Рассказ о русском музее

О Русском музее

Государственный Русский музей в Петербурге — самый обширный музей русского искусства в мире. Он был основан Николаем II в 1895 г. и торжественно открылся для посетителей 19 марта 1898 г.

До 1917 года назывался «Русский Музей Императора Александра III». Император Александр III (отец Николая II) был страстным коллекционером, сравнить его в этом отношении можно только с Екатериной II. Гатчинский замок императора буквально превратился в склад бесценных сокровищ. Приобретения Александра уже не помещались в галереях Зимнего, Аничкова и других дворцов — это были картины, предметы искусства, ковры… Собранная Александром III обширная коллекция картин, графики, предметов декоративно-прикладного искусства, скульптур после его смерти была передана в основанный императором Николаем II Русский музей в память о своём отце.

Изначально музей располагался в залах Михайловского дворца. Собрание музея в тот период насчитывало 1880 произведений живописи, скульптуры, графики и древнерусского искусства, переданные из Императорских дворцов, Эрмитажа и Академии Художеств.

История Михайловского дворца

Здание построено в стиле ампир. Идея постройки новой резиденции для князя Михаила Павловича принадлежала его отцу, императору Павлу I. Но Павлу I не пришлось увидеть воплощение своей идеи, так как в результате дворцового переворота он погиб. Несмотря на это, приказ императора был выполнен. Когда Михаилу исполнился 21 год, император Александр I решил начать строительство дворца.

Архитектором Михайловского дворца был Карл Росси (о нем читайте на нашем сайте в статье: Александринский театр).

Зодчим был спланирован не только дворец, но также площадь перед ним и две новые улицы (Инженерная и Михайловская).

Торжественная закладка здания состоялась 14 июля, а само строительство началось 26 июля. Со стороны Марсова поля появился сад при дворце — также Михайловский. 11 сентября 1825 года дворец был освящён.

Филиалы музея

Русский музей сегодня размещается, кроме Михайловского дворца, в зданиях, являющихся памятниками архитектуры XVIII-XIX веков:

Летний дворец Петра I
Мраморный дворец
Инженерный (Михайловский) замок
Строгановский дворец
Домик Петра I

Музейное пространство дополняют Михайловский и Летний сады.

Летний дворец Петра I

Летний дворец был построен в стиле барокко по проекту Доменико Трезини в 1710-1714 годах. Это одно из старейших зданий города. Двухэтажный дворец достаточно скромен и состоит всего из четырнадцати комнат и двух кухонь.

Резиденция предназначалась для использования только в тёплое время года: с мая по октябрь, поэтому стены в ней достаточно тонкие, а в окнах — одинарные рамы. Отделка помещений была создана художниками А. Захаровым, И. Заварзиным, Ф. Матвеевым.

Фасад дворца украшен 29-ю барельефами, на которых в аллегорической форме изображены события Северной войны. Барельефы выполнены немецким архитектором и скульптором Андреасом Шлютером.

Мраморный дворец

Мраморный дворец построен в 1768-1785 гг. по проекту итальянского архитектора Антонио Ринальди. Он завершает ряд парадных зданий, примыкающих к Зимнему дворцу. Выдающийся зодчий А. Ринальди, автор более двадцати пяти крупных строений в Петербурге и его пригородах, считался непревзойденным мастером «мраморных фасадов». Его архитектурные приемы и решения всегда легко распознаются.

Ринальди приехал в Россию по приглашению графа К.Г. Разумовского, и в 1754 году получил должность архитектора при дворе князя Петра  Федоровича и его супруги, будущей императрицы Екатерины II. Он построил Китайский дворец в Ораниенбауме, дворец графа Г.А. Орлова в Гатчине и др. Но Мраморный дворец – возможно, самое значительное из всех его сооружений. Дворец был предназначен для Григория Орлова – фаворита Екатерины II, главного организатора ее восшествия на престол. Свое название здание получило из-за необычной для Петербурга отделки фасадов натуральным камнем. В это время в России как раз были найдены богатые месторождения мрамора. Для внутренней и внешней отделки дворца использовались тридцать два сорта северного и итальянского мрамора. Строгий внешний облик здания характерен для раннего классицизма.

Главный фасад Мраморного дворца обращен  к Марсову полю. Его украшают колонны, а противоположный фасад – пилястры коринфского ордера. Известный скульптор Ф.И. Шубин выполнил две статуи на аттике и композиции из воинских доспехов. В сотрудничестве с М.И. Козловским он участвовал в создании внутреннего скульптурно-декоративного убранства дворца. До нашего времени сохранилась отделка парадной лестницы и первый ярус стен Мраморного зала. Изящная ограда из копий и столбов с вазами и трофеями ограждает обширный парадный двор. Позже с восточной части около Мраморного дворца построили служебный корпус. Барельеф «Служение лошади человеку» работы скульптора П.К. Клодта украшает западный фасад корпуса.

В 90-е годы XX века дворец стал филиалом Русского музея.

Инженерный (Михайловский) замок

Построен по заказу императора Павла I на рубеже XVIII—XIX веков и ставший местом его смерти.

Своим названием Михайловский замок обязан находящемуся в нём храму Михаила Архангела, покровителя дома Романовых, и причуде Павла I, принявшего титул Великого магистра Мальтийского ордена, называть все свои дворцы «замками»; второе имя — «Инженерный» произошло от находившегося там с 1823 г. Главного (Николаевского) инженерного училища, ныне ВИТУ.

Проект дворца был разработан архитектором В. И. Баженовым по поручению императора Павла I, желавшего сделать его своей главной парадной резиденцией. Строительством руководил архитектор В. Бренна (который долгое время ошибочно считался автором проекта). Бренна переработал первоначальный проект дворца и создал художественную отделку его интерьеров.

Помимо Баженова и Бренна в создании проекта принимал участие сам император, сочинивший несколько рисунков для него. В помощниках Бренна также числились Фёдор Свиньин и Карл Росси. Павел I ускорял строительство, ему в помощь направлены Чарльз Камерон и Джакомо Кваренги. По распоряжению императора строительство велось днем и ночью (при свете фонарей и факелов), так как он требовал отстроить замок вчерне в тот же год.

21 ноября 1800 г., в день святого Архангела Михаила, замок был торжественно освящён, но работы по его внутреннему убранству ещё продолжались до марта 1801 г. После убийства императора, через 40 дней после новоселья, Михайловский замок был покинут Романовыми и на два десятилетия пришел в запустение. Когда Александру I понадобилось серебро для роскошного сервиза — свадебного подарка сестре Анне Павловне, королеве Нидерландов, на переплавку пошли серебряные врата из дворцовой церкви. Николай I приказал архитекторам «добывать» во дворце мрамор для постройки Нового Эрмитажа.

В 1823 г. замок заняло Главное инженерное училище.

В 1991 г. треть помещений замка подарено Государственному Русскому музею, в 1995 г. музею подарен весь замок.

Строгановский дворец

Дворец Строгановых, построенный по проекту архитектора Франческо Бартоломео Растрелли в 1753-1754 гг., один из образцов русского барокко.

В создании дворца помимо Ф. Б. Растрелли участвовали А.Н. Воронихин, И. Ф. Колодин, К. Росси, И. Шарлемань, П. С. Садовников.

Строгановы (Строгоновы) — род русских купцов и промышленников, из которого происходили крупные землевладельцы и государственные деятели XVI-XX веков. Выходцы из разбогатевших поморских крестьян. С XVIII века — бароны и графы Российской империи. Род пресёкся в 1923 году.

Здание является филиалом Русского музея с 1988 г.

Домик Петра I

Первая постройка в Санкт-Петербурге, летнее жилище царя Петра I в период с 1703 по 1708 гг. Этот небольшой деревянный домик площадью 60 м² был построен солдатами-плотниками недалеко от Троицкой площади всего за три дня. Здесь же 27мая 1703 г. прошло празднование по случаю присоединения земель и основания нового города.

Домик строился из тёсаных сосновых брёвен на манер русской избы. Сени делят его на две части. Кроме этой особенности, а также дверей, украшенных орнаментальными металлическими накладками,— типичных черт, присущих русской архитектуре XVII века,— всё в доме напоминает об увлечении царя голландской архитектурой. Так, Пётр, желая придать дому вид каменного строения, приказал стесать брёвна и расписать их под красный кирпич, высокую крышу покрыть гонтом под черепицу, а непривычно большие окна сделать с мелкой расстекловкой. В домике отсутствовали печи и дымоходы, поскольку Пётр жил в нём лишь в тёплое время года. Домик сохранился практически в первоначальном виде.

Коллекции Русского музея

Наиболее полной является коллекция искусств XVIII — первой половины XIX веков. Достаточно перечислить только некоторые фамилии, чтобы получить представление о художественном богатстве музея: А. Матвеев, И. Никитин, Карло Растрелли, Ф. Рокотов, В. Боровиковский, А. Лосенко, Д. Левицкий, Ф. Шубин, М. Козловский, И. Мартос, С. Щедрин, О. Кипренский, А. Венецианов, Ф. Бруни, К. Брюллов, П. Федотов, А. Иванов.

Картина К. Брюллова «Последний день Помпеи»

Брюллов посетил Помпеи в 1828 г., сделав много набросков для будущей картины про известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушение города Помпеи близ Неаполя. Картина выставлялась в Риме, получила восторженные отклики критиков и переправлено  в Лувр. «Последний день Помпеи» представляет романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора. На полотне также трижды изображена графиня Юлия Павловна Самойлова — женщина с кувшином на голове, стоящая на возвышении в левой части полотна, разбившаяся насмерть женщина, распростертая на мостовой, и рядом с ней живой ребёнок — обоих, предположительно, выбросило из сломавшейся колесницы — в центре полотна, и мать, привлекающая к себе дочерей, в левом углу картины.

В 1834 г. картина «Последний день Помпеи» была отправлена в Петербург. А. И. Тургенев говорил, что эта картина составила славу России и Италии. Е. А. Баратынский сочинил по этому случаю знаменитый афоризм: «Последний день Помпеи стал для русской кисти первым днем!».Стихотворный отзыв оставил и А. С. Пушкин:

Везувий зев открыл — дым хлынул клубом — пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется — с шатнувшихся колонн
Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
Под каменным дождём, под воспалённым прахом,
Толпами, стар и млад, бежит из града вон.

Кстати, знаменитая картина написана была Kарлом Брюлловым по заказу Анатолия Демидова, русского и французского мецената, который состоял при русском посольстве сначала в Париже, а затем в Риме и в Вене. Он унаследовал от отца колоссальное богатство и собрание замечательных произведений живописи, ваяния, бронзы и т.д. Анатолий Демидов, по примеру отца, был щедр на крупные пожертвования: он пожертвовал 500 000 рублей на устройство в Санкт-Петербурге дома для призрения трудящихся, который и носил имя жертвователя; вместе с братом Павлом Николаевичем пожертвовал капитал, на который в Санкт-Петербурге же устроена детская больница; при Академии Наук в Санкт-Петербурге учредил премию в 5000 рублей за лучшее произведение на русском языке; в 1853 году выслал из Парижа 2000 рублей на украшение церкви Демидовского лицея в Ярославле, пожертвовал в библиотеку лицея все свои издания и несколько других ценных французских книг, а также щедро покровительствовал учёным и художникам. Так вот, именно Анатолий Демидов подарил картину Брюллова «Последний день Помпеи» Николаю I, который выставил картину в Академии художеств как руководство для начинающих живописцев. После открытия Русского музея в 1895 г. полотно было перенесено туда, и к нему получила доступ широкая публика.

Вторая половина XIX века представлена работами художников: Ф. Васильева, Р. Фелицына, А. Гороновича, Е. Сорокина, Ф. Бронникова, И. Макарова, В. Худякова, А. Чернышёва, П. Риццони, Л. Лагорио, Н. Лосева, А. Наумова, А. Волкова, А. Попова, В. Пукирева, Н. Неврева, И. Прянишникова, Л. Соломаткина, А. Саврасова, А. Корзухина, Ф. Журавлёва, Н. Дмитриева-Оренбургского, А. Морозова, Н. Кошелева, А. Шурыгина, П. Чистякова, Ивана Айвазовского.

Картина И. Айвазовского «Девятый вал»

«Девятый вал» — одна из самых знаменитых картин Ивана Айвазовского, всемирно известного российского художника-мариниста.

Изображает море после сильнейшего ночного шторма и людей, потерпевших кораблекрушение. Лучи солнца освещают громадные волны. Самая большая из них — девятый вал, готова обрушиться на людей, пытающихся спастись на обломках мачты.

Всё говорит о величии и мощи морской стихии и беспомощности перед ней человека. Тёплые тона картины делают море не таким суровым и дают зрителю надежду, что люди будут спасены.

Размер картины — 221 × 332 см.

В музее также представлены картины художников-передвижников: Г. Мясоедова, В. Перова, А. Боголюбова, К. Маковского, Н. Ге, И. Шишкина, И. Крамского, В. Максимова, И. Репина, В. Васнецова, В. Сурикова, Н. Абуткова.

Картина Николая Ге «Тайная вечеря»

На картине художника изображен эпизод из земной жизни Христа, описанный в Евангелии от Иоанна (гл. 13). Оно было любимым Евангелием Ге. Отрывок данного текста детально совпадает с изображенным на картине.

Иисус встал с вечери… влил воды в умывальницу и начал умывать ноги ученикам и отирать полотенцем… Когда же умыл им ноги… то, возлегши опять сказал им: знаете ли, что Я сделал вам? … если Я, Господь и Учитель, умыл ноги вам, то и вы должны умывать ноги друг другу. Ибо Я дал вам пример, чтобы и вы делали то же, что Я сделал вам…

…Иисус возмутился духом и сказал: истинно, истинно говорю вам, что один из вас предаст Меня.

Тогда ученики озирались друг на друга, недоумевая, о ком он говорит. Один же из учеников его, которого любил Иисус, возлежал у груди Иисуса. Ему Симон Петр сделал знак, чтобы спросил, кто это… он, припав к груди Иисуса, сказал Ему: Господи! Кто это? Иисус отвечал: тот, кому Я, обмокнув кусок хлеба, подам. И, обмокнув кусок, подал Иуде Симонову Искариоту. И после сего куска вошел в него сатана. Тогда Иисус сказал ему: что делаешь, делай скорее. Но никто из возлежащих не понял, к чему Он это сказал ему… Он, приняв кусок, тотчас вышел; а была ночь.

Амфора с водой, умывальница с полотенцем в «Тайной вечере» Ге — тема жертвенной любви Христа. После ухода Иуды были произнесены знаменитые слова, обращенные к апостолам: «Заповедь новую даю вам, да любите друг друга; как Я возлюбил вас… Потому узнают все, что вы Мои ученики, если будете иметь любовь между собою».

Конец XIX-начало XX века представлены художниками И. Левитаном,  П. Трубецким, М. Врубелем, В. Серовым.

Картина И. Левитана «Сумерки. Луна»

В конце жизни для Левитана особенно характерным стало обращение к сумеречным пейзажам, наполненными тишиной, шорохами, лунным светом и тенями. Одной из лучших работ этого периода является эта картина из собрания Русского музея.

Работы объединения «Мир искусства»

«Мир искусства» (1898-1924) — художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х годов. Основателями «Мира искусства» стали петербургский художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев. Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму, противясь идеям передвижников. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника.

В состав объединения входили художники: Бакст, Н. Рерих, Добужинский, Лансере, Митрохин, Остроумова-Лебедева, Чемберс, Яковлев, Сомов, Ционглинский, Пурвит, Сюннерберг.

В древнерусском отделе широко представлены иконы XII—XV веков (например, Ангел Златые власы, Богоматерь Умиление, Дмитрий Солунский, Чудо Георгия о змие, Борис и Глеб и др.), произведения Андрея Рублёва, Дионисия, Симона Ушакова и других мастеров. Всего коллекция Русского музея составляет порядка 5 тысяч икон XII — начала XX века.

Андрей Рублев

Андрей Рублев (умер ок.1430 г.) — иконописец, ученик Феофана Грека, преподобный.

Сперва был послушником у преподобного Никона Радонежского, а потом иноком в Спасо-Андрониковом монастыре в Москве, где скончался и погребен.

В настоящее время в собрание Русского музея входят отделы: русская и советская живопись, скульптура, графика, декоративно-прикладного и народного искусства (мебель, фарфор, стекло, резьба, лаки, изделия из металла, ткани, вышивка, кружево и др.). Коллекция музея насчитывает более 400 тыс. единиц хранения.

25 апреля 1895 года именным указом императора Николая II в Санкт-Петербурге был создан «Русский музей императора Александра III»

Ныне это Государственный Русский Музей. 19 марта 1898 года состоялось его торжественное открытие.

Храм отечественного искусства

В середине ХIХ века в столице империи начала формироваться идея создания крупного собрания русского искусства. К этому времени отечественная культура стала заметным явлением мирового масштаба. В такой обстановке появились и предложения о создании общенационального музея. Известные деятели русской культуры активно продвигали эту идею, среди них были Владимир Стасов, Александр Васильчиков, Иван Гончаров и другие. Александр III, посетив 17-ю выставку Товарищества передвижников, конкретно озвучил эту идею.

Искренне благоволивший русской живописи царь не успел претворить в жизнь эту задачу, музей появился уже после его кончины – в правление его сына Николая II. Музей стал не просто собранием фондов и коллекций, но и научно-прикладным центром. Предполагалось, что здесь будут проводиться и необходимые исследовательские работы. Такое направление сформировало характер деятельности всего музея на будущее.

Михайловский дворец. Источник: https://www.pinterest.ru

К работе Русского музея привлекли высококлассных специалистов, среди которых были граф Дмитрий Толстой, Александр Бенуа, Павел Брюллов, Николай Сычёв, Михаил Боткин и многие другие. Стать сотрудником музея в последние годы существования Российской империи было очень почётно. Управлять музеем был назначен великий князь Георгий Михайлович.

Первоначально основу музейной коллекции составляли экспонаты, переданные из Академии художеств, Эрмитажа, императорских дворцов и частных коллекций. На момент открытия экспозиция составляла 445 живописных работ, 111 скульптур, 981 графический лист, а также около 500 памятников древней русской истории (иконы и изделия прикладного искусства). Первоначально Русский музей состоял из четырёх разделов: мемориальный (памяти Александра III), этнографический и художественно-промышленный, а также художественный, который стал основным.

Русский музей объединил в своих стенах все основные художественные направления, стили, школы и жанры русского искусства, которые обогатили отечественную культуру за десять веков её истории.

Михайловский дворец

Первоначально здание, в котором расположился Русский музей, связано с именем младшего сына императора Павла I великого князя Михаила Павловича. А красоте, которая появилась в центре Петербурга (дворец, площадь и улица), мы обязаны архитектурному гению Карло Росси, который в 1820-е – 1830-е годы из проектов превратил всё это в прекрасную реальность. Первоначально появился дворец, через несколько лет были достроены примыкающие к нему флигеля. Приёмку дворца осуществлял сам император Александр I. Работами государь остался очень доволен и наградил Росси орденом св. Владимира 3-й степени и бриллиантовым перстнем. Дворец освятили, и он был пожалован младшему брату Александра I в вечное потомственное владение. На постройку дворца ушло 7 млн 875 тысяч рублей.

В 1894 году наследники умершего в 1849-м Михаила Павловича решили продать дворец. Выкупила его казна в январе 1894 года специально для устройства в нем Русского музея.

Внутреннее убранство дворца. Источник: https://www.pinterest.ru

Что есть музей

Сегодня Государственный Русский музей (ГРМ) – это целый комплекс зданий и территорий, который сложно подробно описать в нашей ознакомительной статье. Но попробуем рассказать о некоторых из них. Главные составные части ГРМ таковы:

1. Михайловский дворец. Так и остался основным выставочным комплексом.

2. Корпус Бенуа. Построен в 1914-1920 годы по проекту архитектора Л. Н. Бенуа, здесь размещены павильоны Академии художеств.

3. Михайловский замок. Его помещения только в 1994 году переданы Русскому музею. Сегодня замок – филиал музея, в залах работают постоянные экспозиции, проводятся экскурсии.

4. Мраморный дворец. В 1922 году передан Русскому музею и стал его филиалом. Здесь разместилась выставка «Иностранные художники в России XVIII – первой половины XIX века» Здесь постоянно проходят выставки современных зарубежных и российских мастеров.

5. Строгановский дворец. В распоряжении Русского музея с 1988 года. В настоящее время в нем идут реставрационные работы. По окончании здесь откроется постоянная экспозиция, посвящённая русским коллекционерам XVII-XIX веков.

Один из залов музея Источник: https://www.pinterest.ru

В комплекс ГРМ входят также «Домик Петра I», Летний сад, Летний дворец Петра I, Кофейный домик, Чайный домик, Михайловский сад, Инженерный сад и другие объекты.

Все годы после открытия Русский музей продолжал развиваться, пополняться новыми экспонатами. Тяжёлым испытанием стали для работников музея годы Великой Отечественной войны. Часть коллекции была эвакуирована в Пермь, а то, что не удалось вывезти, бережно сохранялось в блокадном Ленинграде. Уже 9 мая 1946 года музей вновь открыл свои залы для посетителей.

ГРМ – это обширный комплекс, обрамляющий пространство русского искусства. Это и коллекция, и знаменитый реставрационный центр, и научно-исследовательский институт. Ежегодно экспонаты музея путешествуют по разным музеям мира, а сам он принимает коллекции из других хранилищ мира.

Обложка: Один из залов музея. Источник: https://www.pinterest.ru

19 марта 1898 года в Михайловском дворце открылся Русский музей имени императора Александра III — первый государственный музей национального искусства. Мы решили рассказать об истории его создания и выбрали по одному шедевру из каждого раздела искусства.

---

Создание Русского музея

В середине ХIХ века в Санкт-Петербурге начала формироваться идея создания крупного собрания русского искусства. Предложение основать общенациональный музей активно продвигали известные деятели русской культуры: Владимир Стасов, Александр Васильчиков, Иван Гончаров и другие. Александр III, посетив 17-ю выставку Товарищества передвижников, поддержал эту идею. Но он не успел претворить ее в жизнь — музей появился уже после его кончины, в годы правления его сына Николая II. 

13 (25) апреля 1895 года император Николай II издал именной высочайший указ «Об учреждении особого установления под названием „Русский музей императора Александра III“ и о представлении для сей цели приобретённого в казну Михайловского дворца со всеми принадлежащими к нему флигелями, службами и садом». Положение о музее он утвердил позже 14 (26) февраля 1897 года, подчеркнув в нем особый статус музея.

Музей официально открылся для посетителей 7 (19) марта 1898 года. В основу коллекции легли:

• 122 картины из Академии художеств;
• 95 картин из Зимнего дворца, пригородных дворцов — Гатчинского и Александровского;
• 80 картин из Эрмитажа;
• частные коллекции, в том числе собрания портретной живописи от наследников князя А. Б. Лобанова-Ростовского, рисунков и акварелей — от княгини М. К. Тенишевой. 

На момент открытия экспозиция составляла 445 живописных работ, 111 скульптур, 981 графический лист, а также около 500 памятников древней русской истории (иконы и изделия прикладного искусства).  В день открытия музея выставленные экспонаты заняли 37 залов на двух этажах.

Русский музей сейчас

За последние годы Русский музей увеличил свои площади более чем в два раза и занимает 75 тысяч квадратных метров. Сегодня это уникальный архитектурный комплекс из дворцов и садов в самом сердце Санкт-Петербурга. 

В состав музейного комплекса входят:

• Михайловский дворец, основной выставочный комплекс;
• Корпус Бенуа,построенный архитекторами Л. Н. Бенуа и С. О. Овсянниковым в 1910 — 1912 годах как выставочный павильон Академии художеств;
• Флигель Росси;
• Инженерный замок (Михайловский замок), который был передан музею только в 1994 году;
• Мраморный дворец, переданный музею в 1922 году;
• Строгановский дворец, попавший в распоряжении Русского музея с 1988 года;
• Летний дворец Петра I;
• Домик Петра I;
• Летний сад;
• Михайловский сад;
• Инженерный сквер и павильоны-кордегардии ансамбля Михайловского замка.

Его коллекции насчитывают более 450 тысяч экспонатов и охватывают все исторические периоды и тенденции развития русского искусства,  его основные виды и жанры, направления и школы с Х по ХХI век, что делает его крупнейшим в мире музеем русского искусства. Если у вас нет возможности дойти до многих шедевров вживую, то с коллекцией Русского музея в высоком разрешении можно ознакомиться на портале «Виртуальный Русский музей».

---

Шедевры Русского музея

Русский музей считается крупнейшим в мире музеем русского искусства. На 1 января 2015 года собрание Русского музея составило 410 945 единиц хранения. В это число входят лучшие произведения живописи, графики, скульптуры, нумизматики, декоративно-прикладного и народного искусства, а также архивные материалы. Как видно, отобрать самые самые шедевры практически невыполнимая задача, но мы постарались выбрать по одной работе от каждого направления. 

---

Древнерусская живопись

Икона «Архангел Гавриил (Ангел Златые Власы)» находится в Михайловском дворце в зале № 1. Она считается одной из древнейших икон в собрании Русского музея. Золотые нити волос являются символом величия и бессмертия в искусстве античного мира. Этот прием свидетельствует о глубокой связи с традициями искусства Византии. Большинство исследователей относят икону к XII веку новгородской школы живописи.

Икона изображает Архангела Гавриила, который

«един от великих князей небесных … искони посылаем был Богом на Землю, он принес Адаму в Рай заповедь не вкушать от дерева познания добра и зла, … он благовествовал Марии».

---

Древнерусское прикладное искусство и скульптура 

Оклад Евангелия московской печати 1677 года можно увидеть в зале 210 в Михайловском замке (Галерея Антиков императрицы Марии Федоровны). 

Евангелие заключено в золотой оклад, принадлежащий к лучшим произведениям эмальерного дела последней четверти XVII века. Каждый канонический текст открывают восемь миниатюр с образами евангелистов и символических существ в виде фронтисписов (страница с изображением, образующая разворот с лицевой страницей титульного листа).  

Евангелие принадлежало царю Федору Алексеевичу, старшему брату Петра I.   

---

Живопись

В Русском музее хранится несметное количество живописных шедевров, но мы остановимся на одной из самых известных работ в собрании музея.

В 14-ом зале Михайловского дворца можно увидеть картину И. К. Айвазовского «Девятый вал» (1850). Ее темой стало противоборство сил природы и воли человека. Грядет девятый вал — самая грозная, самая разрушительная, самая мощная волна, по бытующему в народе преданию. Но тьма ночи уже прорезана светом надежды, отчаянная воля к спасению должна победить разбушевавшийся океан. Художник писал свои полотна по памяти, в мастерской. Картина была приобретена для русской галереи Эрмитажа и стала одной из первых в коллекции открытого в 1898 году Русского музея императора Александра III. 

---

Рисунок и акварель

Во второй половине XVIII века в России работали два известных мастера силуэтного искусства, завоевавшие европейскую славу, — Ф. Г. Сидо и Ф. Антинг. На счету Франсуа Сидо около 200 силуэтных портретов придворных Екатерины II, вырезанных из бумаги, а придворный силуэтный портретист Иоганн Фридрих Антинг использовал для создания многочисленных погрудных изображений и целых композиций перо и тушь. Одна из известнейших его работ представляет великого князя Павла Петровича и великую княгиню Марию Федоровну с их сыновьями: Александром и Константином, сажающими деревце. Эта композиция имела несколько вариантов, что свидетельствовало об ее популярности. Работы И.-Ф. Антинга оказали существенное влияние на творчество живописца Ф. П. Толстого.

---

Гравюра

В начале XIX века широкое распространение получили эстампы с изображениями различных эпизодов Отечественной войны 1812—1814 гг. Значительная их часть была посвящена Бородинскому сражению. Одним из шедевров гравюры, хранящейся в Русском музее, считается литография художника Виктóра «Сражение при Бородине 26 августа 1812 года». Он выполнил ее по живописному оригиналу немецкого художника Петера фон Гесса. В центре композиции — момент ранения генерала П. И. Багратиона, командующего левым флангом русских позиций, которые встретили главный удар наполеоновских войск. Это произошло около полудня у деревни Семеновское.

---

Скульптура

В 1916 году художник-авангардист Натан Исаевич Альтман создал свой известный скульптурный автопортрет. Это произведение считается новаторским, так как в нем использовано необычное сочетание разных материалов: бронзы, меди и дерева. Смело экспериментируя с асимметричными элементами, Альтман создал портрет вне законов скульптуры.

Работу можно посмотреть в зале 75 Корпуса Бенуа.

---

Декоративно-прикладное искусство

По указу Петра I в 1717 в Петербурге была создана Императорская шпалерная мануфактура. Для работы на производстве набрали опытных ткачей из Королевской Гобеленовой мануфактуры в Париже, которую Петр I посетил в 1716 году. С этого времени начинается отсчет истории подготовки отечественных специалистов и формирования российского шпалерного искусства. 

В зале № 7 в Михайловском дворце можно увидеть шпалеру «Полтавская баталия» (1764). Она считается одним из значительных и наиболее известных произведений Петербургской шпалерной мануфактуры. На ткани изображен Петр I на коне во время битвы. 

Первоначально шпалеру обрамлял широкий бордюр с изображением гербов российских городов, которого она лишилась при неизвестных обстоятельствах. Фрагменты находятся в ГРМ и в Историческом музее в Москве. До 1863 шпалера находилась во владении петербургского мебельного фабриканта Тура, а затем до 1912 украшала стены Петровского дворца на Петровском острове. 

---

Народное искусство

В зале № 8 во флигеле Росси можно увидеть подзор второй половины XIX века. Это полоса со сквозным орнаментом, которой обрамляют нижний край спального ложа. Подзор вышит красными бумажными нитями и цветной шерстью по льняному полотну. Как и во всей русской народной вышивке, в каргопольской одним из популярных мотивов были изображения барсов и хищных орлов, а также птицы-павы с пышными хвостами.

Эти образы повторяются рядами на подзорах и подолах женских рубах, чередуются в разных сочетаниях или размещаются по сторонам средней фигуры или растительного мотива. Детальная разработка фактуры шитья с заполнением мелкими геометрическими мотивами придает изображениям характерную мозаичность. 

---

Искусство новейших течений

В зале № 24 Мраморного дворца находится картина Пикассо Пабло «Большие головы» (1969), которая входит в серию «Матадоры, мушкетеры и женщины». В этом цикле работ испанский художник иронически изображал характерных персонажей. Считается, что на этой работе Пикассо Пабло запечатлел Амура и Воина, которые являются символами любви и борьбы. Это первичные силы и движущие пружины жизни, для которых Пикассо постоянно находил во все новые и новые образы. Одна голова изображена в фас, а другая — в профиль. Такое соединение нескольких точек зрения — характерная черта кубизма, которым Пикассо увлекался в начале творческого пути.

Источник иллюстраций: rusmuseumvrm.ru

---

Содержание статьи

• История Михайловского дворца
• Михайловский дворец становится Русским музеем
• Коллекции Русского музея.
• Отделы музея.
• Дворцы Русского музея.
• Строгановский дворец
• Мраморный дворец
• Михайловский (Инженерный) замок

ГОСУДАРСТВЕННЫЙ РУССКИЙ МУЗЕЙ в Санкт-Петербурге, крупнейший в России (наряду с Третьяковской галерей в Москве) музей русского искусства. Учрежден в 1895, открыт в 1898 в перестроенном Михайловском дворце (1819 – 25, арх. К.И.Росси), главном здании архитектурного ансамбля площади Искусств. Официальное название до 1917 – Русский музей императора Александра III.

В состав фондов Русского музея входят коллекции русской и советской живописи, богатейшее в стране собрание скульптуры, одна из лучших коллекций гравюр и рисунков русских и советских художников, чрезвычайно интересное собрание произведений декоративно-прикладного и народного искусства.

В настоящее время музей занимает комплекс зданий, главное из которых – бывший Михайловский дворец и прилегающий к нему корпус, построенный К.И.Росси. В этих зданиях размещается экспозиция русского дореволюционного искусства.

В начале 1930-х музею отошел т.н. корпус Бенуа (проект 1910–1912, построен в 1914–1919, арх. С.О.Овсянников по проекту Л.Н.Бенуа), расположенный на набережной канала Грибоедова. Первоначально здание предназначалось для выставок различных художественных объединений и союзов. В настоящее время на втором этаже корпуса Бенуа экспонируются произведения искусства второй половины 19 – начала 20 в., на первом – советского искусства.

История Михайловского дворца

начинается с рождения великого князя Михаила Павловича (1798–1849), младшего сына императора Павла I, для которого решено было построить новый дворец, ежегодно откладывая на строительство несколько сотен тысяч рублей.

Постройка Михайловского дворца – П-образного в плане здания с 8-колонным коринфским портиком, началась 17 апреля 1819, когда Михаилу исполнился 21 год, а сумма ассигнований достигла 9 миллионов.

Архитектор К.И.Росси не только решил задачу строительства отдельного здания, он включил дворец в градостроительный комплекс, определивший облик Санкт-Петербурга. Росси проложил Михайловскую улицу (ул. Бродского), соединяющую дворец и Михайловскую площадь (площадь Искусств) с Невским проспектом, тем самым вводя новый архитектурный комплекс в общий ансамбль центра города и открывая перспективу на новую резиденцию.

В 1823 для внутренней отделки дворца были приглашены скульпторы: В.И.Демут-Малиновский, С.С.Пименов; живописцы: А.Виги, П. и Дж.-Б.Скотти, Б.Медичи, Ф.Брюлло; лепные мастера Н. и С.Саегины; резчики В.Захаров, В.Бобков; паркетчики С.Тарасов и М.Знаменский и др. Мебель, камины, люстры, канделябры, лепные украшения, резьба на дверях и консолях были исполнены по рисункам и под наблюдением Росси.

Обивка мебели, обои и ковры выписывались из Парижа от Картье и закупались у русских производителей: царскосельской мануфактуры, фабрики князя Юсупова, Доннера и московского фабриканта Гущина.

Решетка перед фасадом Михайловского дворца была отлита на Чугунном казенном Литейном заводе по проекту Росси мастером Бауманом. На том же заводе отливали решетку, выходящую на Мойку, чугунные балконы, парадную лестницу и решетку к ней, чугунных львов, установленных перед портиком, и маленький мостик в саду.

30 августа 1825 здание было освящено. В том же году К.И.Росси был награжден орденом Владимира 3-ей степени и бриллиантовым перстнем.

Михайловский дворец стал предметом восторга современников: красота фасадов, роскошь и вкус внутренней отделки, феерично-блестящая жизнь двора великой княгини Елены Павловны, супруги великого князя Михаила Павловича, а позже ее популярность в научном и артистическом мире столицы, придали Михайловскому дворцу значение своего рода культурного центра.

Внешний вид главного здания и западного флигеля дворца сохранился до наших дней практически без изменений. Все интерьеры подверглись переделке, за исключением Главного вестибюля с Парадной лестницей, и Белого зала, расположенного в центре анфилады 2 этажа, где остались нетронутыми не только живописное и скульптурное убранство, но и подлинная мебель, вазы, созданные по эскизам Росси. Остальные интерьеры были измены в ходе многочисленных переделок, которые велись, начиная с 1830-х годов (архитекторы А.И.Штакеншнейдер, Г.И.Боссе).

В 1873 Елена Павловна скончалась, дворец наследовала ее дочь, великая княгиня Екатерина Михайловна Мекленбург-Стрелицкая. Со смертью наследницы дворец перешел в казну, и в 1895 был приобретен императором Николаем II.

Михайловский дворец становится Русским музеем

по указу от 13 апреля 1895. До 1895 существовал проект о постройке специального здания музея русского искусства при Академии художеств, были составлены планы и смета.

Переделка жилых помещений Михайловского дворца в выставочные залы, устройство стеклянных потолков поручалось архитектору В.Ф.Свиньину (1865–1939). Первоначально Русский музей занял лишь центральную часть дворца. В корпусе Росси (левом флигеле) размещались служебные помещения и квартиры сотрудников.

В 1903 В.Ф.Свиньин начал перестройку правого флигеля дворца под этнографический музей. С 1934 этнографический отдел стал Государственным музеем этнографии народов СССР, отделившись от Русского музея.

В 1946–1948 была проведена реконструкция площади Искусств, реставрированы фасады зданий, разбит сквер (арх. Н.В.Баранов и др.), в центре которого установлен памятник А.С.Пушкину (бронза, гранит, 1957, скульптор М.К.Аникушин, арх. В.А.Петров)

Коллекции Русского музея.

Первоначальное положение о Русском музее предусматривало создание в нем трех отделов: отдела памяти Александра III; этнографического и художественно-промышленного; художественного. «Тройственный союз» разнохарактерных отделов оказался несостоятельным. Этнографические собрания впоследствии стали ядром самостоятельного музея. Мемориальный отдел в 1918 был упразднен, а сформированный вместо него историко-бытовой отдел в 1934 частично передан Эрмитажу, став основой его отдела русской культуры. Таким образом, название Русский музей изначально и традиционно закрепилось лишь за художественным отделом, размещенном в Михайловском дворце.

8 июля 1897 в Министерстве двора на основании «Высочайшего повеления» было принято решение о передаче произведений русской школы из Императорского Эрмитажа в Русский музей. Основу коллекций Русского музея составили произведения, поступившие не только из Эрмитажа, но и из Зимнего дворца, Академии художеств, царскосельского Александровского дворца, а также из частных собраний (коллекция князя А.Б.Лобанова-Ростовского (1824–1896), акварели и рисунки из собрания княгини М.К.Тенишевой). Первоначальное собрание Русского музея насчитывало около 1,5 тысяч произведений. Кроме того, Академия художеств полностью передала свой Музей христианских древностей (существовавший с 1858), насчитывавший примерно 5 тысяч памятников.

Лучшие вещи поместили на втором этаже в самом большом зале со стеклянным потолком, т.н. академическом (там, где прежде помещался дворцовый театр): Фрина на празднике Посейдона в Элевсине (1889) Г.И.Семирадского; Христос и грешница (Кто без греха?) (1888) В.Д.Поленова; Покорение Сибири Ермаком (1895) В.И.Сурикова; Русалка и Поцелуйный обряд К.Маковского; Николай Мирликийский избавляет от казни трех невинно осужденных (1888), Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану (1880–1891) И.Е.Репина.

В Русском музее с момента основания были представлены работы Антропова и Аргуновых, Боровиковского, Алексеева, Кипренского, Венецианова, Карла Брюллова, в т.ч. картина Последний день Помпеи (1833), поступившая из Эрмитажа.

Однако первоначальные коллекции музея носили далеко не полный характер: не были представлены произведения многих прославленных художников и даже целых периодов истории русского изобразительного искусства. Творчество Левицкого, Рокотова, Перова, А.Иванова было представлено весьма слабо. В собрании совсем не было работ мастеров 1 пол. 18 в., иностранных художников, работавших в России (за исключением Лампи), произведений Семена Щедрина и Куинджи, зато много работ художников незначительных.

В 1898–1917 собрание пополнялось путем приобретений и пожертвований.

Включение в состав музея коллекции русских и греческих икон, собранных историком и коллекционером Н.П.Лихачевым (1862–1936), позволило превратить отдел христианских древностей в 1914 в Древлехранилище памятников русской иконописи и церковной старины, ставшее на тот момент крупнейшей государственной коллекцией икон в России.

В 1902 был открыт этнографический, а в 1913 – историко-бытовой отделы (в 1934 выделены из Русского музея).

После 1917 собрание значительно увеличилось за счет национализированных художественных ценностей, крупных приобретений и перераспределения художественных фондов. Картины в залах разместили по историко-монографическому принципу, в хронологической последовательности, по эпохам, художественным школам и течениям. Были образованы отделы древнерусской живописи, искусства 18 и 19 вв.

В советское время Русский музей обогатился материалами декоративно-прикладного искусства.

В 1918 у Е.Е.Рейтнера (1848–1918) при содействии А.В.Луначарского было приобретено уникальное собрание графики (25 607 листов). Сумма оплаты была незначительна, однако Рейтнеру в качестве компенсации была предоставлена квартира в музее и пожизненная должность хранителя и попечителя его собрания.

В 1926 Русскому музею была передана коллекция Музея при Государственном институте художественной культуры, включавшая произведения первой четверти 20 в. На ее основе в Русском музее сформировалось крупнейшее в мире собрание русского авангарда.

В 1934 был создан отдел советского искусства, в 1937 – народного искусства.

На сегодняшний день коллекции Русского музея насчитывают ок. 400 000 единиц хранения.

Отделы музея.

В древнерусском отделе представлены выдающиеся памятники иконописи, с 12 до конца 17 вв. Одна из самых ранних икон – Ангел Златые власы (12 в.), к 12–13 вв. относятся Богоматерь Умиление; Иван, Георгий и Власий; Георгий в житии.

Оригинальны по манере исполнения иконы псковских иконописцев 14–15 вв.: Сошествие во ад, Дмитрий Солунский; тонки и изысканы творения мастеров Ростово-Суздальской земли: Борис и Глеб, Новгородской школы Чудо Георгия о змие.

Среди произведений Андрея Рублева можно выделить икону Апостол Павел.

Завершают экспозицию произведения Симона Ушакова – крупнейшего художника 2 половины 17 в. (Троица).

Особенно богата коллекция искусства 18–1 пол. 19 вв.

Экспонаты отдела искусства 18 в. дают яркую картину развития в России новой светской культуры. Ведущим в искусстве этого времени стал жанр портрета. Представлены произведения многих художников: И.Н.Никитина (около 1680 – не ранее 1742), первого крупного мастера этого жанра (Петр I, Портрет напольного гетмана, оба – 1820-е), А.М.Матвеева (Автопортрет с женой, 1729); работавших чуть позднее И.В.Вишнякова (1699–1761) (Портрет Сары Фермор, ок.1750), А.П.Антропова (Портрет М.А.Румянцевой, 1764), И.П.Аргунова (1727–1802) (Портрет И.И.Лобанова-Ростовского, 1750). Особое место в отделе занимают произведения Ф.С.Рокотова (Портрет Е.В.Санти, 1785), Д.Г.Левицкого (Смолянки, 1770-е), В.Л.Боровиковского (Портрет В.И. Арсеньевой, 1796), в творчестве которых портретная живопись 18 в. достигла своего расцвета.

Рядом полотен представлено творчество А.П.Лосенко – основоположника отечественной исторической живописи (Владимир и Рогнеда, 1770).

В экспозиции находятся произведения скульптора К.Б.Растрелли (Портрет Петра I, 1723; Анна Иоанновна с арапчонком, 1741), работавшего в первой половине 18 в., а также творения замечательной плеяды ваятелей 2 пол. 18 в. – Ф.И.Шубина, М.И.Козловского (1753–1802), И.П.Мартоса и др.

В собрании Русского музея существует огромный материал так называемой «россики». Это живописные, скульптурные, гравированные, рисованные произведения иностранных художников 18 и 19 вв.

Значительное место в экспозиции отдела искусства 1 половины 19 в. занимают мастера исторической живописи, занявшей ведущее положение в системе искусств это времени. Музею принадлежит самая большая в стране коллекция произведений мастеров академической школы: Ф.А.Бруни (Смерть Камиллы, сестры Горация, 1824; Медный змий, 1841), К.П.Брюллова (Последний день Помпеи, 1833). А.А.Иванова (этюды к картине Явление Христа народу).

Портретная живопись представлена работами О.А.Кипренского (Портрет А.Швальбе, 1804; Портрет Е.В.Давыдова, 1809); К.П.Брюллова (Портрет Ю.П.Самойловой, не позднее 1842); В.А.Тропинина (Гитарист, 1839, Казначейша, 1841). Среди пейзажей особенно знаменит Девятый вал (1850) И.К.Айвазовского.

Интересно показано творчество художников бытового жанра: А.Г.Венецианова (Утро помещицы, Спящий пастушок, обе – 1820-е) и художников его школы, а также П.А.Федотова (Сватовство майора, 1851; Вдовушка, 1852).

Скульптура этого времени представлена работами С.С.Пименова (Геркулес и Антей, 1805), В.И.Демут-Малиновского (Русский Сцевола, 1813; Портрет А.В.Суворова, 1814).

Творчество 2 пол. 19 в. полнее представлено в Третьяковской галерее, однако и в Русском музее хранятся произведения мастеров «Товарищества передвижных художественных выставок» (основано в 1871): обличительные полотна В.Г.Перова (Трапеза, 1865–1876), драматические произведения Н.Н.Ге (Петр I допрашивает царевича Алексея в Петергофе, 1872), Портреты И.Н.Крамского (1837–1887): (Портрет И.И.Шишкина, 1880; Портрет Мины Моисеева, 1882), Н.А.Ярошенко (Портрет И.Н. Крамского, 1876; Портрет Н.Н.Ге, 1890).

Пейзажная живопись представлена картинами А.К.Саврасова, И.И.Шишкина, Ф.А.Васильева и А.И.Куинджи.

Многогранное творчество И.Е.Репина представлено монументальными полотнами (Бурлаки на Волге, 1873; Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану, 1891, многочисленными портретами).

Украшением собрания являются полотна В.И.Сурикова (Покорение Сибири Ермаком, 1895; Переход Суворова через Альпы, 1899, Степан Разин, 1907).

Русское искусство, начиная с 80-х гг. 19 в., и до 1917, отличалось активным поиском новых тем, образов и выразительных средств.

Среди произведений художников конца 19 – начала 20 вв. – работы крупнейших мастеров этого времени: И.И.Левитана (Озеро, 1900), В.А.Серова (многочисленные портреты и картины, Похищение Европы, 1910, Одиссей и Навзикая, 1910); М.А.Врубеля (Летящий демон, 1899; Шестикрылый серафим, 1904), М.В.Нестерова.

В экспозиции широко представлены произведения художников таких известных объединений как «Союз русских художников» (К.А.Коровин); «Мир искусства» (А.Н.Бенуа, К.А.Сомов, Е.Е.Лансере); «Голубая роза» (П.В.Кузнецов, М.С.Сарьян); «Бубновый валет» (И.И.Машков, П.П.Кончаловский).

Скульптура представлена работами П.П.Трубецкого, А.С.Голубкиной, А.С.Матвеева и С.Т.Коненкова.

В отделе советского искусства – произведения скульпторов А.Т.Матвеева; А.С.Голубкиной; В.И.Мухиной; С.Т.Конёнкова; живописцев А.А.Рылова; Н.П.Крымова; П.П.Кончаловского (Возвращение с ярмарки, 1929); С.В.Герасимова (Клятва сибирских партизан, 1933); А.А.Дейнеки (Оборона Севастополя, 1942) и др.

Музею принадлежит самая большая в стране коллекция произведений К.С.Петрова-Водкина (Смерть комиссара, 1927; Тревога, 1919 год, 1934).

Русский музей владеет большой коллекцией искусства тоталитарной эпохи. В то же время музей сохранил изгоняемые в годы сталинского правления произведения мастеров классического авангарда 1900–1920-х, и по возможности приобретал и принимал в дар работы художников, находившихся «вне закона», называвшихся в те годы формалистами. Произведения многих из них долго хранились в фондах, не показывались зрителям и не публиковались.

Лишь с 1960-х художественный процесс начал восстанавливаться. В настоящее время, наряду с произведениями современного искусства классической направленности, музей собирает работы нынешних авангардистов – живописцев, мастеров фотографии, инсталляций, графиков, скульпторов.

Около 900 работ насчитывает экспозиция книжной и станковой графики (гравюры А.П.Остроумовой-Лебедевой, акварели Н.А.Тырсы, литографии А.Ф.Пахомова, гравюры В.А.Фаворского, рисунки В.Н.Горяева и др).

Отдел декоративно-прикладного искусства состоит из нескольких разделов. Первый из них – раздел древнерусского прикладного искусства (11–18 вв.) – включает многие уникальные памятники (шитье и деревянная скульптура 15–18 вв. (Черниговская гривна).

К значительным экспонатам раздела 18 – начала 20 вв. принадлежат работы мастеров Петербургской шпалерной мастерской (Полтавская баталия, 1764); изделия из фарфора (виноградовский фарфор, знаменитые сервизы: Юсуповский, 1790-е, Гурьевский, 1809, Михайловский, 1830), стали (работы тульских мастеров второй половины 18 в.), стекла, резной кости.

Декоративно-прикладное искусство рубежа 19–20 вв. представлено работами выдающихся художников – М.А.Врубеля (майолика), К.А.Сомова (Дама, снимающая маску, 1906), В.А.Серова (Похищение Европы, 1910).

Среди экспонатов советского раздела огромный интерес представляет уникальный агитационный фарфор первых лет революции; изделия из стекла, выполненные В.И.Мухиной, работы художников Ленинградского фарфорового завода имени М.В.Ломоносова (сервиз В.М.Городецкого Цветущий кобальт).

Экспозиция отдела народного искусства насчитывает около 1500 экспонатов (с 17 в. по настоящее время). Представлены все виды народного творчества: кружево и набивные ткани, керамика и вышивка, резьба по дереву и кости, деревянная скульптура, игрушка, лубок, лаковая миниатюра Палеха, Мстеры, Холуя. Отдельно выставлены фрагменты резного убранства поволжских изб (фронтоны, наличники, декоративные фризы).

В отделе экспонируются изделия известных художественных промыслов (современная гжельская керамика, ювелирные изделия, работы косторезов Холмогор и Тобольска, хохломская роспись, богородская игрушка)

Дворцы Русского музея.

Михайловский дворец стал тесен для одновременного хранения и показа громадной, постоянно растущей коллекции. Правительство России и мэрия Санкт-Петербурга передали музею три исторических издания в центре города.

Строгановский дворец

(построен в 1753 арх. Б.-Ф.Растрелли – был передан Русскому музею в 1989.

Дворец занимает участок на углу Невского проспекта и набережной Мойки. В отделке дворца, построенного по заказу барона Сергея Строганова, принимал участие знаменитый итальянский живописец Дж. Валериани. Плафон его кисти – Телемак на Олимпе – и ныне украшает Большой Танцевальный зал.

Граф Александр Сергеевич Строганов, президент Академии художеств, на рубеже 18 и 19 вв. заказал арх. А.Воронихину (работал совместно с Ф.Демерцовым) создание новых интерьеров, в частности, восточной анфилады, в которой разместились Минералогический кабинет, Картинная галерея, библиотека и Физический кабинет. Собрание Строганова включало минералы, монеты, медали, картины Ван Дейка, Пуссена, Лоррена, Гвидо Рени и др. К 1793 А.С.Строганов создал первый в России каталог картин на материале своего собрания.

После революции 1917 дворец был национализирован и в 1919–1931 существовал как Музей старого быта, который затем был упразднен. После решения правительства 1929 о ликвидации всех его коллекций, богатейшие собрания разошлись по разным музеям, часть пропала бесследно.

В 1930-х дворец был передан военной организации, доступ в него не разрешался даже специалистам-историкам.

Сейчас несколько парадных залов уже отреставрировано, в них открываются выставки.

Мраморный дворец

(1768–1785, арх. А.Ринальди) был передан Русскому музею в январе 1992.

Основным материалом для отделки здания являлись естественные разноцветные мраморы и граниты, что и дало ему название – Мраморный.

Екатерина II строила Мраморный дворец, предназначая его в подарок графу Г.Г.Орлову, который умер в 1783. Императрица выкупила дворец у наследников Орлова в казну, и в 1796 подарила его своему внуку – великому князю Константину Павловичу по случаю его бракосочетания с принцессой Саксен-Кобургской Анной Федоровной.

Затем, в 1832, Николай I пожаловал дворец своему второму сыну великому князю Константину Николаевичу. К 1830 здание находилось в аварийном состоянии, его отделка была демонтирована. Капитальная реконструкция поручалась придворному архитектору А.П.Брюллову, который не внес изменения в оформление фасадов здания, но заново оформил его интерьеры.

В 1888 владельцем дворца становится сын великого князя Константина, Константин Константинович. Для него в 1880–1890-е на первом этаже создается ряд апартаментов: Английский кабинет, Готическая музыкальная гостиная, Нижняя библиотека, уже с деревянной отделкой. С этого времени и вплоть до революции Мраморный дворец становится центром культурной жизни столицы.

С 1919 по 1936 во дворце размещалась Российская Академия истории материальной культуры. С 1937 – филиал Центрального музея В.И.Ленина. Архитектурная отделка залов второго этажа была уничтожена, а мраморные статуи работы Ф.Шубина, стоявшие в нишах Парадной лестницы, переданы в ГРМ. Переделки не коснулись лишь Мраморного зала, в отделке которого использовано 7 сортов мрамора: греческих, итальянских, уральских, карельских, сибирских пород. Украшен зал барельефами, исполненными Ф.Шубиным и М.Козловским, а также плафоном С.Торелли Торжество Венеры. Сохранилась мраморная отделка Парадной лестницы и ее плафон Суд Париса, исполненный немецким живописцем 18 в. И.Кристом.

В настоящее время в Мраморном дворце открыты постоянные экспозиции «Музей Людвига в Русском музее», «Зарубежные художники в России», проходят выставки современных художников. Известные немецкие коллекционеры Ирэна и Петер Людвиг подарили Русскому музею картины отечественных художников 1970–1980-х, эмигрировавших на Запад. Этот дар восполняет пробелы в общей картине художественной жизни страны.

Михайловский (Инженерный) замок

(1796–1800, арх. В.И.Баженов, В.Бренна) – полностью перешел в ведение Русского музея в марте 1995.

Еще в апреле 1991 Русский музей получил в аренду треть площади и, отреставрировав Домовую церковь архангела Михаила, открыл первую музейную экспозицию.

Дворец – резиденция императора Павла I, был назван Михайловским в честь Архангела Михаила – небесного покровителя Дома Романовых. Здание, соединившее черты средневекового рыцарского замка и светского европейского дворца 18 в., расположено на острове, омываемом водами Фонтанки и Мойки. Вдоль южного и западного фасадов были прорыты каналы, через них перекинули мосты, охраняемые караулами. Все 4 фасада дворца были разными. Главный южный фасад украшали мощные гранитные обелиски с императорскими вензелями. Рельеф на фронтоне История заносит на свои скрижали славу России исполнен братьями Стаджи. Перед дворцом по воле Павла I была установлена конная статуя Петра I, созданная еще в 1740-х по модели К.-Б.Растрелли.

Михайловский замок прослужил в качестве парадной резиденции только 40 дней: в ночь с 11 на 12 марта Павел I был убит в своей спальне, став жертвой заговора. После этого парадные покои роздали под частные жилые квартиры, а в начале 1820-х здание было передано Главному Инженерному училищу, которое размещалось там до середины 1960-х. В 1823 Михайловский замок был переименован в Инженерный.

В настоящее время здесь открыта постоянная экспозиция «Русский парадный портрет», проходят временные выставки.

Ольга Морозова

История создания Государственного Русского музея

Создателем музейного комплекса считается царь Николай II — формирование коллекций началось в 1895 году, открытие состоялось в марте 1898 года. Первое название музея — «Русский Музей Императора Александра III». Николай II посвятил создание комплекса своему отцу — именно Александр III увлекался коллекционированием разнообразных предметов искусства, ковров, картин, и для ценных предметов понадобилось помещение.

Историки сравнивают его страсть с увлечением Екатериной II, которая не уступала императору в любви к ценностям и антиквариату. Изначально коллекции Александра III хранились в Большом Гатчинском, Аничковом и Зимнем дворцах, но со временем перестали там помещаться. Ещё при жизни императора коллекция насчитывала больше 1000 ценных экземпляров — скульптур, картин, редких ковров и других предметов искусства.

После смерти Александра III его сын Николай II решил создать музей в память об отце и показать миру его коллекции. Крупнейшее собрание предметов русского искусства, собранное непосредственно Александром III, состояло из коллекций, которые император собирал ранее в Академии художеств, Эрмитаже и императорских дворцах. Экспонаты составили гармоничные экспозиции и уже тогда считались уникальным историческим достоянием.

Музей расположили в здании Михайловского дворца — изначально экспонаты хранились только в этом сооружении. Дворец строили для Михаила Павловича — князя, который был сыном императора Павла I. Император погиб в результате дворцового переворота и не дождался окончания возведения здания. Но дворец всё равно достроили. Автором проекта и осуществлением надзора за строительством был известный архитектор Росси.

В планах зодчего был не только дворец — Росси спланировал и воплотил в реальность площадь перед строением, Инженерную и Михайловскую улицы. Первый камень в основание будущего издания торжественно заложили в середине июля 1819 года, через несколько дней началось строительство. Завершение строительства датируется 1895 годом, к этому времени были готовы также площадь, новые улицы и разбит сад со стороны Марсового поля.

Современный Русский музей является сложным музейным комплексом. Основные экспозиции музея расположены в пяти зданиях: Михайловском дворце, где расположен выставочный корпус Бенуа, Михайловском замке, Мраморном дворце, Строгановском дворце и Летнем дворце Петра I. На территории музейного комплекса музея также расположены: Домик Петра I на Петровской набережной, Летний сад, Михайловский сад и другие строения.

Архитектурно-парковый комплекс Государственного Русского музея

Все здания на территории комплекса представляют историческую ценность и построены в разные периоды. Над созданием дворцов работали выдающиеся архитекторы тех времён — например, для возведения Летнего дворца Петра I в 1710—1714 годах был приглашён итальянский зодчий Трезини, результатом его работы стало здание в стиле барокко. В то время как Михайловский дворец построен в стиле ампир.

Летний дворец Петра I

Двухэтажное здание отличается компактностью — во дворце имеются 14 комнат и 2 кухни. Строение предназначалось для летнего использования, поэтому стены довольно тонкие, а рамы одинарные. Интерес представляют архитектура здания и интерьер. Итальянский архитектор Трезини создан уникальные фасады и внешние барельефы, демонстрирующие все признаки барокко.

Интересный факт: над созданием фасадов работал немецкий скульптор Андреас Шлютер, который дополнил проект Трезини небольшими элементами немецкой готики. Внешнее оформление дворца украшено 29 барельефами, сюжетом которых является Северная война. Скульптуры на фасаде выполнены в необычной аллегорической форме. Внутренние стены и потолки расписаны художниками — над оформлением трудились Захаров, Заварзин, Матвеев.

Мраморный дворец

Итальянский архитектор Антонио Ринальди трудился над проектом до 1768 года, после чего началось строительство. Окончание возведения Мраморного дворца — 1785 год. Здание является завершающим в архитектурной композиции построек, примыкающих к Зимнему дворцу. Дворец назван Мраморным благодаря известному зодчему Ринальди. Именно его работы характеризуются особенностью — созданием «мраморных фасадов».

Антонио Ринальди имел должность архитектора при дворе будущего супруга императрицы Екатерины II и работал в России с 1754 года. Он является автором множества дворцов, но Мраморный считается самой выдающейся и масштабной работой известного зодчего. Здание строилось для фаворита Екатерины II Григория Орлова, который помог императрице занять престол. Период совпал с найденными в России залежами мрамора.

В результате отделка дворца была выполнена из российского и итальянского мрамора — для фасадных и внутренних работ использовали 32 сорта ценного камня. Внешне здание выглядит строго и монументально, стилистика демонстрирует элементы раннего классицизма. Лицевая часть фасада смотрит на Марсово поле, украшена классическими колоннами. Задняя часть дворца декорирована коринфскими пилястрами и двумя статуями на аттике авторства известного скульптора Шубина.

Шубин работал с Козловским, в результаты были создано уникальное декоративно-скульптурное внутреннее убранство здания. Из сохранившихся элементов особый интерес представляют первые ярусы стен и отделочный декор парадной лестницы. Парадный двор ограждён столбами и копьями, в восточной части построено здание служебного корпуса. На западной стене дворца находится барельеф Клодта «Служение лошади человеку».

Строгановский дворец

Созданием дворца Строгановых занимался известный архитектор Растрелли, строительство велось в течение 1753—1754 годов. Над возведением здания работали и другие известные архитекторы — Растрелли помогали Воронихин, Росси, Колодин, Садовников и Шарлемань. До XVIII века Строгановы были поморскими крестьянами. Род разбогател за счёт торговли, впоследствии выходцы семьи стали купцами, а со временем — дворянами.

Домик Петра I

Уникальное на сегодня здание было построено из дерева всего за три дня. Строение предназначалось в качестве летней резиденции Петра I и использовалось с 1703 по 1708 годы. Площадь домика составляет 60 квадратных метров, строительством занимались плотники из солдатского состава. Архитектурная особенность — использование тёсаных брёвен из сосны и голландская стилистика.

Не менее оригинально выглядят деревянные двери с необычными металлическими накладками — подобный стиль также считается голландским. Кроме этого, Пётр I хотел придать деревянному дому вид каменного, из-за чего круглые брёвна были счёсаны и окрашены в красный цвет для имитации кирпичной кладки. Большие окна оснастили мелкой расстекловкой, гонт на крыше создавал иллюзию черепицы.

Инженерный замок

Второе название замка — Михайловский, его построили по заказу царя Павла I в конце XIX века. Печальную известность здание получило из-за смерти Павла I. Название «Михайловский» замок получено по двум причинам. Первая — внутри замка находится храм архангела Михаила. Второе — необычная причуда Павла I, который получил звание рыцаря Мальтийского ордена и решил называть все здания замками.

Название «Инженерный» получено из-за расположенного поблизости Николаевского инженерного училища. Архитектор Баженов получил распоряжение Павла I о создании проекта замка и приступил к реализации заказа. В планах императора было создание постоянной парадной резиденции — соответственно, работы велись под особым контролем со стороны заказчика. Руководителем строительства назначили архитектора Бренна.

Бренна руководил строительством, но не является создателем проекта замка. Он переработал первоначальную работу Баженова, дополнив её декорациями фасадной части. Помощниками Бренна были назначены Росси и Свиньин. Павел I торопил строителей, поэтому к возведению императорской резиденции привлекли Джакомо Кваренги и Чарльза Камерона. После смерти императора семья Романовых покинула резиденцию.

Павла I убили в этом здании через 40 дней после новоселья. В результате Инженерный замок пришёл в запустение на 20 лет. Более того, Романовы фактически разрушали творение Павла I. Например, серебряные ворота церкви были отданы на переплавку Александром I — он решил сделать подарочный сервиз для своей сестры. Печальная участь постигла и мрамор, который использовался Николаем I для украшения нового Эрмитажа.

Экспозиции Государственного Русского музея

Главными экспонатами Государственного Русского музея являются произведения искусства — коллекции полотен известных авторов. Музейные богатства можно перечислять бесконечно — экспозиция действительно вмещает огромное количество ценнейших экспонатов. Так, среди хранящихся в музее ценностей представлены работы Брюллова, Никитина, Айвазовского, Левитана и других известных живописцев.

Легендарная работа Брюллова «Последний день Помпеи» имеет мировую известность и привлекает зрителей из разных стран. Будущая картина создавалась художником поэтапно, он посетил Помпеи в 1828 году, где сделал наброски будущей работы. На картине изображено извержение вулкана Везувия и гибель города Помпеи. Картина выставлялась в Риме и в парижском Лувре — критики высказывали восторг, признавая мастерство автора.

Одной из наиболее знаменитых картин Ивана Айвазовского считается «Девятый вал». Российский художник-маринист изобразил людей, потерпевших кораблекрушение. Критики восхищаются интересной особенностью картины — сочетанием мощной беспощадной стихии и беспомощности человека перед природой. При этом художник сумел смягчить трагизм изображения — работа выполнена в тёплых тонах.

Условия посещения Государственного Русского музея

Государственный Русский музей расположен в Санкт-Петербурге по адресу: ул. Инженерная, дом 4. Вход платный, стоимость билетов и льготные категории граждан отображены на официальном сайте. Для туристов предусмотрены аудиогид или экскурсии с опытным экскурсоводом. По вторникам музей не принимает посетителей, в понедельник график работы с 10.00 до 18.00, в остальные дни — с 10.00 до 20.00.

Как добраться до Русского музея

Ближайшие станции метро — «Гостиный двор» и «Невский проспект». С обеих станций метрополитена предусмотрены два выхода — на Михайловскую улицу и Невский проспект. Оба пути подходят, чтобы добраться до музея — желательно воспользоваться онлайн-картой и проложить наиболее удобный маршрут. Можно доехать наземным транспортом — автобусами или троллейбусами до остановок «Площадь искусств», «Садовый мост», «Инженерная улица».

Русский музей – храм российского искусства и культуры. Экспозиции Русского музея представляют важные вехи развития русской живописи, начиная с иконописи 12 века и заканчивая авангардом и социалистическим реализмом. Путешествие по музею не только познавательно, оно дает понимание русской культуры на протяжении веков.

История главного здания музейного комплекса

Государственный Русский музей – это большой музейный комплекс, охватывающий несколько зданий и парковых садов, которые вызывают восхищение своей архитектурой – Строгановский дворец, Мраморный дворец, Михайловский замок и Летний дворец Петра I. Отправной точкой маршрута в истории искусства России является главное здание музейного комплекса – великолепный Михайловский дворец и его западным корпусом, зданием, известным как Корпус Бенуа, построенным по проекту архитектора Леона Бенуа.

Построенный в 1825 году по проекту Карло Росси он представляет прекрасный образец величественного русского неоклассицизма. Идея строительства роскошной резиденции принадлежит императору Павлу I. В 1798 году император выделил средства для строительства дворца, после рождения младшего сына – великого князя Михаила Павловича. По замыслу императора, «дабы сын, достигнув совершеннолетия, по крайней мере, мог жить по-царски». Убитый в Михайловском замке 24 марта 1801 года Павел I не смог реализовать свою идею.

Желание императора было реализовано его старшим сыном, императором Александром I, когда Михаилу исполнился 21 год, в 1819 году началось строительство дворца. Михайловский дворец оставался великокняжеской резиденцией до кончины Михаила Павловича в 1849 году. После смерти великой княжны Екатерины Михайловны, внучки Павла I, в 1894 года дворец перешел ее детям Георгу, Михаилу и Елене, герцогам и герцогиням Мекленбург-Стрелицким, что создало политическое затруднение. Технически они были поданными герцогства Мекленбург-Стрелиц, но Михайловский дворец должен был оставаться собственностью семьи Романовых.

Дворец решил купить император Александр III и основать в нем институт имени великой княжны Ксении Александровны, его дочери. Но Александр, которому не было и пятидесяти, умер 21 сентября 1894 года. Его сын и преемник Николай II поручил министру финансов Сергею Витте организовать покупку Михайловского дворца. 20 января 1895 года дворец снова перешел в руки Романовых. Николай II предпочел оставаться в Зимнем дворце, а предполагаемый институт имени великой княжны Ксении Александровны занял Николаевский дворец. Тогда Витте предложил, что Михайловский дворец станет подходящим местом для музея русского искусства имени императора Александра III. Николай II согласился.

Именным Высочайшим Указом российский император основал Русский музей императора Александра III и передал в его распоряжение комплекс Михайловского дворца. Музей находился в ведении великого князя Георгия Михайловича, а под руководством профессора Михаила Боткина была создана комиссия по перестройке дворцовый интерьеров в музей, которую осуществил Василий Федорович Свиньин в 1895-1898 годах.

Коллекции

В постоянных экспозициях, составляющих основную часть собрания Русского музея, представлены произведения русского искусства от иконописи до социалистического реализма. Русский музей сохраняет крупнейшую коллекцию русского авангарда.

Русский музей известные картины:

• Последний день Помпеи Карла Брюллова
• Девятый вал Ивана Айвазовского
• Бурлаки на Волге Ильи Репина
• Запорожцы Ильи Репина
• Самая большая картина в Русском музее (размер: 400 × 877 см (35 м²)) – Илья Репин, Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года в честь столетнего юбилея со дня его учреждения
• Трапеза Василия Петрова
• Рыбаки Григория Сорока
• Христос и грешница Василия Поленова
• Лунная ночь на Днепре Архипа Куинджи
• Женщина в окне Василия Тропинина
• Великий постриг Михаила Нестерова
• Корабельная роща Ивана Шишкина
• Витязь на распутье Виктора Васнецова
• Портрет Зинаиды Юсуповой Валентина Серова
• Заморские гости Николая Рериха
• Бабы Филиппа Малявина
• Купчиха за чаем Бориса Кустодиева
• Портрет В.Э.Мейерхольда Бориса Григорьева
• Шестикрылый серафим Михаила Врубеля
• Прогулка Марка Шагала
• Супрематизм Малевича
• Композиция №223 Василия Кандинского

Древнерусское искусство

Собрание древнерусского искусства представлено предметами декоративно-прикладного искусства, мелкой пластики, скульптуры. Но основная часть собрания – иконы. Коллекция икон Русского музея насчитывает около пяти тысяч произведений 12–начала 20 века, как известных иконописных школ, так и произведения провинциальных мастеров.

Икона для православных всегда была большим, чем искусство. Икона символизирует мост между земным и божественным. Православие разработало детальную иконопись с определенными канонами, которых придерживался каждый иконописец. Правила не прописывались, но передавались из поколения в поколение от мастера к ученику. От иконописцев ожидалось, что они будут копировать общепринятый образ византийской традиции настолько точно, насколько это возможно. Тем не менее, каждое новое поколение иконописцев вносило свой вклад в развитие жанра, создавая свой особый стиль.

Знаменитые иконы Русского музея:

1. Ангел Златые Власа
   – одна из старейших русских икон, на которой изображен архангел Гавриил, датируемая второй половиной 12 века. Большинство ученых относит ее к новгородской школе. Возможно, она была перевезена в столицу из Новгорода во время правления Ивана Грозного. Название связано с золотыми волосами архангела, выполненными в технике ассист, с использованием сусального золота. Вдоль волос проложены золотые нити, что заставляет сиять ангела «небесным» светом, символизируя Царство Христово.
2. Богоматерь Умиление (Белозерская) конца 13 века – тип иконописи, в котором Иисус прижимается к щеке Богоматери.
3. Святые Борис и Глеб, начало 14 века, московская школа. Хотя она не имеет прямой связи с византийским искусством, но провозглашает ренессансный стиль Палеологов.
4. Русский музей самое интересное: Чудо Георгия о змие, новгородская школа 14 века. Красный фон и точный жест воина, вонзающего копье в пасть дракона, придают этой иконе эмоциональный и динамичный характер. Ореол святого напоминает о его духовности в победе Добра над Злом.
5. Сошествие во ад Дионисия , ведущего иконописца московской школы на рубеже 15 и 16 веков. Его стиль иногда называют «московским маньеризмом».
6. Троица Ветхозаветная Симона Ушакова. Русский музей интересные факты: творчество Семена Ушакова ценили при царском дворе, и меньше Православная церковь. Она видела непристойные черты западного общества в созданных им ликах. Оставив в стороне противоречия, иконы Семена Ушакова, если сравнивать их с суровыми изображениями иконописцев прошлого, стали поворотным моментом в русском искусстве.

Имена мастеров иконописи история не сохранила. Иконопись – консервативна по своей природе, во многих случаях считается ремеслом, в котором художник – инструмент для воспроизведения. Иконописцы не стремились к славе, они считали себя смиренными божьими слугами. Иконы описываются региональной школой и типом изображения.

Живопись 18 – первой половины 19 века

Это наиболее полная коллекция музея включает полотна, которые составили основу собрания при формировании Русского музея. К началу 18 века значительного статуса достигла портретная живопись, но в эстетических рамках древнерусского искусства. Развился стиль живописи, который находился где-то между иконописью и парсуной (вид портретной живописи, сочетающий стилистические качества и приемы традиционной русской иконописи и европейского светского портрета).

В коллекции музея работы основателя жанра русский портрет Андрея Матвеева, основателя русской портретной школы Ивана Никитина, портреты Федора Рокотова, Ивана Аргунова, Ивана Вишнякова, Дмитрия Левицкого, Владимира Боровиковского, придворного живописца при дворе Петра I Иоганна Готфрида Таннауэра и другие.

Портретный стиль Дмитрия Левицкого и его шедевры

Творчеству мастера камерных и парадных портретов Дмитрия Левицкого посвящен один из залов Русского музея. Он самый универсальный художник своего времени, как сюжетно, так и с точки зрения композиции. Эти качества сделали его знаменитым на Западе, где Левицкого называли «русский Гейнсборо». Много заказов было получено от Екатерины; портреты императрицы и ее подданных должны были усилить гуманистические достижение и политические успехи ее правления.

По заказу Екатерины популярный в свою эпоху художник выполнил портреты воспитанниц Смольного института благородных девиц, основанного императрицей. Серия из семи портретов Смолянки украшала Большой дворец в Петергофе, пока не была приобретена Русским музеем. Самая известная картина серии – Портрет Хрущовой и Хованской, в котором девочки разыгрывают перед императрицей сцену из пьесы Нинетта при дворе Шарля-Симона Фавара.

Портрет архитектора Александра Филипповича Кокоринова был написан для реорганизованной Академии художеств в 1770 году. По замыслу, это парадный портрет. К торжественному празднованию закладки Академии Кокоринов заказал шитый золотом камзол и белый атласны кафтан, отороченный соболем, что дало возможность Левицкому проявить мастерство в передаче в передаче фактуры тканей. Несмотря на жанр парадного портрета, Левицкий написал модель в независимой позе, слегка вальяжной с оттенком усталости. План Академии художеств разложен на роскошном бюро перед ним.

Антон Лосенко – основоположник исторической живописи

В то время как его предшественники в основном были портретистами, Антон Лосенко, представитель классицизма, пробовал себя в историческом жанре. Владимир и Рогнеда – первый живописный пример на исторический сюжет в России, почерпнутый из «Древней российской истории» Михаила Ломоносова. Новгородский князь Владимир просит руки полоцкой княжны Рогнеды. Получив отказ, он начинает войну с полоцким княжеством, убивает ее отца, полоцкого князя Рогвольда, и братьев. Рогнеду он силой берет в жены. В соответствие с идеалами нравственности и гуманизма эпохи Просвещения и критикой деспотизма Лосенко изображает момент покаяния, когда Владимир просит прощения за свои деяния. История картины

Развитие живописи в 18-начале 19 века

Портретная живопись восемнадцатого века в России отражала доминирующее в то время понимание общества: мужчины и женщины рассматривались в первую очередь как типы (представители социального класса). Все изменилось с портретами Ореста Кипренского. Теперь взгляд художника был направлен на отдельного человека с его особыми обязанностями перед обществом и самим собой. Несмотря на то, что Кипренский учился на художника исторического жанра (Дмитрий Донской на Куликовом поле), он сосредоточился на портретной живописи. Его портретные произведения – замечательные примеры растущего самосознания, характерного для романтического движения. Об этом свидетельствует его Портрет Евграфа Владимировича Давыдова.

В начале 19 века Императорская Академия художеств под руководством Александра Строганова пережила свой расцвет. Неоклассицизм вступил в наиболее яркую фазу, огромное влияние на русскую живопись оказал Жан Югюст Доменик Энгр. Однако, со временем это влияние потеряло силу и на протяжении столетия в русской живописи наблюдаются разные стилевые направления. За ослабление неоклассического канона выступает романтизм. Предпочтение отдается камерным портретам с психологическими характеристиками, идиллическим средиземноморским пейзажам, историческим сценам, полным драматизма. Искусство выходит за пределы императорского двора, охватывая более широкие круги населения.

Сильвестр Щедрин

Сильвестр Щедрин – выдающийся мастер русского пейзажа эпохи романтизма. Один из первых он начал писать пейзажи с натуры, создавая сложные световые и колористические эффекты, отражая идею единства человека и природы. Его работы, вызывающие восхищение потомки, стали классикой русской школы пейзажной живописи. С 1818 года и до смерти Сильвестр Щедрин жил в Италии, отправляя созданные произведения в Санкт-Петербург. В Риме, Неаполе Щедрин общался с местными художниками, и его творчество оказало влияние на южно-итальянскую пейзажную школу Позиллипо, которая объединяла художников Италии, Германии и Голландии.

Карл Брюллов в Русском музее

Карл Брюллов – самый знаменитый художник своего времени и первый русский живописец, получивший международное признание.

Последний день Помпеи картина Русский музей:

Когда было закончена картина Последний день Помпеи, она имела огромный успех, итальянская пресса провозгласила ее шедевром. Общественный энтузиазм легко понять, Брюллов предложил что-то на любой вкус: он дал мелодраматическую трактовку классического сюжета с множеством реалистичных деталей. Благодаря многофигурной сцене и драматическому действию картина меняет направление русской исторической живописи, вдохновляя других художников на попытки создания столь же сложных композиций.

Картина изображает трагическое извержение Везувия (79 год нашей эры), разрушившее города Помпеи, Геркуланум и Стабию. Работа была начата в 1827 году во время поездки братьев Брюлловых на археологические раскопки Геркуланума и Помпей. Говорят, что Карл начал писать картину после посещения оперы «Последний день Помпеи» (L’ultimo giorno di Pompei) своего друга композитора Джованни Пачини в Неаполе. Помпеи представляют переплетение романтической темы движения природы и потрясений окружающей среды с изображением человечества, в любом случае гордого и героического, даже перед лицом катастрофы. Историческая тема приобретает силу не только на художественном и эмоциональном уровне, но и на уровне описательного реализма и историографической контекстуализации: живописец обращался к историческим источникам с большим вниманием, используя имеющиеся тогда археологические данные, изучал письма Плиния Младшего к Тациту, в котором первый очень подробно описал событие. Фактически, картина воспроизводит реальный взгляд на древний город: изображена Улица гробниц (Via dei Sepolcri), от Геркуланских Ворот (Porta Ercolano) до Виллы Диомеда (Villa di Diomede), в направлении Виллы Мистерий (Villa dei Misteri).

В Помпеях исторический сюжет – повод для размышлений Брюллова о судьбах человечества и его бессилии перед природой. Было отмечено, что эмоциональное напряжение больше подчеркивается в подготовительных набросках, чем в законченной работе. Например, выразительное изображение жреца, который в подготовительных набросках на переднем плане убегает, забирая жертвенник храма, завернув в алую мантию, композиционно приглушено двумя похожими фигурами (одна закутана в белый плащ, за группой фигур в центре композиции; другая, сбоку от композиции, слева). На его месте в окончательном варианте группа бегущих людей со стариком на плечах – отсылка к сцене из Энеиды (Эней, Анхиз и Асканий), знак большего уважения и приверженности классической традиции и академическим изобразительным канонам.

Брюллов сыграл первостепенную роль в изменении стилистических черт историзма, но был новатором и по отношению к жанровой живописи. Это новаторство заключалось во внимании Брюллова к аспектам реальности. Повторяющиеся сюжеты в творчестве Брюллова, те, которые дали жизнь так называемому «итальянскому жанру», – обычно женские фигуры погружены в мир солнечного света, который отражается в воде, фильтруются зеленью листьев. Идиллические сюжеты в теплых цветах показывают «соблазнительную Италию, одетую во все цвета радуги итальянского карнавала». Среди многих произведений этого типа особенно известен своеобразный «триптих» – Итальянское утро, Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя, Итальянский полдень. Две последние хранятся в Русском музее.

Итальянский полдень считается самой известной и самой удачной, настолько, что сам Брюллов называл картину мое творение. Написанная в 1823 году она была отправлена в Санкт-Петербург и выставлена в 1825 году на художественной выставке. Позднее обществом поощрения художников была подарена императрице Александре Федоровне, супруге Николая II.

Александр Иванов – живописец-мыслитель

Сын профессора живописи Андрея Иванова Александр Иванов – самый значительный художник второй четверти 19 века, хотя и большую часть своей жизни он провел в Италии. Философская проницательность, романтично-реалистический стиль, новаторские исследования его творчества характеризуют направления русского искусства 19 века.

Гениально одаренный и прекрасно подготовленный для реализации своего потенциала Иванов до отъезда в Италию учился у отца, в 1817 году стал студентом Академии художеств. В 1830 году при поддержке Общества поощрения художников он переехал в Рим, где много времени посвящал копированию работ итальянских мастеров, но также создавал собственные композиции. Он сосредоточился на ветхозаветных и новозаветных темах, поскольку они предлагали психологическую сложность, которая зажигала воображение художника, испытывали его способности как мастера реалистической живописи.

Иванов был одержим возможностью выражать нюансы эмоций; любая оценка творчества Иванова должна учитывать этот аспект его творчества. Явление воскресшего Христа Марии Магдалине настолько впечатлило современников художника, что Императорская Академия художеств присвоила ему звание академика.

Алексей Венецианов: поэтический образ крестьянской России

Еще при жизни Алексея Венецианова провозгласили отцом русского бытового жанра. Он считается самым оригинальным из русских художников первой половины 19 века. Жнецы, Спящий пастушок, Жница, Гадание на картах, Утро помещицы, Купальщицы – это живопись, лишенная какой-либо дидактической демонстрации. Она привлекает зрителя свежестью, искренностью, свободной от моралистических соображений.

Шедевр Венецианова – картина Гумно – квинтэссенция русского быта и русского духа. Новаторское произведение в косой перспективе, залитое летом и золотым светом, который исходит из двух точек. Предметы, одежда, сруб амбара воспроизведены с точностью, геометрической тщательностью, которая в каком-то смысле опережает кубизм на столетие. Художник знает, как калибровать расстояния между фигурами, предметами и тенями, чтобы дать представление о глубине пространства. Фигуры запечатлены либо в момент покоя и раздумий или они заняты повседневной работой, связанной с обмолотом. Венецианов изучал полотно Франсуа Гране Внутренний вид капуцинского монастыря в Риме (в Эрмитаже), чтобы понять какую роль играет свет в сложной сцене со многими фигурами и предметами, как они создают тени, которые различаются по форме, высоте, положению.

Венецианов писал портреты современников, среди которых интересен портрет инспектора Академии художеств Кирилла Ивановича Головачевского с тремя воспитанниками Академии, символизирующими живопись, скульптуру и архитектуру.

Павел Федотов

Павел Федотов – родоначальник критического реализма, известный умением изобразить высоту и глубину человеческого существования. На Федотова повлияло голландское искусство. Его работы отражают появление в России нового класса, богатой городской буржуазии, демонстрируют новое, более критическое отношение к жизни по-русски.

Живопись второй половины 19 века

Русско-французская война 1812-1814 года столкнула русский народ с суровой реальностью, стала свидетелем героизма простых солдат. Эти обстоятельства привели к тому, что жизнь низшего сословия стала темой для великого искусства. На раннем этапе ее изображали идеализировано, разбавляя суровую действительность буколизмом. Развивается жанровая живопись, показывающая бытовые сцены буржуазного сословия.

Человеческие типы и местные обычаи огромных пространств империи не могли не привлекать внимания художников, портрет и пейзаж постепенно становятся более объективными и натуралистическими. Растет интерес к темам отечественной истории (сражений, центральных персонажей, жизни бояр, фольклору). Как результат, художники пишут картины, воссоздающие национальную жизнь в прошлом, хотя и в романтической интерпретации. В 1863 году тринадцать художников во главе с Иваном Крамским (1837-1887), недовольные академической линией в живописи, создали Товарищество передвижных художественных выставок.

Картины Айвазовского в Русском музее: Девятый вал – лучшее произведение искусства, которое знаменует переход от фантастической цветовой палитры ранних работ художника к более реалистическому видению. Море во всех его состояниях, игра света на воде – центральные мотивы в творчестве Айвазовского. Он одинаково блестяще изображал бурные волны в волнующем лунном свете, часто сопоставляя человека и природу в романтическом стиле, так и воздействие солнечного света на спокойные воды.

В своих более поздних работах, относящихся к периоду, когда европейское искусство попало под влияние импрессионистов, Айвазовский оставался верен своим романтическим корням. В начале творческой карьеры он отказался от рисования с натуры, ему было не интересно запечатлевать проходящие эффекты света. Работая в своей студии, он полагался на зрительную память и свое воображение, утверждая, что невозможно захватить элементы кистью. Роль художника заключалась в том, чтобы запоминать нюансы и впоследствии использовать это в своих картинах. «Сюжет картины складывается в моем сознании, точно так же, как сюжет стихотворения поэта». Это также объясняет, почему географические детали были для Айвазовского второстепенными; он опирался на воспоминания, накопленные за долгую жизнь и карьеру.

Художники, представленные в Русском музее:

• Федор Васильев: мастер реалистического пейзажа настроения (лирического пейзажа). В ранних произведениях Васильева чувствуется влияние барбизонской школы; живопись барбизонцев действительно повлияла на творчество Васильева, но никогда не приводила к точному заимствованию мотивов. Технически он уступал барбизонцам только на начальном этапе, но нашел собственный путь в этом жанре. После дождя, Деревня по выразительности и глубоко национальному звучанию во многом превосходят приукрашенные пейзажи барбизонских художников.
• Ростислав Фелицын: автор жанровых картин. В ГРМ сохраняются три работы Фелицына: Вдовушка («Убит»), На крыльце избы, Печальное известие (Чтение письма)
• Евграф Сорокин; известен историческими, религиозными и жанровыми произведениями
• Алексей Чернышев – живописец-жанрист. Хорошо известно его произведение, которое хранится в ГРМ, – Отъезд (Прощание уезжающего офицера с его семейством)
• Лев Лагорио – ученик Айвазовского, живописец и акварелист, известный морскими пейзажами и сценами. Он был связан с киммерийской школой живописи, в которую входили художники, работавшие в Южном Крыму
• Николай Лосев – жанрист и исторический живописец; В ГРМ два произведения автора –полотно Последние минуты князя Михаила Черниговского в ставке Батыя и картина Раздел наследства
• Адриан Волков – жанровый и пейзажный живописец
• Василий Пукирев – талантливый жанровый художник в стиле реализма, прославившийся картиной Неравный брак (Третьяковская галере)
• Леонид Соломаткин – жанровый живописец, работы которого посвящены сценам обычной жизни, как драматическим, так и комическим одновременно. Самой популярной была его работа Славильщики-городовые, изображающая демонстративно набожных городовых, пришедших в дом купца на Рождество прославить Христа и получить чаевые. Ее много копировали и воспроизводили как другие художника, та и сам Соломаткин. Одно из авторских повторений Славельщиков-городовых можно увидеть в Русском музее, как и другие произведения художника – Угощение сбитнем, Артисты на привале, Ряженые, Петрушка.
• Фирс Журавлев – художник подлинной России; большую известность получило полотно Перед венцом
• Николай Дмитриев-Оренбургский известен как хороший батальный художник (военная тематика преобладала в его творчество после участия в русско-турецкой войне 1877-78), а также картинами со сценами деревенской жизни. В ГРМ сохраняются картины Утопленник в деревне (произведение, которое принесло Дмитриеву-Ориенбургскому звание профессора), Пожар в деревне
• Александр Морозов, жанрист, работы которого оказали большое влияние на художников начала 20 века, Зинаиду Серебрякову, Бориса Кустодиева, Константина Сомова
• Передвижники: Илларион Прянишников, Алексей Саврасов, Григорий Мясоедов, Василий Перов, Алексей Боголюбов, Николай Ярошенко, Константин Маковской, Николай Ге, Иван Шишкин, Алексей Корзухин, Иван Крамской, Михаил Клодт, Василий Максимов, Илья Репин, Виктор Васнецов, Василий Суриков, Николай Абутков, Николай Неврев
• и другие

Передвижники

Товарищество передвижных художественных выставок было образовано в 1870 году по инициативе Ивана Крамского, Григория Мясоедова, Николая Ге и Василия Перова в процессе борьбы художественного авангарда за демократические идеалы против официального центра искусства или искусства – Академии художеств. Другая цель инициативы заключалась в том, чтобы вывести искусство из крупных центров и распространить его в провинции, в надежде обучить людей эстетике, возвысить их социально.

Испытав различные влияния, передвижники перешли от жанровой живописи, основанной на стиле дюссельдорфской школы, к выразительным формам, полных социальных и моральных претензий. Как художники-реалисты они критически показывали разные стороны общественной жизни – не только бедность, а и красоту народа, не только страдания, также его умственную и физическую силу. Искусство передвижников (в соответствие с их эгалитарными социальными и политическими взглядами) решительно осуждало самодержавие, выступало за освобождение русского народа. Русский музей картины русских художников передвижников. Важнейшим аспектом в творчестве художников-передвижников была общественная жизнь, но также отечественная история. Товарищество было распущено в 1923 году, но его влияние хорошо сказалось на последующих жанрах в русской живописи, от неопримитивизма до социалистического реализма.

Мириискусники

В конце 19 века были те, кто отстаивал более либеральные идеи, чем передвижники, предлагал обновление русского искусства, направленное на западноевропейский художественный опыт. Среди них – Мир искусства, объединение, основанное в 1889 году художником и сценографом Леоном Бакстом, Сергеев Дягилевым и Александром Бенуа. В редактируемом ими журнале «Мир искусства» они критиковали устаревший реализм передвижников, продвигали творческую индивидуальность и дух модерна под знаменем позитивизма. В попытках сделать искусство доступным для всех, они предпочли работать с гуашью и акварелью.

Утонченный характер живописных работ объединения, в которое входили Александр Бенуа, Леон Бакст, Иван Билибин, Мстислав Добужинский, Евгений Лансере, Филипп Малявин, Анна Остроумова-Лебедева, Сергей Малютин, Константин Сомов, ориентирован на синтез искусства, театра, декора и книжной иллюстрации. Как и романтики до них, мирискусники способствовали сохранению искусства прежних времен, особенно традиционных народных искусств и рококо 18 века. Антуан Ватто, возможно, был тем художником, которым они восхищались больше всего. Все гротескное и игривое им нравилось больше, чем серьезное и эмоциональное. Их увлекали маски, карнавал, кукольный театр, мечты и сказки. К проектам художественного оздоровления мирискусники относились юмористически, в духе самопародии. Выставки, организованные «Миром искусства», привлекали многих выдающихся художников из России и из-за рубежа, включая Михаила Врубеля, Михаила Нестерова, Исаака Левитана.

Русский Авангард

От его расцвета в 1912 году до середины 1930-х годов, когда социалистический реализм был объявлен единственным официальным стилем искусства в СССР, русский авангард подготовил почву для интеллектуального и художественного прогресса не только в рамках русской художественной культуры, но и в целом в мировой культуре.

В начале 20 века русская культура находилась в состоянии лихорадочного бурного роста. Были приняты современные стили, как символизм, импрессионизм, исторический жанр пересматривался через неопримитивизм, неоготику или неоромантизм. Константин Богаевский, Николай Крымов, Виктор Борисов-Мусатов, Петр Субботин-Пермяк, Наталья Нестерова, Василий Денисов, Константин Коровин, Михаил Нестеров, Борис Кустодиев, Абрам Архипов, Кузьма Петров-Водкин – художники, которые представляли искусство как силу, изменяющую жизнь.

Когда в русскую живопись проникли кубизм, экспрессионизм и футуризм, они объединились с националистическими элементами, что породило новую эстетику, примерно в 1910 году, которую назвали русским авангардом. Именно русская живопись трансцендентным образом вносит свой вклад в западное искусство через конструктивизм, супрематизм или лучизм, в рождение и теоретизацию абстрактной живописи.

Футуризм

Русские футуристы – новаторская группа художников и поэтов, работавших в Москве и Санкт-Петербурге, в годы, непосредственно предшествовавшие русской революции 1917 года. В нее входили Наталья Гончарова, Михаил Ларионов (создатель теории лучизма), Ольга Розанова, Казимир Малевич, поэты Алексей Крученых и Велимир Хлебников. Помимо поиска вдохновения в международных движениях современного искусства, как фовизм, немецкий экспрессионизм, итальянский футуризм и французский кубизм, футуристы обратились к прошлому России, чтобы создать междисциплинарный проект, в основе которого лежало исследование искусства, языка и национальной культуры.

Основным источником вдохновения для футуристов было традиционное русское народное искусство. Основное влияние на них оказал лубок. Обращенные одновременно к традициям и кажущейся простоте народного искусства футуристы устроили культурную провокацию, которая приняла форму «преднамеренной затемненности смысла» в визуальном искусстве и в поэзии.

Супрематизм и Малевич

Экспериментируя с кубизмом и футуризмом, Казимир Малевич пытался открыть эстетику, достойную современного мира. Он нашел то, что искал, в изобретенном им движении под названием супрематизм – эстетике, основанной на плоских двухмерных геометрических формах. Если раньше русское искусство, основывалось на идее, что художники должны каким-то образом представлять объективный мир, то супрематизм был чисто абстрактным и, следовательно, открытым для интерпретации.

Руководящий принцип супрематизма, согласно Малевичу, в том, что отображение видимого мира в реалистичных терминах больше не служит целям искусства, и что вместо этого художники должны разработать визуальную грамматику беспредметной абстракции, аналогичную ощущениям и опыту. Эта концепция, согласно которой зрители могут интерпретировать искусство в соответствии с их собственным видением, была новой и опасной. Малевич предполагал, что в мире есть нечто большее, чем объективная реальность, и что люди должны думать самостоятельно.

Галерея работ Малевича в Русском музее: карьера Малевича как бескомпромиссного радикала – только часть истории, поскольку в его творчестве есть импрессионистские пейзажи и работы, вдохновленные народным искусством. Ранние фигуративные картины Малевича – его долг перед Моне и Ренуаром. Малевич вернулся к импрессионизму позже в своей карьере, но, как было обнаружено, он датировал эти картины 1910 годом, поскольку обнаружил, что пропустил постепенный переход между импрессионизмом и последующим периодом кубизма. Хотя мотивация ухода Малевича от абстракции в то время могла иметь нехудожественную причину, учитывая, что с 1920х государство начинает контролировать искусство.

Кандинский – основоположник абстрактной живописи

Кандинского считают первым абстрактным художником в современной истории. Хотя недавние разоблачения предполагают, что, по крайней мере, два других художника создавали абстрактные работы за десятилетия до Кандинского, большинство рассматривают его как ключевую фигуру как в абстракции, так и в современном искусстве в целом. Во многом это связано со стилем его работы. В работе «О духовном в искусстве» он рассуждает о своем стремлении к развитию абстрактного стиля. Он сравнивает свои поиски с инструментальной музыкой, которая выражает эмоции, психические состояния, чувства и абстрактные мысли без репрезентативного языка. Кандинский писал о своем желании достичь нерепрезентативного визуального стиля, который мог бы, как и музыка, передавать духовные универсальности человеческого существования. Как и Малевич, Кандинский был революционером, просто предположив, что люди могут достичь чего-то более глубокого и важного с помощью творчества, индивидуальности и свободы мысли.

Работы Кандинского в ГРМ
Синий гребень – картина, которую можно было бы называть «вариация на тему синего». Она знаменует момент перехода в художественной эволюции Кандинского, между свободным стилем «Импровизаций» и геометризованными работами 1920х. В ней ощущается влияние супрематизма, но и чувствуются исследования Баухауса.

Бесконечные оттенки синего проецируются на светлый фон, завершаясь спиральным движением в синей дуге. Дополнительно к глубокому синему, сравнимому со звуком органа, можно слышать «звенящие» тона от прикосновений желтого и красного, сравнимые с регистром трубы. Живопись Кандинского основана на противопоставлении регистров, на изображении живописных конфликтов, на игре диссонансов и противоположностей, что создает новую гармонию.

Появляются образные элементы (которые видно и в предыдущих работах Кандинского) – шатко сбалансированные здания на вершине горы, лодка с гребцами (в правом нижнему углу), что определенно может представлять отсылку к картине «Маленькие радости» (музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк). Воспоминания о пейзаже объединяются с впечатляющими атмосферными эффектами (облаками, дождем, радугой) – кажется, что видишь световую волну, в которой выделен солнечный спектр.

Марк Шагал

Художник, работы которого предвосхитили сказочные образы сюрреализма. Шагал развил очень интересный, поэтический, аморфный и глубоко личный визуальный язык, в котором смешалось влияние иудаизма и русской иконописи. Он провел большую часть своей жизни во Франции, национальность которой он принял и где он умер. «Когда я заканчиваю картину, я подношу к ней какой-нибудь созданный Богом объект – камень, цветок, ветвь дерева или свою руку как последнее испытание», – говорил он. «Если картина в гармонии с объектом, она подлинная. Если между ними конфликт, это плохое искусство».

Прогулка

В центре картины художник, который держит свою жену Беллу за руку, парящую в воздухе. В другой руке он держит маленькую птичку, символизирующую согласие с природой Фон – город Витебск, место, в котором они родились и жили. У ног художника атрибуты для пикника – скатерть красного цвета с бутылкой вина и бокалом. Художник смотрит на зрителя, широко улыбаясь, чем выражает свое счастье. Прекрасный день, он на пикнике с любимой женой в родном месте. Белла взлетает, словно ангел. Смысл образа в том, что любовь, которая связывает двух людей выходит за границы земного. Полет Беллы – взаимное чувство, которое переходит в иррациональное измерение, он символизирует то, что их любовь превыше всего трансцендентного.

На стиль написания повлиял кубизм, с которым Шагал познакомился в Париже, он усиливает нереальную атмосферу безмятежного пейзажа, подчеркнутого лошадью, которая мирно пасется на заднем плане. Розоватый цвет синагоги показывает, что у нее другая духовная функция, в отличие от остальных зданий в зеленом цвете.

Павел Филонов

Один из залов Русского музея посвящен картинам Павла Филонова – величайшему художнику русского авангарда. В отличие от Малевича, который обеспечил себе место в истории европейского искусства тем шагом, что оставил свои работы в Германии после ретроспективы 1929 года, Филонов наивно верил, что его творчество оценит советская Россия, и завещал свои произведения государству. Факт то, что десятилетиями они не экспонировались, и имя этого выдающегося художника мир практически не знал.

Филонов – человек больших идей и крайних эмоций. Формулой периода с 1904 года по июль 1922 года для него был универсальный переход к мировому расцвету благодаря революции. 1920–22 годы знаменуют экстатически оптимистичный стиль, представляющий калейдоскоп синих и фиолетовых туннелей, сходящихся в светящемся центре.

Позднее стиль становится мрачнее, когда появляются зомбиобразные фигуры в опустошенных городских пейзажах. Независимо от настроения, работы Филонова отличаются сложной и яркой фактурой. Определенно, он самый блестящий рисовальщик в истории искусства, создающий повторяющиеся геометрические узоры, беспорядочно расположенные фигуры разного масштаба, которые рождаются из его техники потока сознания.

Аналитическое искусство, название, которое сам Филонов дал методу, может вводить в заблуждение. Филонов считал, что картина должна «расти», как любая другая форма жизни. Он начинал писать в одном углу холста, постепенно продвигался вверх и поперек к противоположному углу. Каждая картина, по мнению Филонова, должна быть свободной от определенных схем и следовать собственным законам. В 1912 году он критиковал Пикассо, нет, не за его новаторство, а создание, по сути, нового академизма. «Кубизм, – писал Филонов, – зашел в тупик из-за своих механистических основ». Как описывает картины Филонова современный российский художник Марина Колдобская – «пульсирующие и дышащие кристаллы, узлы и сети, перетекающие друг в друга на глазах у зрителей».

Для Филонова было важно понятие девственности, картина считалась завершенной, когда к ней нельзя было добавить ни капли краски. Филонов писал картины, добавляя каплю за каплей пока не достигал конечной точки. При множестве микроскопических деталей его произведения не кажутся перегруженными, напротив, сохраняют единство. Ван Гог заметил, что написал только несколько картин, которые сохраняют покой даже в случае катастрофы. Это же можно сказать обо всех картинах Филонова.

В 1929 году была организована выставка работ Филонова. Велись споры относительно того открывать выставку или нет. Оппоненты Филонова, в надежде, дискредитировать творчество гениального художника, привели на выставку группу заводских рабочих, ожидая, что они не поймут картины. Но рабочие проявили неожиданный энтузиазм. Один из них назвал Филонова настоящим сокровищем, другой прокомментировал, что, тот, кто воевал с немцами, все поймет. Картины оставались на стенах Русского музея в течение 18 месяцев, после чего были сняты и отправлены в хранилище.

Филонов и Малевич вращались в одних и тех же кругах и сотрудничали в некоторых важных проектах, но они были противоположностями почти во всех отношениях. Малевич со своим супрематизмом стремился возвыситься над материальным и земным (в этом на него повлиял пионер ракетно-космической техники Константин Циолковский). Несмотря на плодотворную карьеру Малевич известен, прежде всего, культовым Черным квадратом. Но интерес к простому черному четырехугольнику не живописный, а концептуальный (главное здесь не сюжет или образ, а концепция). Филонов писал о необходимости точно и настойчиво вводить цвет в каждый атом… так, чтобы он органически был связан с формой, как в природе…».

Убежденный социалист Филонов был бескомпромиссен до фанатизма. Он отказывался продавать свои картины – каждая работа, по его мнению, была частью единого произведения, и это произведение принадлежало русскому народу. Помимо нескольких картин, которые он подарил друзьям, он завещал почти все свои работы Русскому музею. Отказываясь получать прибыль от своего искусства, Филонов был крайне беден. Были времена, когда он не мог позволить себе ни холста, ни еды, годами жил в неотапливаемой комнате. Иногда он писал маслом на бумаге. Филонов умер от истощения в декабре 1941 года, на третьем месяце блокады Ленинграда.

Социалистический реализм

Социалистический реализм или соцреализм, после распада СССР, остается, возможно, наиболее отвергаемым периодом советского искусства, отождествляемым с политикой и отсталой эстетикой. Да, социалистический реализм был традиционалистским, репрезентативным, известным как «национальный по форме, социалистический по содержанию». В основном он опирался на классические и неоклассические стили искусства. Несмотря на претензии на «реализм», он никогда не был действительно реалистичным, изображая социалистическую реальность не такой, какой она была, а такой, какой она должна быть. Однако ошибочно отождествлять соцреализм только с идеализированными образами героических лидеров, сражений или крестьян и рабочих.

Уже в ранний период, на рубеже 1930-х годов, в якобы монолитном стиле наблюдается разнообразие. Такие художники, как Дейнека, Пименов, Кузьма Петров-Водкин и Александр Тышлер, показывают, как даже в рамках строгих, строгих требований сталинского периода на реалистическое искусство оказывала влияние социально-критическая живопись того времени: суровый немецкий реализм Отто Дикса и Георга Гросса. Они взяли в качестве предмета послереволюционный период НЭПа, отмеченный компромиссом с капитализмом В конце 1920-х годов такие ассоциации, как Общество станковых художников, к которому принадлежали и Юрий Пименов, и хорошо известный Александр Дейнека, хотели объединить западный модернистский подход таких школ, как Баухаус, с иллюстрацией положительных сторон жизни в социалистическом государстве.

Картины Александра Дейнека в ГРМ

После смерти Сталина соцреализм претерпел много изменений, заигрывая с модернисткой живописью и критикой государственной политики. Вдохновленные мексиканскими художниками-монументалистами, итальянским реалистом Ренато Гуттузо и даже средневековыми мастерами (Джотто) Виктор Иванов или Евсей Моисенко разработали гуманное и пессимистическое видение рабочего класса. Это был реализм, но без характерной соцреалистической идеализации и прославления советской действительности. В то время как после Сталина первые секретари не были поклонниками авангарда, оттепель, начатая Никитой Хрущевым, была интермедией, в которой такие художники, как Виктор Попков и Юрий Пименов создавали захватывающие, загадочные, оригинальные формы реалистической живописи.

Факты о Русском музее

Мраморный дворец – великолепный образец неклассической архитектуры, спроектированный Антонио Ринальди и возведенный по заказу Екатерины II для Григория Орлова. Но Орлов умер до завершения строительства, а дворец стал резиденцией великих князей. Сегодня в нем размещается мемориал поэту К.Р. (псевдоним великого князя Константина Константиновича). С 1995 года находится постоянная экспозиция мирового искусства 20 века Музея Людвига – ценный дар Русскому музею немецких коллекционеров Петера и Ирене Людвиг. Собрание включает работы Пабло Пикассо, Йозефа Бойса, Джаспера Джонса, Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Тома Вессельмана, Джорджа Сигала, Джеймса Розенквиста, Класа Ольденбурга, Роберта Раушенберга, Сая Твомбли, Ансельма Кифера, Йорга Иммендорф,а Джонатана Борофски, Джеффа Кунса, Ильи Кабакова.

Летний домик Петра I, построенный по проекту Доменико Трезини – один из первых архитектурных памятников в истории Санкт-Петербурга. Он не пострадал в течение веков, и сохраняет оригинальные интерьеры.

Коллекция Русского музея начала создаваться Александром III. Он был страстный и крупный коллекционер. После основания музея Николаем II ее дополнили экспонаты русского искусства из Эрмитажа и Александровского дворца в Царском Селе. После Октябрьской революции коллекция продолжала расти за счет экспроприации русского дворянства.

В 1926 году в Русский музей перешли фонды Ленинградского музея живописной культуры, открытого в 1921 году. Интересно то, что в коллекцию входили работы Ольги Розановой, Казимира Малевича, Роберта Фалька, Любови Поповой, Александра Родченко, Надежды Удальцовой, Наталии Гончаровой.

Русский музей интересные факты: самым значительным в мире считается собрание декоративно-прикладного искусства, экспонируемое в Русском музее. Это ювелирные изделия, фарфор, церковные облачения, текстиль, коллекция мебели.

Коллекция скульптуры сформирована экспонатами из Эрмитажа и Академии художеств.

Коллекция рисунков и акварелей – крупнейшая в мире, насчитывает около ста тысяч произведений; главный ее собиратель – русская аристократия.

Филиал Русского музея находился в Малаге, где проживают многие русские эмигранты. В выставочном пространстве, расположенном в бывшей табачной фабрике, экспонируются произведения практически всех эпох и стилей российского искусства.

---

Автор: Элла Михайленко

Сейчас уже трудно представить, что в начале 19 века в самом центре города, на месте, где Петр 1 разбил сад с экзотическими растениями, царило полное запустение. Топкое болото расползалось все шире, трава росла выше человеческого роста.

Строительство Русского музея

Михайловский дворец, позднее переименованный в «Русский музей», – уникальный архитектурный памятник позднего классицизма и русского ампира. Он был построен по замыслу императора Павла I для младшего сына Михаила, которому не суждено было взойти на престол.

Сразу после рождения сына Михаила Павел I велел собрать в казну сумму, необходимую для строительства грандиозного дворца, «дабы сын, достигнув совершеннолетия, мог жить по-царски». 24 марта 1801 года императора Павла убили в его собственной резиденции, и строительство дворца было отложено на неопределённый срок.

О задумке отца вспомнил император Александр I, и в 1819 году в самом сердце города на Неве, был заложен первый камень здания.

Для исполнения воли своего отца Александр I пригласил знаменитого архитектора Карла Ивановича Росси, который начал работать над проектом здания в 1817 году. Спустя два года Росси представил императору грандиозный проект дворцового комплекса, состоящий из центрального корпуса, двух боковых флигелей, дворцовой площади, двух улиц и сада с видом на Марсово поле.

Летом 1819 года на месте снесённых оранжерей и парников начались строительные работы. Для большей торжественности в фундамент здания был заложен серебряный ковчег. Строительство велось медленно и очень осторожно по причине оседания топкого грунта. По той же причине все работы производились только в летнее время года.

В 1823 году строительные работы были закончены, и в самом центре города появился уникальный дворцовый комплекс, который был виден с Невского проспекта. В этом же году император Александр I подписал указ, согласно которому дворец был пожалован великому князю Михаилу «в вечное и потомственное владение». По официальным данным на возведение дворцового комплекса было потрачено почти 7 6 00 000 миллионов рублей. Из этой суммы только три миллиона были потрачены на строительство, а остальные средства – на отделку интерьера.

Интерьер

Отделочные работы внутри здания продолжались почти три года. Для отделки интерьера на основе строго отбора приглашались лучшие декораторы и мастера по работе с деревом, камнем и металлом. Мебель, обои и ковры заказывались в Париже, все чугунные изделия изготавливались на Литейном заводе.

Великокняжеская чета была восхищена полученным результатом!  Дворец поражал воображение убранством редчайшей красоты и уникальности. Крарский мрамор, искуснейшая лепнина – всё во дворце говорило о богатстве его хозяев и искусности мастеров. Стены залов были покрыты серебряными и золотистыми обоями.  Паркетные полы были изготовлены из ценнейших пород дерева таких, как красное, чефразовое, сахардановое, фиолетовое, чёрное, пальмовое. Одна квадратная сажень такого паркета стоила 160 рублей.

У главной лестницы стояли статуи львов, специально отлитые для дворца. Они были точной копией скульптур 16 века, найденных в Риме при раскопках.

Уникальные резные панно, мраморные скульптуры, коринфские колонны, изразцовые печи, резная мебель красного дерева, фарфоровые вазы и хрустальные люстры.

Как будто предвидя своё музейное будущее, Михайловский дворец собирал в своих стенах редчайшие и красивейшие работы русских паркетчиков, резчиков по дереву, скульпторов и художников.

Светская жизнь дворца

Для великого князя Михаила дворец был не только домом, но и местом работы, где он регулярно принимал военных и гражданских чиновников.Роскошное убранство дворца и гостеприимство его хозяев привлекали на светские приёмы лучших представителей российской элиты того времени.

Здесь часто можно было увидеть князя А.М. Горчакова, писателей В.А. Жуковского и П.А. Вяземского, художника И.К. Айвазовского, академиков Н.И. Пирогова и В.Я. Струве. Иногда салоны Елены Павловны посещал сам император Николай I. Бесконечная вереница балов, светских раутов, поэтических вечеров – гости перемещались из Белого зала в Танцевальный, из Академического в Музыкальную гостиницу и Светлую столовую. А.С. Пушкин со своей супругой Натали почитал за честь быть приглашённым на светский приём супруги князя Елены Павловны.

После смерти князя Михаила количество пышных балов во дворце сразу сократилось. Великая княгиня стала отдавать предпочтение «интеллигентным вечерам», на которых обсуждались актуальные в то время политические события и планы по отмене крепостного права.

Преображение в Русский музей

После смерти великокняжеской четы, здание дворца по завещанию перешло к их детям. Оставленное без внимания и ухода, оно начало ветшать. Многие ценные вещи безвозвратно исчезли, а роскошные залы стали сдаваться в аренду различным курсам, обществам и институтам.

Видя плачевное состояние здания, император Александр III  принял решение выкупить его. Будучи большим ценителем искусства, он собирал полотна русских художников и лелеял мысль о создании музея. К тому же в Зимнем дворце на тот период скопилось такое количество картин, что хранить их стало попросту негде. Было принято решение о приобретении здания под нужды музея, и в 1895 году царская казна выкупила дворец за 4 миллиона рублей. По условиям сделки прежние хозяева могли забрать себе предметы и детали убранства, связанные с историей их семьи.

К тому времени, как дворец перешёл во владение казны, от его изысканного убранства уже практически ничего не осталось.

После кончины Александра III, по распоряжению нового императора Николая II в 1895 году был издан указ «О создании Русского музея Императора Александра III». Для Михайловского дворца началась новая жизнь.

Под руководством архитектора В. Ф. Свиньина, его залы стали перестраивать под нужды музея. В создании «Русского музея» приняли активное участие многие передовые деятели искусств того времени такие, как Л. Н. Толстой, А. Н. Бенуа, К. П. Брюллов, С. П. Боткин. Более десятка уникальных полотен портретной живописи были переданы в музей наследниками князя Алексея Борисовича Лобанова-Ростовского. Собрание рисунков акварельной живописи подарила музею княгиня Мария Клавдиевна Тенишева.

По установленным правилам, предметы искусства, которые попали в музей, должны были оставаться там навеки. Никто не мог их забрать или передать кому-либо.

Официальное открытие музея

7 марта 1898 года Русский Музей Императора Александра III был торжественно открыт. Первоначально музей занимал 37 залов и насчитывал 1880 единиц хранения. На тот момент это было крупнейшее собрание русской живописи и скульптуры. В настоящее время фонд музея насчитывает 400 000 экспонатов.

Эвакуация музея во время войны

В ноябре 1941 года во время обстрела города в корпус здания попали два снаряда. Началась экстренная эвакуация всех ценностей, находившихся на тот момент в здании музея. Памятник Александру I, расположенный во дворе музея, накрыли деревянными досками, под которые насыпали песок. Однажды в него попала фугасная бомба, но благодаря созданной из брёвен и песка конструкции, памятник остался цел.

Экспонаты Русского музея

В настоящее время в стенах Русского музея находится самая большая коллекция произведений русского искусства во всём мире. Музей содержит  более 400 000 экспонатов. Здесь вы можете увидеть произведения живописи и скульптуры с 12 до 20 веков. Резьба по дереву, керамика, тканые работы, художественная роспись – всё, чем жило русское искусство на протяжении восьми веков, представлено в Русском музее.

В стенах музея находятся работы Андрея Рублёва и Карла Брюллова, Ильи Репина и Ивана Шишкина, Михаила Врубеля и Марка Шагала.  Невозможно остаться равнодушным к картинам Сурикова, Васнецова, Серова, Куинджи. Каждое хранящееся в музее полотно, уникально и бесценно.

Здесь же расположено крупнейшее собрание древнерусской живописи, представленное шестью тысячами икон 12 – 17 веков.

Экскурсия по Русскому музею

Для того, чтобы приобщиться к русскому искусству и в полной мере насладиться работами лучших мастеров, мы приглашаем вас на экскурсию по залам Русского музея. Записаться на квест-экскурсию вы можете здесь.

Смотрите также

• Что я увидел в Домике Петра I во время экскурсии
• История создания метро в Санкт-Петербурге
• Краткая информация о Государственном музее Эрмитаж

История

Михаил Павлович был последним из десяти детей Павла I, и царствовать ему не довелось. Тем не менее, заботясь о судьбе младшего сына, августейший отец еще при его рождении распорядился о накоплении средств для строительства его будущего собственного дворца. В 1819 г., по достижении совершеннолетия, Михаил Павлович вступил в должность по руководству русской артиллерией и мог думать о женитьбе. Тогда по указу его старшего брата Александра I, царствовавшего в ту пору, состоялась закладка Михайловского дворца. Его возводил замечательный мастер своего дела, знаменитый итальянский архитектор Карл Росси.

Вскоре Михаил Павлович женился на молоденькой вюртембергской принцессе, получившей при переходе в православие имя Елены Павловны. Сначала молодожены поселились в Зимнем дворце, но в 1825 г. переехали в только что законченный Михайловский дворец, сразу же ставший новым украшением столицы. Этот дворец с восьмиколонным портиком поражает торжественной величавостью и изысканностью классических пропорций. В его отделке участвовали лучшие художники и мастера прикладного искусства того времени. Перед дворцом разбит парадный двор с великолепной чугунной оградой.

«Дворец этот является, безусловно, триумфом новейшей архитектуры, — писал посетивший Россию английский ученый Гренвиль, — он не только превосходит все виденное в Тюльери и других королевских дворцах континента, но является положительно единственным в своем роде». А петербуржцы отзывались так: «Ну уж подлинно дворец Михаила Павловича пречудесен, то есть так, как говорится: ни пером описать, ни в сказке сказать. Богато, красиво, с отменным вкусом и тщанием все отделано. Росси себя тут более еще отличил, нежели в Елагином дворце».

Михайловский дворец был для великого князя, занимавшего должность генерал-инспектора инженерных войск, одновременно и домом, и местом службы. Во дворце не только устраивались шумные великосветские балы, на которые цветы привозили на двухстах подводах, но и заседали комитеты, Михаил Павлович принимал военных и гражданских лиц, организовывал торжественные приемы по случаю назначения в должность и производства в офицеры. Жизнь во дворце обеспечивал громадный по числу персонал: летом — до 300, зимой — до 600 человек.

После смерти Михаила Павловича дворец перешел к его вдове Елене Павловне, утонченной покровительнице искусав и хозяйке артистического и либерального политического салона. Из пяти рожденных ею дочерей до этого времени дожила только одна — Екатерина Михайловна, которая и унаследовала дворец после кончины матери. Она была замужем за герцогом Мекленбург-Стрелицким и завещала дворец своим детям от этого брака. Однако вышла неувязка: Михайловский дворец был собственностью дома Романовых, а наследники являлись германскими подданными. Александр III счел необходимым исправить это положение, выкупив дворец в казну. Осуществил задуманное отцом молодой император Николай II. За 4 млн рублей серебром он выкупил Михайловский дворец со всеми его службами и передал учрежденному им в 1895 г. Русскому музею Императора Александра III.

Для устройства музея дворец был перестроен архитектором Свиньиным. Его основу составили картины из царских резиденций, Эрмитажа, собрания Академии художеств. В 1916 г. для размещения растущих коллекций рядом с Михайловским дворцом по проекту академика архитектуры Бенуа был возведен выходящий на канал западный корпус (часто называемый корпусом Бенуа). Дворец и корпус Бенуа соединены переходом, благодаря которому можно проходить из одного в другой, не выходя на улицу.

После революции Русский музей значительно пополнился за счет национализированных художественных ценностей и новых приобретений. Сейчас в его фондах около 400 тыс. произведений живописи, графики, скульптуры и декоративно-прикладного искусства. Музейные экспозиции охватывают все этапы русского искусства — от древнерусских икон до современного авангарда. Старинные иконы и живописные и скульптурные произведения XVIII -XIX вв. представлены в самом Михайловском дворце, а в корпусе Бенуа находятся в основном работы мастеров XX в. Там же часто организуются временные выставки.

Экскурсия в музей

В музей входят через цокольный этаж, где расположены кассы и гардеробы, а затем поднимаются наверх в огромный колонный вестибюль. Осмотр принято начинать со второго этажа, поскольку хронология экспозиции начинается именно оттуда. Но прежде чем окунуться в прекрасный мир древнерусской иконописи, оцените великолепный парадный вестибюль и торжественную лестницу Михайловского дворца. Дух захватывает от ощущения высоты и простора, когда поднимаешься по этой широкой, разветвляющейся на два марша лестнице на галерею второго этажа, окруженную восемнадцатью грандиозными коринфскими колоннами.

Поднявшись наверх, сверните влево, и вы окажетесь в отделе искусства XII—XVIII вв. В это время русская живопись была исключительно религиозной, так что в первых четырех залах — только старинные иконы. Самой древней из них считается «Ангел Златые Власы», написанная в XII в. (находится в первом зале у окна). Невозможно не залюбоваться величавой красотой вроде бы спокойных, но темпераментных линий, их изяществом и чистотой.

В следующем зале представлена новгородская иконописная школа — яркая, праздничная и очень доходчивая. Обязательно обратите внимание на икону начала XIV в. «Святой Георгий с житием», в любопытных подробностях рассказывающую легендарную историю жизни святого. Этот же очень почитаемый на Руси святой изображен на белом коне по ярчайшему красному фону на другой, небольшой по размеру, но монументальной по композиции иконе.

В зале московской школы находятся шедевры коллекции — большие иконы «Святой Петр» и «Святой Павел» из иконостаса Успенского собора во Владимире. Они были исполнены в мастерской знаменитого мастера Андрея Рублева. Ритмическая композиция, повторение мягких, плавных линий делают эти образы особо музыкальными.

В четвертом зале выставлены работы известного иконописца Дионисия из собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря, поражающие сочетанием неизъяснимой легкости и ясности с торжественностью и своеобразным пафосом. Тут же и поздние образцы московской школы, для которых становится характерна прорисовка мелких деталей и преобладание красного и золотого цветов.

Войдя в следующий зал, мы попадаем уже в Петровскую эпоху с ее тягой к светскому искусству. Петр активно приглашал в Россию иностранных художников и посылал русских юношей учиться живописи за границу. Светская живопись началась в России с жанра портрета. Первые опыты в этом роде, пока довольно условные, в которых чувствовалась еще иконописная традиция, назывались «парсуны» («персоны»), Европейскую технику письма первыми осваивают петровские зарубежные пансионеры Иван Никитин и Андрей Матвеев, чьи работы можно видеть в этом зале. Иван Никитин впоследствии прославился как крупнейший портретист первой четверти XVIII в.

Среди его известных работ -«Портрет напольного гетмана», «Портрет барона Строганова», известная заказная работа «Петр I на смертном ложе».

В следующем зале — живопись второй трети XVIII в. Тут и широко известные детские портреты семьи Фермор кисти Ивана Вишнякова, и выразительные полотна Алексея Антропова, к примеру, большой портрет Петра III, нелюбимого мужа Екатерины II.

Затем мы попадаем в угловой зал, вызывающий восхищение своим золоченым потолком и удивление стоящей посредине огромной бронзовой статуей. Этот скульптурный портрет императрицы Анны Иоанновны с арапчонком сделал ваятель Растрелли, отец известного архитектора.

Пройдя через зал знаменитого портретиста Федора Рокотова (среди его полотен следует отметить «Портрет великого князя Павла Петровича в детстве», «Портрет графини Санти», портреты четы Суровцевых), мы попадаем на экспозицию, где представлены работы художников — выпускников созданной Елизаветой Петровной в 1757 г. Академии художеств. Интересна картина украинского художника Антона Лосенко на русский исторический сюжет «Владимир и Рогнеда». Этот художник считается основоположником отечественной исторической живописи.

Далее нас ждет эпоха Екатерины Великой — скульптурный (работы Федора Шубина) и живописный портреты государыни и известнейший цикл из семи портретов выпускниц основанного ею Смольного института благородных девиц, созданный Дмитрием Левицким.

Затем словно бы происходит чудо — из музейных залов мы переносимся в эпоху великого князя Михаила Павловича, попадая в не тронутый переделками Белый зал, поражающий размерами и совершенством. Здесь до сих пор сохранилась оригинальная отделка Росси и подлинная мебель, сделанная по его эскизам. Просторный зал, выходящий окнами в Михайловский сад, освещают бронзовые золоченые люстры, мягко подсвечивающие богатую цветом живопись плафонов. Поблескивает гладь искусственного мрамора на стенах и колоннах, сверкает натертый наборный паркет, расставленная в строгом порядке резная золоченая мебель довершает роскошное убранство. Кажется, вот-вот откроется дверь и войдут хозяева дома и гости. Ведь именно здесь у великой княгини Елены Павловны собирались столичные и заезжие знаменитости, общественные деятели и политики, музыканты и композиторы, ученые, писатели…

Затем через зал портретиста Боровиковского мы попадаем в один из самых больших и знаменитых залов музея, где потрясающие морские пейзажи Айвазовского (именно здесь находится хрестоматийный «Девятый вал») спорят в совершенстве с великолепными портретами Карла Брюллова. Здесь же и самая знаменитая картина Брюллова, открывшая новую страницу в истории русского искусства, — «Последний день Помпеи».

Ни один из европейских художников XIX в. не удостоился такого грандиозного триумфа, какой выпал на долю молодого живописца Карла Брюллова, когда в середине 1833 г. он открыл для зрителей двери своей римской мастерской с только что оконченной картиной «Последний день Помпеи». Никогда слава русского искусства не разносилась так широко по всей Европе. Произведя настоящий фурор в Риме, Милане и Париже, картина Брюллова наконец добралась и до Петербурга, где сразу оказалась в центре внимания русского общества и стала предметом патриотической гордости. «Толпы посетителей, можно сказать, врывались в залы Академии, чтобы взглянуть на «Помпею», — повествует современник. В своем официальном годовом отчете Академия художеств признала брюлловскую картину лучшим созданием XIX в. Известные представители русской культуры восторженно приветствовали картину, воспевали ее в стихах и прозе. Гоголь написал обширную статью, в которой признавал это полотно «полным всемирным созданием», где все «так мощно, так смело, так гармонически сведено в одно, как только могло это возникнуть в голове гения всеобщего».

Тема картины взята из древнеримской истории. Помпеи — старинный римский город, расположенный у подножия Везувия, в 79 г. н.э. в результате сильнейшего вулканического извержения был залит лавой и засыпан камнями и пеплом. Тысячи жителей погибли на улицах города во время панического бегства. В картине Брюллов противопоставляет губительным стихиям природы душевное величие и красоту человека.

«Его фигуры прекрасны при всем ужасе своего положения. Они заглушают его своей красотой», — писал Гоголь, тонко подметивший основную мысль брюлловской картины.

Эту картину можно рассматривать долго, подмечая все новые и новые детали. Вот распростертая фигура молодой женщины, разбившейся при падении из колесницы. Вот два молодых помпеянина несут на плечах своих больного старика-отца. Вот молодожены — юноша-муж поддерживает падающую в изнеможении жену с брачным венком на голове. Вот сын (в его образе подразумевается римский писатель Плиний-младший, очевидец трагедии) пытается спасти старую мать. В картине есть и языческий жрец, и христианский священник, как бы олицетворяющие уходящий античный мир и зарождающуюся на его обломках христианскую цивилизацию. Если присмотреться, то можно увидеть и автопортрет Брюллова, изобразившего себя в виде помпеянского художника, который, спасаясь из города, уносит с собой ящик с кистями и красками. А в образе матери, прижимающей к себе дочерей, живописец увековечил женщину, в которую был влюблен, — знаменитую светскую даму графиню Юлию Самойлову. Ее же портрет с воспитанницей висит у двери в следующий зал.

Затем мы попадаем в другой просвет (так называют большие залы со стеклянными потолками), где выставлены работы художников-академистов, такие как гигантский «Медный змей» Федора Бруни или «Явление Христа народу» Александра Иванова — эскиз к картине, находящейся в Третьяковской галерее. Далее нас ждут итальянские пейзажи Сильвестра Щедрина, картины крестьянского жанра Алексея Венецианова, работы его талантливого ученика — крепостного художника Григория Сороки. И вот, завершив круг, мы снова на парадной лестнице.

Теперь спустимся на первый этаж. Когда-то тут располагались служебные помещения и жила дворцовая прислуга. Сейчас здесь представлено искусство второй половины XIX в. Пройдем по залам первого этажа. Наследие Павла Федотова представлено вариантами двух известных картин художника — «Сватовство майора» и «Вдовушка», а также целым рядом миниатюрных портретов. В музее прекрасная коллекция художников-передвижников: жанровые картины страстного обличителя социальных контрастов Василия Перова, психологические портреты Ивана Крамского, известная по учебникам истории картина Николая Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея». Здесь же множество великолепных пейзажей — «Корабельная роща» Ивана Шишкина, «Зима» Алексея Саврасова, «Оттепель» Федора Васильева, «Лунная ночь на Днепре» Архипа Куинджи с фантастическим эффектом ночного освещения.

На первом этаже есть свои большие картины, поражающие не только размерами, но и мастерским исполнением — к примеру, наполненная светом и яркими красками «фрина на празднике Посейдона в Элевсине» Генриха Семирадского или залитое палестинским солнцем полотно «Христос и грешница» Василия Поленова. Кстати, у последней картины есть интересный оптический эффект. Ослик, расположенный в правом углу картины, написан так, что, куда бы зритель ни переместился, он все время смотрит прямо на него.

Четыре зала занимают произведения Ильи Репина. Мастер большого творческого темперамента, он работал в разных жанрах — тут и знаменитые «Бурлаки на Волге», и «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», и монументальное, занимающее целый зал полотно «Торжественное заседание Государственного совета», и многочисленные портреты (критика Стасова, композитора Глазунова, хирурга Пирогова, художника Шишкина и др.).

Творчество Василия Сурикова, тогдашнего главного исторического живописца России, отражено произведениями среднего и позднего периода — «Взятие снежного городка», «Покорение Сибири Ермаком», «Переход Суворова через Альпы» и «Степан Разин». Рядом — сказочно-исторические картины Виктора Васнецова. Здесь и всем знакомый с детских лет «Витязь на распутье».

Следуя указателям с надписью «В корпус Бенуа», пройдем по переходу в эту пристройку к Михайловскому дворцу и поднимемся на второй этаж, где нас ждет искусство рубежа XIX-XX вв. Здесь уже совсем другая атмосфера — нет роскоши дворцовых залов, и картины уже совершенно иные. Фантастические миры Михаила Врубеля контрастируют со спокойными, полными идеи гармонии человека, природы и православной веры полотнами Михаила Нестерова, первые попытки русского импрессиониста Константина Коровина — с философскими полотнами «величайшего интуитивиста века» (по определению Горького) Николая Рериха.

Два зала занимают произведения Валентина Серова — это портреты (княгини Орловой, Иды Рубинштейн, серия работ, посвященная семье князей Юсуповых), пейзажи, исторические картины («Петр II и цесаревна Елизавета на псовой охоте»), эскизы декораций для постановки оперы «Юдифь».

Художники объединения «Мир искусства» черпали вдохновение в романтическом культе прошлого — одни в народном творчестве, сказках, истории допетровской Руси, другие — в «европеизме»,рокайльно-классицистическом веке французского Просвещения. Это отчетливо заметно в картинах Александра Бенуа, Константина Сомова, Леона Бакста, Мстислава Добужинского.

Модернистский культ изысканно-театрализованной, «нездешней» красоты резко отделял мирискусников от нарождавшегося русского авангарда, менее элегически-созерцательного и открытого не к прошлому, а к настоящему и будущему. В Русском музее собрана уникальная коллекция, включающая работы классиков авангарда — беспредметные композиции Василия Кандинского, супрематические полотна Казимира Малевича, аналитическую живопись Павла Филонова.

В корпусе Бенуа постоянно устраиваются интересные временные выставки. Это происходит обычно на его первом этаже и в части залов второго этажа. У корпуса Бенуа есть собственный вход со стороны канала Грибоедова, так что можно попасть туда и напрямую, минуя Михайловский дворец.

Посетителям

• Адрес: Инженерная ул., 4, «Невский проспект».
• Телефон для справок 595-42-48, автоответчик 314-83-68.
• Открыт ежедневно, кроме вт, с 10.00 до 18.00, в пни в предпраздничные дни до 17.00. Кассы закрываются на час раньше.
• Вход — 200р., льготный (российские школьники и пенсионеры) — 50 р., российские дошкольники и студенты -бесплатно. Для иностранцев -350 р., иностранным детям и студентам — 150 р.