балет, симфония и концерт, инструментальный ансамбль и романс, песня и оратория, оперетта и музыка для кино и театральных постановок. Творениям Шостаковича свойственны высокая гражданственность, острота конфликтов, эмоциональная напряженность. Потрясающие, порой трагические противоречия современного мира, неутихающая борьба созидательных и разрушительных сил жизни, светлые гуманистические идеалы свободы и справедливости нашли в его лице талантливейшего толкователя.

Музыкальный стиль Шостаковича ярок и самобытен. Велико влияние на его творчество Мусоргского и Чайковского, а из зарубежных композиторов — Малера. Также огромную роль в творчестве играет творчески постигнутая русская народно-песенная традиция. Опера «Нос» (по Гоголю, 1927—1928 гг.), балеты «Золотой век» (1930 г.) и «Болт» (1931 г.), Вторая («Посвящение Октябрю», 1927 г.) и Третья («Первомайская», 1929 г.) симфонии, музыка для драматического театра и кино говорили о тяготении к злободневным темам и идеям, о стремлении к новизне музыкального языка. Наиболее крупные произведения — опера «Леди Макбет Мценского уезда» (1932 г.; во второй редакции — «Катерина Измайлова», 1956 г.), Концерт для фортепиано, трубы и струнного оркестра (1933 г.), Четвертая симфония (1936 г.).

П. И. Чайковский (1840—1893 гг.)

Великий композитор, чье имя символизирует целую эпоху в истории мировой музыкальной культуры. Его жизнь — образец непрерывного, настойчивого труда. Плодотворную работу композитора Чайковский сочетал с деятельностью педагога-воспитателя, критика-публициста, дирижера. Его творчество глубоко национально: он создал галерею замечательных образов русских людей, запечатлел картины родной природы, воспел славное героическое прошлое России. Чуткий реалист-психолог, Чайковский с огромной эмоциональной силой и жизненной правдой отразил духовный мир своих современников.

Основная идея его творчества — протест и страстная борьба против темных сил жизни, воздвигающих препятствия на пути человека к счастью. Программные симфонические произведения «Ромео и Джульетта» (1869 г.) и «Буря» (по Шекспиру, 1873 г.), а также «Франческа да Римини» (по Данте, 1876 г.) наметили ту трагическую линию, которая выявилась особенно ярко в последние годы жизни композитора. К 1878 г. Чайковский закончил Четвертую симфонию и оперу «Евгений Онегин» — гениальные произведения, которые ознаменовали расцвет его творчества и сыграли решающую роль в последующем развитии русской оперы и симфонии.

Поделиться ссылкой

Биографии композиторов

Удивительный дар великих композиторов складывать отдельные ноты в мелодии радует ценителей музыки. Известные композиторы должны обладать большим объемом знаний. В этом разделе представлены биографии композиторов всех времен.

Классические композиторы создали шедевры, которые будут жить вечно. Многие немецкие композиторы писали музыку романтического направления. Итальянские композиторы радуют утонченными серенадами, симфониями, кантатами. Русские композиторы, также как и украинские композиторы, стремились в музыке передать национальное мышление. Вообще творчество композитора отражает его мироощущение с помощью ритмичности, гармоничности. У нас собраны биографии композиторов не только классики. Представлены также истории современных композиторов.

Поиск композитора

Витас

Актёр, Композитор, Певец

Без работ этих великих русских композиторов невозможно представить себе мировую классическую музыку. Их произведения, а именно русская классика — неотъемлемая часть культурного достояния. О каждом из этих выдающихся композиторов можно говорить бесконечно. Мы постарались список известных композиторов России и дать по каждому из них краткую и полезную информацию. Узнать список произведений каждого композитора можно, кликнув по его ФИО. 

Дмитрий Дмитриевич Шостакович 

Дмитрий Шостакович родился 25 сентября 1906 года в Санкт-Петербурге в музыкальной семье. Часто по вечерам в их доме устраивались концерты, которые сыграли свою роль в развитии и становлении Шостаковича, как настоящего музыканта и личности. Первую работу-фортепианную пьесу, написал в 9 лет. В возрасте 13 лет поступает в Петербургскую консерваторию на класс фортепиано и композиции. Через 2 года, желая улучшить финансовое положение семьи, начинает работать музыкальным иллюстратором. Юноша великолепно импровизировал, сочинял музыкальные картины прямо на ходу. В 18 лет Дмитрий написал первую симфонию, которую в 1926 году исполнили на Ленинградской большой сцене. Уже через несколько лет она звучала в залах Германии и Америки. Так до Шостаковича пришел успех.

После окончания консерватории он не мог определиться, кем он хочет быть – исполнителем или автором. В свое время пытался совмещать, но до 30-х годов ХХ века выступал сольно. Шостакович исполнял листа, Баха, Шопена, Прокофьева, Чайковского. В 1927 году в Варшаве на Международном конкурсе им. Шопена ему вручили почетный диплом.

Через некоторое время он отказался от славы пианиста и начал искать свой стиль путем множества экспериментов. Дмитрий Шостакович пробовал себя в песнях, опере, музыке для театра и кино, балетах и фортепианных пьесах, а также симфонии.

В 1937 году он стал вести в Ленинградской консерватории класс композиции. Через 2 года Шостакович стал профессором. В годы Великой отечественной войны композитор остался в блокадном Ленинграде и работал над своей 7-й симфонией. Ее выполнили 29 марта 1942 года в Доме Союзов в Колонном зале. За симфонию ему вручили Сталинскую премию.

Композитор в 1943 году переезжает в Москву и вплоть до 1948 года занимается преподаванием в Московской консерватории. Отношения с советской властью у Шостаковича были непростые. Его то ставили под цензуру, то награждали своей благосклонностью. В 1957 году Шостаковича взяли на пост секретаря Союза композиторов СССР и Союза композиторов РСФСР.

Умер Дмитрий Шостакович 9 августа 1975 года в Москве.

Сергей Сергеевич Прокофьев

Прокофьев был очень острым в раннем своем творчестве. Он вспоминает в своей автобиографии, что писал что-то, чтобы поиздеваться над профессором. Он говорит так, а я сделал наоборот.

Ростропович рассказывает, что приходит он к Прокофьеву и тот говорит: «Слава, смотри, я написал такое место соль диез внизу, очень неудобная нота для трубы и труба будет повторять это место энное количество раз». Ростропович говорит: «Это очень неудобно, поменяй инструменты. А Прокофьев говорит: «Ну ты только представь — играют, играют и как только доходят до этого места, я представляю этого трубача, который краснеет. Ему надо это играть в очень низкую ноту чисто попасть … мучиться-мучиться! Представь, как красиво будет!»

Слава и известность пришли к нему быстро. Уже через 5 лет после первого концерта (в 1908г., на котором, кстати, один из музыкальных критиков скажет: «Этот, конечно, еще покажет себя миру»), Прокофьев отправился в тур по Европе. 

Прокофьев любил эпатаж. Он постоянно нарушал каноны, отстаивая свою творческую позицию. И когда в 1934 году Сергею Прокофьеву присвоили звание почетного члена музыкальной академии в Риме он, с присущим ему чувством юмора, сказал: «Когда-то опрокидывал основы, а теперь записан в академики».

Известный кинорежиссер Сергей Эйзенштейн, для фильмов которого Прокофьев написал музыку, как-то пошутил: «Когда Прокофьев сам танцует, он всегда оттаптывает дамам ноги. Он настолько привык к разложению ритма, что обыкновенный, нормальный человеческий ритм для него труден, у него ноги под это не ходят».

Кстати, всех, кто был лично знаком с Сергеем Прокофьевым, поражало разнообразие его интересов.

Например, он был очень хорошим шахматистом (имел первую категорию). «Шахматы — это музыка мысли»- любил повторять композитор. В 1914 году Прокофьев выиграл шахматную партию у Капабланки (который станет чемпионом мира по шахматам в 1921г.).

Также Сергей Прокофьев мог бы стать выдающимся писателем. Чтобы убедиться в этом, достаточно прочитать его «Автобиографию» или «Рассказы». А еще, в течение 26 лет, он вел подробный личный дневник.

Список увлечений Прокофьева можно было бы продолжить, но смыслом, содержанием и формой его жизни была музыка. «Считать его рабочим временем только то часы, которые он проводил непосредственно за инструментом или за письменным столом, было бы неверно. Что бы он ни делал в остальное время, мысли его беспрестанно возвращались к музыке. В такие моменты по лицу выражению глаз Сергея Сергеевича можно было заметить, что он как бы отключался от окружающего, а пальцы рук его, сидел ли он, отдыхал в кресле, разговаривал ли с друзьями, лежал ли больной в постели, часто двигались как бы по невидимой клавиатуре» ( из воспоминаний М. Мендельсон-Прокофьевой).

Его наследие — это 130 музыкальных произведений, которые охватывают почти всю палитру музыкальных жанров. К сокровищнице мировой музыки вошли такие шедевры, как оперы «Любовь к трем апельсинам», «Война и мир», балеты «Золушка» и «Ромео и Джульетта», симфонии №5,6,7,симфоническая сказка «Петя и Волк».

«Ромео и Джульетта»— мирового масштаба балет. Абсолютно уникален по своей образной сфере — прокофьевской. А с другой стороны есть такое произведение, «Здравица» называется. Оно написано на юбилей Сталина. Это его характер — надо так — я и так могу. Музыка супер профессиональная, очень качественно сделанная, изящная, только слова там о Сталине. Это тоже говорит о портрете композитора, когда он считает, что его профессионализм, его творческое видение — важнее всего. Вот как говорят гений и вор — вот это совпадает в личности Прокофьева на 100 процентов».

Ромен Роллан сказал, что гений не состоит в том, что он нового изобретет, а в том как он умеет синтезировать вещи, которые вокруг него. Прокофьев очень хорошо синтезировал замечательную лирику, он синтезировал ощущение XX века механического движения. Вместе с тем, что интересно, — у Прокофьева наивная детская лирика где-то моцартовского плана. В то же время за каждым разом синтезируется это все и получается неповторимое уникальное произведение.

Сергей Прокофьев создал свой звуковой мир. Поэтому его музыка легко узнается, даже с ранних опусов.

В искусствоведении, среди исследователей, уже сформировалось мнение о том, что истинно великий оригинальный художник обязательно влияет на процесс развития искусства. Бесспорно, что без Сергея Прокофьева мир искусства был бы иным, а значит, его творчество повлияло на развитие мировой музыки.

Игорь Федорович Стравинский

Игорь Фёдорович Стравинский — русский композитор. Гражданин Франции и США. Один из крупнейших представителей мировой музыкальной культуры XX века

Сергей Васильевич Рахманинов

Любопытный факт. Рахманинов жертвовал деньги на нужды Красной Армии в войне против нацистской Германии. Помимо денег, была добавлена записка такого содержания: «От одного из русских, который верит в полную победу русского народа против врага».

Александр Николаевич Скрябин

Александр Николаевич Скрябин родился 25 декабря 1971, а умер 14 апреля 1915 года в Москве — известный русский пианист, композитор, педагог. Его называют ярким представителем символизма в музыке. Скрябин обладал особым чувством цвето-музыкальной синестезии, что не могло не отразиться на его поздних произведениях. Немаловажную роль в музыке Скрябина играл мистицизм.

Николай Андреевич Римский-Корсаков 

Николай Андреевич Римский-Корсаков родился 6 марта 1844, умер 8 июня 1908 — известных русский композитор, дирижер, общественный деятель,  педагог и музыкальный критик. Состоял в «Могучей кучке». Среди его сочинений насчитывается около пятнадцати опер, три симфонии, множество инструментальных концертов, симфонических произведений, кантат. Особое внимание в своем творчестве уделял камерно — инструментальной, вокальной и духовой музыке.

Пётр Ильич Чайковский

Петр Ильич Чайковский (1840-1893 гг.) родился в г. Воткинске, где отец его был управителем завода. Мать Чайковского хорошо пела, и мальчик с раннего детства любил слушать ее пение.

Когда Пете пошел десятый год, его отвезли в Петербург в училище правоведения, по окончании которого он поступил на службу в Министерство юстиции. В 1862 г. Открытие консерватории в Петербурге натолкнуло Чайковского на решительный шаг: он поступил в консерваторию. Занятия у Чайковского проходили настолько успешно и так захватили его, что в 1863 г. он оставил службу и всецело отдался музыке.

Через три года после поступления в Петербургскую консерваторию Чайковский окончил ее и вскоре переехал в Москву, куда его пригласили для преподавания теоретических предметов в открывшейся там консерватории.

Чайковский преподавал в Московской консерватории одиннадцать лет, с некоторыми деятелями этого заведения он сдружился на всю жизнь. Ближайшим его другом был организатор и директор Московской консерватории Николай Григорьевич Рубинштейн — первый исполнитель большинства произведений Чайковского: пианино — как пианист и оркестровых — как дирижер.

Педагогический труд был обузой для Чайковского, потому что отвращал его от основной цели — Писания музыки. Все-таки за этот период Чайковский написал много различных произведений: три великие симфонии, увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» по сюжету Шекспира и «Франческа да Римини» по сюжету Данте, балет «Лебединое озеро», три квартета, 1-й фортепианный концерт и другие сочинения. Вершиной творчества этого периода являются два гениальных произведения, которые он начал в 1877 г.,-опера «Евгений Онегин» и 4-я симфония. Но труд над ними был прерван нервным заболеванием. Осенью этого же года брат Петра Ильича повез его за границу на лечение.

К педагогической работе Чайковский больше не возвращался и все время отдавал творческой деятельности.

До 1885 г. Чайковский находился в разъездах, нигде долго по останавливаясь. В основном его жизнь складывалась так: зиму он проводил за границей, лето-в основном в Украине в Каменке, у сестры А. И. Давыдовой, с которой его связывала глубокая любовь и дружба и семью которой он очень любил. Такой образ жизни, который позволил Чайковскому отдаться творчеству, стал возможным благодаря неожиданной материальной помощи, которую он получил от богатой меценатки Н. М. фон Мекк, которая безгранично любила музыку Чайковского. Узнав о состоянии здоровья Чайковского, она предложила ему ежегодную субсидию. Сохранившаяся переписка между ними дает богатый материал для изучения жизни и творчества композитора.

В период частых разъездов, в так называемый второй период своей деятельности, Чайковский закончил оперу «Евгений Онегин», 4-ю симфонию и написал целый ряд крупных произведений, среди которых следует отметить оперу «Мазепа» на сюжет поэмы Пушкина «Полтава», три симфонические сюиты, много фортепианных пьес и романсов.

В 1881 г. умер друг Чайковского — М. Г. Рубинштейн. Его памяти Чайковский посвятил свое единственное трио для скрипки, виолончели и фортепиано, дав заглавие ему «памяти великого артиста». Трио производит глубокое впечатление своим скорбно-драматическим содержанием.

Постепенно Чайковского начали тяготить его частые переезды, ему хотелось постоянно жить на родине, среди русских людей и родной природы. С 1885 г. Чайковский поселился в окрестностях г. Клина, вблизи Москвы, чтобы избежать шума и суеты большого города и в то же время, как он сам выражался, «быть на дороге между Москвой и Петербургом». Возможность пребывания среди природы, которую он очень любил, жизнь на селе особенно его привлекали.

Популярность Чайковского в эти годы быстро растет. Музыка его и в Российской империи, и за рубежом снискала признание и большую любовь. Чайковский сам начинает исполнять свои произведения как дирижер и пользуется неизменным успехом. С 1887 г. он вновь совершает ряд концертных поездок по России и за рубежом. Последние годы жизни Чайковский провел в Клину. В доме Чайковского после его смерти был открыт музей, в котором собраны ценные материалы о жизни и творчестве великого композитора.

Огромную работу по организации музея, сбору материалов о жизни и творчестве Чайковского проделал его брат — Модест Ильич. Литературно одаренный человек, большой друг Петра Ильича, он много помогал ему в написании либретто для его опер и написал первую подробную биографию Чайковского.

Последние годы жизни Чайковского были вершиной его творчества. В этот период он создал 5-ю и 6-ю симфонии, оперы «Пиковая дама» и «Иоланта» (либретто к обеим операм написал Модест Чайковский), балеты «Спящая Красавица» и «Щелкунчик», ряд романсов и фортепианных пьес.

Последним произведением Чайковского, его «лебединой песней» было 6, «Патетическая симфония», написанная им летом 1893 г. В октябре этого же года в Петербурге в симфоническом концерте под управлением Чайковского была впервые исполнена эта симфония.

25 октября 1893 г. после внезапной непродолжительной болезни П. И. Чайковский умер.

Модест Петрович Мусоргский

Мусоргский — великий композитор, который состоял в «Могучей кучке». Своим творчеством воспевал русскую историю, красоту традиций и культуры, национальную самобытность. 

Творчество Мусоргского является ярко национально-выраженной, что отразилось в гармоничных и мелодических особенностях его музыки, обращении к русскому фольклору и национальным сюжетам. В своих самых известных операх — «Борис Годунов» и «Хованщина», композитору удалось показать неизвестные ранее в истории музыки горизонты по глубине раскрытия образа простого народа.

Александр Порфирьевич Бородин

Отцом композитора был грузинский князь Лука Семенович Гединов (Giedwaniszwili), который влюбился в мещанку — Авдотию Антонову. Не было вопроса о браке и официальной регистрации ребенка. Согласно обычаю, мальчик (родился 12 ноября 1833 года в Санкт-Петербурге)  был записан сыном крепостного слуги князя — Порфирия Бородина. Александр обучался дома, под присмотром своей матери. Он был всесторонне талантливым: он свободно говорил на трех языках и добился больших результатов в точных науках. Он начал свое музыкальное образование в возрасте 8 лет, когда было замечено, что он может сыграть  мелодию военного марша на фортепиано . Он также научился играть на флейте , виолончели и скрипке, Когда ему было 9 лет, он сочинил свою первую пьесу под названием «Елена» , а затем написал фортепианный концерт и несколько камерных работ.
Маленький Бородин также интересовался органической химией, и муж матери — военный врач воодушевил его провести независимые эксперименты в этой области.

Когда Александру исполнилось 17 лет (1850), он поступил в престижную Медицинскую и хирургическую академию в Санкт-Петербурге.
Он изучал ботанику, зоологию, кристаллографию, анатомию и химию, и окончил в 1856 году с самым высоким отличием. Затем он начал работать лектором по химии, а также переводчиком научных книг. Вместе с группой студентов он отправился в Германию на четырехлетнюю стажировку, где у него была возможность встретиться с  Дмитрием Менделеевым. Там, в Гейдельберге, он встретил любовь к своей жизни — пианист Екатерина Протопопову, которая в 1863 году стала его женой. Именно она познакомила Бородина с музыкой Фридерика Шопена и Роберта Шумана и все время поддерживала его музыкальные амбиции.
Одновременно Бородин продолжил научную карьеру: в 1858 году получил степень доктора наук на основании диссертации «О подобии фосфорной и мышьяковой кислот в химическом и токсикологическом отношении». Он также занимался целебными свойствами минеральных вод из-за болезни его жены. В 1964 году он был назначен профессором химии в Медицинской академии. Там он преподавал и проводил исследования, плодом которых стала публикация около 40 научных работ по химической тематике.

Когда в 1862 году он встретил Милию Балакирева, Николая Римского-Корсакова, Цезаря Цуя и Модеста Мусоргского, его музыкальные интересы расцвели. Используя инструкции Балакирева, он начал сочинять более регулярно и стал частью группы композитора, называемой Большой пятеркой.
Используя инструкции Балакирева, он начал сочинять более регулярно и стал частью группы композитора, называемой Большой пятеркой. 

Однако он был так занят, что музыке он мог уделять только свое свободное время. Он называл себя „воскресным композитором”, занимающимся творческой работой между одним химическим экспериментом и другим. Музыку свою писал, впрочем, аналогично проведению научных экспериментов — с большим вниманием к деталям.

Самые известные произведения Бородина — три симфонии , два струнных квинтета и, прежде всего, опера Князь Игорь . Он начал сочинять ее в 1869 году и трудился 18 лет, но он не смог закончить работу. В 1887 году Римский-Корсаков помог ему организовать еще один его фрагмент —  половецкие танцы , которые с тех пор исполнялись как самостоятельная концертная песня. Только после смерти композитора работа была завершена Римским-Корсаковым и Глазуновым.

Композитор умер внезапно от сердечного приступа 27 февраля 1887 года, принимая участие в костюмированном балу профессоров Медицинской Академии в Санкт-Петербурге. Его жена умерла несколько месяцев спустя.

Бородин был любимым студентами преподавателем. Он занимательно вел лекции и у него всегда время для всех, кто хотел с ним поговорить.

Бородин горячо поддерживал борьбу за права женщин в области образования: используя свое научное положение и возможности, он способствовал созданию женской медицинской школы в Санкт-Петербурге.

Михаил Иванович Глинка

Михаил Иванович Глинка (20 мая [1 июня] 1804 — 3 [15] февраля 1857, Берлин) — русский композитор, основатель русской классической музыки.

Михаил Иванович Глинка родился в 1804 г. в Смоленской губернии. Детские и юношеские годы Глинка провел в имении своих родителей. Близкое знакомство с народной песней и крепостным оркестром оказали большое влияние на его дальнейшее развитие. Благодаря этому Глинка познакомился с оркестровыми инструментами, с разнообразными народными песнями в оркестровом звучании, а также с музыкой зарубежных композиторов.

С 11 лет Глинка обучался игре на фортепиано, он проявил большие способности и пылкую любовь к музыке. «Музыка-это душа моя», говорил он.

В 13 лет Глинку отвезли в Петербург, где он учился в благородном пансионе при Педагогическом институте. В благородном пансионе Глинка проучился 4 года, не прерывая занятий музыкой; он брал уроки фортепианной игры, немного занимался пением, изучал теорию музыки. В это время Глинка начал свои первые композиторские попытки и настолько удачно, что вскоре после окончания пансиона снискал славу талантливого пианиста — импровизатора и молодого композитора.

Во время дальнейшего пребывания в Петербурге Глинка сблизился с группой молодежи, среди которой были большие любители музыки. Он пишет целый ряд вокальных произведений, в частности романсы «Не искушай меня, умоляю», «Ой ты душенька, красна девица»,»Ой ты, ночь ты, ноченька» и др.

В 1830 г. Глинка уезжает за границу, где проводит почти 4 года, из них 3 года — в Италии. Он основательно изучает итальянскую оперу, особенно искусство bel canto (хорошего пения). За границей он написал немало произведений, которые были изданы в Италии. Потом Глинка почувствовал разочарование и неудовлетворенность своей творческой работой.

Портрет молодого Михаила Глинки

В 1834 г. он возвращается в Россию и начинает труд над своей первой крупной национальной оперой «Иван Сусанин». Глинку захватил драматизм сюжета и возможность широкого показа жизни и чувств своего народа. В основу музыки Глинка положил характерные черты русской крестьянской песни. Благодаря этому опера приобрела глубоко народный характер.

Опера «Иван Сусанин» была принята к постановке. В конце 1836 г. состоялось первое ее исполнение. Внешне успех оперы был довольно велик. По желанию царя Николая и опере было дано другое название — «Жизнь за царя». Однако музыка оперы осталась чужой и непонятной придворной, аристократической публике и вызвал уничижительную оценку — «кучерской музыки». Это объяснялось тем, что публика привыкла преимущественно к итальянской опере, а музыка Глинки, как глубоко Народная, не могла понравиться ей. Чуждым для этого рода публики было и содержание оперы, в которой впервые на сцене придворного театра были показаны народные образы.

После постановки «Ивана Сусанина» Глинка в течение ближайших нескольких лет осуществляет интенсивную деятельность как музыкант-педагог и как композитор. Педагогическую деятельность Глинка вел в Придворной певческой капелле, где в течение нескольких лет преподавал песнопения.

После оставления капеллы Глинка наряду с композиторской деятельностью продолжал педагогическую работу с певцами-любителями и профессионалами. В этой области он дал так много ценного, что его можно считать одним из основателей русской вокальной школы. Наряду с постановкой голоса много внимания уделял Глинка сознанию и выразительности исполнения.

Постепенно композитор отходит от придворного,светского общества и сближается с кругом литераторов, поэтов, художников, которые собирались у его друга — поэта Кукольника. В эти годы Глинка создает большинство своих лучших произведений: музыку к трагедии Кукольника «Князь Холмский», «Вальс-фантазию» для симфонического оркестра, большинство из своих лучших романсов, в частности романс «Я помню Миг чудесный», и оперу «Руслан и Людмила».

Сюжет поэмы Пушкина «Руслан и Людмила» привлек внимание Глинки еще в 1836 г. Глинка рассказал Пушкину о своем намерении использовать поэму для написания оперы. Великий поэт заинтересовался этим и хотел внести изменения в поэму, чтобы сделать либретто, но смерть помешала ему осуществить этот замысел.

В 1842 г. опера «Руслан и Людмила» была закончена, принята к постановке, и ровно через шесть лет после первой постановки «Ивана Сусанина» петербургская публика услышала новый, гениальное произведение Глинки. Однако удивительное обаяние этой оперы — ее новизна музыкального языка, глубокая народность, богатство мелодии и оркестровых красок — все это осталось совершенно непонятным для большинства тогдашней публики.

Глинка воспринял неудачу очень болезненно. Он начинает думать об отъезде за границу. Осуществить ему это удалось в 1844 г. Почти год прожил Глинка в Париже, где впервые исполнялись в симфонических концертах отрывки из его опер. Потом два года он пробыл в Испании, куда его привлекла богатая и своеобразная испанская народная музыка. Уже в Испании Глинка создал одну из своих замечательных испанских увертюр на народные танцевальные темы — «Арагонскую хоту».

В 1848 г. Глинка вернулся на родину, но следующие десять лет он провел в постоянных переездах. Нигде он не находил себе покоя, все время чувствовал неудовлетворенность и гнет суровой тогдашней российской действительности. Полнейшее непонимание и непризнание публикой его музыки, отсутствие поддержки его высокой творческой задачи — создание национальной русской музыки — все это подавляло Глинку и вызывало упадок сил и энергии. За этот период Глинка написал испанские увертюры «ночь в Мадриде» и симфоническую фантазию на две русские темы «Камаринская».

В последние годы жизни Глинка сблизился с группой молодых музыкантов, среди которых большую роль начали играть Балакирев. Общение с молодыми, полными энтузиазма музыкантами, воодушевленными идеей развития своего национального музыкального искусства, вселяло Глинке веру в будущее российской музыки. В лице молодого Балакирева Глинка видел своего преемника и продолжателя.

В 1856 г. Глинка снова уехал в Берлин, где и умер в 1857 г. Прах Глинки был перевезен в Петербург.

Антон Степанович Аренский

Если бы музыкантам и поклонникам музыки конца прошлого и начала текущего века сказали бы, что творчество Аренского будет мало кто знать, то они бы в это не поверили. Оперы, камерная и симфоническая музыка, произведения для фортепиано и романсы, которые создал этот великий композитор ставились в лучших театрах, их исполняли великие артисты. Публика и критика хорошо принимала музыку Аренского, которые постоянно были на слуху.

Свое начальное музыкальное образование он получил еще в лоне семьи. Его отец очень любил музыку, хотя был врачом, а мать была хорошей пианисткой. Аренский продолжил свое музыкальное образование в Петербурге, в 1882 году он закончил класс композиции в консерватории. Он уже тогда проявлял свой яркий талант, хотя занимался и неровно, но обучение закончил с золотой медалью. После молодого музыканта пригласили преподавать в Московской консерватории теоретические предметы, а затем и композицию.

Аренский в Москве сблизился с Танеевым и Чайковский, который определил направление его музыкального творчества.Именно по просьбе Танеева, Чайковский передал Аренскому либретто из его уничтоженной оперы «Воевода». Композитор на его основе создал оперу «Сон на Волге», которая была поставлена в московском Большом театре в 1890 году. Оперу хорошо приняли и даже Чайковский называл ее лучшей, превосходной русской оперой. Еще одна знаменитая опера «Рафаэль» заставляла восхищаться как коллег — музыкантов, так и широкую публику. 

Кроме создания музыки, Аренский в Москве продолжал работу в консерватории, создавал учебники, по которым обучались многие знаменитые музыканты. В его классе обучались Скрябин, Глиэр, Корещенко, Рахманинов и Конюс.

Вскоре, благодаря рекомендациям Балакирева, Аренский был приглашен на пост управляющего Придворной певческой капеллой в Петербурге. Эта была почетная должность. За шесть лет он создает мало музыкальных произведений. Активно сочинять он начинает лишь в 1901 году, когда вновь начал выступать на концертах и освободился от службы. Однако, вскоре он заболевает туберкулезом, от которого вскоре и умирает. 

Исполняли музыку Аренского многие известные певцы того времени, среди которых был и Шаляпин — он пел балладу «Волки», «Детские песни»,  «Менестреля».

Лядов Анатолий Константинович

Анатолий Константинович Лядов (1855-1914) — известный русский композитор, педагог, дирижер и преподаватель консерватории в Санкт — Петербурге. Участвовал в Беляевском кружке. Считается мастером фортепианной и симфонической миниатюры. 

Известный фольклорист — составитель сборников русских народных песен, а также симфонических картин «Баба-Яга» и «Кикимора». 

Милий Алексеевич Балакирев

Милий Алексеевич Балакирев,  родился (21 декабря). 2 января 1837 в Нижнем Новгороде,  умер (16 мая) 29 мая 1910 в Санкт Петербурге. Балакирев —  русский композитор, пианист, дирижер и музыкальный деятель. Учился в Казанском университете В области музыки он был самоучкой, он никогда не заканчивал музыкальную школу. Вместе с Бородиным Римским-Корсаковым Мусоргским и Кюи он принадлежал к группе русских композиторов ХIХ века. (Так называемой «Могучей Кучке вдохновленные народной музыкой. Несмотря на не очень богатые достижения, он был руководителем программы этой группы. Балакирев был блестящий пианист и создатель композиций для фортепиано, а также большой любитель и пропагандист музыки Фредерика Шопена .

Музыкальное воспитание идет рука об руку с нравственным воспитанием ребенка. В возрасте 5-6 лет дошкольники уже могут отличать не только мелодии, звуки, но и музыку разных композиторов. Для детей знакомство с творчеством и жизнью известных музыкантов может стать настоящим открытием.

Детям – детская музыка

Во все времена композиторы придавали особое значение детской музыке. Она навевает воспоминания, связанные с самой прекрасной порой. Музыка с детства окружает нас. Она звучит дома, на праздниках, в садах, школах, в транспорте.

Очень важно, что именно слушают дети. Психологи и педагоги делают акцент на том, что прививать эстетическую культуру нужно начиная с дошкольного возраста. Давно доказано, что хорошая детская музыка развивает творческие и умственные способности ребенка. Детские произведения способствуют становлению личности ребенка и выбору профессии.

Детская музыка – это музыка с конкретными образами, с поэтичным и живым содержанием. У нее простые и четкие формы. В основе произведений лежат народные сказки, мир животных, картины природы, сюжеты из детской жизни.

Что нужно знать о музыке и великих композиторах?

Древние греки верили, что музыка дарована им богами. Ее ритм и мелодия с давних времен оказывают сильное влияние на эмоциональное состояние человека. Под нее получается лучше и быстрее выполнять работу, концентрироваться, успокаиваться, фантазировать, веселиться, мечтать. Музыка способна даже лечить некоторые болезни. Когда человек слушает лирическую композицию, его душа открывается навстречу прекрасному. Говорит его сердце, а не разум.

Любая музыка состоит из звуков, чередующихся с тишиной. Воспроизводятся они с помощью разных музыкальных инструментов. Чтобы записывать музыку, придумали ноты. Люди, которые ее пишут, называются композиторами. Это одаренные люди, способные объединять звуки в музыку, ласкающую слух.

Есть среди них особые, великие композиторы. Так называют композиторов с особым слухом и чувствительностью к тону и мелодии. Они смогли составить композиции, которые откликаются в сердцах людей разных поколений и народностей. В основном это классические произведения. Созданные много десятков, а то и сотен лет назад, они продолжают волновать людей и сегодня. Можно сказать, что классическая музыка вечная.

Русские композиторы для детей

Россия – великая страна с богатым культурным наследием и талантливым народом. Русская композиторская школа началась в 19 веке с композиторов, которые смогли объединить европейское музыкальное искусство и русский дух. Русские композиторы стремились передать в своей музыке национальное мышление. В том числе они уделили много внимания детской музыке.

Петр Чайковский

Петр Ильич Чайковский – один из немногих русских композиторов, завоевавший небывалую всемирную славу. Его произведения «Щелкунчик» и «Лебединое озеро» знает каждый. Считается, что Чайковский раскрыл в музыке внутренний мир человека – лирическую задушевность и глубочайшую трагедию.

Детская тема проходит линией через все его творчество. В его работах есть педагогический репертуар. Он первый русский композитор, создавший для детей альбом фортепианных пьес. Это было не сложно, потому как Петр Чайковский любил и понимал детей.

Он написал много колыбельных, а в сборнике «Детский альбом» из 24 пьес отразил всю жизнь ребенка. Здесь истории о куклах, картины русской жизни и даже миниатюры, повествующие о дальних странах.

Примечательно то, что в семье композитора не было профессиональных музыкантов. Но все члены семьи очень любили музыку и часто ее слушали. Отец играл на флейте, а мать – на фортепиано и арфе. В 5 лет юный Чайковский уже освоил игру на фортепиано, а 8 лет научился превосходно играть по нотам.

Краткая биография:

• Годы жизни: 07.05 (25.04).1840–06.11(25.10)1893.
• Место рождения: г. Воткинск Вятской губернии (Удмуртская Республика).
• 1849 – переехал в Алапаевск, а затем в Санкт-Петербург.
• 1850-1859 – учеба в училище Правоведения.
• 1859-1863 – служба в Министерстве юстиции.
• 1862-1866 – обучение в Петербургской консерватории.
• 1866 – профессор Московской консерватории, написание Первой симфонии «Зимние грезы».
• 1878-1890 – оставил преподавание, написал величайшие произведения «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Щелкунчик», «Детский альбом» и многие другие.
• 1885 – избран директором Российского музыкального общества.
• 1893 – почетный доктор Кембриджского университета.

Николай Римский-Корсаков

Николай Андреевич Римский-Корсаков – талантливейший русский композитор. Его музыка пропитана любовью к родным краям, поэтому его часто называют «народным» автором. Он писал преимущественно оперы и особенно любил работать с сюжетами детских сказок. Римский-Корсаков – основоположник жанра опера-сказка.

Композитор начал музицировать очень рано – с 4 лет. Но долгое время его музыкальный талант пропадал. В детстве он больше любил читать книги. Серьезно развиваться в направлении музыки начал после знакомства с Балакиревым в возрасте 17 лет.

Самые значимые и интересные произведения для детей – это «Садко», «Снегурочка», «Сказка о царе Салтане». Некоторые части последнего скоро начали исполнять отдельно. В частности, «Полет шмеля», мелодию белки и увертюру «Три чуда».

Биография кратко:

• Годы жизни: 18.03.1844-21.06.1908.
• Место рождения: г. Тихвин Новгородской губернии.
• 1856 – поступление в Морской корпус в Петербурге, параллельно занимался музыкой.
• 1861 – знакомство с М. А. Балакиревым и его кружком.
• 1862-1865 – кругосветное путешествие.
• 1865 – служба во флоте, музыкальное образование под руководством Балакирева, написание Первой симфонии.
• 1865-1871 – написание крупных сочинений и романсов.
• 1871 – профессор свободного сочинения и инструментовки в Петербургской консерватории.
• 1873 – оставил службу во флоте и стал инспектором военных оркестров флота.
• 1872-1896 – написание опер «Псковитянка», «Садко», «Снегурочка» и других.

Советские композиторы – детям

Музыкальные композиции советского времени повествуют о пионерском лагере, дружбе всех детей мира, школе, и, конечно же, о подвигах героев. В музыке оживает волшебный мир сказки. Она представлена разными музыкальными жанрами: опера, балет, пьеса, мюзикл, кантаты и др.

Особый жанр, появившийся в то время – пионерская песня. Кроме того, советские композиторы отличились тем, что подняли на большую высоту музыку, которая помогает обучиться игре на фортепиано.

Прослушивая и играя музыку детских советских композиторов, дети ближе знакомятся с жизнью своих ровесников в братских республиках. Талантливые авторы:

• Украинские композиторы: В. Косенко, Н. Сильванский, И. Беркович, А. Филиппенко.
• Латышские: А. Жилинскас, М. Заринь.
• Эстонские: Э. Тамберг, Б. Кырвер, А. Гаршнек, Эуген Капп.
• Литовские: Б. Дварионас, В. Баркаускас.
• Грузинские: А. Баланчивадзе, М. Парцхаладзе.
• Башкирские: С. Шагиахметова.
• Армянские: Л. Спендиаров.

Большой популярностью у советских детей пользовались произведения С. Прокофьева и Д. Кабалевского. Предлагаем познакомиться с композиторами поближе.

Сергей Прокофьев

Сергей Сергеевич Прокофьев жил и писал музыку в 1891-1953 годах. Он один из самых значимых музыкантов 20 века. С. Прокофьев не только композитор, но еще талантливый дирижер, пианист, народный артист РСФСР, лауреат всевозможных премий.

Самую первую пьесу он сочинил еще в 5 лет. Это был «Индийский галоп». Любовь к музыке мальчику привила мать. Она была пианисткой и обучила своего сына. Очень скоро свет увидели многочисленные произведения для детей и взрослых. Творчество композитора многогранно. Его музыка удивляет богатством образов.

Дети всего мира полюбили симфоническую сказку С. Прокофьева «Петя и Волк». А учащиеся выделили сборник пьес «Детская музыка». Особенно нравится детям таинственная и задумчивая «Сказочка» и веселый «Марш».

Краткая биография:

• Годы жизни: 11(23).04.1891-05.03.1953.
• Место рождения: село Сонцовка Екатеринославской губернии.
• 1904-1917 – обучение композиции и фортепиано в консерватории Санкт-Петербурга.
• 1918-1932 – жизнь в Америке и гастроли по всему миру.
• 1923 – первая женитьба, рождение 2 сыновей.
• С 1936 – переезд в Москву, работа преподавателем в Московской консерватории.
• 1944-1947 – получил звания заслуженного деятеля искусств и народного артиста РСФСР.
• С 1948 – подвергался критике, продолжал свою деятельность на даче, заключил второй брак.

Дмитрий Кабалевский

Дмитрий Борисович Кабалевский – композитор, дирижер, пианист, педагог, народный артист и герой труда. Он один из самых деятельных и разносторонних композиторов, писавших музыку в советское время.

Дмитрий Кабалевский работал во многих жанрах, но больше всего известен композициями советской тематики. Его музыка отличается хорошим вкусом, национальным колоритом, высоким мастерством.

Самое любимое сочинение у детей и подростков – триада инструментальных концертов. В частности, это фортепианный концерт на тему песни «То березка, то рябина». Также посвящены детям произведения «Семь веселых песен», «Четыре песни-шутки», «Песня утра, весны и мира».

Биография кратко:

• Годы жизни: 30.12.1904-14.02.1987.
• Место рождения: г. Санкт-Петербург.
• 1918 – переезд в Москву.
• 1925-1930 – обучение в Московской консерватории.
• С 1922 – работа в музыкальном техникуме Скрябина.
• 1927 – написал первые произведения.
• С 1932 – работа в Московской консерватории.
• С 1939 – профессор Московской консерватории.
• 1940-1946 – главный редактор журнала «Советская музыка».
• С 1959 – профессор консерватории в Мехико.
• С1962 и до конца дней возглавлял комиссию по эстетическому воспитанию детей и юношества
• 1973-1983 – организовал Лабораторию музыкального образования и стал ее руководителем.

Детям о современных композиторах

Песни этих композиторов звучат на всех утренниках и детских праздниках, на телепередачах и в развлекательных центрах. Но имена современных композиторов не так известны, как имена классиков. Очень часто труды оценивают по достоинству только после смерти исполнителя, а иногда после многих лет забвения. Это несправедливо. Детям нужно рассказывать не только о великих композиторах прошлого времени, но и о талантах, пишущих музыку в наши дни.

Александр Ермолов

Александр Владимирович Ермолов – современный композитор, аранжировщик, постоянный член жюри детских фестивалей и конкурсов, основатель и руководитель международного конкурса-фестиваля «Мы вместе». Написал множество детских песен. Именно песне автор уделяет больше всего внимания. Но есть у него и серьезные академические произведения.

Песни композитора адресованы детям разных возрастов – малышам, школьникам. Самую большую популярность завоевали задорные песенки для детей дошкольного возраста «Паровоз Букашка», «Новогодняя считалочка», «Светит солнышко для всех» и трогательные «Мама», «Детский садик». Первым исполнителем песен стала Театр-студия «Ладушки» – земляки Александра Ермолова.

Краткая биография:

• Годы жизни: с 26.11.1977 по сей день.
• Место рождения: Московская область, Одинцово.
• 1992-1996 – класс фортепиано в Зареченской детской музыкальной школе.
• 1996-2001 – факультет композиции Московской Государственной консерватории им. П. И. Чайковского
• С 2007 года – член Союза Композиторов России.
• К 2014 году – более 470 песен, детская сказка-мюзикл «Волк и семеро козлят» на новый лад и другие произведения.

Произведения композиторов для детей

Музыка великих композиторов вдохновляет поэтов сочинять на нее стихи. Так на свет появляются замечательные детские песни. В некоторых произведениях слова лишние. Предлагаем послушать несколько ярких композиций, рассмотренных нами авторов:

• А. Ермолов «Светит солнышко для всех»:

• Н. Римский-Корсаков. Ария Снегурочки (С подружками по ягоду ходить):

• С. Прокофьев «Петя и Волк» (тема деда):

• Д. Кабалевский «Про Петю», слова песни Агнии Барто:

• П. Чайковский новогодняя музыка «Щелкунчик»:

Рассказывать детям про музыкантов нужно постепенно, рассматривая одного композитора в день, а лучше в неделю или месяц. Рассказ должен включать интересную информацию о детстве композитора, о том, как, и когда у него проявился талант. Чайковский, начавший сочинять музыку в 5-6 лет, будет примером для ребенка и вселит веру в то, что он тоже может стать талантливым человеком. Важно показывать портреты прославленных исполнителей, учиться вслушиваться в произведения, а после прослушивания делиться впечатлениями, и пробовать музицировать самим.

А знаете ли вы, что некоторые композиторы умели исполнять свои произведения на одной струне или вообще носом? Мировая музыкальная культура – это не обязательно унылое заучивание гамм или зубодробительное сольфеджио, сложное, как сопромат.

Хотите заинтересовать ребёнка великими музыкальными произведениями прошлого? Расскажите ему эти любопытные факты. Ребёнок запомнит их легко и с удовольствием, а при случае блеснёт эрудицией в школе или среди друзей.

А для тех, кто захочет узнать больше о мире классической и современной музыки, ближе познакомиться с выдающимися композиторами и музыкантами, мы составили подборку из девяти увлекательных книг о музыке для детей.

Иоганн Себастьян Бах: «Просто нажимайте пальцами на клавиши!» (17-18 век)

Иоганн Себастьян Бах – немецкий композитор и органист, одна из запредельных вершин мировой классической музыки. Интересоваться нотами он начал с раннего детства, украдкой, при лунном свете переписывая их из старого нотного сборника. Старший брат, увидев это, ноты забрал. Он считал, что мир искусства детям недоступен и что юный Иоганн просто испортит старинную книгу. В ответ будущий музыкант рассердился и обещал написать свои произведения, ещё лучше тех, что были в сборнике. И своё слово он сдержал!

Как-то раз один слушатель, поражённый мастерством Баха, спросил, как бы и ему побыстрее выучиться играть? Что мог ответить на такой вопрос мастер, проводивший за инструментом целые дни, а иногда и ночи? Усмехнувшись, Бах заверил слушателя, что исполнению музыки можно вообще не учиться – достаточно просто в правильном темпе нажимать пальцами на нужные клавиши. Как думаете, помог ли этот совет начинающему музыканту? J

Бах вообще очень любил шутить. Его любимым розыгрышем было переодевание в бедного школьного учителя. В этом наряде великий музыкант приходил в какую-нибудь маленькую церковь, садился за орган и начинал исполнять свои великолепные произведения. Это было настолько мощно, что прихожане испуганно выбегали из церкви, не понимая, как простой человек может так играть!

Своих детей Бах тоже с малых лет приучал к музыке, считая, что культура ребёнка воспитывается ежедневными музыкальными упражнениями. Перед сном сыновья играли ему на клавесине, но эти экзерсисы они терпеть не могли и, как только раздавался храп отца, убегали из-за инструмента, не закончив музыкальную фразу. Прерванная мелодия будила Баха, он тут же вскакивал с кровати и доигрывал недостающие аккорды. После чего возвращался в постель и моментально засыпал.

Бах «в цифрах»:

• Бах – фамилия, которую навсегда запомнит мир! В Германии даже шутили: «Каждый Бах – музыкант, каждый музыкант – Бах». Во многих странах Европы прекрасно знали династию Бахов.

• Более 50 родственников-музыкантов в нескольких поколениях (из них несколько композиторов).
• Все сыновья Иоганна Себастьяна Баха были прекрасными исполнителями, а двое из них добились признания как сочинители музыки.

• 1 раз Баху надо было услышать музыкальное произведение, чтобы в точности его воспроизвести. Вот таким уникальным слухом он обладал!
• Всего 1 кантата была опубликована при жизни композитора.
• 3 – орган, клавесин, скрипка – минимальное число инструментов, на которых умел играть Бах. По свидетельствам некоторых исследователей великий композитор мог сочинять музыку на всех клавишных инструментах своего времени. А ещё он мог исполнять сложные произведения при помощи одних только ног, нажимая исключительно на педали органа и не задействуя клавиши!
• 0 – говорят, именно столько денег брал Бах с учеников за свои виртуозные уроки. У него была большая семья, которую надо было кормить, но он всё равно предпочитал учить одарённых юношей даром.

Вольфганг Амадей Моцарт: как оставить всех с носом? (18 век)

Вольфганг Амадей Моцарт в представлении не нуждается! Говорим «великий композитор» – подразумеваем «Моцарт». С этим светлым, жизнерадостным, бесконечно одарённым человеком было связано много забавных случаев. О чудо-мальчике, а потом признанном всеми гении, всегда говорили с любовью и восхищением… Свой первый концерт для клавира он придумал и исполнил всего в 4 года!

А однажды юный Вольфганг написал пьесу для клавесина, которую не смог сыграть даже его знаменитый учитель Гайдн. Секрет этой пьесы был в том, чтобы брать руками сложные аккорды в разных концах клавиатуры и в тот же момент нажимать несколько нот посередине. Как это удавалось самому Моцарту? Он просто играл ноты посередине… носом!

Юный гений мог исполнять свои пьесы даже с завязанными глазами или накрытой платком клавиатурой. Все эти трюки он не раз успешно показывал на своих концертах. Но во время одного выступления сцену выбежала… кошка! Маленький музыкант тут же принялся играть с животным, а на все призывы отца вернуться за инструмент отвечал, что клавесин-то никуда не денется, а вот кошка может убежать.

Моцарт очень любил поспать, и разбудить его можно было только одним способом –

сыграть какой-нибудь аккорд. Музыкант сразу же просыпался, садился за инструмент и продолжал музыкальную тему.

Однажды юный музыкант спросил Моцарта, как написать симфонию. Моцарт, видя его молодость, посоветовал начать с чего-нибудь попроще. На что юный музыкант возразил:

– Ведь вы же начали писать симфонии, когда вам не исполнилось ещё и десяти!

– Но ведь я ни у кого и не спрашивал, как их писать!

Никколо Паганини: на честном слове и на одной струне! (18–19 век)

Никколо Паганини –  великий итальянский скрипач-виртуоз, которые давал свои первые концерты уже в 12 лет! Он с детства очень любил скрипку и часто подтрунивал над теми, кто эту любовь не разделяет.

Однажды Никколо Паганини опаздывал на концерт и решил нанять экипаж. Каково же было его удивление, когда извозчик вместо привычной платы за проезд попросил сумму, в десять раз большую, да ещё и съязвил: «Ведь вы же берёте с нас по 10 франков за то, чтобы посмотреть, как вы играете на одной струне?» А ведь скрипач действительно виртуозно владел смычком и мог исполнить пьесу на одной только струне – соль. Но обидные слова извозчика не огорчили Паганини, и он легко согласился заплатить десять франков – но только если извозчик довезёт его до театра на одном колесе!

Паганини любил подшутить над людьми, желающими бесплатно послушать его концерты. Если музыканта приглашали в гости, то всегда просили захватить с собой его чудесную скрипку. На что Паганини неизменно отвечал, что его скрипка не любит выходить из дома.

Отношение к инструменту у композитора было самое трепетное. Паганини был обладателем ценнейшей коллекции скрипок, на которых он не разрешал играть другим музыкантам. Однажды к маэстро обратилась восторженная поклонница и сказала, что хочет всегда быть с ним рядом. «Тогда вам придётся стать скрипкой Страдивари», – заметил композитор.

Пётр Ильич Чайковский: несостоявшийся юрист (19 век)

Музыкой Пётр Ильич Чайковский интересовался с детства – ещё в пятилетнем возрасте его привлекали звуки органа. Из-за сильной впечатлительности услышанная музыка продолжала играть у него в голове даже ночью! Нервная, ранимая натура композитора сказывалась даже во взрослом возрасте, когда к нему пришли слава и успех. Ученики вспоминали, что, дирижируя оркестром, маэстро всегда держался за бороду. Сам Чайковский смущённо замечал, что из-за сильного волнения ему казалось, что борода может отвалиться.

А вы знали, что? 

• Благодаря Чайковскому русская музыкальная культура обогатилась на 104 романса, 10 опер, 7 симфоний и 3 балета?
• А ведь профессионально учиться музыке великий русский композитор начал довольно поздно: он только в 21 год поступил в консерваторию, и преподаватели долгое время не видели в нём таланта, да и сам гений считал себя неважным пианистом.
• А вообще сначала Пётр Ильич Чайковский собирался стать юристом. До Петербургской консерватории он окончил училище правоведения и даже служил в Министерстве юстиции. О новом выборе Чайковского его семья отозвалась очень резко: «Какой позор! Променял юриспруденцию на дудку!»
• Чайковский не пришёл на выпускной концерт, премьера его дипломной кантаты состоялась без автора, поэтому звание «свободного художника» и диплом об окончании консерватории композитор смог получить только ещё через 5 лет.
• Первая постановка «Лебединого озера» провалилась, и только после смерти маэстро этот балет стал одним из самых популярных в мире.

Михаил Глинка (19 век)

Михаила Ивановича Глинку называют «отцом» русской классической музыки. Он первый использовал в классике народный фольклор. А началось все благодаря одному случаю, который произошел во время его очередной поездки в Швейцарию.

Узнав о приезде знаменитого композитора, многие соотечественники пытались попасть к нему, чтобы выразить свой восторг его творчеством. Глинка этого очень не любил. Он просил слугу сообщать таким посетителям, что его нет дома.

Однажды в двери постучал молодой человек, который желал видеть композитора. Слуга ответил, что Михаил Иванович на прогулке. Гость ушел, негромко насвистывая мелодию. Вдруг сам Глинка быстро вышел из кабинета и попросил своего слугу вернуть этого посетителя.

Молодой человек вернулся. Встретив его в прихожей, хозяин извинился и пригласил гостя отобедать с ним.

Посетитель с превеликим удовольствием принял приглашение. Во время трапезы хозяин спросил:

— Любезный, что за мелодию вы напевали, уходя со двора?

— По-моему, я не напевал…

— Что вы! Я отчетливо слышал какую-то сбивчивую мелодию, мотив которой не могу уловить.

Посетитель стал вспоминать, что же такое он напевал… Вскоре он вспомнил, что именно он насвистывал.

— Эта? – спросил он у Глинки.

— Да, да, именно она! — обрадовался композитор и быстро записал ноты.

Это была «Камаринская», которую позже Михаил Иванович включил в одно из своих произведений.

Другой казус произошел во время постановки его второй оперы «Руслан и Людмила». Одна из певиц имела необычный тембр голоса, но он звучал совершенно невыразительно. Глинка долго пытался добиться соответствующего исполнения партии. Все его старания никак не давали нужного эффекта. И вдруг во время пения определенного отрывка в нужном месте Михаил Иванович больно ущипнул исполнительницу. Та громко вскрикнула. А композитор радостно воскликнул: «Вот! Это именно то, что нужно! Душечка, теперь ты поняла, что этой фразе необходимо придать четкость и выразительность! Пойте именно так! Иначе снова придется повторить секретный метод».

Следует отметить, что в отличие от его первой оперы, которая прошла с колоссальным успехом, публика не сразу оценила второе его масштабное произведение — «Руслан и Людмила». Так, царь Николай I не досмотрел ее и вышел из зала после четвертого акта.

Но, несмотря на такое неприятие, только в первый сезон постановки оперы ее давали более 30 раз в Петербурге и 32 раза в столице Франции.

Сергей Прокофьев (19-20 век)

Творчество Сергея Сергеевича Прокофьева стало новаторством в самом начале XX века. Он подарил миру море невероятной, неповторимой музыки. Выдающийся пианист, дирижер, композитор творил во всех перечисленных жанрах. Каждая его работа отличалась непревзойденностью и совершенством.

За своенравность, новизну и жизнелюбие его назвали «солнечным» композитором.

У него был рукотворный альбом, в котором его друзья — известные музыканты, литераторы, художники — отвечали на вопрос о том, что они думают о Солнце. Один из них, пианист А. Рубинштейн, написал, что сравнивает Солнце с некоторыми знакомыми личностями. Он привел пример, вспомнив о том, что один из французских королей (Людовик XIV) однажды воскликнул: «Государство — это я!». И продолжил, что именно Прокофьев может смело перефразировать это выражение, сказав: «Солнце — это я!».

Позже искрометное творчество Сергея Сергеевича было по достоинству оценено правительством. Заслуженные награды часто находили своего лауреата. Однажды, в послевоенные годы (1945 г.) произошла одна забавная история.

С. С. Прокофьев был представлен к награде английским правительством. В зале собрались важные гости и журналисты. «Золотую королевскую медаль» должен был вручать Сергею Сергеевичу сам посол Англии. Он произнес длинную, проникновенную речь и… понял, что медали нет! Посол замешкался, а Прокофьев стоял совсем растерянный. Никто не мог понять, что происходит. Композитор уже совсем собрался уходить со сцены… И тут англичанин быстро вложил в его руку свои золотые часы и шепотом произнес, что медаль будет немного позже.

После церемонии начался концерт, посвященный творчеству Сергея Сергеевича Прокофьева. По окончанию посол отдал композитору коробочку, в которой лежала награда, и тихо попросил вернуть часы, которые ему очень дороги как подарок. На что Прокофьев серьезно ответил, что ему эти часы также дороги как подарок. Англичанин совсем растерялся и тихо проговорил:

— Но, мы же так не договаривались…

На что Сергей Сергеевич сказал:

— Вы подарили мне их, и все это видели. А теперь просите возвратить подарок. Это похоже на грабеж среди белого дня!

Сконфуженный посол просто не знал, что ответить. Он что-то промямлил…В ответ увидел широкую улыбку и услышал следующее: «Ну, если вам так нравятся мои новые золотые часы, я вам могу их подарить!» Англичанин понял, что это была просто веселая шутка!

Модест Мусоргский (19 век)

Еще один талант был не признан при жизни. Речь идет об известном во всем мире композиторе Модесте Петровиче Мусоргском. Этот гениальный человек всю жизнь проработал простым чиновником на государственной службе, хотя писал неповторимую музыку. А также был виртуозным пианистом, великолепным певцом, владел несколькими языками (немецким, французским, греческим, знал латынь).

Уже взрослым человеком Мусоргский заинтересовался музыкой. Его наставником стал Антон Герке — в то время  знаменитый пианист. Уникальный баритон певца часто звучал на светских раутах. А свои шедевры он никогда не записывал на бумагу до тех пор, пока они «не созревали у него в голове» полностью. То есть не было никаких набросков, черновиков, сразу все произведение!

Творчество не приносило Мусоргскому никаких доходов. Он занимался им в свободное время в качестве обычного увлечения. Даже его самое известное произведение — оперу «Борис Годунов», по одноименной трагедии А.С. Пушкина, сначала не хотели ставить. Композитору пришлось вносить правки в первоначальную задумку. Модест Петрович увлекался творчеством Флобера, Гоголя. Он работал над произведениями любимых авторов, но не закончил их.

Жил этот талантливый человек весьма скромно. Он всегда хотел путешествовать, но финансовой возможности не было. Однажды Модест Петрович отправился к югу страны, причем ему оплатили эту поездку, так как он выступал в качестве аккомпаниатора. Публика великолепно принимала Мусоргского. Турне помогло ему как в финансовом, так и в моральном плане.

Пристрастие к алкоголю сократило жизнь композитора. Он умер молодым, в 42 года. Но у Модеста было много хороших друзей. Один из них, знаменитый художник Репин, написал единственный его прижизненный портрет. На тот момент композитор находился в больнице, и это были последние дни талантливого человека. После окончания работы над портретом Модест Петрович прожил всего лишь 9 дней.

Информацию о знаменитых композиторах и музыкантах найти несложно, но в академических биографиях «за кадром» часто остаются забавные истории из жизни. А ведь они характеризуют великих личностей куда лучше сухих фактов «родился-учился-сочинил»!

Онлайн-курс Умназии «Композиторы и классическая музыка. Ключевые имена и факты» построен именно на таких небанальных и запоминающихся фактах. Он поможет детям 6–12 лет заинтересоваться классической музыкой и расширить кругозор. Это не просто сухое ознакомление детей с искусством в форме лекций, а настоящее путешествие в мир музыкальной культуры, всемирно известных композиторов и их произведений, интересных фактов и увлекательных историй!

Если бы вам предложили составить список из 10 самых великих композиторов за всю историю человечества, кого бы вы в него внесли? Сможете ли вы ограничиться числом 10 или с трудом назовете хотя бы одно имя?

Конечно, о вкусах не спорят, но это совершенно не значит, что не существует принципа, по которому можно объединить талантливых музыкантов по степени их влияния на мировую культуру.

В данной статье мы подготовили для вас список из 10 композиторов, оказавших наибольшее влияние на культурную жизнь не только своих стран, но и музыкальную историю всего мира. Мы попытаемся понять, в чем секрет их величия: в прирожденном таланте или в многолетних тренировках и оттачивании собственного мастерства.

Но прежде предлагаем пройти небольшой тест и узнать, каковы ваши познания в данной теме:

А теперь приступим к статье.

Вольфганг Амадей Моцарт

Открывает наш список известных композиторов австрийский композитор Вольфганг Амадей Моцарт, создавший серию опер, концертов, симфоний и сонат, которые глубоко повлияли на всю классическую музыку [Biography, 2017].

Музыкант славился своим трудолюбием. Так, однажды, за пять недель он дал 22 концерта, 5 из которых спродюсировал сам. На его выступлениях часто был аншлаг, потому как сам Моцарт обладал уникальной связью с аудиторией, которой, по словам его биографа Мейнарда Соломона, «была предоставлена ​​возможность стать свидетелями трансформации и совершенствования основного музыкального жанра» [Biography, 2017].

Кто знает, достиг бы Вольфганг таких высот и славы, если бы не его упорство, а также требовательность и целеустремленность его отца, который занимался музыкальным воспитанием сына. Так или иначе, ключом к успеху в любом деле является многолетняя практика, наполненная интенсивными тренировками и занятиями. Но достижение любой цели начинается с маленьких шагов. Так, например, уже сегодня вы можете пройти наш курс по музыкальной грамотности, чтобы определить для себя правильный вектор движения в будущем.

Несмотря на большую популярность и славу, со временем финансовое состояние Моцарта стало ухудшаться. Он стал меньше выступать, а потому его доход упал. Вскоре он начал занимать деньги у друзей.

Музыкант давал концерты, пытаясь восстановить финансовое положение семьи. Двухлетний период 1788-1789 годов стал для Моцарта низшей точкой, во время которой он испытывал депрессию. Историки считают, что композитор мог страдать биполярным расстройством личности, что могло бы объяснить периоды истерии в сочетании с приступами лихорадочного творчества [History Today, 2006].

Так, например, после двухлетней депрессии Моцарт в последующие 2 года пережил период большой музыкальной продуктивности и личного исцеления. Он смог возродить свою популярность, а его финансовое положение, наконец, начало улучшаться.

Моцарт умер 5 декабря 1791 года в возрасте 35 лет – достаточно раннем даже для того времени. На момент смерти Моцарт считался одним из величайших композиторов всех времен. Его музыка представляла собой смелое выражение, часто сложное и противоречивое, и требовала высокого технического мастерства от исполнителя [Biography, 2017].

Людвиг ван Бетховен

Людвиг ван Бетховен внес значительный вклад в музыкальную историю. Именно он наиболее ярко раскрыл способность музыки передавать философию жизни без помощи текста [Biography, 2017].

Его музыка стала примером для подражания для многих известных композиторов последующих столетий. В творческом плане он был новатором, значительно расширившим диапазон сонаты, симфонии, концерта и квартета.

Его личная жизнь была отмечена героической борьбой с прогрессирующей глухотой, а некоторые из его самых важных произведений были написаны в течение последних 10 лет его жизни – в период, когда он совершенно не мог слышать. В эпоху упадка придворного и церковного покровительства он не только поддерживал себя за счет продажи и публикации своих произведений, но также был первым музыкантом, который получал зарплату и не имел никаких других обязанностей, кроме сочинения музыки.

В подростковом возрасте композитор стал набирать популярность и достиг такого прогресса, что был отправлен в Вену для обучения у Моцарта. По некоторым неофициальным источникам, Моцарт был очень впечатлен способностью Бетховена к импровизации и сказал некоторым друзьям, что «этот молодой человек сделает себе великое имя в мире» [Britannica, 2020].

Переломный момент в творчестве композитора произошел с появлением у него симптомов глухоты. Первое время его жизнь все еще оставалась неизменной. Он по-прежнему играл в дворянских домах, соперничая с другими пианистами, и выступал на публике. Но к 1802 году он окончательно понял, что болезнь совсем не собирается отступать. Человек, умевший импровизировать и воплощать в реальность самые замысловатые фантазии в мгновение ока, с наступлением глухоты стал прилагать бесконечные усилия для создания продуманной композиции [Britannica, 2020].

С тех пор его дни как исполнителя были сочтены. Время от времени он продолжал появляться на публике, но большая часть его энергии была поглощена сочинением музыки. Долгие месяцы он проводил в деревушке недалеко от Вены, продумывая свои композиции во время многочасовых прогулок.

Иоганн Себастьян Бах

Иоганн Себастьян Бах – известный композитор, чьи произведения покорили миллионы людей по всему миру [Britannica, 2021].

Бах, как и его современники, широко использовал словесную живопись, чтобы подчеркнуть значение слов в музыкальном плане. В своих произведениях он обращался к очень разнообразной аудитории: среди его слушателей были представители духовенства, купцы, обычные горожане и профессора выдающегося Лейпцигского университета [AHA Journals, 2019].

Работы Иоганна Себастьяна отличались головокружительным разнообразием. Он сочинял не только вокальные и клавишные произведения, но и инструментальные композиции.

Бах очень часто конфликтовал со своим начальством и даже провел некоторое время в тюрьме за неподчинение. Он постоянно чувствовал, что работодатели его не поддерживают и недооценивают, и славился своим сложным характером [AHA Journals, 2019].

Композитор занимался внешним консультированием, часто хорошо оплачиваемым, по построению органов, сдавал в аренду музыкальные инструменты, сочинял и играл на похоронах и свадьбах, чтобы получить дополнительный доход. Он также писал пьесы, чтобы отметить дни рождения аристократических покровителей, реальных и будущих.

Удивительно, что, будучи первоклассным органистом, Бах в игре на скрипке отказывался от главных ролей и предпочитал играть партию альта.  По словам его сына Карла Филиппа Эммануэля, он чувствовал, что может лучше оценить равновесие, сидя в середине струнного хора [AHA Journals, 2019].

Появившись в благоприятный момент в истории музыки, Бах смог исследовать и объединить основные стили, формы и национальные традиции, которые развивались в течение предыдущих поколений, и, в силу своего таланта, обогатить их все. Известный физик Альберт Эйнштейн сказал однажды: «Вот что я скажу про Баха: слушайте его, играйте, любите, превозносите – и закройте свой рот».

Джузеппе Верди

Итальянский композитор Джузеппе Верди начал свою карьеру в музыкальной индустрии в 1833 году, когда его наняли дирижером в филармонию. В то время он не только сочинял музыку, но и зарабатывал на жизнь, работая органистом.

Хотя он стал одним из самых известных композиторов Италии, на самом деле его окрестили французом. Всего через несколько дней после его рождения отец забрал его во Францию, после чего его имя было зарегистрировано как Жозеф Фортунин Франсуа. По словам современников, в то время клерк написал: «Так случилось, что для гражданского и светского мира Верди родился французом» [Italy Magazine, 2013].

О Верди известно и то, что он презирал политику. Считается, что некоторые из ранних опер Верди содержали скрытые послания, относящиеся к Рисорджименто – политическому и общественному движению, которое объединило государства итальянского полуострова в одну коллективную группу.

Несмотря на то, что музыка Верди не слишком интересовалась политической борьбой итальянского Рисорджименто, она вдохновляла его соотечественников, пробуждала их национальный дух. Скорее всего, Верди не намеревался транслировать подобные сообщения, но большое количество людей ухватилось за возможные политические интерпретации [Italy Magazine, 2013].

Даже в последние годы своей жизни Верди не утратил умения ставить высоко оцененные, богато построенные оперы. «Отелло» 1887 года был показательным примером, произведением искусства, которое рассказывало историю великой трагедии и эмоций через яркую характеристику и вызывающую воспоминания мелодию [Britannica, 2021].

Верди умер 27 января 1901 года в Милане. За свою карьеру он сочинил и поставил более 25 опер, в том числе «Травиату», «Фальстаф» и «Аиду», и он по сей день считается одним из величайших композиторов в истории. Кроме того, его произведения исполнялись чаще среди всех остальных композиторов во всем мире [Biography, 2014].

Петр Чайковский

Петр Ильич Чайковский считается самым популярным русским композитором в истории. Его имя неразрывно связано с историей российского балета. Русский музыкант был настоящим мастером танцевальной музыки 19 века и вошел в историю как один из самых известных композиторов не только России, но и мира.

Сегодня «Щелкунчик», «Спящая красавица» и «Лебединое озеро» остаются неизменными хитами балетных трупп всего мира. Однако еще пару столетий назад немногие верили в талант Чайковского. Удивительно, но премьера «Лебединого озера» в 1877 году не вызвала широкого резонанса среди поклонников балета [Classic FM, 2020].

Часто критики не принимали работы композитора, называя их «слишком сложными и шумными». Так, например, артисты, выступавшие на премьере балета «Лебединое озеро», заявили, что музыку Чайковского очень тяжело танцевать. Они полагали, что музыка такого богатства и глубины не должна сопровождать их балетные ходы [Classic FM, 2020].

Петр Ильич славился своим трудолюбием и безграничной любовью к музыке. Он часто говорил, что «вдохновение – это гость, который не навещает ленивых». Чайковский проводил сутки напролет за работой, стараясь улучшить и без того прекрасные произведения.

Конечно, чтобы стать профессионалом своего дела, нужно провести тысячи часов, оттачивая мастерство. Начать путь к самосовершенствованию вам поможет онлайн-программа «Лучшие техники самообразования», с помощью которой вы овладеете методами и приемами, способными улучшить необходимые вам навыки.

Чайковский умер в Санкт-Петербурге 6 ноября 1893 года. Хотя официально причиной его смерти была холера, некоторые из его биографов считают, что он покончил жизнь самоубийством после унизительного судебного разбирательства по делу о сексуальном скандале. Однако официальной документации, подтверждающей эту теорию, не существует.

Михаил Глинка

Михаил Иванович Глинка – русский композитор, завоевавший международное признание и основоположник русской националистической школы.

Глинка впервые заинтересовался музыкой в ​​возрасте 10-11 лет, когда услышал частный оркестр своего дяди. Четыре года он проработал в Министерстве связи, но официальная карьера его так и не заинтересовала.

Михаила Ивановича называют гениальным дилетантом. Его стройное произведение считается основой самой поздней русской ценной музыки. Всемирную известность он получил после того, как овладел своим ремеслом в Милане и Берлине, вдохновившись работами композиторов Винченцо Беллини и Гаэтано Доницетти. В конечном итоге, тоска по дому привела его к мысли писать музыку «на русском» [Культура.РФ, 2021].

Первой работой, принесшей ему известность, стала работа «Жизнь за царя» (ранее известная как «Иван Сусанин»), поставленная в 1836 году.  На момент написания оперы он не знал ни сюжета, ни слов, но чувствовал отчаянное желание работать. Более того, композитор хотел создать поистине русскую оперу.

Произведение было закончено, но, к сожалению, Петербургский театр сначала отказался его ставить. В конце концов была достигнута договоренность: опера была поставлена, но при нескольких условиях, которые композитор не мог игнорировать. Одним из них было требование смены названия. В итоге композиция была переименована в «Жизнь за царя», а сам Глинка был вынужден отказаться от всех гонораров.

В своей работе Михаил Глинка хотел прославить простого крестьянина, величие русского национального характера, его отвагу и несомненную стойкость. Таким образом, композиция стала первой русской оперой, написанной совершенно без диалогов, и впервые в истории российской музыки крестьянин выступал не как обычный персонаж, а как героическая личность.

Премьера состоялась осенью 1836 года и имела огромный успех – сам царь лично поблагодарил Глинку и благословил его после окончания оперы [Культура.РФ, 2021]. Сегодня именем Глинки названы три русские консерватории. А советский астроном Людмила Черных в его честь назвала малую планету «2205 Глинка», открытую в 1973 году.

Рихард Вагнер

Рихард Вагнер вошел в историю не только как великий немецкий композитор. «Полет Валькирий», «Тристан и Изольда», «Сон в летнюю ночь» – вот лишь малая часть его работ. Однако запомнился он современникам и потомкам не только своим великолепным творчеством [Britannica, 2021].

Работы Вагнера содержали ярые антисемитские настроения, благодаря которым он стал любимым музыкантом Адольфа Гитлера. Композитор был также автором брошюры «Иудаизм в музыке», в которой утверждал, что «еврейский народ не способен к художественному выражению» [BBC News, 2018].

Если бы Вагнер не написал эту работу, его взгляды на европейских евреев, возможно, ушли бы вместе с ним в могилу. Однако именно она разделила мир поклонников музыки на два лагеря.

Есть много людей, которые хотели бы, чтобы книга была запрещена, и которые относятся к идее даже обсуждения взглядов Вагнера как расистских по своей сути. Тем не менее, как отмечает Александр Кнапп, преподаватель еврейской музыки в Лондонском университете, «Вагнер был не единственным композитором, проявившим антагонизм по отношению к евреям. Шопен, Лист и Мусоргский также официально заявили о своих взглядах, которые можно было бы рассматривать как антисемитские» [The Guardian, 2000].

Почему же тогда Вагнер стал объектом такого осуждения? По мнению Кнаппа, «принципиальное различие состоит в том, что Вагнера поддерживали Гитлер и нацисты». Хотя Вагнер не защищал Холокост – он умер до рождения Гитлера – нет сомнений, что его музыка была принята немецкими архитекторами массового уничтожения.

Конечно, есть те, кто вообще отказывается признать, что Вагнер был антисемитом, но сегодня это утверждение не имеет серьезного значения. По мнению Джона Смертриджа, профессора музыки Королевского колледжа в Лондоне, и защитники, и критики Вагнера упускают из виду главное. «Я думаю, что поклонники отрицают это, а критики преувеличивают еврейский вопрос», – говорит он. «В конце концов, ни одна из позиций не объясняет явно широкого резонанса, которым все еще пользуются работы Вагнера» [The Guardian, 2000].

Музыка композитора, например, не запрещена в Израиле, но не исполняется из-за широко распространенного общественного протеста. Так, однажды государственная телекомпания страны официально извинилась перед слушателями после того, как по радио прозвучала музыка Рихарда Вагнера [BBC News, 2018].

«Есть столько же людей, переживших Холокост, которые любят музыку, так и тех, кто против нее. Вы должны слушать его музыку, его музыка абсолютно прекрасна», – сказал Джонатан Ливни, глава Израильского общества Вагнера  [BBC News, 2018].

Людовико Эйнауди

Список великих композиторов продолжает один из популярнейших музыкантов 21 века – Людовико Эйнауди. В течение многих лет его приглушенная фортепианная музыка, звучавшая в качестве саундтреков к телешоу и рекламе, проникала в коллективное сознание, в то время как кроткий итальянец, стоящий за ней, оставался вне поля зрения.

Пожалуй, открытую популярность композитор приобрел после выхода фильма «1+1», музыку для которого он написал.

«Всю свою жизнь мое сердце было ближе к рок-н-роллу», – говорит Эйнауди. «Я думаю, что в классической музыке есть жесткость. И мне это не очень нравится» [The Guardian, 2016]. Тем не менее его музыка не кажется особенно бунтарской – совсем наоборот. Его новый альбом, очень мягкий, спокойный и успокаивающий, родился из часов, проведенных в библиотеках по всей Италии за чтением греческой философии.

Среди поклонников творчества композитора большое количество молодых людей. По мнению Эйнауди, это вызвано тем, что он пытается использовать те же чувства радости, потери, желания и разочарования, которые любой может найти даже в самых сдержанных народных песнях.

«Концерт может стать коллективной медитацией. Когда он идет хорошо, я ощущаю это на сцене. Каждый в толпе может найти свое место, и я чувствую своего рода эффект благотворительности», – говорит музыкант. «Помню, в Вероне ко мне подошла молодая женщина, работавшая в театре, с мокрыми глазами – это было важнее всего остального! Потому что я мог видеть связь между тем, что я хотел сказать своей музыкой, и тем, как она это чувствовала. Для меня это было фантастикой» [The Guardian, 2016].

Яркая, эмоциональная, легкая, лиричная и всегда в высшей степени утонченная музыка и исполнение Людовико Эйнауди за последние два десятилетия привлекают постоянно растущую аудиторию, разнообразие и преданность которой не имеют себе равных. Он выпустил серию альбомов, возглавляющих чарты, с продажами более миллиона копий, собирает самые престижные концертные залы по всему миру, сочинил серию отмеченных наградами композиций для фильмов, став при этом настоящим феноменом [Classical Post, 2020].

Ханс Циммер

Казалось бы, в каждом поколении, посещающем кино, найдется композитор, который превосходит всех остальных и приходит, чтобы передать звук своей эпохи. У современного кино есть свой музыкальный дух времени. Когда будущие археологи обнаруживают захороненные руины нашей цивилизации, они вполне могут называть оставшиеся фильмы «периодом Ханса Циммера».

Ханс Циммер – немецкий композитор, ставший одним из самых успешных в мире кино. Достаточно просто перечислить список наград, которые он получил за самые лучшие саундтреки к фильмам. К его копилке относятся такие шедевры мирового кинематографа, как «Пираты Карибского моря», «Гладиатор», «Начало», трилогия «Темный рыцарь», «Интерстеллар» и последняя часть франшизы о Бонде «Нет времени умирать».

В настоящее время Циммер имеет 23 награды, включая одну премию «Оскар», две премии «Золотой глобус» и четыре премии «Грэмми».

В своем творчестве Ханс сочетает традиционные инструменты с электронными звуками и техниками. По признанию Циммера, его музыкальное образование составляло всего две недели уроков игры на фортепиано: «Я самоучка. Но я всегда слышал музыку в своей голове» [Classic FM, 2020].

Чтобы понять, есть ли у вас склонность к музыке, не обязательно слышать ее в своей голове, как это было с Хансом Циммером. Но обязательно понимать себя и знать, что вам близко, а что нет. Именно для этого мы разработали онлайн-программу «Самопознание». Пройдя ее, вы, с помощью правильных вопросов и техник, сможете определять для себя наиболее важные зоны для роста и развития, а также поймете, что для вас является наивысшей ценностью, а на что можно не обращать внимания.

Ханс Циммер – композитор фильмов, получивший особую известность. Он один из немногих артистов, на чьи концерты без особого труда набираются полные залы слушателей. Его агрессивный и строгий стиль задал направление для саундтреков и наглядно показал, как именно должен «звучать» современный блокбастер. На сегодняшний день Циммер является одним из самых успешных композиторов всех времен, и, согласно различным источникам, его состояние составляет около 200 миллионов долларов [Classic FM, 2020].

Элтон Джон

Завершает наш список британский музыкант, автор и исполнитель текстов Элтон Джон, ставший самым известным композитором рубежа 20-21 веков.

Маленький Элтон научился играть на пианино в возрасте четырех лет. Оттачивая свое мастерство на протяжении всей жизни, он смог завоевать любовь миллионов поклонников по всему миру. Особое уважение к музыканту со стороны слушателей и критиков вызвал тот факт, что он был не только исполнителем, но и автором собственных текстов и музыки [The Guardian, 2019].

Джон прославился своими эпатажными нарядами и любовью к разным аксессуарам, в частности к огромным разноцветным очкам. За любовь к экстравагантным образам его называли «королева-мама поп-музыки».

В начале 1990-х Элтон прошел курс лечения от алкоголизма, наркомании и булимии (расстройства пищевого поведения). Он открыто признался в своей гомосексуальности и решил изменить образ жизни. Когда-то известный своей яркой одеждой, эпатажным поведением и чередой хитовых записей, сэр Элтон Джон в последнее время стал гуманистом, особенно заинтересованным в поддержке людей, страдающих СПИДом, и поддерживающим благотворительные организации [Biography, 2021].

Начиная с1990 года, он жертвовал всю прибыль от продаж собственных синглов на благотворительность, а в 1992 году основал Фонд Элтона Джона.

В 2000 году Национальная академия звукозаписывающих искусств и наук признала музыканта «Человеком года» за его благотворительную деятельность. Позже в том же году Джон и автор текстов Тим Райс написали песни для бродвейского мюзикла «Аида», который получил премию «Тони», и фильма «Дорога на Эльдорадо» [Encyclopedia of World Biography, 2021].

Заключение

Великие и талантливые люди жили во все времена и оставили свой глубокий след. Кто-то запомнился выдающимся творчеством, а кто-то образом жизни, на который хочется равняться.

Войти в историю можно различными способами. Однако по-настоящему помнят и ценят тех, кто не просто родился талантливым, а смог свой талант развить и укрепить, вдохновив тем самым миллионы людей на самопознание и достижение целей. Такой шанс есть у каждого из нас. Для этого достаточно верить в мечту и не сдаваться, постоянно работая над собой.

Верьте в себя, а мы желаем вам удачи!