Рассказ о симфонии 40 моцарта

В.А. Моцарт симфония №40

Одно из самых пронзительных и известных инструментальных произведений, сокровище классической музыки – симфония №40 Моцарта. Она входит в симфонический триптих, написанный на одном дыхании летом 1788 года. 39, 40 и 41 («Юпитер») Симфонии воплощают зрелое музыкальное мышление композитора, они одновременно продолжают традиции Баха и Генделя и предвосхищают душевный лиризм романтиков.

Симфония №40 одно из самых непостижимых творений, и в то же время понятна на каком-то личном уровне каждому. Она вмещает глубокую, развитую оперную драматургию и тонкий психологизм, присущий моцартовскому языку, мотив народного чешского танца и утонченный ученый стиль.

Йозеф Гайдн, лучший друг Моцарта, его старший товарищ, поддерживающий во всем, так отзывался об эмоциональности музыки Вольфганга: «Он так просвещен в сфере человеческих чувств, что создается впечатление, будто он – создатель их, а люди потом только освоили чувствование».

Историю создания Симфонии №40 Моцарта и содержание этого произведения читайте на нашей странице.

История создания

История не сохранила документы, из которых можно было бы судить об идее создания всех 3-х симфоний, вышедших из-под пера Моцарта тем летом. Они писались не на заказ. Вероятно, автор планировал исполнять их осенью и зимой во время так называемых «Академий». В этот период жизни композитор уже очень остро испытывал нужду и рассчитывал заработать на концертах «по подписке». Однако мечтам не суждено было сбыться, концерты так и не были даны, а симфонии – исполнены при жизни автора.

Все они были написаны в самые сжатые сроки, примечательно время работы над ними – лето. Ученики разъехались, Констанца в Бадене. Не сдерживаемый рамками заказа, Вольфганг может творить по своему желанию, воплощая любой художественный замысел.

И Моцарт, как истинный новатор, отнесся к этой свободе выбора с должным уважением. Сам по себе жанр симфонии прошел путь от небольшой музыкальной заставки, призванной подсказать слушателям, что опера начинается, и пора перестать разговаривать, до отдельного оркестрового произведения.

Работая над симфонией Соль-минор, Моцарт значительно расширяет драматургические границы жанра. Отец, Леопольд Моцарт, с детства внушал, что в основе любого произведения должен стоять высокий замысел, идея, техника вторична, но без нее и вся концепция не стоит и гроша ломанного. В этой симфонии Вольфганг впервые позволяет себе общаться со слушателем, он искренне повествует «без лишних слов» и даже где-то интимно исповедуется. Такая манера в корне отличалась от холодной концертности и академичности, принятой в то время и понятной тогдашней публике.

По-настоящему эту работу оценили только в XIX веке, когда во всю уже исполнялись симфонии Бетховена и Шумана, когда тонкий романтизм Шопена стал привычным.

Выбор минорной тональности, отказ о медленной вступительной части сразу уводят от развлекательного жанра в область неизведанного. В ней нет торжественности, ощущения праздника (в оркестре нет труб и литавр), «массовости», несмотря на оркестровое звучание. Полная тревожной смены настроений и тем, контрастов и слияний, симфония рассказывает о глубоких личных переживаниях человека, поэтому неизменно находит отклик в душе каждого слушателя. При этом остается общий деликатный и галантный стиль, соответствующий тому веку.

Незадолго до смерти, через 3 года после создания, Моцарт внес в партитуру изменения, введя кларнеты в оркестровый состав и немного отредактировав партию гобоя.

Современные обработки

Наиболее близкими к оригинальной трактовке считают исполнение симфонии g-moll таких дирижеров, как Тревор Пиннок, Кристофер Хогвуд, Марк Минковский, Джон Элиот Гардинер, Роджер Норрингтон, Николаус Арнонкур.

Однако существует немало современных обработок этого произведения:

The Swingle Singers — необычное исполнение симфонического произведения известным ансамблем вокалистов. (слушать)

Версия немецкого музыканта, аранжировщика и музыкального продюсера Anthony Ventura. (слушать)

Французский гитарист Nicolas de Angelis (слушать)

Waldo De Los Rios — аргентинский композитор, дирижер и аранжировщик. Его обработка была записана в 1971 году оркестром Мануэля де Фалья и заняла первое место в голландских чартах, а также вошла в лучшую десятку в ряде других европейских стран. (слушать)

Содержание

Точное количество написанных Моцартом симфоний установить нельзя, многие из них, написанные в юношеские годы, утеряны навсегда (приблизительное число около 50). Но в миноре звучит только Сороковая (и еще одна, №25, в этой же тональности).

Симфония имеет традиционную для того времени 4-х частную форму, однако у нее отсутствует вступление, она начинается сразу с главной партии, что совершенно не характерно для канона того времени. Мелодия главной партии – наиболее популярный мотив во всем мире, своего рода визитная карточка композитора. Побочная партия, вопреки традициям, не выступает резким контрастом, но звучит более томно, загадочно и светло (благодаря мажору). Сонатное allegro первой части получает почти сквозное развитие: солирующие скрипки в главной партии, ритмичность связующей, небольшое просветление в исполнении деревянных духовых (гобои, кларнеты) побочной партии, все это получает яркое развитие и к заключительной партии прорисовывается конфликт, который в разработке только усиливается нарастанием напряжения. Реприза не дает разрешения этого конфликта, даже побочная партия приобретает минорный характер главной. Общее звучание становится даже мрачным, напоминания крушение надежд, несбыточность порывов, безутешность страданий.

Вторая часть, словно затишье после бури, исполняется в неторопливом темпе (andante), спокойно-созерцательного характера. Наступает умиротворение, мелодия становится напевной, контрастов уже нет. Звучание символизирует свет и разум. Общая форма части – вновь сонатная, но за счет отсутствия противопоставления ведущих тем ощущается как сквозное развитие. Музыкальная ткань, включая несколько смысловых поворотов, непрерывно развивается, достигая сладостно-мечтательной кульминации в разработке и утверждения в репризе. Некоторые короткие фразы-вдохи похожи на пасторальный рисунок природы.

Несмотря на название 3-й части – Menuetto («Менуэт»), это совсем не танец. Трехдольный размер, скорее, подчеркивает маршевость и суровость звучания. Жесткое настойчивое повторение ритмической фигуры внушает тревогу и страх. Словно непреодолимая сверхсила, холодная и бездушная, грозит карой.

Тема трио уводит от зловещих угроз менуэта, и в даже в какой-то степени приближается по характеру к легкому танцевальному менуэту. Мелодия, звучащая в соль-мажоре, светлая, солнечная, теплая. Ее оттеняют крайние суровые части, придавая еще больше выразительности этим контрастом.

Возврат в соль-минор словно возвращает к настоящему, отрывает от грез, вырывает из упоительного сна и подготавливает драматический финал симфонии.

Финальная 4-я часть («Allegro assai») написана в сонатной форме. Абсолютное преобладание главной темы, исполняемой в быстром темпе, словно сметает на своем пути возникающие тут и там мелодии и фразы связующей, побочной тем. Разработка получает бурное, стремительное развитие. Энергичный характер музыки стремится к драматической кульминации всего произведения. Яркий контраст между темами, полифоническое и гармоническое развитие, переклички между инструментами – все безудержным потоком несется к неминуемому финалу.

Это драматургическое развитие образов на протяжении всего произведения – характерная черта Моцарта, отличающая его симфонизм.

Гений Моцарта в этой симфонии воплотился и в то же время стал бессмертным. Поистине не найдется другой симфонии, которая могла бы сравниться в популярности с этой. Подобно улыбке Джоконды, простота ее скрывает слишком много тайн, разгадывать которые человечество может веками. Соприкасаясь с такими произведениями, думаешь, что сам Бог ведет беседу с человеком через талант своего избранника.

Понравилась страница? Поделитесь с друзьями:

Вольфганг Амадей Моцарт Симфония № 40

Маэстро Моцарт

Именно симфония номер 40, без сомнения, является визитной карточкой гениального австрийского композитора 18 века Вольфганга Амадея Моцарта.
Его грациозные произведения по праву являются шедеврами классической симфонической и оперной музыки, которые не только не стареют и не блекнут с течением времени, а становятся все более и более изысканными и возвышенными, поднимая душу человека к высотам божественного идеала.

Детство гения

Полное имя музыканта звучит несколько длиннее, чем обычно привыкли слышать любители классической музыки: Иоганн Хризостом Вольфганг Амадей Моцарт.
Первые два имени были даны ему в честь святого Иоанна Златоуста и были чисто церковными, поэтому в обычной жизни не использовались. Четвёртое имя – Амадей (лат. Amadeus) переводится как «возлюбленнй Богом». Именно это имя говорит о божественном даре музыканта, который был дан ему свыше. Однако, сам Моцарт любил, когда его называют третьим именем – Вольфганг.
Будущий музыкант появился на свет 27 января 1756 года в городе Зальцбурге — в то время столице Зальцбургского архиепископства, на улице Гетрайдегассе, 9.
Его отец, Леопольд Моцарт, служил придворным музыкантом при капелле князя-архиепископа Сигизмунда фон Штраттенбаха.
А мать, Анна Мария Моцарт (в девичестве Пертль) была дочерью комиссара-попечителя богоугодного заведения в Санкт-Гильгене.
Из семи родившихся детей в живых осталось только двое: дочь Мария Анна и Вольфганг, причём, именно при появлении на свет Вольфганга его мать чуть было не простилась с жизнью.
Отец постепенно начал приобщать детей к музыке, сначала Анну Марию, поскольку она была постарше, но маленький Вольфганг, которому было тогда всего 3 года, тоже с интересом прислушивался к непривычным звукам музыки.
И скоро он самостоятельно мог наигрывать на клавессине запомнившиеся отрывки мелодий. Это очень удивило отца, и он взялся обучать мальчика музыке уже целенаправленно.
В пять лет Вольфганг уже мог самостоятельно сочинять простенькие пьесы для клавессина, а в шесть лет научился играть ещё и она скрипке.

Гастроли маленького вундеркинда

У мальчика был явный композиторский дар, который необходимо было развивать. Но, по стариной традиции, для начала ему нужно было стать музыкантом-исполнителем, чтобы зарекомендовать себя в музыкальных кругах и приобрести влиятельных покровителей.
Для этой цели отец решает представить Вольфганга высшему музыкальному обществу Европы и совершить с ним концертное путешествие по известным королевским и аристократическим салонам.
Выступления маленького вундеркинда произвели сенсацию среди придворной знати, и Моцарта наперебой приглашали во все известные дворцы и замки Европы, но особенной честью считалось выступить в Вене, которая тогда была столицей всех европейских искусств.
Моцарт поражал публику своими особенными виртуозными способностями: он мог играть с завязанными глазами и даже на клавиатуре, покрытой тканью.
В это время Вольфганг начинает уже сочинять свои первые музыкальные произведения: сонаты для скрипки и клавессина, которые его отец отдаёт в печать. Причём, на титульном листе было указано, что автору этих сочинений 7 лет.
Успех юного музыканта был оглушительным, ему рукоплескали самые знатные дворы и приёмы Европы, и когда он выступал в Париже, его пригласили в Версаль, ко двору короля Людовика XV.
Концерты продолжились в Лондоне, где Моцарт встретил Иоганна Христиана Баха – младшего сына Иоганна Себастьяна Баха. С ним юный Вольфганг даже имел честь исполнить произведения в четыре руки.
Леопольд с восторгом писал о своих впечатлениях об успехах сына, что его восьмилетний мальчик владеет таким мастерством, которого можно ждать от человека, которому не меньше сорока лет.
Если Вольфганг приехал в Англию как виртуоз-исполнитель, то покидал он её уже как настоящий композитор: именно на берегах туманного Альбиона Моцарт пишет свою первую симфонию: «Ми-бемоль мажор».
За три года своего музыкального турне по Европе Вольфганг превратился во вполне состоявшегося десятилетнего композитора.

Первые музыкальные заказы

По возвращении домой, именно юному Моцарту заказывают написать музыкальное прославление в честь годовщины принятия архиепископом фон Штраттенбахом своего церковного сана, которое и было исполнено на торжестве 21 декабря 1766 года.
Юный Моцарт становится как бы тоже придворным музыкантом, вместе с отцом: для нужд двора архиепископа ему поступают различные заказы на написание музыки, в числе которых появляется немецкая оратория «Долг первой заповеди».
К 17 годам Моцарт уже был автором 4 опер, 13 симфоний и 24 сонат.

В Вене

К 1781 году Моцарт резко порывает с архиепископом, который обращается с ним, как со слугой, и переезжает в Вену, надеясь там найти хорошее место учителя музыки и высоких покровителей, и стать известным композитором.
Однако, маленького чудо-ребенка, каким был когда-то Моцарт, в Вене успели забыть, а взрослый Моцарт был в ней никому неизвестен, а его произведения знали только дома, при дворе архиепископа.
Зимой 1782 года Моцарту все же удаётся найти несколько учениц, появляются концерты по подписке, снова постепенно появляются заказы на сочинение музыки для венской знати, что вскоре позволяет ему жениться на Констанции Вебер.
К 1784 году Моцарт находится в зените славы: у него огромное количество учеников, он получает фантастические гонорары за концерты и издание своих музыкальных сочинений.
Моцарты снимают шикарную квартиру, Вольфганг может позволить себе держать служанку, повариху и парикмахера.
В это время Моцарт пишет свои лучшие произведения – оперы «Жениться Фигаро» и «Дон Жуан».
К 1787 году финансовое положение Моцарта резко ухудшается. Частично причина была в соперничестве с Сольери, чьи оперы пользовались большим успехом и мешали произведениям Моцарта увидеть свет.
Именно в это бедственное время Моцарт пишет три самые лучшие свои симфонии: номер 39 (ми-бемоль мажор ), номер 40 (соль-минор) и номер 41 (до-мажор).

Симфония номер 40 (Соль-минор)

Эти три симфонии были написаны не на заказ, как большинство произведений, а для души.
Жена была на лечении в Бадене, ученики разъехались, и Моцарт творил то, что просила его душа.
Симфония как жанр сформировалась постепенно. Сначала это была просто небольшая музыкальная вставка перед оперой, которая показывала зрителям, что пора перестать разговаривать и начать слушать. И только постепенно симфония превратилась в самостоятельное музыкальное произведение.
Выбор минорной тональности кажется странным и неожиданным, тем более, что главная часть – создаёт ощущение воздушности и прозрачности, лёгкости и пространства.
Первая часть начинается как бы с полуслова, с чуть задыхающейся мелодии скрипок. Потрясающая по красоте главная тема ласково берет слушателя под руку и приглашает прогуляться в мир грез и воспоминаний.
Так характерные для Моцарта и узнаваемые его задорные «музыкальные завитушки» здесь неожиданно навевают странную, неизвестно откуда взявшуюся грусть по чему-то лучшему и несбывшемуся, уводят в область неизведанного, в мечты о лучшем и прекрасном мире, где нет скорби и печали, где все счастливы и веселы, и как хорошо было бы туда попасть.
В этой симфонии нет фанфар и торжественности (в оркестре отсутствуют трубы и литавры).
Напротив, лёгкая, непринужденная, ажурная атмосфера симфонии ведет личный, почти интимный диалог со слушателями, их переживаниях и волнениях. Временам появляется настроение тревожности и даже какой-то обречённости, но потом оно вновь сменяется светлыми нотами, как бы вселяя надежду и силы для того, чтобы жить дальше.
При этом сохраняется галантный и деликатный стиль, так присущий Моцарту.
Симфония была окончена 25 июля 1788 года.
Скорее всего, симфония была написана для «подписки», но необходимого количества набрано не было, и исполнение не состоялось. При жизни Моцарта симфония так и не была исполнена.
Через три года Моцарта не стало. Поэтому можно сказать, что симфония номер 40 – это прощальная улыбка гениального маэстро, его прощальный взмах руки.
Признания симфония получила уже только в XIX веке, и остается любимой и востребованной и по сей день.

Symphony in G minor
No. 40
by Wolfgang Amadeus Mozart
Mozart c. 1788
Key	G minor
Catalogue	K. 550
Composed	1788
Movements	four

Symphony No. 40 in G minor, K. 550 was written by Wolfgang Amadeus Mozart in 1788. It is sometimes referred to as the «Great G minor symphony», to distinguish it from the «Little G minor symphony», No. 25. The two are the only extant minor key symphonies Mozart wrote.^{[1][nb 1]}

History[edit]

Composition[edit]

The date of completion of this symphony is known exactly, since Mozart in his mature years kept a full catalog of his completed works; he entered the 40th Symphony into it on 25 July 1788.^[2] Work on the symphony occupied an exceptionally productive period of just a few weeks during which time he also completed the 39th and 41st symphonies (26 June and 10 August, respectively).^[3] Nikolaus Harnoncourt conjectured that Mozart composed the three symphonies as a unified work, pointing, among other things, to the fact that the Symphony No. 40, as the middle work, has no introduction (unlike No. 39) and does not have a finale of the scale of No. 41’s.^[4]

The 40th symphony exists in two versions, differing primarily in that one includes parts for a pair of clarinets (with suitable adjustments made in the other wind parts). Most likely, the clarinet parts were added in a revised version.^[5] The autograph scores of both versions were acquired in the 1860s by Johannes Brahms, who later donated the manuscripts to the Gesellschaft der Musikfreunde in Vienna, where they reside today.^[6]

Premiere[edit]

As Neal Zaslaw has pointed out, writers on Mozart have often suggested – or even asserted – that Mozart never heard his 40th Symphony performed. Some commentators go further, suggesting that Mozart wrote the symphony (and its companions, Nos. 39 and 41) without even intending it to be performed, but rather for posterity, as (to use Alfred Einstein’s words) an «appeal to eternity».^{[nb 2]}

Modern scholarship suggests that these conjectures are not correct. First, in a recently discovered 10 July 1802 letter by the musician Johann Wenzel (1762–1831) to the publisher Ambrosius Kühnel [de] in Leipzig, Wenzel refers to a performance of the symphony at the home of Baron Gottfried van Swieten with Mozart present, but the execution was so poor that the composer had to leave the room.^{[7][nb 3]}

There is strong circumstantial evidence for other, probably better, performances. On several occasions between the composition of the symphony and the composer’s death, symphony concerts were given featuring Mozart’s music for which copies of the program have survived, announcing a symphony unidentified by date or key. These include:^[8]

• Dresden, 14 April 1789, during Mozart’s Berlin journey
• Leipzig, 12 May 1789, on the same trip
• Frankfurt, 15 October 1790
• Copies survive of a poster for a concert given by the Tonkünstler-Societät (Society of Musicians) 17 April 1791 in the Burgtheater in Vienna, conducted by Mozart’s colleague Antonio Salieri. The first item on the program was billed as «A Grand Symphony composed by Herr Mozart».^{[nb 4]}

Most important is the fact that Mozart revised his symphony (see above). As Zaslaw says, this «demonstrates that [the symphony] was performed, for Mozart would hardly have gone to the trouble of adding the clarinets and rewriting the flutes and oboes to accommodate them, had he not had a specific performance in view.»^[9] The orchestra for the 1791 Vienna concert included the clarinetist brothers Anton and Johann Nepomuk Stadler; which, as Zaslaw points out, limits the possibilities to just the 39th and 40th symphonies.^[9]

Zaslaw adds: «The version without clarinets must also have been performed, for the reorchestrated version of two passages in the slow movement, which exists in Mozart’s hand, must have resulted from his having heard the work and discovered an aspect needing improvement.»^{[10][nb 5]}

Regarding the concerts for which the Symphony was originally intended when it was composed in 1788, Otto Erich Deutsch suggests that Mozart was preparing to hold a series of three «Concerts in the Casino», in a new casino in the Spiegelgasse owned by Philipp Otto. Mozart even sent a pair of tickets for this series to his friend Michael Puchberg. But it seems impossible to determine whether the concert series was held, or was cancelled for lack of interest.^[3] Zaslaw suggests that only the first of the three concerts was actually held.^{[citation needed]}

Music[edit]

The symphony is scored (in its revised version) for flute, 2 oboes, 2 clarinets, 2 bassoons, 2 horns, and strings.

The work is in four movements, in the usual arrangement for a classical-style symphony (fast movement, slow movement, minuet, fast movement):

I. Molto allegro[edit]

The first movement begins darkly, not with its first theme but with the accompaniment, played by the lower strings with divided violas. The technique of beginning a work with an accompaniment figure was later used by Mozart in his last piano concerto (KV. 595) and later became a favorite of the Romantics (examples include the openings of Mendelssohn’s Violin Concerto and Sergei Rachmaninoff’s Third Piano Concerto). The first theme is as follows.

II. Andante[edit]

The second movement is a lyrical work in ⁶
₈ time. It is in the subdominant key of the relative major of G minor (B♭ major): E♭ major. The contrapuntal opening bars of this movement appear thus in keyboard reduction:

[edit]

The minuet begins with an angry, cross-accented hemiola rhythm and a pair of three-bar phrases, as shown in the following piano reduction:

Various commentators^[who?] have asserted that while the music is labeled «minuet», it would hardly be suitable for dancing. The contrasting gentle trio section, in G major, alternates the playing of the string section with that of the winds.

IV. Finale. Allegro assai[edit]

The fourth movement opens with a series of rapidly ascending notes outlining the tonic triad illustrating what is commonly referred to as the Mannheim rocket.

A remarkable modulating passage in which every tone in the chromatic scale but one is played, strongly destabilizing the key, occurs at the beginning of the development section; the single note left out is G (the tonic):

Legacy[edit]

Reception[edit]

This work has elicited varying interpretations from critics. Robert Schumann regarded it as possessing «Grecian lightness and grace».^[11] Donald Tovey saw in it the character of opera buffa. Almost certainly, however, the most common perception today is that the symphony is tragic in tone and intensely emotional; for example, Charles Rosen (in The Classical Style) has called the symphony «a work of passion, violence, and grief.»^[12]

Although interpretations differ, the symphony is unquestionably one of Mozart’s most greatly admired works,^[13] and it is frequently performed and recorded.

Influence[edit]

Ludwig van Beethoven knew the symphony well, copying out 29 bars from the score in one of his sketchbooks.^[14] As Gustav Nottebohm observed in 1887, the copied bars appear amid the sketches for Beethoven’s Fifth Symphony, whose third movement begins with a pitch sequence similar to that of Mozart’s finale (see example below).^[15]

Franz Schubert likewise copied down the music of Mozart’s minuet, and the minuet of his Fifth Symphony strongly evokes Mozart’s.^[16] Zaslaw has suggested that a passage late in Joseph Haydn’s oratorio The Seasons (1801), a meditation on death, quotes the second movement of the 40th Symphony and was included by Haydn as a memorial to his long-dead friend.^{[nb 6]}

The symphony has been widely recorded and adapted by many orchestras.^[17] Vince Guaraldi adapted the symphony as a jazz piece in the opening track of his 1964 studio album «From All Sides», «Choro». Lebanese singer Fairuz also adapted the symphony for her 1972 song “Ya Ana Ya Ana.”

First recording[edit]

The first known recording of the 40th Symphony was issued by the Victor Talking Machine Company in 1915 under the title «Symphony in G Minor». The Victor Concert Orchestra performed under the direction of Victor’s house conductor, Walter B. Rogers.^[18]

See also[edit]

• Mozart and G minor

Notes[edit]

References[edit]

Bibliography[edit]

• Biba, Otto (2009). «Kommentar», Wolfgang Amadeus Mozart. Sinfonie g-moll, KV 550. Autographe Partitur. Erste und zweite Fassung. Faksimile-Ausgabe. Gesellschaft der Musikfreunde in Wien, p. 8.
• Deutsch, Otto Erich (1965). Mozart: A Documentary Biography. Stanford, California: Stanford University Press.
• Heartz, Daniel (2009). Mozart, Haydn and Early Beethoven, 1781–1802. New York: W. W. Norton. Extracts online at Google Books.
• Hopkins, Antony (1981). The Nine Symphonies of Beethoven. Heineman.
• James, Burnett (1967). An Adventure in Music. London: Baker. Retrieved 25 September 2016.
• Nottebohm, Gustav (1887). Zweite Beethoviana. Leipzig: C. F. Peters. Available online Zweite Beethoveniana:   at the International Music Score Library Project
• Rosen, Charles (1997). The Classical Style: Haydn, Mozart, Beethoven (expanded ed.). New York and London: W. W. Norton. Online at Google Books.
• Swafford, Jan (1997). Johannes Brahms: A Biography. New York: Alfred A. Knopf.
• Zaslaw, Neal (1983). Introductory notes to a recording of the 31st and 40th Symphonies made by Christopher Hogwood and the Academy of Ancient Music, Oiseau-Lyre 410-197-2
• Zaslaw, Neal (1994). «Mozart as Working Stiff». In James M. Morris (ed.). On Mozart. Washington: Woodrow Wilson Center Press.^{[page needed]}
• Zaslaw, Neal; Cowdery, William (1990). The Compleat Mozart: A Guide to the Musical Works of Wolfgang Amadeus Mozart. New York: W. W. Norton. Extracts cited at Google Books.

Further reading[edit]

• Schoenberg, Arnold (1954, revised 1969). Structural Functions of Harmony. New York: W. W. Norton. Analyzes the wide-ranging development sections of both outer movements at some length.

External links[edit]

• Sinfonie in g K. 550 (1st version): Score and critical report (in German) in the Neue Mozart-Ausgabe
• Sinfonie in g K. 550 (2nd version): Score in the Neue Mozart-Ausgabe
• Symphony No. 40: Scores at the International Music Score Library Project
• Kalmus miniature editions, from the William and Gayle Cook Music Library at the Indiana University Jacobs School of Music
• A public domain version by the Columbia University Orchestra at TEOC Classical Music Radio: Symphony No. 40
• The apartment where Mozart wrote his last three Symphonies: Michael Lorenz, «Mozart’s Apartment on the Alsergrund»

Symphony in G minor
No. 40
by Wolfgang Amadeus Mozart
Mozart c. 1788
Key	G minor
Catalogue	K. 550
Composed	1788
Movements	four

Symphony No. 40 in G minor, K. 550 was written by Wolfgang Amadeus Mozart in 1788. It is sometimes referred to as the «Great G minor symphony», to distinguish it from the «Little G minor symphony», No. 25. The two are the only extant minor key symphonies Mozart wrote.^{[1][nb 1]}

History[edit]

Composition[edit]

The date of completion of this symphony is known exactly, since Mozart in his mature years kept a full catalog of his completed works; he entered the 40th Symphony into it on 25 July 1788.^[2] Work on the symphony occupied an exceptionally productive period of just a few weeks during which time he also completed the 39th and 41st symphonies (26 June and 10 August, respectively).^[3] Nikolaus Harnoncourt conjectured that Mozart composed the three symphonies as a unified work, pointing, among other things, to the fact that the Symphony No. 40, as the middle work, has no introduction (unlike No. 39) and does not have a finale of the scale of No. 41’s.^[4]

The 40th symphony exists in two versions, differing primarily in that one includes parts for a pair of clarinets (with suitable adjustments made in the other wind parts). Most likely, the clarinet parts were added in a revised version.^[5] The autograph scores of both versions were acquired in the 1860s by Johannes Brahms, who later donated the manuscripts to the Gesellschaft der Musikfreunde in Vienna, where they reside today.^[6]

Premiere[edit]

As Neal Zaslaw has pointed out, writers on Mozart have often suggested – or even asserted – that Mozart never heard his 40th Symphony performed. Some commentators go further, suggesting that Mozart wrote the symphony (and its companions, Nos. 39 and 41) without even intending it to be performed, but rather for posterity, as (to use Alfred Einstein’s words) an «appeal to eternity».^{[nb 2]}

Modern scholarship suggests that these conjectures are not correct. First, in a recently discovered 10 July 1802 letter by the musician Johann Wenzel (1762–1831) to the publisher Ambrosius Kühnel [de] in Leipzig, Wenzel refers to a performance of the symphony at the home of Baron Gottfried van Swieten with Mozart present, but the execution was so poor that the composer had to leave the room.^{[7][nb 3]}

There is strong circumstantial evidence for other, probably better, performances. On several occasions between the composition of the symphony and the composer’s death, symphony concerts were given featuring Mozart’s music for which copies of the program have survived, announcing a symphony unidentified by date or key. These include:^[8]

• Dresden, 14 April 1789, during Mozart’s Berlin journey
• Leipzig, 12 May 1789, on the same trip
• Frankfurt, 15 October 1790
• Copies survive of a poster for a concert given by the Tonkünstler-Societät (Society of Musicians) 17 April 1791 in the Burgtheater in Vienna, conducted by Mozart’s colleague Antonio Salieri. The first item on the program was billed as «A Grand Symphony composed by Herr Mozart».^{[nb 4]}

Most important is the fact that Mozart revised his symphony (see above). As Zaslaw says, this «demonstrates that [the symphony] was performed, for Mozart would hardly have gone to the trouble of adding the clarinets and rewriting the flutes and oboes to accommodate them, had he not had a specific performance in view.»^[9] The orchestra for the 1791 Vienna concert included the clarinetist brothers Anton and Johann Nepomuk Stadler; which, as Zaslaw points out, limits the possibilities to just the 39th and 40th symphonies.^[9]

Zaslaw adds: «The version without clarinets must also have been performed, for the reorchestrated version of two passages in the slow movement, which exists in Mozart’s hand, must have resulted from his having heard the work and discovered an aspect needing improvement.»^{[10][nb 5]}

Regarding the concerts for which the Symphony was originally intended when it was composed in 1788, Otto Erich Deutsch suggests that Mozart was preparing to hold a series of three «Concerts in the Casino», in a new casino in the Spiegelgasse owned by Philipp Otto. Mozart even sent a pair of tickets for this series to his friend Michael Puchberg. But it seems impossible to determine whether the concert series was held, or was cancelled for lack of interest.^[3] Zaslaw suggests that only the first of the three concerts was actually held.^{[citation needed]}

Music[edit]

The symphony is scored (in its revised version) for flute, 2 oboes, 2 clarinets, 2 bassoons, 2 horns, and strings.

The work is in four movements, in the usual arrangement for a classical-style symphony (fast movement, slow movement, minuet, fast movement):

I. Molto allegro[edit]

The first movement begins darkly, not with its first theme but with the accompaniment, played by the lower strings with divided violas. The technique of beginning a work with an accompaniment figure was later used by Mozart in his last piano concerto (KV. 595) and later became a favorite of the Romantics (examples include the openings of Mendelssohn’s Violin Concerto and Sergei Rachmaninoff’s Third Piano Concerto). The first theme is as follows.

II. Andante[edit]

The second movement is a lyrical work in ⁶
₈ time. It is in the subdominant key of the relative major of G minor (B♭ major): E♭ major. The contrapuntal opening bars of this movement appear thus in keyboard reduction:

[edit]

The minuet begins with an angry, cross-accented hemiola rhythm and a pair of three-bar phrases, as shown in the following piano reduction:

Various commentators^[who?] have asserted that while the music is labeled «minuet», it would hardly be suitable for dancing. The contrasting gentle trio section, in G major, alternates the playing of the string section with that of the winds.

IV. Finale. Allegro assai[edit]

The fourth movement opens with a series of rapidly ascending notes outlining the tonic triad illustrating what is commonly referred to as the Mannheim rocket.

A remarkable modulating passage in which every tone in the chromatic scale but one is played, strongly destabilizing the key, occurs at the beginning of the development section; the single note left out is G (the tonic):

Legacy[edit]

Reception[edit]

This work has elicited varying interpretations from critics. Robert Schumann regarded it as possessing «Grecian lightness and grace».^[11] Donald Tovey saw in it the character of opera buffa. Almost certainly, however, the most common perception today is that the symphony is tragic in tone and intensely emotional; for example, Charles Rosen (in The Classical Style) has called the symphony «a work of passion, violence, and grief.»^[12]

Although interpretations differ, the symphony is unquestionably one of Mozart’s most greatly admired works,^[13] and it is frequently performed and recorded.

Influence[edit]

Ludwig van Beethoven knew the symphony well, copying out 29 bars from the score in one of his sketchbooks.^[14] As Gustav Nottebohm observed in 1887, the copied bars appear amid the sketches for Beethoven’s Fifth Symphony, whose third movement begins with a pitch sequence similar to that of Mozart’s finale (see example below).^[15]

Franz Schubert likewise copied down the music of Mozart’s minuet, and the minuet of his Fifth Symphony strongly evokes Mozart’s.^[16] Zaslaw has suggested that a passage late in Joseph Haydn’s oratorio The Seasons (1801), a meditation on death, quotes the second movement of the 40th Symphony and was included by Haydn as a memorial to his long-dead friend.^{[nb 6]}

The symphony has been widely recorded and adapted by many orchestras.^[17] Vince Guaraldi adapted the symphony as a jazz piece in the opening track of his 1964 studio album «From All Sides», «Choro». Lebanese singer Fairuz also adapted the symphony for her 1972 song “Ya Ana Ya Ana.”

First recording[edit]

The first known recording of the 40th Symphony was issued by the Victor Talking Machine Company in 1915 under the title «Symphony in G Minor». The Victor Concert Orchestra performed under the direction of Victor’s house conductor, Walter B. Rogers.^[18]

See also[edit]

• Mozart and G minor

Notes[edit]

References[edit]

Bibliography[edit]

• Biba, Otto (2009). «Kommentar», Wolfgang Amadeus Mozart. Sinfonie g-moll, KV 550. Autographe Partitur. Erste und zweite Fassung. Faksimile-Ausgabe. Gesellschaft der Musikfreunde in Wien, p. 8.
• Deutsch, Otto Erich (1965). Mozart: A Documentary Biography. Stanford, California: Stanford University Press.
• Heartz, Daniel (2009). Mozart, Haydn and Early Beethoven, 1781–1802. New York: W. W. Norton. Extracts online at Google Books.
• Hopkins, Antony (1981). The Nine Symphonies of Beethoven. Heineman.
• James, Burnett (1967). An Adventure in Music. London: Baker. Retrieved 25 September 2016.
• Nottebohm, Gustav (1887). Zweite Beethoviana. Leipzig: C. F. Peters. Available online Zweite Beethoveniana:   at the International Music Score Library Project
• Rosen, Charles (1997). The Classical Style: Haydn, Mozart, Beethoven (expanded ed.). New York and London: W. W. Norton. Online at Google Books.
• Swafford, Jan (1997). Johannes Brahms: A Biography. New York: Alfred A. Knopf.
• Zaslaw, Neal (1983). Introductory notes to a recording of the 31st and 40th Symphonies made by Christopher Hogwood and the Academy of Ancient Music, Oiseau-Lyre 410-197-2
• Zaslaw, Neal (1994). «Mozart as Working Stiff». In James M. Morris (ed.). On Mozart. Washington: Woodrow Wilson Center Press.^{[page needed]}
• Zaslaw, Neal; Cowdery, William (1990). The Compleat Mozart: A Guide to the Musical Works of Wolfgang Amadeus Mozart. New York: W. W. Norton. Extracts cited at Google Books.

Further reading[edit]

• Schoenberg, Arnold (1954, revised 1969). Structural Functions of Harmony. New York: W. W. Norton. Analyzes the wide-ranging development sections of both outer movements at some length.

External links[edit]

• Sinfonie in g K. 550 (1st version): Score and critical report (in German) in the Neue Mozart-Ausgabe
• Sinfonie in g K. 550 (2nd version): Score in the Neue Mozart-Ausgabe
• Symphony No. 40: Scores at the International Music Score Library Project
• Kalmus miniature editions, from the William and Gayle Cook Music Library at the Indiana University Jacobs School of Music
• A public domain version by the Columbia University Orchestra at TEOC Classical Music Radio: Symphony No. 40
• The apartment where Mozart wrote his last three Symphonies: Michael Lorenz, «Mozart’s Apartment on the Alsergrund»

Symphony No. 40 (g-moll), K. 550

Состав оркестра: флейта, 2 гобоя, 2 кларнета, 2 фагота, 2 валторны, струнные.

История создания →

Вторая из написанных летом 1788 года симфония соль минор была закончена в конце июля. Как и предшествующая, Сороковая симфония была предназначена для исполнения в большой авторской «академии», на которую была объявлена подписка. Но подписка не дала необходимых средств, все расстроилось. Возможно, что в каком-нибудь из частных домов богатых любителей музыки она и была исполнена, но сведений об этом не сохранилось, и дата ее мировой премьеры неизвестна. В отличие от пред­шествующей, светлой, радостной, играющей в триаде роль своеобразной интродукции, соль-минорная симфония — трепетная, словно выросшая из арии Керубино «Рассказать, объяснить не могу я» с ее непосредственным, живым юношеским чувством — гениальная предвестница многих романтических страниц музыки XIX века, начиная с Неоконченной симфонии Шуберта. Симфония написана для скромного состава оркестра. В ней — ставшие традиционными четыре части, однако отсутствует обычное для симфоний того времени медленное вступление.

Музыка

Первая часть начинается как бы с полуслова: взволнованной, прерывистой, словно чуть-чуть задыхающейся мелодией скрипок. Глубоко выразительная, искренняя, как будто молящая, мелодия — главная партия сонатного аллегро — родственна упомянутой арии Керубино. Сходство увеличивается благодаря тому, что развивается главная партия необычайно широко, на большом дыхании, подобно оперной арии. Побочная тема исполнена меланхолии, лиризма, в ней и мечтательность, и покорность, и тихая грусть. Разработку открывает короткая жалобная мелодия фаготов. Появляются отрывистые, резкие возгласы, мрачные, тревожные, скорбные интонации. Разворачивается бурное, полное драматизма действие. Реприза не приносит успокоения и просветленности. Напротив: она звучит еще напряженнее, так как побочная тема, ранее звучавшая в мажоре, здесь окрашивается в минорные тона, подчиняясь общей тональности части.

Во второй части господствует мягкое, спокойно-созерцательное настроение. Тем не менее Моцарт, как и в предшествующих симфониях, использует здесь сонатную форму. Альты с их своеобразным, чуть придушенным тембром запевают ласковую мелодию — главную тему. Ее подхватывают скрипки. Побочная тема — порхающий мотив, постепенно завладевающий оркестром. Третья, заключительная тема — снова певучая мелодия, полная печали и нежности, звучащая сначала у скрипок, а затем духовых. В разработке вновь появляется взволнованность, неустойчивость, тревога. Но здесь это — лишь миг. Реприза возвращает к светлой задумчивости.

Третья часть — менуэт. Но не жеманный или изысканный придворный танец. В нем проступают черты маршевости, хотя и свободно претворенной в трехдольном танцевальном ритме. Его мелодия, решительная и мужественная, интонируется скрипками и флейтой (на октаву выше) с аккомпанементом полного состава оркестра. Только в трио, написанном в традиционной трехчастной форме, появляются прозрачные пасторальные звучания с мягкой перекличкой струнных и деревянных инструментов.

Стремительный финал лишен обычной для заключительных частей классических симфоний жизнерадостности. Он продолжает временно прервавшееся драматическое развитие, столь яркое в первой части, и доводит его до кульминации, центральной в симфонии. Первая тема финала — напористая, взлетающая вверх с большой внутренней энергией, словно разворачивающаяся пружина. Побочная тема, мягкая, лирическая, вызывает ассоциации и с побочной темой первой части и с начальной мелодией анданте. Но появление ее кратковременно: лирику сметает вновь закружившийся вихрь. Это заключение экспозиции, которое переходит в бурную, мятущуюся разработку. Тревога, волнение, захватывают и репризу финала. Лишь заключительные такты симфонии приносят утверждение.

Л. Михеева

Записи

Среди современных ей симфоний g-moll-ная выделяется очень резко, прежде всего – чувством тоски и беспокойства, господствующим во всех ее частях. Возможно, сегодня грусть 40-й симфонии Моцарта не воспринимается как трагедия, но в XVIII века трудно найти более скорбное произведение. Иногда 40-ю симфонию называют «вертеровской», проводя параллель с романом Гёте «Страдания молодого Вертера».

1 часть

Уже начало симфонии захватывает тревогой и смятением, когда без всякой вступительной подготовки возникает главная тема I части, звучащая как исповедь. Моменты личностные, интимные господствуют и в дальнейшем развитии симфонии g-moll [1], вот почему ее нередко считают предшественницей будущего романтического стиля. Поставив личные переживания человека в центр действия, 40-я симфония Моцарта утвердила новый тип лирико-драматической симфонии, получивший развитие у композиторов-романтиков.

В сонатной форме I части и главная, и побочная темы одинаково лиричны, ни одна, ни другая изначально не содержат «волевых» элементов (кварто-квинтовых интонаций, унисонных ходов, пунктированных ритмов и т.д.). Главная тема опирается на «мотивы вздоха» и широкие секстовые скачки. Учащенный ритмический пульс подчеркивает ее беспокойное волнение. Побочная тема (B-dur) более спокойна и поэтична, однако это спокойствие скоро рассеивается: в побочную тему вторгается материал главной партии (резко неустойчивые, плотные аккорды в синкопированном ритме и нарастающей динамике). Такой прием – «прорыв в побочной» – служит драматизации музыкального образа. Волевые наступательные мотивы появляются только в конце главной темы и в связующей партии, где возникает ритмически четкое движение по звукам аккордов.

Начало разработки отмечено резким тональным сдвигом из B-dur в далекий fis-moll – общий колорит внезапно темнеет. Минорные краски подчеркиваются почти на всем протяжении этой разработки. Другая отличительная черта – монотематический характер: все внимание сосредоточено исключительно на главной теме. Она то блуждает по далеким тональностям (в основном по квинтовому кругу), то дробится на мотивы, утрачивая свой первоначальный облик. При этом главная тема предстает то мрачной, горестно-исступленной (в первом разделе разработки), то проникается безысходной скорбью (во втором разделе).

Реприза обширнее экспозиции, в основном, за счет связующей партии, которая разрослась почти вдвое. В ее теме акцентируется действенная мятежность. Тем резче становится сопоставление связующей темы с побочной, которая погружаются в минор. Оминоривание мажорных тем в репризе – черта, свойственная именно моцартовским сонатным формам.

2 часть

II часть – лирическое Andante (Es-dur, сонатная форма). В драматургии цикла это момент эмоциональной передышки. Однако за внешним душевным равновесием в Andante тоже ощущается внутреннее беспокойство. Фактура главной темы поначалу имитационна. Это сразу придает музыке некоторую суровость, подчеркнутую настойчивыми повторами звуков и относительно низким регистром. Тихая, нежная побочная тема (B-dur) отличается камерностью звучания. С главной темой ее объединяют легкие, «порхающие» мотивы 32х. Однако, как и в I части симфонии, просветление, вносимое побочной темой, оказывается временным. В самом начале разработки прорывается волнение и тревога. Главная тема утрачивает свою спокойную повествовательность, ее фразы становятся напряженными, восклицательными (квартовый затакт сменяется малосекундовым). Непрерывно меняются тональности. Очень широко развивается мотив 32х, приобретающий драматическую активность. И хотя репризное проведение тем отмечено чувством умиротворения, в целом это Andante не позволяет слушателю расслабиться и отдохнуть.

3 часть

Менуэт (g-moll, сложная 3-х ч. форма) также не является здесь развлекательным жанровым интермеццо. Под такой менуэт невозможно танцевать. Властный и суровый тон музыки, неквадратные и несимметричные построения, уверенное восходящее движение по устойчивым звукам лада, нервная и взрывчатая динамика (сильные акценты на слабых долях, диссонантные задержания) – всё подчеркивает необычный и небытовой характер менуэта. Только в трио (G-dur) возникает нежный женственный образ, напоминающий о галантных нравах XVIII столетия. Но он не получает развития в дальнейшем содержании симфонии.

Финал

В классической музыке финал, как правило, проще по форме и легче по содержанию, чем первая часть: его роль – «снятие» всех конфликтов (если произведение драматического склада). Финал симфонии № 40 (g-moll, сонатная форма) к этим случаям не относится. В нем с первой до последней ноты господствует тревожное настроение. Правда, главная тема отличается ярко выраженной танцевальностью, но непевучий характер мелодии, резкие контрасты звучности, стремительность движения придают ей внутренний драматизм.

Соотношение тем экспозиции – примерно такое же, как в первой части симфонии, и судьба побочной темы оказывается столь же печальной: после бурной разработки она лишается мажорной окраски и в репризе проходит в g-moll. Разработочный раздел финала по драматической напряженности не только не уступает первой части, но даже превосходит ее.

Итак, основное содержание симфонии – это трагическое осознание несовершенства мира. Жизненные конфликты воспринимаются как неразрешимые. Напряженные поиски ясности, гармонии – безрезультатны.

---

[1] Этим, очевидно, объясняется отсутствие в партитуре таких инструментов, как трубы и литавры.

Вершиной музыкального наследия великого Моцарта являются три его самые известные симфонии. Это симфонии № 39 — лучезарная и светлая, № 40 — элегическая и № 41 «Юпитер». Все они созданы одновременно – в 1788 году.

Почему вдохновение посещало маэстро так часто в это время? – Возможно, потому что писал он эти произведения не на заказ, а для души и собственной радости. Гений мечтал об исполнении всей триады одновременно, в одном концерте. Но мечты его не сбылись.

Известно, что Вольфганг Амадей Моцарт – гений, вундеркинд, который уже в 3 года играл и сочинял музыку.

Один юноша спросил Моцарта, как следует писать симфонии. Моцарт посоветовал ему начать с баллад по причине молодости.

— Но ведь вы же сочинили симфонию, когда вам было всего девять лет.

— Да, это так,- согласился Моцарт,- но я никого не спрашивал, как это делается.

40-я симфония Моцарта является ярким примером лирико-драматического симфонизма, который получил свое продолжение у композиторов-романтиков и у П. И. Чайковского. Драма в таких произведениях возвышается над лирикой. Симфония продолжает традиции учителей Моцарта – Баха и Генделя, но вместе с тем создает основу для нового направления в музыке.

Каждый узнает симфонию № 40 по самым первым его звукам, по «музыкальным завитушкам». Минорная тональность придает легкую грусть и воздушность ее началу. Мелодия как бы уводит слушателя в область мечты и фантазии о чем –то прекрасном и лучшем, чем мир, в котором все мы обитаем.

В симфонии мы не услышим пафоса и торжественности, ибо автор убрал из оркестра трубы и литавры. Скорей наоборот, легкая кружевная мелодия ведет со слушателем интимный разговор о прекрасном. Иногда в музыке появляются нотки тревоги, но они немедленно сменяются радостными солнечными звуками, вселяя надежду на счастье.

КАК ПОЯВИЛСЯ ЖАНР, НАЗЫВАЕМЫЙ ТЕПЕРЬ СИМФОНИЕЙ? – Изначально этот жанр предназначался для того, чтобы подсказать зрителям, пришедшим в театр, что сейчас начнется опера, и пора занимать места в зрительном зале. Затем симфония стала исполняться как самостоятельное четырехчастное произведение.

ИСТОРИЯ СОЗДАНИЯ МОЦАРТОМ СИМФОНИИ № 40.

Сохранилось мало документальных рассказов об истории создания этого гениального произведения.

Известно, что до 1787 года Моцарт находился в зените славы. В этот период он уже написал оперы «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан». Композитор не испытывал финансовых затруднений, получая фантастические гонорары за исполнение своих творений в Хофбурге и Праге.

Но соперничество с Антонио Сальери ухудшает денежное положение семьи Моцарта. К тому же супруга его, Констанция, серьезно заболевает. Лечение сильно истощает кошелек Моцарта. Постановка оперы «Дон Жуан» на сцене Венского театра с треском проваливается. Оперы Сальери пользуются успехом у зрителей, и театры отдают предпочтение постановке его произведений.

Поразительно то, что именно в этот период Моцарт создает свои лучшие музыкальные сокровища!

Летом 1788 года Моцарт долгое время находился один. Жена пребывала на лечении в Бадене, ученики разъехались. Маэстро писал от души, не ограниченный строгими предписаниями заказа. Все, что впечатляло и радовало гения, было воплощено в трех величайших его симфонических творениях. «Сороковая» была закончена в разгар лета, 25 июля 1788 года.

В то время в Вене были популярны так называемые музыкальные «академии», т. е. концерты, на которых композитор знакомил со своими новыми произведениями зрителей из высших слоев общества у себя дома. При этом автор выступал в роли дирижера. Концерты были платными. Моцарт рассчитывал провести академии для исполнения только что написанных симфоний и организовал «подписку». Но подписка не получилась, что повлияло на ухудшение денежного положения композитора.

В 1791 году, незадолго до смерти, композитор решил внести изменения и добавить в партитуру партию кларнета. 5 декабря 1791 года Моцарта не стало. И теперь во всем мире 40-ю симфонию называют «прощальной улыбкой маэстро».

Настоящее высокое признание симфония № 40 получила лишь в 19 веке. С тех пор она является одним из самых популярных классических произведений сокровищницы музыкальной культуры. Начальные звуки мелодии буквально на слуху у всех наших современников. Великий Амадей обогнал собственное время на два века.