Рассказ про искусство рисования

• Начало
• Галерея
• Артклуб
• Магазин
• Новости
• Форум

История живописи 5 243 слова читать ~35 мин.

•  
•  

Живопись – одно из древних искусств, которое на протяжении многих веков прошло эволюцию от наскальных росписей палеолита, до новейших течений XX и уже даже XXI века. Это искусство родилось практически с появлением человечества. Древние люди, даже не осознав полностью себя человеком, почувствовали необходимость изображать окружающий мир на поверхности. Они рисовали всё, что видели: животных, природу, охотничьи сцены. Для рисования они использовали что-то похожее на краски, сделанные из натуральных материалов. Это были земляные краски, древесный уголь, чёрная сажа. Кисточки делали из волос животных, либо просто рисовали пальцами.

В результате изменений возникали новые виды и жанры живописи. За древним периодом последовал период Античности. Возникло стремление живописцев и художников к воспроизведению реальной окружающей жизни, таковой, какова она видится человеку. Стремление к точности передачи вызвало зарождение основ перспективы, основ светотеневых построений различных изображений и исследование этого художниками. И они, в первую очередь, изучали то, как можно изобразить объёмное пространство на плоскости стены, во фресковой живописи. Некоторые произведения искусства, такие как объёмное пространство, светотени, стали использовать для украшения помещений, центров религии и погребения.

Следующим важным периодом в прошлом живописи является Средневековье. В это время живопись была более религиозного характера, и мировоззрение стало отражаться на искусстве. Творчество художников было направлено на иконопись и другие мелодии религии. Основными важными моментами, которые должен был подчеркнуть художник, было не столько точное отображение реальности, сколько передача духовности даже в самых различных живописных произведениях. Полотна мастеров того времени поражали своей выразительностью контуров, колоритностью и красочностью. Живопись средневековья кажется нам плоскостной. Все персонажи художников того времени находятся на одной линии. И поэтому многие произведения кажутся нам несколько стилизованными.

Период серого Средневековья сменил более яркий период Ренессанса. Эпоха Возрождения вновь внесла перелом в историческое развитие этого искусства. Новые настроения в обществе, новое мировоззрение стали диктовать художнику: какие же аспекты в живописи раскрывать более полно и ясно. Жанры живописи, такие как портрет и пейзаж, станут независимыми стилями. Художники выражают эмоции человека и его внутренний мир через новые способы живописи. На XVII и XVIII век приходится ещё более серьёзный рост живописи. В этот период католическая церковь теряет свою значимость, и художники в своих произведениях всё чаще отображают истинные виды людей, природы, бытовой и обыденной жизни. В этот период также формируются такие жанры, как – барокко, рококо, классицизм, маньеризм. Возникает романтизм, который позже сменяется более эффектным стилем – импрессионизмом.

В начале ХХ века живопись кардинально меняется и появляется более новое направление современного искусства – абстрактная живопись. Идея этого направления в том, чтобы передать согласие между человеком и искусством, создать гармоничность в сочетаниях линий и цветовых бликов. Это искусство не имеющее предметности. Она не преследует точной передачи реального образа, а наоборот – передаёт то, что в душе художника, его эмоции. Важной ролью для этого вида искусства являются формы и цвета. Суть её заключается в том, чтобы по-новому передать ранее знакомые предметы. Здесь художникам предоставляется полная свобода своих фантазий. Это и дало толчок к зарождению и развитию современных направлений, таких как авангардизм, андеграунд, абстракционизм. С конца ХХ века и по настоящее время живопись постоянно меняется. Но, несмотря на всё новые достижения и современные технологии, художники всё-таки остаются верны классическому искусству – масляной и акварельной живописи, творят свои шедевры при помощи красок и холстов.

Наталия Мартыненко

История изобразительного искусства

История живописи – бесконечная цепочка, начавшаяся с самых первых сделанных картин. Каждый стиль вырастает из стилей, которые были перед ним. Каждый великий художник добавляет что-то к достижениям более ранних художников и влияет на более поздних художников.

Мы можем наслаждаться живописью за её красоту. Его линии, формы, цвета и состав (расположение частей) могут нравиться нашим чувствам и задерживаться в наших воспоминаниях. Но наслаждение искусством возрастает, когда мы узнаем, когда и почему и как оно было создано.

На историю живописи повлияли многие факторы. География, религия, национальные особенности, исторические события, разработка новых материалов – все это помогает формировать видение художника. На протяжении всей истории живопись отражала меняющийся мир и наши представления об этом. В свою очередь, художники предоставили одни из лучших записей о развитии цивилизации, иногда раскрывая больше, чем письменное слово.

Доисторическая живопись

Пещерные жители были самыми ранними художниками. Цветные рисунки животных, датируемые от 30 000 до 10 000 лет до нашей эры, были найдены на стенах пещер на юге Франции и в Испании. Многие из этих рисунков удивительно хорошо сохранились, потому что пещеры были запечатаны на протяжении многих веков. Ранние люди рисовали диких животных, которых они видели вокруг. Очень грубые человеческие фигуры, сделанные в жизненных позициях, были найдены в Африке и на востоке Испании.

Пещерные художники заполняли стены пещеры рисунками в богатых ярких тонах. Некоторые из самых красивых картин находятся в пещере Альтамира, в Испании. Одна деталь показывает раненного бизона, больше не способного стоять – вероятно, жертву охотника. Он окрашен в красновато-коричневый цвет и очерчен просто, но умело, чёрным. Пигменты, которые использовали пещерные художники – охра (оксиды железа, различающиеся по цвету от светло-желтого до темно-оранжевого) и марганец (тёмный металл). Они измельчались в мелкий порошок, смешивались со смазкой (возможно, с жирным маслом), и наносились на поверхность какой-то щёткой. Иногда пигменты приобретали форму палочек, похожих на мелки. Жир, смешанный с порошкообразными пигментами, делал лакокрасочную жидкость, а частицы пигмента склеивались. Жители пещеры делали щётки из животных волосков или растений, а острые инструменты из кремния (для рисования и царапин).

Ещё 30 000 лет назад люди изобрели основные инструменты и материалы для живописи. Методы и материалы были усовершенствованы и улучшены в последующие столетия. Но открытия пещерного жителя остаются основными для живописи.

Египетская и месопотамская живопись (3400–332 до н.э.)

Одна из первых цивилизаций появилась в Египте. Из письменных записей и искусства, оставленного египтянами, известно многое об их жизни. Они считали, что тело должно быть сохранено, чтобы душа могла жить после смерти. Великие пирамиды были сложными гробницами для богатых и могущественных египетских правителей. Многое египетское искусство было создано для пирамид и гробниц царей и других важных людей. Чтобы быть абсолютно уверенным, что душа будет продолжать существовать, художники создавали изображения мёртвого человека в камне. Они также воспроизводили сцены из жизни человека в настенных росписях в погребальных камерах.

Египетские техники изобразительного искусства оставались неизменными на протяжении веков. В одном способе акварельная краска наносилась на глинистые или известняковые поверхности. В другом процессе контуры вырезались на каменных стенах и окрашивались акварельными красителями. Материал, называемый гуммиарабиком, вероятно, использовался для приклеивания краски к поверхности. К счастью, сухой климат и запечатанные гробницы мешали некоторым из этих акварельных картин разрушаться от сырости. Много охотничьих сцен со стен гробниц в Фивах, датируемых около 1450 г. до н.э., хорошо сохранились. Они показывают, как охотники преследуют птиц или рыбу рыбу. Эти сюжеты всё ещё можно идентифицировать сегодня, потому что они были аккуратно и тщательно окрашены.

Месопотамская цивилизация, которая продолжалась с 3200 по 332 год до нашей эры, была расположена в долине между реками Тигр и Евфрат на Ближнем Востоке. Дома в Месопотамии строились, в основном, из глины. Поскольку глина смягчается дождём, их здания рушились в пыль, уничтожая любые настенные картины, которые, возможно, были бы очень интерсными. Что сохранилось, это украшенная керамика (окрашенная и обжигаемая) и красочные мозаики. Хотя мозаики нельзя рассматривать как живопись, они часто оказывают на неё влияние.

Эгейская цивилизация (3000–1100 до н.э.)

Третьей великой ранней культурой была Эгейская цивилизация. Эгейцы жили на островах у берегов Греции и на полуострове Малой Азии примерно в то же время, что и древние египтяне и месопотамцы.

В 1900 году археологи начали выкапывать дворец короля Миноса в Кноссе на острове Крит. Раскопки открыли произведения искусства, написанные около 1500 г. до н.э. в необычно свободном и грациозном стиле того времени. Очевидно, критяне были беззаботными, любящими природу людьми. Среди их любимых тем в искусстве были морская жизнь, животные, цветы, спортивные игры, массовые процессии. В Кноссе и других эгейских дворцах картины были выполнены на мокрых гипсовых стенах красками из минеральных веществ, песка и земляных охр. Краска пропиталась влажной штукатуркой и стала постоянной частью стены. Эти картины позже назвали фресками (от итальянского слова «свежие» или «новые»). Критянам нравились яркие жёлтые, красные, синие и зёленые тона.

Греческая и римская классическая живопись (1100 г. до н.э. – 400 г. н.э.)

Древние греки украшали стены храмов и дворцов фресками. Из древних литературных источников и из римских копий греческого искусства можно сказать, что греки рисовали маленькие картины и делали мозаики. Известны имена греческих мастеров и немного из их жизни и работ, хотя очень мало греческой живописи пережило века и последствия войн. Греки не много писали в гробницах, поэтому их работы не были защищены.

Окрашенные вазы – это всё, что сохранилось от греческой живописи сегодня. Изготовление керамики было большой отраслью в Греции, особенно в Афинах. Контейнеры пользовались большим спросом, поставлялись на экспорт, так же как масло и мёд, и для бытовых целей. Самая ранняя вазочная живопись была выполнена в геометрических фигурах и орнаментах (1100-700 до н.э.). Вазы были украшены и человеческими фигурами в коричневой глазури на светлой глине. К VI веку вазочные художники часто рисовали чёрные человеческие фигуры на естественной красной глине. Детали были вырезаны на глине острым инструментом. Это позволило красному проявиться в глубинах рельефа.

Красно-фигурный стиль в конечном итоге заменил чёрный. Т. е. наоборот: фигуры красные, а чёрным стал фон. Преимущество этого стиля заключалось в том, что художник мог использовать кисть для создания контуров. Щётка даёт более свободную линию, чем металлический инструмент, используемый в чёрных фигурных вазах.

Римские настенные росписи были найдены главным образом на виллах (загородных домах) в Помпеях и Геркулануме. В 79 году нашей эры эти два города были полностью погребены извержением вулкана Везувий. Археологи, которые раскопали этот район, смогли много узнать о древнеримской жизни из этих городов. Почти на каждом доме и вилле в Помпеях на стенах были картины. Римские живописцы тщательно готовили поверхность стены, нанося смесь из мраморной пыли и штукатурки. Они полировали поверхности до качества мраморного покрытия. Многие из картин являются копиями греческих картин IV века до н.э. Изящные позы фигур, написанных на стенах Виллы Мистерий в Помпеях, вдохновили художников XVIII века, когда город был раскопан.

Греки и римляне также писали портреты. Небольшое количество из них, в основном портреты мумий, выполненные в греческом стиле египетскими художниками, сохранились вокруг Александрии, на севере Египта. Основанная в IV веке до нашей эры Александром Великим из Греции, Александрия, стала ведущим центром греческой и римской культуры. Портреты писались в технике энкаустики по дереву и устанавливались в виде мумии после смерти изображённого человека. Энкаустические картины, сделанные в краске, смешанной с расплавленным пчелиным воском, хранятся очень долго. Действительно, эти портреты всё ещё выглядят свежими, хотя они были сделаны ещё во втором веке до нашей эры.

Ранняя христианская и византийская живопись (300–1300 г.г.)

Римская империя пошла на спад в 4 веке н.э. В то же время набирало силу христианство. В 313 году римский император Константин официально признал религию и сам принял христианство.

Возникновение христианства сильно повлияло на искусство. Художникам было поручено украсить стены церквей фресками и мозаикой. Они делали панно в церковных часовнях, иллюстрировали и украшали церковные книги. Под влиянием Церкви, художники должны были как можно яснее сообщать об учениях христианства.

Ранние христиане и византийские художники продолжили технику мозаики, о которой они узнали от греков. Маленькие плоские кусочки цветного стекла или камня устанавливались на влажный цемент или штукатурку. Иногда использовались другие твёрдые материалы, такие как кусочки испечённой глины или скорлупа. В итальянской мозаике цвета особенно глубоки и полны. Итальянские художники делали фон кусками позолоченного стекла. Они изображали человеческие фигуры в богатых цветах на фоне сверкающего золота. Общий эффект получался плоским, декоративным и не реалистичным.

Мозаики византийских художников часто были ещё менее реалистичными и ещё более декоративными, чем мотивы ранних христиан. «Византийское» – это название, данное стилю искусства, которое развивалось вокруг древнего города Византии (ныне Стамбул, Турция). Мозаичная техника идеально соответствовала византийскому вкусу для великолепно украшенных церквей. Знаменитые мозаики Феодоры и Юстиниана, изготовленные около 547 г. н.э., демонстрируют вкус к богатству. Ювелирные изделия на фигурах блестят, а цветные придворные платья сверкают на фоне блестящего золота. Византийские художники также использовали золото на фресках и панелях. Золото и другие драгоценные материалы использовались в средние века, чтобы отделить духовные предметы от повседневного мира.

Средневековая живопись (500–1400 г.г.)

Первая часть средневековья, примерно с 6 по 11 века нашей эры, обычно называют Тёмными. В это время беспорядков искусство хранилось в основном в монастырях. В V веке н.э. варранские племена из Северной и Центральной Европы бродили по континенту. В течение сотен лет они доминировали в Западной Европе. Эти люди произвели искусство, в котором главным элементом является узор. Они особенно увлекались структурами переплетающихся драконов и птиц.

Лучшее из кельтского и саксонского искусства можно найти в рукописях 7 и 8 веков. Книжные иллюстрации, освещение и миниатюрная живопись, практикуемая с позднего римского времени, получила распространение в средние века. Освещение – это украшение текста, заглавных букв и полей. Использовались золотые, серебряные и яркие цвета. Миниатюра – это маленькая картинка, часто портрет. Первоначально этот термин использовался для описания декоративного блока вокруг начальных букв в рукописи.

Карл Великий, который был коронован императором Священной Римской империи в начале IX века, пытался возродить классическое искусство позднего римского и раннехристианского периодов. Во время его правления художники миниатюр подражали классическому искусству, но они также передавали через свои предметы личные чувства.

Очень мало росписи стен сохранилось со средневековья. В церквях, построенных во время романского периода (11-13 вв.), было несколько великих фресок, но большинство из них исчезло. В церквях готического периода (XII-XVI вв.) не было достаточно места для настенных росписей. Книжная иллюстрация была главной работой готического живописца.

Среди лучших иллюстрированных рукописей были книги часов – сборники календарей, молитв и псалмов. Страница из итальянской рукописи показывает тщательно оформленные инициалы и мелко детализированную маргинальную сцену святого Георгия, убивающего дракона. Цвета блестящие и похожи на драгоценные камни, как в витражном стекле, а золото мерцает над страницей. Изящно тонкие листовые и цветочные конструкции граничат с текстом. Художники, вероятно, использовали увеличительные стекла для выполнения такой сложной детализированной работы.

Италия: Чимабуэ и Джотто

Итальянские художники в конце XIII века всё ещё работали в византийском стиле. Человеческие фигуры были сделаны плоскими и декоративными. Лица редко имели выражение. Тела были невесомыми и, казалось, плавали, а не стояли твёрдо на земле. Во Флоренции художник Чимабуэ (1240-1302) Пытался модернизировать некоторые из старых византийских методов. Ангелы в «Мадонне на престоле» более активны, чем обычно на картинах того времени. Их жесты и лица показывают немного больше человеческих чувств. Чимабуэ добавил к своим картинам новое чувство монументальности или великолепия. Однако, он продолжал следовать многим византийским традициям, таким как золотой фон и узорное расположение предметов и фигур.

Картины Джованни Чимабуэ

Это был великий флорентийский художник Джотто (1267-1337), который фактически порвал с византийской традицией. Его фресковая серия в Часовне Арены в Падуе оставляет византийское искусство далеко позади. В этих сценах из жизни Марии и Христа есть настоящие эмоции, напряжение и натурализм. Все качества человеческого тепла и симпатии присутствуют. Люди не кажутся совершенно нереальными или небесными. Джотто заштриховал контуры фигур, и он поместил глубокие тени в складки одежд, чтобы дать ощущение округлости и прочности.

Картины Джотто ди Бондоне

Для своих небольших панелей Джотто использовал чистую яичную темперу, среду, которая была усовершенствована флорентийцами в 14-м веке. Ясность и яркость его цветов должны были сильно повлиять на людей, привыкших к тёмным цветам византийских панелей. Картины темперой создают впечатление, что на сцену падает мягкий дневной свет. Они имеют почти плоский вид, в отличие от глянца масляной живописи. Яичная темпера оставалась главной краской, пока масло почти полностью не заменило её в 16 веке.

Поздняя средневековая живопись к северу от Альп

В начале XV века художники в Северной Европе работали в стиле, совершенно отличном от итальянской живописи. Северные художники достигли реализма, добавив к своим картинам бесчисленные подробности. Все волосы были изящно очерчены, и каждая деталь драпировки или настила пола была точно установлена. Изобретение масляной живописи упростило детализацию деталей.

Картины Яна Вана Эйка

Фламандский художник Ян ван Эйк (1370-1414) внёс свой большой вклад в развитие масляной живописи. Когда используется темпера, цвета нужно наносить отдельно. Они не могут хорошо затенять друг друга, потому что краска быстро сохнет. С маслом, которое медленно сохнет, художник может достичь более сложных эффектов. Его портреты 1466-1530 г. г. были исполнены в фламандской масляной технике. Все детали и даже зеркальное отражение – чёткие и точные. Цвет прочный и имеет твёрдую, эмалеобразную поверхность. Грунтованная деревянная панель, была приготовлена ​​так же, как Джотто готовил свои панели для темперы. Ван Эйк создал картину слоями тонкого цвета, называемого глазурью. Темпера, вероятно, использовалась в оригинальной подлеске и для бликов.

Итальянский ренессанс

В то время, когда ван Эйк работал на Севере, итальянцы переходили в золотой век искусства и литературы. Этот период называется Ренессансом, что означает возрождение. Итальянские художники были вдохновлены скульптурой древних греков и римлян. Итальянцы хотели возродить дух классического искусства, который прославляет человеческую независимость и благородство. Художники эпохи Возрождения продолжали рисовать религиозные сцены. Но они также подчёркивали земную жизнь и достижения людей.

Флоренция

Достижения Джотто в начале 14 века положили начало Ренессансу. Итальянские художники XVII века его продолжили. Мазаччо (1401-1428) был одним из лидеров первого поколения художников эпохи Возрождения. Он жил во Флоренции, богатом торговом городе, где начиналось искусство эпохи Возрождения. К моменту его смерти в конце двадцатых годов он произвёл революцию в живописи. В своей знаменитой фреске «The Tribute Money» он ставит солидные скульптурные фигуры в пейзаж, который, кажется, уходит далеко вдаль. Мазаччо, возможно, учился перспективе у флорентийского архитектора и скульптора Брунеллески (1377-1414).

Картины Томмазо ди сер Джованни ди Гвиди Мазаччо

Техника фрески была очень популярна в эпоху Возрождения. Она особенно подходила для больших росписей, потому что цвета на фреске сухие и идеально плоские. Изображение можно просматривать под любым углом без бликов или отражений. Также фрески обладают доступностью. Обычно, у художников было несколько помощников. Работы выполнялись по частям, потому что их нужно было закончить, пока штукатурка была ещё влажной.

Полный «трёхмерный» стиль Мазаччо был типичным для нового прогрессивного направления 15-го века. Стиль Фра Анджелико (1400-1455) представляет собой более традиционный подход, используемый многими художниками раннего Ренессанса. Он был менее озабочен перспективой и больше интересовался декоративным рисунком. Его «Коронация Богородицы» – пример темперы в самом красивовом исполнении. Весёлые, насыщенные цвета на фоне золота и акцентированные золотом. Картина выглядит как увеличенная миниатюра. Длинные узкие фигуры имеют мало общего с Мазаччо. Композиция организована в широких линиях движения, кружащихся вокруг центральных фигур Христа и Марии.

Картины Фры Беато Джованни да Фьезоле Анджелико

Ещё одним флорентийцем, который работал в традиционном стиле, был Сандро Боттичелли (1444-1515). Текучие ритмические линии соединяют участки «Весны» Боттичелли. Фигура Весны, переносимая западным ветром, проносится справа. Три грации танцуют в кругу, развевающиеся складки их платьев и изящные движения их рук выражают ритмы танца.

Картины Сандро Боттичелли

Леонардо да Винчи (1452-1519) учился живописи во Флоренции. Он известен своими научными исследованиями и изобретениями, а также своими картинами. Очень немногие его картины сохранились, отчасти потому, что он часто экспериментировал с разными способами создания и применения краски, а не с использованием проверенных и достоверных методов. «Тайная вечеря» (написанная между 1495 и 1498 годами) была сделана в масле, но, к сожалению, Леонардо написал её на влажной стене, из-за которой краска раскололась. Но даже в плохом состоянии (до реставрации) картина обладала способностью возбуждать эмоции у всех, кто это видит.

Картины Леонардо да Винчи

Одной из отличительных особенностей стиля Леонардо был его метод изображения огней и темноты. Итальянцы называли его полутёмное освещение «сфумато», что означает дымчатый или туманный. Фигуры в «Мадонне из скал» завуалированы в атмосфере сфумато. Их формы и черты мягко затенены. Леонардо достиг этих эффектов, используя очень тонкие градации светлых и тёмных тонов.

Рим

Кульминация ренессансной живописи произошла в 16 веке. В то же время центр искусства и культуры переместился из Флоренции в Рим. Под папой Сикстом IV и его преемником, Юлием II, город Рим был славно и богато украшен художниками эпохи Возрождения. Некоторые из самых амбициозных проектов этого периода были начаты во времена папства Юлия II. Юлий поручил великому скульптору и живописцу Микеланджело (1475-1564) расписать потолок Сикстинской капеллы и вырезать скульптуру для гробницы Папы. Юлий также пригласил живописца Рафаэля (1483-1520) помочь украсить Ватикан. С помощниками Рафаэль расписывал четыре комнаты квартир Папы в Ватиканском дворце.

Картины Микеланджело Буонарроти

Микеланджело, флорентиец по рождению, разработал монументальный стиль живописи. Фигуры в его картине настолько прочные и объёмные, что они выглядят как скульптуры. Сикстинский потолок, который занял у Микеланджело 4 года, состоит из сотен человеческих фигур из Ветхого Завета. Чтобы выполнить эту грандиозную фреску, Микеланджело пришлось ложиться на спину на леса. Задумчивое лицо Иеремии среди пророков, которые окружают потолок, некоторые эксперты считают автопортретом Микеланджело.

Картины Рафаэля Санти

Рафаэль приехал во Флоренцию из Урбино ещё очень молодым человеком. Во Флоренции он впитал идеи Леонардо и Микеланджело. К тому времени, когда Рафаэль отправился в Рим для работы в Ватикане, его стиль стал одним из величайших по красоте исполнения. Он особенно любил свои прекрасные портреты Мадонны с младенцем. Они были воспроизведены тысячами, их можно увидеть повсюду. Его «Мадонна дель Грандука» успешна благодаря своей простоте. Безвременная в своей мирности и чистоте, она так же привлекательна для нас, как и для итальянцев эпохи Рафаэля.

Венеция

Венеция была главным северным итальянским городом эпохи Возрождения. Его посетили художники из Фландрии и других регионов, которые знали о фламандских экспериментах с масляной краской. Это стимулировало раннее использование масляной техники в итальянском городе. Венецианцы научились писать картины на плотно вытянутом холсте, а не на деревянных панелях, обычно используемых во Флоренции.

Джованни Беллини (1430-1515) был величайшим венецианским художником 15 века. Он также был одним из первых итальянских художников, кто использовал масло на холсте. Джорджоне (1478-1151) и Тициан (1488-1515), который является самым известным из всех венецианских художников, были учениками в мастерской Беллини.

Картины Джованни Беллини

Мастер масляной техники Тициан писал огромные холсты в тёплых, насыщенных цветах. В своих зрелых картинах он пожертвовал деталями для создания потрясающих эффектов, например как в «Мадонне Песаро». Он использовал большие кисти, чтобы делать крупные мазки. Его цвета особенно богаты, потому что он терпеливо создавал глазури контрастных цветов. Обычно глазури наносили на коричневую темперированную поверхность, что придавало картине единый тон.

Картины Тициана (Тициано Вечеллио)

Ещё одним великим венецианским художником XVI века был Тинторетто (1518-1594). В отличие от Тициана, он обычно работал непосредственно на холсте без предварительных эскизов или контуров. Он часто искажал свои формы (выкручивал их) ради композиции и драмы сюжета. Его техника, которая включает в себя широкие мазки и драматические контрасты света и темноты, кажется очень современной.

Картины Тинторетто (Якопо Робусти)

Художник Кириакос Теотокопулос (1541-1614) был известен как Эль Греко («Греческий»). Рожденный на острове Крит, который был оккупирован венецианской армией, Эль Греко обучался итальянскими художниками. Будучи молодым человеком, он отправился учиться в Венецию. Объединённое влияние византийского искусства, которое он видел вокруг себя на Крите, и итальянского искусства эпохи Возрождения, сделали работу Эль Греко выдающейся.

Картины Эль Греко

В своих картинах он искажал естественные формы и использовал ещё более странные, более неземные цвета, чем Тинторетто, которым он восхищался. Позже, Эль Греко перебрался в Испанию, где мрачность испанского искусства повлияла на его работу. В его драматическом видении Толедо, шторм бушует над смертельной тишиной города. Холодный блюз, зелень и сине-белые оттенки разносят холод над пейзажем.

Ренессанс во Фландрии и Германии

Золотым веком живописи во Фландрии (ныне частью Бельгии и северной Франции) был 15-й век, время ван Эйка. В XVI веке многие фламандские художники подражали итальянским художникам эпохи Возрождения. Однако некоторые фламандцы продолжали фламандскую традицию реализма. Тогда распространилась жанровая живопись – сцены из повседневной жизни, которые иногда были очаровательными, а иногда и фантастическими. Иероним Босх (1450-1515), предшествовавший жанровым художникам, имел необычайно яркое воображение. Он придумал всевозможных странных, гротескных существ для «The Temptation of St. Anthony». Питер Брейгель Старший (1525-1569) также работал во фламандской традиции, но добавил к своим жанровым сценам перспективу и другие характеристики Ренессанса.

Картины Альбрехта Дюрер

Альбрехт Дюрер (1471-1528), Ганс Гольбейн Младший (1497-1543) и Лукас Кранах Старший (1472-1553) были тремя наиболее важными немецкими художниками XVI века. Они многое сделали для смягчения мрачного реализма ранней немецкой живописи. Дюрер как минимум один раз имел визит в Италию, где он был впечатлён картинами Джованни Беллини и других северных итальянцев. Благодаря этому опыту он привил немецкой живописи знание перспективы, чувство цвета и света и новое понимание композиции. Гольбейн усвоил ещё больше итальянских достижений. Его чувствительный рисунок и способность выбирать только самые важные детали сделали его мастером-портретистом.

Картины Лукаса Кранаха

Барочная живопись

XVII век известен в искусстве как период Барокко. В Италии художники Караваджо (1571-1610) и Аннибале Карраччи (1560-1609) представляли две контрастные точки зрения. Караваджо (настоящее имя Микеланджело Мериси) всегда черпал вдохновение непосредственно из реалий жизни. Одна из его главных проблем заключалась в том, чтобы скопировать природу как можно точнее, не прославляя её каким-либо образом. Карраччи, с другой стороны, следовал идеалу красоты эпохи Возрождения. Он изучал древнюю скульптуру и работы Микеланджело, Рафаэля и Тициана. Стиль Караваджо восхищал многих художников, особенно испанца Риберу и молодого Веласкеса. Карраччи вдохновил Николу Пуссена (1594-1665), ивестного французского живописца XVII века.

Картины Микеланджело Меризи да Караваджо

Испания

Диего Веласкес (1599-1660), придворный живописец испанского короля Филиппа IV, был одним из величайших из всех испанских художников. Будучи поклонником работ Тициана, он был мастером в использовании богатого, гармоничного цвета. Ни один художник не мог лучше создать иллюзию богатых тканей или кожи человека. Портрет маленького принца Филиппа Проспера показывает это мастерство.

Картины Диего Родригес де Сильва и Веласкес

Фландрия

Картины фламандского художника Питера Пауля Рубенса (1577-1640 гг.) Представляют собой воплощение полноцветного стиля барокко. Они разрываются энергией, цветом и светом. Рубенс порвал с фламандской традицией рисовать маленькие картины. Его полотна огромны, наполнены человеческими фигурами. Он получал больше заказов yа большие картины, чем мог бы выполнить. Поэтому он часто рисовал только небольшой цветной эскиз. Затем его помощники переносили эскиз на большой холст и заканчивали картину под руководством Рубенса.

Картины Питера Пауля Рубенса

Голландия

Достижения голландского живописца Рембрандта (1606-1669) являются одними из самых выдающихся в истории. У него был замечательный дар – точно поймать и передать человеческие эмоции. Как и Тициан, он долго работал над созданием многослойных картин. Земные цвета – жёлтая охра, коричневая и коричнево-красная – были его фаворитами. Его картины выполнены, в основном, в тёмных тонах. Важное значение тёмных многослойных частей, делают его технику необычной. Акцент передаётся ярким освещением относительно светлых участков.

Картины Рембрандта Харменс ван Рейн

Ян Вермеер (1632-1675) был в одной из групп голландских художников, которые писали скромные сцены повседневной жизни. Он был мастером в рисовании любых текстур – сатиновых, персидских ковров, хлебных корочек, металла. Общее впечатление от интерьера Вермеера – это солнечная, жизнерадостная комната, наполненная знаковыми бытовыми предметами.

Картины Яна (Йоханнеса) Вермеера

Живопись 18 века

В 18 веке Венеция произвела на свет несколько прекрасных художников. Самым известным был Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770). Он украшал интерьеры дворцов и других зданий грандиозными красочными фресками, представляющими сцены богатства. Франческо Гварди (1712-1793) был очень искусен кистью, всего несколькими пятнами цвета он мог вызвать в воображении идею крошечной фигуры в лодке. Зрелищные виды Антонио Каналетто (1697-1768 гг.) воспевали прошлую славу Венеции.

Картины Джованни Баттисты Тьеполо

Франция: стиль Рококо

Во Франции вкус к пастельным цветам и замысловатой отделке в начале 18 века привёл к развитию стиля Рококо. Жан Антуан Ватто (1684-1721), придворный художник короля Людовика XV, а позднее Франсуа Буше (1703-1770) и Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) были связаны с трендами Рококо. Ватто писал мечтательные видения, жизнь, в которой всё – веселье. В основе стиля – пикники в парках, лесные вечеринки, где веселые джентльмены и элегантные дамы развлекаются на природе.

Картины Франсуа Буше

Картины Жана Оноре Фрагонара

Другие художники 18-го века изображали сцены обычной жизни среднего класса. Как и Голландский Вермеер, Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779) ценил простые домашние сюжеты и натюрморты. Его цвета трезвы и спокойны по сравнению с Ватто.

Картины Жана Батиста Симеона Шардена

Англия

В XVIII веке англичане впервые разработали отдельную школу живописи. Ядро состояло, в основном, из художников-портретистов, на которых влияли художники венецианского ренессанса. Сэр Джошуа Рейнольдс (1723-1792) и Томас Гейнсборо (1727-1788) являются самыми известными. Рейнольдс, который путешествовал по Италии, следовал идеалам живописи ренессанса. Его портреты, обаятельные и трогательные, не особенно интересны по цвету или текстуре. У Гейнсборо, с другой стороны, был талант к блеску. Поверхности его картин светятся сияющим цветом.

Картины Томаса Гейнсборо

Живопись 19 века

XIX век иногда рассматривается как период, в течение которого начало складываться современное искусство. Одной из важных причин так называемой революции в искусстве в это время было изобретение камеры, которая заставила художников пересмотреть цель живописи.

Более важным событием стало широкое использование заранее изготовленных красок. До 19-го века большинство художников или их помощники делали свои собственные краски путём измельчения пигмента. Ранние коммерческие краски уступали ручным краскам. Художники в конце 19-го века обнаружили, что тёмные синие и коричневые тона более ранних картин в течение нескольких лет становились чёрными или серыми. Они снова начали использовать чистые цвета, чтобы сохранить свою работу, а иногда потому, что пытались более точно отражать солнечный свет в уличных сценах.

Испания: Гойя

Франсиско Гойя (1746-1828) был первым великим испанским художником, появившимся с 17-го века. Как любимый художник испанского двора, он сделал много портретов королевской семьи. Королевские персонажи оснащены элегантной одеждой и прекрасными драгоценностями, но на некоторых их лицах все, что отражается, это тщеславие и жадность. Помимо портретов, Гойя рисовал драматические сцены, такие как Третье мая 1808 года. На этой картине изображено исполнение группой испанских повстанцев французскими солдатами. Смелые контрасты светлых и темных и мрачных цветов, пронизанные красными брызгами, вызывают мрачный ужас зрелища.

Картины Франсиско де Гойя-и-Лусьентес

Хотя Франция была великим центром искусства в 1800-х годах, английские ландшафтные художники Джон Констебль (1776-1837) и Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775-1851) внесли ценный вклад в живопись 19-го века. Оба интересовались живописью света и воздуха, двумя аспектами природы, которые художники XIX века исследовали полностью. Констебль использовал метод, известный как деление, или сломанный цвет. Он использовал контрастные цвета над основным цветом фона. Он часто использовал нож для палитры, чтобы плотно нанести цвет. Картина «Hay Wain» сделала его знаменитым, после показа в Париже в 1824 году. Это простая деревенская сцена сенокоса. Облака дрейфуют над лугами, покрытыми пятнами солнечного света. Картины Тёрнера более драматичны, чем у Констебля, который писал величественные достопримечательности природы – бури, морские пейзажи, пылающие закаты, высокие горы. Часто золотая дымка частично скрывает объекты в его картинах, заставляя их казаться плавающими в бесконечном пространстве.

Картины Джозефа Уильяма Мэллорда Тернера

Франция

Период правления Наполеона и Французская революция ознаменовали появление двух противоположных тенденций во французском искусстве – классицизма и романтизма. Жак Луи Давид (1748-1825) и Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867) были вдохновлены древнегреческим и римским искусством и эпохой Возрождения. Они подчёркивали детали и использовали цвет для создания твёрдых форм. Будучи любимым художником революционного правительства, Давид часто писал исторические события того периода. В своих портретах, таких как мадам Рекамье, он стремился к достижению классической простоты.

Картины Жака-Луи Давида

Теодор Герико (1791-1824) и романтик Эжен Делакруа (1798-1863) восстали против стиля Давида. Для Делакруа цвет был самым важным элементом в живописи и у него не было терпения для имитации классических статуй. Вместо этого он восхищался Рубеном и венецианцами. Он выбрал красочные, экзотические темы для своих картин, которые сверкают светом и полны движения.

Картины Эжена Делакруа

Художники Барбизона также были частью общего романтического движения, которое продолжалось примерно с 1820 по 1850 год. Они работали недалеко от деревни Барбизон на краю леса Фонтенбло. Они черпали вдохновение на природе и заканчивали картины в своих студиях.

Другие художники экспериментировали с повседневными обычными предметами. Ландшафты Жана Батиста Камиля Коро (1796-1875) отражают его любовь к природе, и его этюды человеческого тела показывают своего рода сбалансированное спокойствие. Гюстав Курбе (1819-1877) называл себя реалистом, потому что он изображал мир таким, как видел его – даже его суровую, неприятную сторону. Он ограничил свою палитру всего лишь несколькими мрачными цветами. Эдуар Мане (1832-1883) также брал основу для своих сюжетов из окружающего мира. Люди были потрясены его красочными контрастами и необычными приёмами. На поверхностях его картин часто есть плоская, узорная текстура мазков. Методы Мане по нанесению эффектов света на форму повлияли на молодых художников, особенно импрессионистов.

Картины Эдуарда Мане

Работая в 1870-х и 1880-х годах, группа художников, известных как импрессионисты, хотела изображать природу именно так, какой она была. Они пошли намного дальше, чем Констебль, Тёрнер и Мане в изучении эффектов света в цвете. Некоторые из них разработали научные теории цвета. Клод Моне (1840-1926) часто писал один и тот же вид в разное время суток, чтобы показать, как он меняется в разных условиях освещённости. Каким бы ни был объект, его картины состоят из сотен крошечных мазков, расположенных рядом друг с другом, часто в контрастных цветах. На расстоянии штрихи смешиваются, чтобы создать впечатление твёрдых форм. Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) использовал методы импрессионизма, чтобы захватить праздник парижской жизни. В его «Танце у Мулен де ла Галетт» люди в ярко окрашенной одежде толпились и весело танцевали. Ренуар написал всю картину мелкими мазками. Точки и штрихи краски создают текстуру на поверхности картины, которая придаёт ей особый вид. Толпы людей, кажется, растворяются в солнечном свете и мерцающем цвете.

Картины Клода Оскара Моне

Живопись 20-го века

Ряд художников вскоре стали недовольны импрессионизмом. Художники, такие как Пол Сезанн (1839-1906), чувствовали, что импрессионизм не описывает прочность форм в природе. Сезанн любил рисовать натюрморты, потому что они позволяли ему сосредоточиться на форме фруктов или других предметов и их расположении. Объекты его натюрмортов выглядят прочно, потому что он сводил их к простым геометрическим формам. Его техника размещения пятен краски и коротких мазков богатого цвета бок о бок показывает, что он многому научился у импрессионистов.

Картины Поля Сезанна

Винсент Ван Гог (1853-90) и Поль Гоген (1848-1903) отреагировали на реализм импрессионистов. В отличие от импрессионистов, которые говорили, что они объективно рассматривают природу, Ван Гог мало заботился о точности. Он часто искажал объекты, чтобы выразить свои мысли более творчески. Он использовал импрессионистские принципы для помещения контрастных цветов рядом друг с другом. Иногда он сжимал краску с трубок прямо на холст, как в «Поле жёлтой кукурузы».

Картины Винсента Вана Гога

Гоген не заботился о пятнистом цвете импрессионистов. Он плавно применял цвет в больших плоских областях, которые он отделял друг от друга линиями или тёмными краями. Красочные тропические народы обеспечили большую часть его сюжетов.

Картины Поля Гогена

Метод Сезанна создания пространства при помощи простых геометрических форм был развит Пабло Пикассо (1881-1973), Жоржем Браком (1882-1963) и другими. Их стиль стал известен как Кубизм. Кубисты рисовали объекты так, как будто их можно было увидеть с нескольких углов сразу или, как если бы их разобрали и собрали на плоском холсте. Часто объекты оказывались не похожими на что-либо существующее в природе. Иногда кубисты вырезали фигуры из ткани, картона, обоев или других материалов и наклеивали их на холст, чтобы сделать коллаж. Текстуры также варьировались, добавляя к краске песок или другие вещества.

Картины Пабло Пикассо

Более поздние тенденции заключались в том, чтобы уделять меньше внимания теме. Больший акцент стали получать композиция и техника изображения.

---

• Живопись: история, материалы, стили и жанры
• Пленэрная живопись: история, характеристика
• Акриловая живопись: история, техника, преимущества акрила
• Музей А.С. Пушкина знакомит с уникальным творчеством Валентины Деопик
• Выставка «Перламутровые грёзы. Памяти Альберта Мартыненко»
• ГРАУНД на Vienna Contemporary
• Выставка Opvs Modernvm

«История рисования».
Искусство – это величайший труд, и ценится он в наше время очень сильно. А особенно – художественное искусство. И это хотя бы потому, что раньше, много веков назад, искусство не так ценилось. Только самые талантливые были одарены и жили богато. А те, кто писал картины и творил своей личное, очень необычное искусство, не всеми воспринимались всерьез. Так как богатые люди, а также, аристократы думали лишь о том, что выглядит роскошно, и воспринимали только те картины, имеющие возможность быть восприняты другими, как символ богатства.

Такова жизнь, что наша история охватывает не только самые разные события нашей жизни, именующиеся военными действиями. Ведь история также охватывает все моменты, касающиеся и живописи, и пейзажей, и всего, что касается истории рисунка. Ведь рисунок, как отдельный вид искусства появился не так уж мало лет назад. Он появился еще давно, когда только люди начали осваиваться на этой земле. Но если говорить об искусстве рисунка как о чем-либо завершенном, то можно с точностью сказать о том, что история рисунка охватывает около тридцати тысяч лет человеческой жизни.

Первые рисунки – это всем известные странные, и поначалу непонятные наброски, иероглифы, начерченные на стенах пещер и скал. Именно в те времена, когда человек еще не был современным, а только начинал к этому путь. Эти первые рисунки были нарисованы, а если быть точнее – то нашкрябаны на чем-либо, имеющим твердую и устойчивую поверхность.

Также, были установлены специальные даты, говорящие о том, что человек стал рисовать наскальные рисунки за 10 тысяч лет до нашей эры. Это были именно наскальные рисунки. Естественно, были произведены нужные раскопки и экспедиции.

Вообще, если углубиться в творчество известных нам художников, можно вскоре понять, что те самые знаменитые всему миру художники, никак не могли успевать сделать столько заказов, поступающих им от других людей, их заказчиков. А именно потому они создавали специальные мастерские, где нанятые ими люди должны были делать эскизы, а также самые различные наброски на тему, нужную тому самому знаменитому художнику, например, такому, как Микеланджело или же другому художнику эпохи Возрождения. Это не значит, что нанятые ими люди выполняли всю работу, они просто делали эскизы или же доделывали некоторые основные детали. Чтобы возможно было сохранить больше времени для их хозяина, так как он должен был успеть сделать все заказы.

И заказов на работу Микеланджело, к примеру, всегда было много. Например, известно, что этому художнику был однажды сделан важный заказ, который был сделан самой претенденткой на роль жены короля Генриха шестого. Это было важно, так как этот портрет должен был понравиться королю, чтобы та могла стать его женой, королевой Англии. Это был щекотливый заказ, все-таки сделанный Микеланджело.

Также, хорошо известные истории все о портретных рисунках. Это очень интересная часть в истории рисунка. Так как содержит в себе много известных фамилий, таких как Ватто, Джованни Баттиста Тьеполо и другие. Именно эти фамилии внесли просто незабываемый вклад в историю рисунка, да и вообще в историю целиком. Портретный рисунок впервые стал так известен и популярен только в 18в. Это время прославилось своими необычными творениями. Люди стали по-другому воспринимать свое лицо, а значит, и красоту в целом. Джованни Баттист Тьеполо прославился как художник, увлекающийся именно таким рисунком. Он умел несколькими штрихами закончить свое искусство, но сделать это так, что просто потом невозможно забыть.

Художественная культура – это часть духовного наследия человечества. Это понятие применяют для характеристики исторических эпох, творчества отдельных стран, обозначения материальных и религиозных ценностей, созданных обществом. Живопись – это отражение жизни, особая реальность, которая служит дополнением или заменой реальных событий, передавая дух своего времени и его идеалы.

Среди великих стилей выделяют готику, классицизм, романтизм, реализм. К последним крупным течениям, сложившимся на рубеже XIX- XX веков относят абстракционизм, импрессионизм, кубизм.

Определение

Живопись – это вид искусства, позволяющий запечатлеть красоту окружающего мира на холсте или другой поверхности с помощью красок. Она обладает выразительными средствами, которые передают эмоциональную окраску картин.

К главным методам художественного выражения относятся:

• рисунок;
• линия;
• цвет;
• композиция.

Результатом живописи является рисунок, полученный на поверхности. В зависимости от техники, предметы живописи подразделяют на картины, фрески, наскальную роспись (рисунки пещер Ляско, Альтамира, Шове), цифровое изображение, миниатюру.

Специалисты выделяют станковое, монументальное и декоративное творчество.

1. Станковая. Получила название от слова станок или мольберт, на который устанавливался холст или крепился лист бумаги.
2. Монументальная. Монументальная живопись применялась для росписи потолков и стен зданий.
3. Декоративная. Предназначена для украшения. Ее характеризуют яркие цвета, продуманные формы и композиции.

Жанры живописи

Живопись бывает различных жанров. Их различают по изображенному на полотне сюжету.

1. Пейзаж. Жанр используют для изображения живой природы.
2. Марина. Предполагает написания морских пейзажей.
3. Портрет. Жанр предназначен для рисования одного или нескольких человек с детальной точностью.
4. Бытовой. Задача направления показать особенности личной и общественной жизни человека, социальные проблемы, быт.
5. Натюрморт. Предназначен для изображения неживых предметов. На полотнах рисуют фрукты, цветы, посуду и другие предметы обихода.
6. Исторический. На холсте пишут события, которые происходят в настоящем или были в прошлом и имеют социальную значимость.
7. Батальный. Позволяет запечатлеть на полотне сражения на суше или в море.
8. Архитектурный. Жанр используют для изображения архитектуры (городские пейзажи, отдельные здания и сооружения, интерьеры дворцов).
9. Анималистика. Основные герои полотен – домашние или дикие животные, птицы, ящерицы, насекомые.
10. Ню. Предназначен для восхваления красоты обнаженного тела.

Используемые материалы

В качестве основы художники выбирают любой материал, на который могут нанести краски: бумагу, тканевые холсты, древесину, пергамент, штукатурку, пластик, черепицу, металл, камень, стекло.

Из материалов художники выбирают:

• масло;
• акварель;
• пастель;
• акрил;
• тушь;
• гуашь;
• карандаш.

Краску на поверхность наносят инструментами – кистями. Они бывают разных размеров и жесткости. Также художники применяют мастихин для смешивания красок и очищения палитры, нанесения густого слоя.

Разнообразие техник

Если верить Леонардо Да Винчи, то техники живописи неисчерпаемы. Они – это все, что создает природа, время и человек. Существуют десятки направлений, но говорить следует только про основные виды:

1. Масляная. Для произведений используют масляную краску. Особенность техники – многослойность. В качестве основы художники чаще выбирают холст, покрытый грунтом.
2. Темпера. Это сухой порошковый пигмент, смешиваемый на основе эмульсии. Технику применяют в иконописи. Темпера позволяет наносить как тонкие полупрозрачные мазки, так и густые, пастозные.
3. Акварельная. Акварельную технику отличает использование красок, не содержащих белил. Они создают на бумаге легкий слой, через который просвечивает основное полотно. Акварель использовали для создания воздушных картин.
4. Тушь. Тушь – материал черного цвета на основе сажи. Художники использовали его для зарисовок и эскизов. Преимущество туши в высокой стойкости к размытию, даже спиртом.
5. Пастель. Пастель – это техника рисования масляными или пастообразными карандашами.
6. Акрил. Акриловые краски были разработаны в середине XX века. Особенность материала – стойкость и высокая скорость высыхания.
7. Аэрография. Современная техника. Предполагает нанесение жидкой или порошкообразной краски распылением из баллончика или аэрографа.

Стили живописи

У временных эпох есть свои характерные черты живописи. Произведения с общими идеями, техникой исполнения, характерными приемами специалисты объединили в стили.

Готический

Готическая живопись (Gotico) получила распространение в IX-XIV веках. Под термином Готика Джорджио Вазари определял период между Средневековьем и эпохой Возрождения.

В основе сюжетов направления лежали библейские события. Для готики характерна вычурность, вытянутость линий, объем. Яркий пример произведения живописи готического стиля – Джотто роспись церкви Капелла-дель-Арена.

Ренессанс (Эпоха Возрождения)

Эпоха Возрождения или Ренессанса – это подъем мирового искусства. Она приходится на период XIV-XVI века. В основу Ренессанса положено возвращение к античности и восхваление красоты человеческого тела.

Эпоху Возрождения делят на этапы:

• Проторенессанс;
• Раннее возрождение;
• Высокое Возрождение;
• Позднее Возрождение.

Из художников до наших времен дошли имена Симоне Мартини, Джотто, Чимабуэ. В высоком Возрождении стали известны работы Леонаро да Винчи, Микеланджело Буонарроти и Рафаэля Санти. В позднем Ренессансе проявили себя Тициан, Палладио, Корреджо.

Маньеризм

Маньеризм – стиль, пришедший на смену Возрождению и ставший предшественником барокко. Получил развитие в XVI веке. Для произведений характерна вычурность, броскость. Периоды развития Маньеризма и позднего Ренессанса плотно пересекаются.

Среди особенностей направления выделяют:

• отсутствие гармонии, характерной для ренессанса;
• плавность линий;
• напряженность поз;
• броская палитра;
• эротизм в сюжетах;
• эффекты (игра света и тени, перспектива).

Представители Маньеризма:

• Пармиджанино (Обращение Савла);
• Якопо Понтормо (Встреча Марии и Елизаветы);
• Джулио Романо (Дама за туалетом);
• Джорджо Вазари (Благовещение);
• Артемизия Джентилески (Мадонна с младенцем);
• Эль Греко (Поклонение волхвов).

Барокко

Барокко – стиль в живописи и архитектуре, получивший распространение в XVII-XVIII веках. Родиной нового направления стала Италия (Рим, Мантуя, Венеция, Флоренция). Постепенно оно распространилось по западным странам, Европе.

Характерные черты барокко:

• контрастность;
• напряженность;
• динамичность;
• пышность;
• величие;
• яркость красок;
• внимание к деталям.

На полотнах изображают реальные образы и иллюзию. Художники уходят от простоты форм и естественной манеры представления.

Известные произведения живописи и имена в период барокко:

• Мурильо (Непорочное зачатие);
• Рубенс (Святой Георгий и дракон);
• Диего Веласкес (Венера в зеркале);
• Хосе де Рибера (Прометей);
• Эль Греко (Кающаяся Мария).

Рококо

Стиль рококо зародился во Франции в начале XVIII века. В своих полотнах художники уходили от действительности, изображая идеальный мир, театральную игру. Особенности стиля определяет светская культура и взгляды французской аристократии.

Для рококо характерны:

• грациозность;
• легкость;
• завершенность форм;
• светлые полупрозрачные тона;
• обилие оттенков.

Наиболее известные представители рококо:

• Франсуа Буше (Фонтан любви);
• Иван Аргунов;
• Федор Рокотов (портрет Александры Петровны Струйской);
• Бернардо Беллотто;
• Дмитрий Левицкий.

Классицизм

Классицизм – это стиль в живописи, который начал развиваться еще в эпоху Ренессанса. В его основе лежат строгие правила и каноны. Стиль считают наследником античности.

Определить картины классицистов можно по:

• простым формам;
• гармонии;
• рациональному началу;
• обращению к античному искусству;
• симметрии линий;
• упорядоченности форм;
• высоким темам.

Известные художники классицизма:

• Никола Пуссен (Аркадские пастухи);
• Клод Лоррен (Пейзаж с Аполлоном и Сивиллой Кумской);
• Шарль Лебрён (Конный портрет Людовика XIV);
• Жак Луи Давид (Смерть Марата).

Ампир

Ампир – переходный стиль, обозначивший закат Классицизма. В зависимости от стран, в которых он получил развитие, выделяют три периода: российский, наполеоновский и елизаветинский.

Ампир на полотнах определяют по:

• наличию военной атрибутики;
• использованию ярких оттенков с доминированием синего и красного;
• четкости и строгости линий;
• соблюдению пропорций;
• сдержанности композиций;
• симметричности.

Наиболее известными представителями были Жак-Луи Давид, Теодор Жерико, Андреа Аппани.

Романтизм

Романтизм – это художественное направление в живописи. Получил распространение в Европе и Америке (конец XVIII – начало XIX века). В основе стиля лежат личностные переживания и мысли художников, переданные на бумагу красками. Картины, созданные в период романтизма, отличает выразительность.

Яркие представители эпохи:

• Теодор Жерико (Дерби в Эпсоме);
• Франциско Гойя (Обнаженная Маха);
• Эжен Делакруа (Натчез);
• Уильям Тернер (Горящие палаты лордов и общин);
• Карл Брюллов (Смерть Инессы де Кастро);
• Иван Айвазовский (Штиль).

Реализм

Реализм – стиль, положивший начало развитию современного искусства. Основная задача – правдиво и объективно преподнести действительность.

Героями и сюжетами для полотен художники выбирают человека и его повседневную жизнь, сельские и городские пейзажи, ночные клубы, кафе, рабочий класс. Основоположник стиля – Гюстав Курбе (Морской пейзаж).

Среди других представителей Реализма Эдуард Мане, Жан-Франсуа Милле, Жюль Бретон, Роза Бонёр.

Русская живопись реализма представлена именами Василия Максимова (Все в прошлом), Ивана Крамского, Алексея Саврасова (Грачи прилетели), Василия Петрова, Василия Поленова (Московский дворик), Ильи Репина.

Абстракционизм

Абстракционизм – это направление в искусстве начала XX века, в котором художники уходят от изображения реальных вещей и правильных форм.

Существует несколько направлений течения:

• геометрический (в картинах преобладают четкие формы);
• цветовой (художники делают акцент на цвете и сочетаниях оттенков)
• минималистичный (отсутствие реальных событий, сдержанные тона, формы, линии);
• экспрессивный (для стиля характерны динамичные сюжеты, движение, которое передает эмоции).

В технике абстракционизма творили:

• Казимир Малевич;
• Барнетт Ньюманн;
• Павел Филонов.
• Василий Кандинский;
• Пит Мондриан;
• Наталья Гончарова;

Импрессионизм

Импрессионизм – художественное направление, получившее развитие в конце XIX начале XX века. Основная суть – изображение на полотнах изменчивости окружающей реальности.

Художники-импрессионисты стараются сделать свои картины живыми, динамичными. Сюжеты и герои – это обычные люди, пейзажи природы, бытовые сцены. Большое внимание художники уделяют изменению воздуха, света, тени. Импрессионисты в своих работах стараются уловить мгновение, которое может исчезнуть.

Великие представители течения:

• Эдуард Мане (Олимпия);
• Эдгар Дега (Голубые танцовщицы);
• Пьер Огюст Ренуар (Диана охотница);
• Альфред Сислей (Мост в Море);
• Камиль Писсарро (Холм Жалле)

Кубизм

Кубизм – художественный стиль, который появился в первой половине XX века во Франции. Основное отличие – ­разложение предметов на простые элементы и перенос их в двухмерную плоскость.

В кубизме существует 3 основных направления:

1. Сезановский. Для картин характерна лоскутная техника. Все объекты изображают в виде правильных кусочков.
2. Аналитический. Картины представляют собой слияние форм и пространства. Направление характеризует пересечение плоскостей, хаос, переливы красок, полупрозрачные структуры.
3. Синтетический. Синтетический кубизм отличают выразительные фактуры, аппликация, узоры.

Основные представители:

• Пабло Пикассо (Студент);
• Поль Сезан (Изгиб лесной дороги).

Символизм

Символизм – это художественный стиль, получивший развитие в конце XIX начале XX века. Его отличает новаторство, символизм, недосказанность, намеки.

В качестве образов авторы картин выбирают легенды, мифы, мечтания. Из символистов выделяют Врубеля (Демон сидящий, Демон летящий, Демон поверженный), Васнецова (Три богатыря), Уильяма Скотта, Гюстава Моро.

На смену символизму пришли современные направления живописи, которые развиваются до сих пор. Среди течений выделяют сюрреализм, с картинами Сальвадора Дали и андеграунд с творчеством Михаила Шемякина.

История живописи

История развития художественного искусства берет начало с момента, когда появилась пещерная живопись. Чем активнее развивался мир, тем многообразнее становились способы нанесения изображения и воспроизводимые сюжеты.

До XIII века

До XIII века принято говорить о древнем искусстве. Отдельно выделяют творчество древней Руси, древнего Египта, Греции, Византии. В этот период преобладают 3 направления:

1. Мозаика. Технику использовали для создания мозаичных икон, которыми покрывали стены и потолок церквей. Полученные картины отличала долговечность.
2. Фреска. Дословно означает свежий или сырой. Техника подразумевает живопись по сырой штукатурке. Фресками на Руси расписывали стены и потолки храмов, соборов, церквей. Известный пример – роспись храма Святой Софии в Киеве.
3. Иконопись. Иконопись – техника создания божественных изображений. Иконы считают представителем ранней станковой живописи. На полотнах изображали Христа, Богоматерь, святых, различные события из библии. Активно иконопись развивалась в Византии. После крещения техника получила широкое распространение на Руси.

XIII век

Искусство XII века отличает простота форм, искажение фигур, религиозные сюжеты. Мастера этого периода не пытаются передать реальные события или разнообразить композиции. Наоборот, их задача – воплощение абстрагированной идеи, божественного предопределения мира.

Центральное место в живописи в этот период занимают религиозные сюжеты. На полотнах стараются передать особенности небесных сфер, божественное величие.

Характерные черты творчества – разномасштабные фигуры, нейтральные тона, искажение анатомии. Плоть старались изобразить как сосуд греха, а нагота – это нечто постыдное. В XIII столетии оставались сильны традиции Византийской школы.

XIV век

XIV век – это период развития в художественной культуре, когда нашли пересечение готический стиль и Возрождение. Произведения этого времени отличает отсутствие перспективы, эмоциональность, вычурность. Одна из главных идей стиля – движение вверх. Готика в архитектуре представлена соборами, церквями и монастырями с узкими окнами, высокими башнями и величественными фасадами.

В живописи готический стиль нашел отражение в витражах, миниатюрах для книг, оформлении переплетов, картинах. Для полотен художники используют красный, синий, зеленый, розовый, черный, охру, белый.

Среди выдающихся живописцев Мастер Бертрам (произведение Грабовский алтарь 1382 г.), Жакмар де Эсден (миниатюры Малого часослова, Брюссельского часослова), Донато Венециано (Коронование Марии 1372 год), Братья Лимбург (Великолепный часослов герцога Беррийского, незакончена).

На Руси живопись в XIV веке – это создание икон и роспись соборов. Наиболее известными человечеству стали Андрей Рублев (икона Троица), Феофан Грек, Дионисий.

XV век

На Руси, как и в других странах, развитие особенностей живописных школ определяло местоположение. Так, выделяют ростовскую, тверскую, новгородскую и псковскую школы. Несмотря на отличие, основное у школ было схоже – направление сюжетов. Основное внимание уделялось иконописи, созданию фресок, росписи соборов и созданию миниатюр.

Религия и божественные сюжеты занимают ведущее место в творчестве живописцев. Основная задача художников состояла в создании общего образа райской красоты, обретенного блаженства и сияющего небесного мира. Большое влияние на живописцев оказывают византийские художники.

XVI век

XVI век – это эпоха Возрождения. Жизнь меняется, появляются города и мануфактуры, развивается торговый обмен. Люди начинают искать прекрасное в обыденных вещах. Под счастьем уже понимают право на личное развитие и проявление талантов.

Художники показывают красоту не через божественные сюжеты, а земные. В качестве примеров они берут античное искусство. На смену готике приходит Ренессанс (Эпоха Возрождения).

Художники Возрождения на своих полотнах изображали человека в его первозданной красоте и окружающую природу. Они устанавливали закономерности в рисунке. Их видение во многом совпадало с научным и математическим взглядом на мир.

Мировая живопись XVI века стала известна благодаря Леонардо да Винчи (Мона Лиза), Рафаэлю, Аньоло Бронзино, Лоренцо Лотто, Тициану (Флора).

XVII век

XVII век – это закат эпохи Ренессанса и появление барокко, классицизма и реализма. Главные сюжеты – дворцово-парковые ансамбли, пышные торжества, парадные портреты.

В Италии в этот период выделяют два направления. Первое – творчество братьев Караччи. В современном искусстве известно как болонский академизм. Второе – работы Караваджо.

В Испании особенность живописи была в подчинении католической церкви. Религия полностью определяла вкусы заказчика. Испанская живопись XVII века представлена именами Эль Греко, Доменико Теотокопули. Специалисты называют этот период Золотым для Испании. Свое творчество представили Франсиско Рибальта, Франсиско Сурбаран (Детство Девы Марии), Хуселе Рибера (Хромоножка).

Помимо живописи Италии и Испании, внимание заслуживает школа Фламандии и Голландии, появившиеся после разделения Нидерландов. Наиболее известным представителем голландской школы стал Рубенс. Среди его картин Триптих Снятие с креста, Портрет Елены Фоурмен.

К концу столетия ведущее место в художественной жизни Европы занимает Франция. В моду входят парадные портреты, картины с яркими помпезными сюжетами. Активно развивается стиль барокко и рококо.

XVIII век

XVIII век – это эпоха серьезных изменений во всех областях жизни человека и общества. У людей возрастает интерес к географии, истории и другим наукам. Массовое просвещение и изменения сказываются на особенностях живописи этого периода.

Из художественных направлений XVIII века выделяют классицизм, барокко, рококо, реализм. Барокко и рококо в этот период отражают настроения аристократии, а реализм олицетворяет идеалы простых людей.

Чувства и философия – вот основа для создания наиболее выдающихся полотен того времени. Художники дошли до совершенства в изображении человеческих чувств и эмоций. На картинах можно увидеть возбуждение, насмешку, презрение и скептицизм.

Живопись XVIII века ознаменовалась творчеством Симеона Шардена, Рубенса (Избиение младенцев), Караваджо.

XIX век

Художественное искусство XIX века во многом схоже с творчеством в XVIII столетии. Главным течением, определившим особенности эпохи, стал классицизм. В разных странах он обрел свои индивидуальные черты. Несмотря на лидирующие позиции классической школы, XIX столетие запомнилось тремя ведущими направлениями:

1. Классицизм. Характеризовался классическими сюжетами, обращенными к античной школе. Через древние образы художники стремились показать свой патриотизм, стремление к свободе. Ярко представлены работы классицистов века в России.
2. Романтизм. Расцвет направления приходится на 20 года XIX века, когда в обществе происходят серьезные изменения. Желание уйти от неприятных реалий приводит к появлению идеального мира на полотне. Среди представителей художественного течения Франциско Гойя, Эжен Делакруа, Руссо. Живопись русских художников романтизма представлена именами Карла Брюллова (Последний день Помпеи), Ивана Айвазовского (Девятый вал), Василия Тропинина, Алексея Венецианова.
3. Реализм. Еще одним популярным течением XIX столетия был реализм. Основная задача живописцев была изобразить мир таким, какой он есть без искажений. Внимания заслуживает Барбизонская школа. Ее представители изображали пейзажи родной природы. В стиле реализм работали Шарль Добиньи, Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле.

Завершила XIX столетие эпоха импрессионизма, которая стала настоящим прорывом в истории живописи.

XX век

XX век – это наиболее противоречивое время в истории человечества. Для большинства появившихся техник используют общее название – авангардизм. Наряду с ним среди художников остается популярен импрессионизм, для которого характерны чистые сюжеты, светлые, воздушные оттенки, обращение к минутным моментам.

Однако, XX век – это время разочарований. Особенно это проявилось к концу столетия. Протест, страдания населения, дисгармония в обществе нашли отражение на полотнах художников и стали чертами авангардизма. В противоположность ему выступает сюрреализм. Это художественное течение, в основе которого лежат легкие сюжеты из мира грез и иллюзий.

Творчество Клода Мане (Кувшинки), Матисса, Сальвадора Дали (Сон), Пабло Пикассо, Василия Кандинского, Фриды Кало оставило неизгладимый след в живописи XX столетия.

XXI век

Современное искусство – это разнообразие техник, которые сложились в конце XX — начале XXI века. Художники нового времени стремились изменить действующие правила, изобрести новые реалии, неизвестные до этого момента практики.

Широкую популярность приобретает уличное искусство, трехмерная графика. Из направлений выделяют супрематизм и его создателя Казимира Малевича (Черный квадрат). Назначение новой техники было в очищении искусства от всего лишнего.

Другое интересное течение XXI века – поп-арт. Это направление живописи появилось в Англии. Яркие представители поп-арта – Джаспер Джонс, Энди Уорхолл.

Футуризм был открыт в 1910 году. Его идея – стремление к новому, уход от старых рамок. В картинах современных художников средством выражения идеи выступает техника. Для стиля характерны резкие штрихи, наплывы, пересечения линий. Стиль футуризм представлен в творчестве Маринетти, Северини, Карры.

Развитие живописи в разных странах

Отдельного внимания заслуживает развитие живописи в древний период в различных странах. Греция и Египет внесли большой вклад в развитие искусства и дали образцы для подражания многим поколениям художников.

Древняя Русь

Древнерусская живопись – это искусство, относящееся к периоду до XII века. В течение длительного периода основным направлением творчества на Руси оставалась церковная тематика.

В качестве произведений выступали:

• иконы;
• фрески;
• мозаики;
• миниатюры.

Фрески и мозаики использовали для украшения храма Святой Софии в Киеве.

Особенности живописи:

• простота;
• лаконичность;
• архаичность форм;
• условность жестов.

Цвета использовали яркие, гармоничные. В качестве сюжетов и образов преобладали эпизоды из библии, Христос, Богоматерь, апостолы, святые. Расцветом иконописи называют XII-XIII века, когда были расписаны Успенский и Дмитриевский соборы, создана икона Богоматерь Оранта. С установлением татаро-монгольского ига развитие живописи на Руси было приостановлено. Ее восстановление началось только в конце XIII века.

Древний Египет

Египтяне оставили человечеству великое наследие. В период их процветания развивалась живопись, архитектура, монументальное творчество. Основная идея для произведений в этот период ­– религия. Земное существование человека – это только переход к загробной жизни.

Тематика картин преобладала религиозно культовая. На рисунках изображали жрецов, религиозные обряды, эпизоды прославления усопших. Несмотря на узкую тематику, египетская живопись имеет особый стиль.

Все изображения подчинены четким правилам построения. Лица людей и животных изображены в профиль, а сама фигура – анфас. Природу рисовали схематично. Для создания произведений использовали краски. Их изготавливали из натуральных материалов – древесного угля, медной или железной руды. Для живописи того периода не характерна игра света и тени наличие эффектов.

В древних храмах, гробницах, папирусах найдено множество примеров художественного творчества древнего Египта. Яркий образец – Фрагмент стены от гробницы Аменемхета и его жены Хемет 1976-1794 гг. до н.э.

Древняя Греция

Древнегреческая культура оставила в истории большой след. К ее наследию в разное время обращались художники Италии, Испании, Европы. Основное направление в живописи древней Греции занимала вазопись или роспись керамики.

Для изображений характерен реализм, экспрессия. Часто на амфорах рисовали орнаменты, картины с простыми сюжетами. По мере развития искусства, сюжеты становились более сложными, получали больше деталей. При изображении людей художники прорисовывали черты лица, особенности одежды, поз украшения. В качестве сюжетов выступали животные, растения, представители мира птиц.

Один из этапов развития живописи – появление чернофигурного и краснофигурного стиля. Наивысшим мастерством вазописи в Древней Греции считали роспись по белому фону. Такие рисунки отличали сложные сюжеты и яркие цвета.

Живопись разнообразна и многогранна. Ни один из стилей нельзя считать главным определяющим особенности эпохи или страны. Все направления имеют тесную связь друг с другом. Сложившись в одну эпоху, они непрерывно развивались и находили продолжение в другом временном периоде.

• ВСЕ

• А

• Б

• В

• Г

• Д

• Е

• Ж

• З

• И

• К

• Л

• М

• Н

• О

• П

• Р

• С

• Т

• У

• Ф

• Х

• Ц

• Ч

• Ш

• Щ

• Э

                                             Введение

У каждого человека есть свои увлечения. Ещё с самого раннего детства  родители нас отдают в различные интересные кружки. Уже в скором времени у нас может открыться талант, который поможет нам в будущем. Темой своего сообщения я выбрала «История рисунка и техники рисунка», так как с детства люблю рисовать и всё своё свободное время провожу за рисованием, посещаю Художественную школу в г. Заречном.

В наш бурный век, когда стремительно развивается наука, ускоряется ритм жизни, вопрос о влиянии искусства на человека остаётся актуальным. Одним из видов искусства является живопись.

Данная работа является для меня важной потому, что мне захотелось узнать историю появления рисунка, новый материал о великих художниках, познакомиться с различными техниками рисования.

                                 История рисунка

История рисунка насчитывает столько же столетий, сколько и сам род человеческий. Было доказано, что наскальные рисунки появились за 10 тысяч лет до нашей эры. Но только в эпоху итальянского Возрождения художники смогли отработать и освоить технику рисования на бумаге.

В те древние времена скульптор и живописец занимали заметное и почетное место в обществе. Хороших мастеров всегда знали, ценили и заказывали работы.

Знаменитые художники эпохи Возрождения, такие как Микеланджело (1475-1564), чтобы выполнить все заказы, нанимал помощников и возглавлял большие мастерские. Вдали от классической живописи Италии фламандский художник Питер Брейгель Старший (1525/30 – 1569) обращался к технике рисунка, чтобы запечатлеть окружавший его мир и его реалистические работы, изображавшие сценки из крестьянской жизни, снискали огромную популярность.

Брейгель был одним из многих художников Голландии и Фландрии 16-17 веков, которые развили жанр, основанный на изображении жизни простых людей.

Одним из выдающихся мастеров кисти, никогда не посещавших Италию, был голландский художник Рембрандт (1606-1669), создавший шедевры не только живописи, но и графики. Как портретист, он с энтузиазмом и удивительным психологизмом запечатлевал всех, кто привлекал его внимание, — от старых нищих до представителей знати. Его излюбленными художественными средствами были перо, кисть и бистр (прозрачная коричневая краска, получаемая из древесной сажи).

Великим художником, современником Рембрандта, был фламандский художник Рубенс (1577-1640), непревзойденный мастер своего дела. Его графические работы отличаются виртуозным техническим исполнением.

У Рубенса была большая мастерская художника, для которой он писал предварительные эскизы, а также сам рисовал и выполнял многочисленные заказы.

Истоки современного искусства

Среди величайших мастеров 19 века жил художник – приверженец новых форм и методов, его искусство объединило в себе все предшествующие стандарты и традиции. Это знаменитый Эдгар Дега (1834-1917), искусство которого на протяжении всего творческого пути опиралось на рисунок.

Будучи в зрелом возрасте, мастер копировал многие полотна других художников, чтобы усовершенствовать понимание и видение живописи, усовершенствовать и развить свою технику. Художник оставил огромное наследие: множество рисунков, пастелей, гравюр. 

Портретный рисунок

В 18 веке нашей эры не было много крупных мастеров художников, интерес к заказу портретов сохранялся. 

Французский художник Ватто (1684-1721) оставил в наследие великолепные зарисовки фигур, голов, драпировок в своей неповторимой манере: красным, белым и черным мелками.

Художник Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770), величайший художник 18 века, для своих полотен применял технику карандаша и поверх карандаша прозрачного мазка кистью.

 В 19 веке произошли большие перемены в развитии и утверждении техники живописи.

В Великобритании он начался с рисунков Тернера (1775-1851) и Констебла (1776-1837), во Франции – с полотен Делакруа (1798-1863) и художника Энгра  (1780-1867). 
К тому времени графитный карандаш уже получил широкое признание, и именно им Констебл с особой тонкостью и выразительностью писал в своих альбомах большое количество маленьких деревенских домиков и видов Суффолка.

В детстве Тёрнер развил в себе удивительные способности наблюдателя, он легко рисовал графитным карандашом рисунки соборов и других зданий.

Портреты все еще были в моде, и рисунки, написанные французским художником Энгром, были настолько реалистичными и живыми, что у людей не вызывало сомнений их сходство с моделью.

Соотечественником Энгра был великий Делакруа. Его искусство было более свободным и романтичным. Он не только делал эскизы для масштабных исторических полотен, но и рисовал все, что привлекло его внимание.

В эпоху, предшествующую эпохе фотографии, рисунок для Делакруа был единственным способом запечатлеть на бумаге свое путешествие в Марокко в 1832 году. Современники художника рассказывали, что Делакруа рисовал и днем и ночью.

Рисунок — изображение на плоскости, созданное с помощью средств графики.

Художесвенный рисунок или академический рисунок — вид графики, является основой всех видов изобразительного искусства. Без знания основных требований академического рисунка, художник не сможет грамотно работать над художественным произведением. В виде графической основы рисунок присутствует в любом изображении на плоском объекте (бумаге), в этом значении произведение оценивается с точки зрения качества.

Рисунок может выполняться как самостоятельное, отдельное произведение графики, либо быть дополнительным и вспомогательным этапом при создании картин живописи, графических работ, скульптур или архитектурных объектов. Рисунки или предварительные наброски для создания настоящих произведений живописи нередко имеют самостоятельное, колоссальное художественное значение и ценность.

Рисунки являются технической основой изобразительного искусства, поэтому искусство грамотного рисунка глубоко изучается всеми художниками, скульпторами и архитекторами в раках предмета «академический рисунок».

Рисунки пишут в процессе изучения натуры, при поиске композиционных решений графики, живописи и скульптурных произведений, при разметке живописной картины как подготовительный этап под живопись. 

Станковый рисунок — самостоятельное прозведение, является в европейском искусстве отдельным видом графики. Станковыми рисунками являются также известные нам рисунки огромной эстетической ценности, первоначальное предназначение которых и неважно.

С живописью рисунок объединяет его уникальность, в то время как гравюры и литографии могут распространяться и иметь большое количество равнозначных экземпляров.

Части рисунка, создающие иллюзию трехмерности: свет, собственная тень (менее освещенная часть рисунка) и отбрасываемая тень (падающая на поверхность, на которой находится предмет), полутени (тени между светом и тенью), рефлекс (отсвет), блик (наиболее яркий и освещенный участок рисунка).

С помощью графического рисунка художники передают не только форму и степень прозрачности и освещенности объекта, но и цвет, — посредством черно-белого оттенка(для черно-белых рисунков), соответствующего данному цвету.

Пишутся рисунки в основном на белой бумаге. В станковом рисунке используются различные графические материалы: уголь, соус, сангина, цветные мелки, краски с помощью кисти и пера, тушь, чернила, карандаши, капиллярные пишущие узлы.
В учебном рисунке в настоящее время используется графитный карандаш и уголь. С помощью использования разнообразных материалов и их свойств можно освоить необычные техники рисования и получить интересные эффекты при рисовании:

Техники рисования:

«Эффект неба и облаков на рисунке»

Для получения размытых контуров рисунка, можно накапать водой на акварельные края рисунка. Таким образом, может получиться небо, затянутое облаками.

«Эффект снега и льда при рисовании»

Удивительный эффект снега, льда, снежинок можно достичь, аккуратно посыпав солью на акварельный рисунок.

«Техника скомканной бумаги».

«Трафаретный рисунок».

Рисование с трафаретом предоставляет множество возможностей вариантов.

Для начала к листу бумаги для рисования приложите вырезанную фигуру и покройте их акварельной краской. Аккуратно уберите трафарет, пусть краска немного растечется. Контуры изображения от трафарета будут выглядеть слегка размытыми. Техника рисования «Эффект наждачной бумаги»

Удивительной фактурности рисунка можно достичь благодаря наждачной бумаге. Рисунок необходимо лишь потереть в задуманных местах.

«Эффект проявляющегося второго слоя»,

«Выцарапывание рисунка на краске»,

 «Эффект пушистости «, Эффект брызг на рисунке» и другие. 

Брызги — интересные эффекты, применяемые в рисовании красками. Для получения этого эффекта необходимо набрать и сбрызгивать краску с кисти или зубной щётки на листок бумаги.

Дополнительно можно положить на лист бумаги предмет или природный материал и сбрызгивать краску. Вокруг предмета мы получим точечный разноцветный фон. С помощью брызг можно нарисовать целую настоящую картину.

Различных техник и эффектов для рисования придумано очень большое количество.
Часто при рисовании пользуются популярностью эффекты бороздок и клякс, используются техники монотипии, рисования пеной, рисования с клеем, рисования по разным поверхностям.

Использование различных техник делает рисование очень увлекательным и творческим занятием, рисование становится нашим хобби на всю жизнь.

                                               Заключение. 

   Работая над сообщением, я узнала историю появления рисунка, новый материал о великих художниках, познакомилась с различными техниками рисования.  Сделала вывод, что наиболее простым видом творческой деятельности является рисование. В рисовании рождается стремление выполнять самостоятельные действия без помощи взрослых, проявляется любознательность и интерес к личному результату.

Список использованной литературы

1. Алексеева В.В. Изобразительное искусство в школе. — М., 1968

2. Беда Т.В. Основы изобразительной грамоты. — М., 1969

3. Барщ А.О. Рисунок в средней художественной школе. — М., 1963

4. Волков Н.Н. мысли об искусстве. — М., 1972

Источники информации

https://gallerix.ru/read/konstruktivnyj-analiz/

http://lektsia.com/6xe145.html

http://www.arthistory.ru/

Изучение истории живописи — очень захватывающее занятие. Так как она развивалась очень необычно. 

Дело в том, что к живописи мало применимо понятие эволюции. Вы не можете сказать, что 1000 лет назад художники не умели рисовать. А вот 500 лет спустя научились. 

Во все времена и эпохи существовали мастера, которые могли научиться рисовать реалистично довольно быстро. Но они работали по-другому. И это зависело от исторического контекста и требований заказчиков. 

Но все же были вещи, которые совершенствовались. Например, техники или инструменты. А также об эволюции можно говорить в рамках одной конкретной эпохи. Как, например, в Ренессанс XV-XVI веков. 

Предлагаю Вам пройтись по основным этапам развития живописи. И начнём с самых-самых древних времён.

15 тысяч лет назад

Перенесёмся на 150 веков назад. Именно столько лет самым первым изображениям человека. Вот они:

Творения древних художников находятся в Испании в пещере Альтамира. А открыл их археолог-любитель Марселино Санс де Саутуола в 1879 году.

Но случилось неизбежное. Никто не поверил, что эти рисунки созданы человеком из первобытного общества. А как же эволюция искусства? Что же, они рисовали не хуже Рафаэля и Веласкеса, по Вашему? В шкурах, измазанные грязью, с кисточкой и палитрой в руках?

К слову, каменную палитру нашли там же, в пещере. Но все равно не поверили.

Да, тогда ещё были уверены, что абсолютно все этапы истории искусства сменяют друг друга по законам эволюции. От примитивного к более совершенному.

А тут вдруг невероятно реалистичные изображения бизонов, кабанов и лошадей! Да ещё и местами с эффектом 3D. Древние художники виртуозно использовали углубления и выпуклости стены для создания иллюзии объема.

Поэтому археолога Саутуола объявили фальсификатором. Мол, решил прославиться. Нанял художника, который и разукрасил потолок пещеры.

К сожалению, этот археолог так и не дожил до признания. Верный возраст наскальных рисунков в пещере Альтамира установили только в XX веке.

Давайте теперь перенесёмся в те времена, когда люди стали создавать более привычную для нас живопись. На доске и холсте. 

Но прежде чем мы перейдём к этому этапу развития искусства, задам Вас вопрос. Как Вы думаете, когда был создан этот портрет?

Начало истории картин

Так вот, эту женщину зовут Алина. Ее портрет написан в 24 году. Нет, не в 1824. И даже не в 1624. А именно в 24 году нашей эры.

На портрете Алине 35 лет. Она была одиннадцатилетней, когда родился Христос. Вряд ли они, конечно, встречались. Но сам факт: они современники!

Также вполне возможно, что родители Алины видели Клеопатру. Ведь наша героиня родилась спустя 20 лет после смерти легендарной правительницы Египта.

В разных музеях мира хранится 900 подобных портретов. Почти все они были найдены в Египте, близ провинции Фаюм. Отсюда их название — фаюмские портреты. Это самые древние картины, дошедшие до наших дней.

На рубеже эр Римская империя завоевала Египет. В страну переехала часть аристократии, и взяла с собой художников.

На новой родине они переняли традицию хоронить умерших в саркофагах. Но вместо египетских масок художники создавали портреты.

Портрет почти всегда создавался при жизни человека, и хранился до смертного часа.

Я думаю, мы можем не сомневаться в том, что Алина так и выглядела. Ведь египтяне верили, что душа в любой момент может вернуться в тело. И именно по портрету она узнает «хозяина».

Нам повезло, что мы знаем имя и возраст Алины. Ее саркофаг нашли ученые. К сожалению, большинство фаюмских портретов выкупалось у расхитителей гробниц.

Те безжалостно выбрасывали таблички с данными умершего. Да и сами портреты часто сгорали в кострах, у которых грабители грелись по ночам.

Алина была погребена вместе с двумя дочерьми (4 и 2 лет). Видимо, они погибли от одной болезни. Немного позже в их захоронение были добавлены саркофаги мужа и старшего сына.

Портрет поражает, если осознаёшь, когда он был написан. 2000 лет назад!

Объемное и живое изображение получалось благодаря тонким разноцветным мазкам восковыми красками.

II-III века нашей эры

Теперь предлагаю переместиться на пару веков вперед.

Для этого приглашаю Вас подключиться к курсу «Путеводитель по истории живописи» и получить урок о развитии живописи во II-III веках.

В этом уроке мы разберем, почему художники отказались от реализма фаюмского портрета. И предпочли создавать условные, плоскостные изображения на протяжении многих веков.

Задание к уроку будет следующим. Где находится данная роспись?

Для перехода к уроку заполните, пожалуйста, форму ниже.

PS. Курс состоит из 15 уроков и онлайн-теста. Все это доступно без oплаты для всех, кто подпишется на «Путеводитель по истории живописи».

Painting is the practice of applying paint, pigment, color or other medium to a solid surface (called the «matrix»^{[citation needed]} or «support»).^[1] The medium is commonly applied to the base with a brush, but other implements, such as knives, sponges, and airbrushes, can be used.

In art, the term painting describes both the act and the result of the action (the final work is called «a painting»). The support for paintings includes such surfaces as walls, paper, canvas, wood, glass, lacquer, pottery, leaf, copper and concrete, and the painting may incorporate multiple other materials, including sand, clay, paper, plaster, gold leaf, and even whole objects.

Painting is an important form in the visual arts, bringing in elements such as drawing, composition, gesture (as in gestural painting), narration (as in narrative art), and abstraction (as in abstract art).^[2] Paintings can be naturalistic and representational (as in still life and landscape painting), photographic, abstract, narrative, symbolistic (as in Symbolist art), emotive (as in Expressionism) or political in nature (as in Artivism).

A portion of the history of painting in both Eastern and Western art is dominated by religious art. Examples of this kind of painting range from artwork depicting mythological figures on pottery, to Biblical scenes on the Sistine Chapel ceiling, to scenes from the life of Buddha (or other images of Eastern religious origin).

History[edit]

The oldest known paintings are approximately 40,000 years old, found in both the Franco-Cantabrian region in western Europe, and in the caves in the district of Maros (Sulawesi, Indonesia). In November 2018, however, scientists reported the discovery of the then-oldest known figurative art painting, over 40,000 (perhaps as old as 52,000) years old, of an unknown animal, in the cave of Lubang Jeriji Saléh on the Indonesian island of Borneo (Kalimantan).^[3][4] In December 2019, figurative cave paintings depicting pig hunting in the Maros-Pangkep karst in Sulawesi were estimated to be even older, at at least 43,900 years old. The finding was noted to be “the oldest pictorial record of storytelling and the earliest figurative artwork in the world”.^[5][6] More recently, in 2021, cave art of a pig found in an Indonesian island, and dated to over 45,500 years, has been reported.^[7][8] However, the earliest evidence of the act of painting has been discovered in two rock-shelters in Arnhem Land, in northern Australia. In the lowest layer of material at these sites, there are used pieces of ochre estimated to be 60,000 years old. Archaeologists have also found a fragment of rock painting preserved in a limestone rock-shelter in the Kimberley region of North-Western Australia, that is dated 40,000 years old.^[9] There are examples of cave paintings all over the world—in Indonesia, France, Spain, Portugal, Italy, China ,India, Australia, Mexico,^[10] etc. In Western cultures, oil painting and watercolor painting have rich and complex traditions in style and subject matter. In the East, ink and color ink historically predominated the choice of media, with equally rich and complex traditions.

The invention of photography had a major impact on painting. In the decades after the first photograph was produced in 1829, photographic processes improved and became more widely practiced, depriving painting of much of its historic purpose to provide an accurate record of the observable world. A series of art movements in the late 19th and early 20th centuries—notably Impressionism, Post-Impressionism, Fauvism, Expressionism, Cubism, and Dadaism—challenged the Renaissance view of the world. Eastern and African painting, however, continued a long history of stylization and did not undergo an equivalent transformation at the same time.^{[citation needed]}

Modern and Contemporary art has moved away from the historic value of craft and documentation in favour of concept. This has not deterred the majority of living painters from continuing to practice painting either as a whole or part of their work. The vitality and versatility of painting in the 21st century defy the previous «declarations» of its demise. In an epoch characterized by the idea of pluralism, there is no consensus as to a representative style of the age. Artists continue to make important works of art in a wide variety of styles and aesthetic temperaments—their merits are left to the public and the marketplace to judge.

The Feminist art movement^[11] began in the 1960s during the second wave of feminism. The movement sought to gain equal rights and equal opportunities for female artists internationally.

Elements of painting[edit]

Color and tone[edit]

Color, made up of hue, saturation, and value, dispersed over a surface is the essence of painting, just as pitch and rhythm are the essence of music. Color is highly subjective, but has observable psychological effects, although these can differ from one culture to the next. Black is associated with mourning in the West, but in the East, white is. Some painters, theoreticians, writers, and scientists, including Goethe,^[12] Kandinsky,^[13] and Newton,^[14] have written their own color theory.

Moreover, the use of language is only an abstraction for a color equivalent. The word «red», for example, can cover a wide range of variations from the pure red of the visible spectrum of light. There is not a formalized register of different colors in the way that there is agreement on different notes in music, such as F or C♯. For a painter, color is not simply divided into basic (primary) and derived (complementary or mixed) colors (like red, blue, green, brown, etc.).

Painters deal practically with pigments,^[15] so «blue» for a painter can be any of the blues: phthalocyanine blue, Prussian blue, indigo, Cobalt blue, ultramarine, and so on. Psychological and symbolical meanings of color are not, strictly speaking, means of painting. Colors only add to the potential, derived context of meanings, and because of this, the perception of a painting is highly subjective. The analogy with music is quite clear—sound in music (like a C note) is analogous to «light» in painting, «shades» to dynamics, and «coloration» is to painting as the specific timbre of musical instruments is to music. These elements do not necessarily form a melody (in music) of themselves; rather, they can add different contexts to it.

Non-traditional elements[edit]

Modern artists have extended the practice of painting considerably to include, as one example, collage, which began with Cubism and is not painting in the strict sense. Some modern painters incorporate different materials such as metal, plastic, sand, cement, straw, leaves or wood for their texture. Examples of this are the works of Jean Dubuffet and Anselm Kiefer. There is a growing community of artists who use computers to «paint» color onto a digital «canvas» using programs such as Adobe Photoshop, Corel Painter, and many others. These images can be printed onto traditional canvas if required.

Rhythm[edit]

Jean Metzinger’s mosaic-like Divisionist technique had its parallel in literature; a characteristic of the alliance between Symbolist writers and Neo-Impressionist artists:

I ask of divided brushwork not the objective rendering of light, but iridescences and certain aspects of color still foreign to painting. I make a kind of chromatic versification and for syllables, I use strokes which, variable in quantity, cannot differ in dimension without modifying the rhythm of a pictorial phraseology destined to translate the diverse emotions aroused by nature. (Jean Metzinger, circa 1907)^[16]

Rhythm, for artists such as Piet Mondrian,^[17][18] is important in painting as it is in music. If one defines rhythm as «a pause incorporated into a sequence», then there can be rhythm in paintings. These pauses allow creative force to intervene and add new creations—form, melody, coloration. The distribution of form or any kind of information is of crucial importance in the given work of art, and it directly affects the aesthetic value of that work. This is because the aesthetic value is functionality dependent, i.e. the freedom (of movement) of perception is perceived as beauty. Free flow of energy, in art as well as in other forms of «techne», directly contributes to the aesthetic value.^[17]

Music was important to the birth of abstract art since music is abstract by nature—it does not try to represent the exterior world, but expresses in an immediate way the inner feelings of the soul. Wassily Kandinsky often used musical terms to identify his works; he called his most spontaneous paintings «improvisations» and described more elaborate works as «compositions». Kandinsky theorized that «music is the ultimate teacher,»^[19] and subsequently embarked upon the first seven of his ten Compositions. Hearing tones and chords as he painted, Kandinsky theorized that (for example), yellow is the color of middle C on a brassy trumpet; black is the color of closure, and the end of things; and that combinations of colors produce vibrational frequencies, akin to chords played on a piano. In 1871 the young Kandinsky learned to play the piano and cello.^[20][21] Kandinsky’s stage design for a performance of Mussorgsky’s Pictures at an Exhibition illustrates his «synaesthetic» concept of a universal correspondence of forms, colors and musical sounds.^[22]

Music defines much of modernist abstract painting. Jackson Pollock underscores that interest with his 1950 painting Autumn Rhythm (Number 30).^[23]

Aesthetics and theory[edit]

Aesthetics is the study of art and beauty; it was an important issue for 18th- and 19th-century philosophers such as Kant and Hegel. Classical philosophers like Plato and Aristotle also theorized about art and painting in particular. Plato disregarded painters (as well as sculptors) in his philosophical system; he maintained that painting cannot depict the truth—it is a copy of reality (a shadow of the world of ideas) and is nothing but a craft, similar to shoemaking or iron casting.^[24] By the time of Leonardo, painting had become a closer representation of the truth than painting was in Ancient Greece. Leonardo da Vinci, on the contrary, said that «Italian: La Pittura è cosa mentale» («English: painting is a thing of the mind«).^[25] Kant distinguished between Beauty and the Sublime, in terms that clearly gave priority to the former.^{[citation needed]} Although he did not refer to painting in particular, this concept was taken up by painters such as J.M.W. Turner and Caspar David Friedrich.

Hegel recognized the failure of attaining a universal concept of beauty and, in his aesthetic essay, wrote that painting is one of the three «romantic» arts, along with Poetry and Music, for its symbolic, highly intellectual purpose.^[26][27] Painters who have written theoretical works on painting include Kandinsky and Paul Klee.^[28][29] In his essay, Kandinsky maintains that painting has a spiritual value, and he attaches primary colors to essential feelings or concepts, something that Goethe and other writers had already tried to do.

Iconography is the study of the content of paintings, rather than their style. Erwin Panofsky and other art historians first seek to understand the things depicted, before looking at their meaning for the viewer at the time, and finally analyzing their wider cultural, religious, and social meaning.^[30]

In 1890, the Parisian painter Maurice Denis famously asserted: «Remember that a painting—before being a warhorse, a naked woman or some story or other—is essentially a flat surface covered with colors assembled in a certain order.»^[31] Thus, many 20th-century developments in painting, such as Cubism, were reflections on the means of painting rather than on the external world—nature—which had previously been its core subject. Recent contributions to thinking about painting have been offered by the painter and writer Julian Bell. In his book What is Painting?, Bell discusses the development, through history, of the notion that paintings can express feelings and ideas.^[32] In Mirror of The World, Bell writes:

A work of art seeks to hold your attention and keep it fixed: a history of art urges it onwards, bulldozing a highway through the homes of the imagination.^[33]

Painting media[edit]

Different types of paint are usually identified by the medium that the pigment is suspended or embedded in, which determines the general working characteristics of the paint, such as viscosity, miscibility, solubility, drying time, etc.

Hot wax or encaustic[edit]

Encaustic painting, also known as hot wax painting, involves using heated beeswax to which colored pigments are added. The liquid/paste is then applied to a surface—usually prepared wood, though canvas and other materials are often used. The simplest encaustic mixture can be made from adding pigments to beeswax, but there are several other recipes that can be used—some containing other types of waxes, damar resin, linseed oil, or other ingredients. Pure, powdered pigments can be purchased and used, though some mixtures use oil paints or other forms of pigment. Metal tools and special brushes can be used to shape the paint before it cools, or heated metal tools can be used to manipulate the wax once it has cooled onto the surface. Other materials can be encased or collaged into the surface, or layered, using the encaustic medium to adhere it to the surface.

The technique was the normal one for ancient Greek and Roman panel paintings, and remained in use in the Eastern Orthodox icon tradition.

Watercolor[edit]

Watercolor is a painting method in which the paints are made of pigments suspended in a water-soluble vehicle. The traditional and most common support for watercolor paintings is paper; other supports include papyrus, bark papers, plastics, vellum or leather, fabric, wood and canvas. In East Asia, watercolor painting with inks is referred to as brush painting or scroll painting. In Chinese, Korean, and Japanese painting it has been the dominant medium, often in monochrome black or browns. India, Ethiopia and other countries also have long traditions. Finger-painting with watercolor paints originated in China. There are various types of watercolors used by artists. Some examples are pan watercolors, liquid watercolors, watercolor brush pens, and watercolor pencils. Watercolor pencils (water-soluble color pencils) may be used either wet or dry.

Gouache[edit]

Gouache is a water-based paint consisting of pigment and other materials designed to be used in an opaque painting method. Gouache differs from watercolor in that the particles are larger, the ratio of pigment to water is much higher, and an additional, inert, white pigment such as chalk is also present. This makes gouache heavier and more opaque, with greater reflective qualities. Like all watermedia, it is diluted with water.^[34]

Ink[edit]

Ink paintings are done with a liquid that contains pigments or dyes and is used to color a surface to produce an image, text, or design. Ink is used for drawing with a pen, brush, or quill. Ink can be a complex medium, composed of solvents, pigments, dyes, resins, lubricants, solubilizers, surfactants, particulate matter, fluorescers, and other materials. The components of inks serve many purposes; the ink’s carrier, colorants, and other additives control flow and thickness of the ink and its appearance when dry.

Enamel[edit]

Enamels are made by painting a substrate, typically metal, with powdered glass; minerals called color oxides provide coloration. After firing at a temperature of 750–850 degrees Celsius (1380–1560 degrees Fahrenheit), the result is a fused lamination of glass and metal. Unlike most painted techniques, the surface can be handled and wetted Enamels have traditionally been used for decoration of precious objects,^[35] but have also been used for other purposes. Limoges enamel was the leading centre of Renaissance enamel painting, with small religious and mythological scenes in decorated surrounds, on plaques or objects such as salts or caskets. In the 18th century, enamel painting enjoyed a vogue in Europe, especially as a medium for portrait miniatures.^[36] In the late 20th century, the technique of porcelain enamel on metal has been used as a durable medium for outdoor murals.^[37]

Tempera[edit]

Tempera, also known as egg tempera, is a permanent, fast-drying painting medium consisting of colored pigment mixed with a water-soluble binder medium (usually a glutinous material such as egg yolk or some other size). Tempera also refers to the paintings done in this medium. Tempera paintings are very long-lasting, and examples from the first centuries CE still exist. Egg tempera was a primary method of painting until after 1500 when it was superseded by the invention of oil painting. A paint commonly called tempera (though it is not) consisting of pigment and glue size is commonly used and referred to by some manufacturers in America as poster paint.

Fresco[edit]

Fresco is any of several related mural painting types, done on plaster on walls or ceilings. The word fresco comes from the Italian word affresco [afˈfresːko], which derives from the Latin word for fresh. Frescoes were often made during the Renaissance and other early time periods.
Buon fresco technique consists of painting in pigment mixed with water on a thin layer of wet, fresh lime mortar or plaster, for which the Italian word for plaster, intonaco, is used. A secco painting, in contrast, is done on dry plaster (secco is «dry» in Italian). The pigments require a binding medium, such as egg (tempera), glue or oil to attach the pigment to the wall.

Oil[edit]

Oil painting is the process of painting with pigments that are bound with a medium of drying oil, such as linseed oil, which was widely used in early modern Europe. Often the oil was boiled with a resin such as pine resin or even frankincense; these were called ‘varnishes’ and were prized for their body and gloss. Oil paint eventually became the principal medium used for creating artworks as its advantages became widely known. The transition began with Early Netherlandish painting in northern Europe, and by the height of the Renaissance oil painting techniques had almost completely replaced tempera paints in the majority of Europe.

Pastel[edit]

Pastel is a painting medium in the form of a stick, consisting of pure powdered pigment and a binder.^[38] The pigments used in pastels are the same as those used to produce all colored art media, including oil paints; the binder is of a neutral hue and low saturation. The color effect of pastels is closer to the natural dry pigments than that of any other process.^[39] Because the surface of a pastel painting is fragile and easily smudged, its preservation requires protective measures such as framing under glass; it may also be sprayed with a fixative. Nonetheless, when made with permanent pigments and properly cared for, a pastel painting may endure unchanged for centuries. Pastels are not susceptible, as are paintings made with a fluid medium, to the cracking and discoloration that result from changes in the color, opacity, or dimensions of the medium as it dries.

Acrylic[edit]

Acrylic paint is fast drying paint containing pigment suspension in acrylic polymer emulsion. Acrylic paints can be diluted with water, but become water-resistant when dry. Depending on how much the paint is diluted (with water) or modified with acrylic gels, media, or pastes, the finished acrylic painting can resemble a watercolor or an oil painting, or have its own unique characteristics not attainable with other media. The main practical difference between most acrylics and oil paints is the inherent drying time. Oils allow for more time to blend colors and apply even glazes over under-paintings. This slow drying aspect of oil can be seen as an advantage for certain techniques, but may also impede the artist’s ability to work quickly.

Spray paint[edit]

Aerosol paint (also called spray paint) is a type of paint that comes in a sealed pressurized container and is released in a fine spray mist when depressing a valve button. A form of spray painting, aerosol paint leaves a smooth, evenly coated surface. Standard sized cans are portable, inexpensive and easy to store. Aerosol primer can be applied directly to bare metal and many plastics.

Speed, portability and permanence also make aerosol paint a common graffiti medium. In the late 1970s, street graffiti writers’ signatures and murals became more elaborate and a unique style developed as a factor of the aerosol medium and the speed required for illicit work. Many now recognize graffiti and street art as a unique art form and specifically manufactured aerosol paints are made for the graffiti artist. A stencil protects a surface, except the specific shape to be painted. Stencils can be purchased as movable letters, ordered as professionally cut logos or hand-cut by artists.

Water miscible oil paint[edit]

Water miscible oil paints (also called «water soluble» or «water-mixable») is a modern variety of oil paint engineered to be thinned and cleaned up with water, rather than having to use chemicals such as turpentine. It can be mixed and applied using the same techniques as traditional oil-based paint, but while still wet it can be effectively removed from brushes, palettes, and rags with ordinary soap and water. Its water solubility comes from the use of an oil medium in which one end of the molecule has been altered to bind loosely to water molecules, as in a solution.

Digital painting[edit]

Digital painting is a method of creating an art object (painting) digitally or a technique for making digital art on the computer. As a method of creating an art object, it adapts traditional painting medium such as acrylic paint, oils, ink, watercolor, etc. and applies the pigment to traditional carriers, such as woven canvas cloth, paper, polyester, etc. by means of software driving industrial robotic or office machinery (printers). As a technique, it refers to a computer graphics software program that uses a virtual canvas and virtual painting box of brushes, colors, and other supplies. The virtual box contains many instruments that do not exist outside the computer, and which give a digital artwork a different look and feel from an artwork that is made the traditional way. Furthermore, digital painting is not ‘computer-generated’ art as the computer does not automatically create images on the screen using some mathematical calculations. On the other hand, the artist uses his own painting technique to create a particular piece of work on the computer.^[40]

Painting styles[edit]

Style is used in two senses: It can refer to the distinctive visual elements, techniques, and methods that typify an individual artist’s work. It can also refer to the movement or school that an artist is associated with. This can stem from an actual group that the artist was consciously involved with or it can be a category in which art historians have placed the painter. The word ‘style’ in the latter sense has fallen out of favor in academic discussions about contemporary painting, though it continues to be used in popular contexts. Such movements or classifications include the following:

Western[edit]

Modernism[edit]

Modernism describes both a set of cultural tendencies and an array of associated cultural movements, originally arising from wide-scale and far-reaching changes to Western society in the late 19th century and early 20th century. Modernism was a revolt against the conservative values of realism.^[41][42] The term encompasses the activities and output of those who felt the «traditional» forms of art, architecture, literature, religious faith, social organization, and daily life were becoming outdated in the new economic, social, and political conditions of an emerging fully industrialized world. A salient characteristic of modernism is self-consciousness. This often led to experiments with form, and work that draws attention to the processes and materials used (and to the further tendency of abstraction).^[43]

Impressionism[edit]

The first example of modernism in painting was impressionism, a school of painting that initially focused on work done, not in studios, but outdoors (en plein air). Impressionist paintings demonstrated that human beings do not see objects, but instead see light itself. The school gathered adherents despite internal divisions among its leading practitioners and became increasingly influential. Initially rejected from the most important commercial show of the time, the government-sponsored Paris Salon, the Impressionists organized yearly group exhibitions in commercial venues during the 1870s and 1880s, timing them to coincide with the official Salon. A significant event of 1863 was the Salon des Refusés, created by Emperor Napoleon III to display all of the paintings rejected by the Paris Salon.

Abstract styles[edit]

Abstract painting uses a visual language of form, colour and line to create a composition that may exist with a degree of independence from visual references in the world.^[44][45] Abstract expressionism was an American post-World War II art movement that combined the emotional intensity and self-denial of the German Expressionists with the anti-figurative aesthetic of the European abstract schools—such as Futurism, Bauhaus and Cubism, and the image of being rebellious, anarchic, highly idiosyncratic and, some feel, nihilistic.^[46]

Action painting, sometimes called gestural abstraction, is a style of painting in which paint is spontaneously dribbled, splashed or smeared onto the canvas, rather than being carefully applied.^[47] The resulting work often emphasizes the physical act of painting itself as an essential aspect of the finished work or concern of its artist. The style was widespread from the 1940s until the early 1960s, and is closely associated with abstract expressionism (some critics have used the terms «action painting» and «abstract expressionism» interchangeably).

Other modernist styles include:

• Color Field
• Lyrical Abstraction
• Hard-edge painting
• Pop art

Outsider art[edit]

The term outsider art was coined by art critic Roger Cardinal in 1972 as an English synonym for art brut (French: [aʁ bʁyt], «raw art» or «rough art»), a label created by French artist Jean Dubuffet to describe art created outside the boundaries of official culture; Dubuffet focused particularly on art by insane-asylum inmates.^[48] Outsider art has emerged as a successful art marketing category (an annual Outsider Art Fair has taken place in New York since 1992). The term is sometimes misapplied as a catch-all marketing label for art created by people outside the mainstream «art world,» regardless of their circumstances or the content of their work.

Photorealism[edit]

Photorealism is the genre of painting based on using the camera and photographs to gather information and then from this information, creating a painting that appears to be very realistic like a photograph. The term is primarily applied to paintings from the United States art movement that began in the late 1960s and early 1970s. As a full-fledged art movement, Photorealism evolved from Pop Art^[49][50][51] and as a counter to Abstract Expressionism.

Hyperrealism is a genre of painting and sculpture resembling a high-resolution photograph. Hyperrealism is a fully-fledged school of art and can be considered an advancement of Photorealism by the methods used to create the resulting paintings or sculptures. The term is primarily applied to an independent art movement and art style in the United States and Europe that has developed since the early 2000s.^[52]

Surrealism[edit]

Surrealism is a cultural movement that began in the early 1920s, and is best known for the artistic and literary production of those affiliated with the Surrealist Movement. Surrealist artworks feature the element of surprise, the uncanny, the unconscious, unexpected juxtapositions and non-sequitur; however, many Surrealist artists and writers regard their work as an expression of the philosophical movement first and foremost, with the works being an artifact. Leader André Breton was explicit in his assertion that Surrealism was above all a revolutionary movement.

Surrealism developed out of the Dada activities of World War I and the most important center of the movement was Paris. From the 1920s onward, the movement spread around the globe, eventually affecting the visual arts, literature, film and music of many countries, as well as political thought and practice, philosophy and social theory.

East Asian[edit]

• 

  

  Yun Bing, Album Leaf (17th century), ink and color on paper

  Chinese

  • Tang Dynasty
  • Ming Dynasty
  • Shan shui
  • Ink and wash painting
  • Hua niao
  • Southern School
    • Zhe School
    • Wu School
  • Contemporary
• Japanese
  • Yamato-e
  • Rimpa school
  • Emakimono
  • Kanō school
  • Shijō school
  • Superflat
• Korean

Southeast Asia[edit]

• Indonesian

Islamic[edit]

• Arabic miniature
• Ottoman miniature
• Persian miniature

Indian[edit]

Miniature painting[edit]

Miniature paintings were the primary form of painting in pre-colonial India. These were done on a special paper (known as wasli) using mineral and natural colours. Miniature painting is not one style but a group of several styles of schools of painting such as Mughal, Pahari, Rajasthani, Company style etc.

Mughal miniature painting is a particular style of South Asian, particularly North Indian (more specifically, modern day India and Pakistan), painting confined to miniatures either as book illustrations or as single works to be kept in albums (muraqqa). It emerged^[53] from Persian miniature painting (itself partly of Chinese origin) and developed in the court of the Mughal Empire of the 16th to 18th centuries. Mughal painting immediately took a much greater interest in realistic portraiture than was typical of Persian miniatures. Animals and plants were the main subject of many miniatures for albums, and were more realistically depicted.^[54][55][56]

Rajasthani painting evolved and flourished in the royal courts of Rajputana^[57] in northern India, mainly during the 17th century. Artists trained in the tradition of the Mughal miniature were dispersed from the

imperial Mughal court, and developed styles also drawing from local traditions of painting, especially those illustrating the Sanskrit Epics, the Mahabharata and Ramayana. Subjects varied, but portraits of the ruling family, often engaged in hunting or their daily activities, were generally popular, as were narrative scenes from the epics or Hindu mythology, as well as some genre scenes of landscapes, and humans.^[58][59][60]
Punjab Hills or Pahari painting of which Kangra, Guller, Basholi were major sub-styles. Kangra painting is the pictorial art of Kangra, named after Kangra, Himachal Pradesh, a former princely state, which patronized the art. It became prevalent with the fading of Basohli school of painting in mid-18th century.^[61][62]The focal theme of Kangra painting is Shringar (the erotic sentiment). The subjects are seen in Kangra painting exhibit the taste and the traits of the lifestyle of the society of that period.^[63] The artists adopted themes from the love poetry of Jayadeva and Keshav Das who wrote ecstatically of the love of Radha and Krishna with Bhakti being the driving force.^[64][65]

Company style is a term for a hybrid Indo-European style of paintings made in India by Indian artists, many of whom worked for European patrons in the British East India Company or other foreign Companies in the 18th and 19th centuries.^[66]Three distinct styles of Company Painting emerged in three British Power Centres- Delhi, Calcutta and Madras. The subject matter of company paintings made for western patrons was often documentary rather than imaginative, and as a consequence, the Indian artists were required to adopt a more naturalistic approach to painting than had traditionally been usual.^[67][68]

The Sikh style and Deccan style are other prominent Miniature painting styles of India.

Pichwai painting[edit]

Pichwai paintings are paintings on textile and usually depicting stories from the life of Lord Krishna. These were made in large format and often used as a backdrop to the main idol in temples or homes. Pichwai paintings were made and are still made mainly in Rajasthan, India. However very few were made in the Deccan region, but these are extremely rare.

Folk and tribal art[edit]

Pattachitra is a general term for traditional, cloth-based scroll painting, based in the eastern Indian states of Odisha and West Bengal.^[69]The Pattachitra painting tradition is closely linked with the worship of Lord Jagannath in Odisha.^[70] The subject matter of Pattachitra is limited to religious themes. Patachitra artform is known for its intricate details as well as mythological narratives and folktales inscribed in it. All colours used in the Paintings are natural and paintings are made fully old traditional way by Chitrakaras that is Odiya Painter. Pattachitra style of painting is one of the oldest and most popular art forms of Odisha. Patachitras are a component of an ancient Bengali narrative art, originally serving as a visual device during the performance of a song.^[71][72][73]

Madhubani Art is a style of Indian painting, practiced in the Mithila region of India and Nepal. The style is characterized by complex geometrical patterns, these paintings are famous for representating ritual content used for particular occasions like festivals,religious rituals etc.^[74]

Warli is another folk tribal art form from India.

Bengal School[edit]

The Bengal School^[75] was an art movement and a style of Indian painting that originated in Bengal, primarily Kolkata and Shantiniketan, and flourished throughout the Indian subcontinent, during the British Raj in the early 20th century.^[76] The Bengal school arose as an avant garde and nationalist movement reacting against the academic art styles previously promoted in India, both by Indian artists such as Raja Ravi Varma and in British art schools. The school wanted to establish a distinct Indian style which celebrated the indigenous cultural heritage.In an attempt to reject colonial aesthetics, Abanindranath Tagore also turned to China and Japan with the intent of promoting a pan-Asian aesthetic and incorporated elements from Far Eastern art, such as the Japanese wash technique.^[77][78][79]

Others[edit]

• Mysore painting is an important form of classical South Indian painting that originated in and around the town of Mysore in Karnataka encouraged and nurtured by the Mysore rulers. Mysore paintings are known for their elegance, muted colours, and attention to detail. The themes for most of these paintings are Hindu gods and goddesses and scenes from Hindu mythology.^[80][81]
• Samikshavad
• Tanjore
• Kerala mural painting

African[edit]

• Tingatinga

Contemporary art[edit]

1950s[edit] Abstract Expressionism American Figurative Expressionism Bay Area Figurative Movement Lyrical Abstraction New York Figurative Expressionism New York School

1960s[edit] Abstract expressionism American Figurative Expressionism Abstract Imagists Bay Area Figurative Movement Color field Computer art Conceptual art Fluxus Happenings Hard-edge painting Lyrical Abstraction Minimalism Neo-figurative Neo-Dada New York School Nouveau Réalisme Op Art Performance art Pop Art Postminimalism Washington Color School Kinetic art

1970s[edit] Arte Povera Ascii Art Bad Painting Body art Artist’s book Feminist art Installation art Land Art Lowbrow (art movement) Photorealism Postminimalism Process Art Video art Funk art Pattern and Decoration

1980s[edit] Appropriation art Culture jamming Demoscene Electronic art Figuration Libre Graffiti Art Live art Mail art Postmodern art Neo-conceptual art Neo-expressionism Neo-pop Sound art Transgressive art Video installation Institutional Critique NeoGeo

1990s[edit] Bio art Cyberarts Cynical Realism Digital Art Information art Internet art Massurrealism Maximalism New media art Software art New European Painting Young British Artists

2000s[edit] Digital Painting Hyperrealism Classical Realism Relational art Street art Stuckism Superflat Pseudorealism Videogame art Superstroke VJ art Virtual art

Types of painting[edit]

Allegory[edit]

Allegory is a figurative mode of representation conveying meaning other than the literal. Allegory communicates its message by means of symbolic figures, actions, or symbolic representation. Allegory is generally treated as a figure of rhetoric, but an allegory does not have to be expressed in language: it may be addressed to the eye and is often found in realistic painting. An example of a simple visual allegory is the image of the grim reaper. Viewers understand that the image of the grim reaper is a symbolic representation of death.

Bodegón[edit]

In Spanish art, a bodegón is a still life painting depicting pantry items, such as victuals, game, and drink, often arranged on a simple stone slab, and also a painting with one or more figures, but significant still life elements, typically set in a kitchen or tavern. Starting in the Baroque period, such paintings became popular in Spain in the second quarter of the 17th century. The tradition of still life painting appears to have started and was far more popular in the contemporary Low Countries, today Belgium and Netherlands (then Flemish and Dutch artists), than it ever was in southern Europe. Northern still lifes had many subgenres: the breakfast piece was augmented by the trompe-l’œil, the flower bouquet, and the vanitas. In Spain, there were much fewer patrons for this sort of thing, but a type of breakfast piece did become popular, featuring a few objects of food and tableware laid on a table.

Figure painting[edit]

A figure painting is a work of art in any of the painting media with the primary subject being the human figure, whether clothed or nude.
Figure painting may also refer to the activity of creating such a work. The human figure has been one of the contrast subjects of art since the first Stone Age cave paintings, and has been reinterpreted in various styles throughout history.^[82] Some artists well known for figure painting are Peter Paul Rubens, Edgar Degas, and Édouard Manet.

Illustration painting[edit]

Illustration paintings are those used as illustrations in books, magazines, and theater or movie posters and comic books. Today, there is a growing interest in collecting and admiring the original artwork. Various museum exhibitions, magazines, and art galleries have devoted space to the illustrators of the past. In the visual art world, illustrators have sometimes been considered less important in comparison with fine artists and graphic designers. But as the result of computer game and comic industry growth, illustrations are becoming valued as popular and profitable artworks that can acquire a wider market than the other two, especially in Korea, Japan, Hong Kong and the United States.

Landscape painting[edit]

Landscape painting is a term that covers the depiction of natural scenery such as mountains, valleys, trees, rivers, lakes, and forests, and especially art where the main subject is a wide view, with its elements arranged into a coherent composition. In other works landscape backgrounds for figures can still form an important part of the work. The sky is almost always included in the view, and weather is often an element of the composition. Detailed landscapes as a distinct subject are not found in all artistic traditions and develop when there is already a sophisticated tradition of representing other subjects. The two main traditions spring from Western painting and Chinese art, going back well over a thousand years in both cases.

Portrait painting[edit]

Portrait paintings are representations of a person, in which the face and its expression is predominant. The intent is to display the likeness, personality, and even the mood of the person. The art of the portrait flourished in Ancient Greek and especially Roman sculpture, where sitters demanded individualized and realistic portraits, even unflattering ones. One of the best-known portraits in the Western world is Leonardo da Vinci’s painting titled Mona Lisa, which is thought to be a portrait of Lisa Gherardini, the wife of Francesco del Giocondo.^[85]

Still life[edit]

A still life is a work of art depicting mostly inanimate subject matter, typically commonplace objects—which may be either natural (food, flowers, plants, rocks, or shells) or man-made (drinking glasses, books, vases, jewelry, coins, pipes, and so on). With origins in the Middle Ages and Ancient Greek/Roman art, still life paintings give the artist more leeway in the arrangement of design elements within a composition than do paintings of other types of subjects such as landscape or portraiture. Still life paintings, particularly before 1700, often contained religious and allegorical symbolism relating to the objects depicted. Some modern still life breaks the two-dimensional barrier and employs three-dimensional mixed media, and uses found objects, photography, computer graphics, as well as video and sound.

Veduta[edit]

A veduta is a highly detailed, usually large-scale painting of a cityscape or some other vista. This genre of landscape originated in Flanders, where artists such as Paul Bril painted vedute as early as the 16th century. As the itinerary of the Grand Tour became somewhat standardized, vedute of familiar scenes like the Roman Forum or the Grand Canal recalled early ventures to the Continent for aristocratic Englishmen. In the later 19th century, more personal impressions of cityscapes replaced the desire for topographical accuracy, which was satisfied instead by painted panoramas.

See also[edit]

• 20th-century Western painting
• Cobweb painting
• Drawing
• Graphic arts
• Index of painting-related articles
• List of most expensive paintings
• Outline of painting
• Painting outsourcing in China
• Visual arts
• Image

Notes[edit]

Further reading[edit]

• Howard Daniel (1971). Encyclopedia of Themes and Subjects in Painting: Mythological, Biblical, Historical, Literary, Allegorical, and Topical. New York: Harry N. Abrams Inc.
• W. Stanley Taft, Jr. and James W. Mayer (2000). The Science of Paintings. Springer-Verlag.

Painting is the practice of applying paint, pigment, color or other medium to a solid surface (called the «matrix»^{[citation needed]} or «support»).^[1] The medium is commonly applied to the base with a brush, but other implements, such as knives, sponges, and airbrushes, can be used.

In art, the term painting describes both the act and the result of the action (the final work is called «a painting»). The support for paintings includes such surfaces as walls, paper, canvas, wood, glass, lacquer, pottery, leaf, copper and concrete, and the painting may incorporate multiple other materials, including sand, clay, paper, plaster, gold leaf, and even whole objects.

Painting is an important form in the visual arts, bringing in elements such as drawing, composition, gesture (as in gestural painting), narration (as in narrative art), and abstraction (as in abstract art).^[2] Paintings can be naturalistic and representational (as in still life and landscape painting), photographic, abstract, narrative, symbolistic (as in Symbolist art), emotive (as in Expressionism) or political in nature (as in Artivism).

A portion of the history of painting in both Eastern and Western art is dominated by religious art. Examples of this kind of painting range from artwork depicting mythological figures on pottery, to Biblical scenes on the Sistine Chapel ceiling, to scenes from the life of Buddha (or other images of Eastern religious origin).

History[edit]

The oldest known paintings are approximately 40,000 years old, found in both the Franco-Cantabrian region in western Europe, and in the caves in the district of Maros (Sulawesi, Indonesia). In November 2018, however, scientists reported the discovery of the then-oldest known figurative art painting, over 40,000 (perhaps as old as 52,000) years old, of an unknown animal, in the cave of Lubang Jeriji Saléh on the Indonesian island of Borneo (Kalimantan).^[3][4] In December 2019, figurative cave paintings depicting pig hunting in the Maros-Pangkep karst in Sulawesi were estimated to be even older, at at least 43,900 years old. The finding was noted to be “the oldest pictorial record of storytelling and the earliest figurative artwork in the world”.^[5][6] More recently, in 2021, cave art of a pig found in an Indonesian island, and dated to over 45,500 years, has been reported.^[7][8] However, the earliest evidence of the act of painting has been discovered in two rock-shelters in Arnhem Land, in northern Australia. In the lowest layer of material at these sites, there are used pieces of ochre estimated to be 60,000 years old. Archaeologists have also found a fragment of rock painting preserved in a limestone rock-shelter in the Kimberley region of North-Western Australia, that is dated 40,000 years old.^[9] There are examples of cave paintings all over the world—in Indonesia, France, Spain, Portugal, Italy, China ,India, Australia, Mexico,^[10] etc. In Western cultures, oil painting and watercolor painting have rich and complex traditions in style and subject matter. In the East, ink and color ink historically predominated the choice of media, with equally rich and complex traditions.

The invention of photography had a major impact on painting. In the decades after the first photograph was produced in 1829, photographic processes improved and became more widely practiced, depriving painting of much of its historic purpose to provide an accurate record of the observable world. A series of art movements in the late 19th and early 20th centuries—notably Impressionism, Post-Impressionism, Fauvism, Expressionism, Cubism, and Dadaism—challenged the Renaissance view of the world. Eastern and African painting, however, continued a long history of stylization and did not undergo an equivalent transformation at the same time.^{[citation needed]}

Modern and Contemporary art has moved away from the historic value of craft and documentation in favour of concept. This has not deterred the majority of living painters from continuing to practice painting either as a whole or part of their work. The vitality and versatility of painting in the 21st century defy the previous «declarations» of its demise. In an epoch characterized by the idea of pluralism, there is no consensus as to a representative style of the age. Artists continue to make important works of art in a wide variety of styles and aesthetic temperaments—their merits are left to the public and the marketplace to judge.

The Feminist art movement^[11] began in the 1960s during the second wave of feminism. The movement sought to gain equal rights and equal opportunities for female artists internationally.

Elements of painting[edit]

Color and tone[edit]

Color, made up of hue, saturation, and value, dispersed over a surface is the essence of painting, just as pitch and rhythm are the essence of music. Color is highly subjective, but has observable psychological effects, although these can differ from one culture to the next. Black is associated with mourning in the West, but in the East, white is. Some painters, theoreticians, writers, and scientists, including Goethe,^[12] Kandinsky,^[13] and Newton,^[14] have written their own color theory.

Moreover, the use of language is only an abstraction for a color equivalent. The word «red», for example, can cover a wide range of variations from the pure red of the visible spectrum of light. There is not a formalized register of different colors in the way that there is agreement on different notes in music, such as F or C♯. For a painter, color is not simply divided into basic (primary) and derived (complementary or mixed) colors (like red, blue, green, brown, etc.).

Painters deal practically with pigments,^[15] so «blue» for a painter can be any of the blues: phthalocyanine blue, Prussian blue, indigo, Cobalt blue, ultramarine, and so on. Psychological and symbolical meanings of color are not, strictly speaking, means of painting. Colors only add to the potential, derived context of meanings, and because of this, the perception of a painting is highly subjective. The analogy with music is quite clear—sound in music (like a C note) is analogous to «light» in painting, «shades» to dynamics, and «coloration» is to painting as the specific timbre of musical instruments is to music. These elements do not necessarily form a melody (in music) of themselves; rather, they can add different contexts to it.

Non-traditional elements[edit]

Modern artists have extended the practice of painting considerably to include, as one example, collage, which began with Cubism and is not painting in the strict sense. Some modern painters incorporate different materials such as metal, plastic, sand, cement, straw, leaves or wood for their texture. Examples of this are the works of Jean Dubuffet and Anselm Kiefer. There is a growing community of artists who use computers to «paint» color onto a digital «canvas» using programs such as Adobe Photoshop, Corel Painter, and many others. These images can be printed onto traditional canvas if required.

Rhythm[edit]

Jean Metzinger’s mosaic-like Divisionist technique had its parallel in literature; a characteristic of the alliance between Symbolist writers and Neo-Impressionist artists:

I ask of divided brushwork not the objective rendering of light, but iridescences and certain aspects of color still foreign to painting. I make a kind of chromatic versification and for syllables, I use strokes which, variable in quantity, cannot differ in dimension without modifying the rhythm of a pictorial phraseology destined to translate the diverse emotions aroused by nature. (Jean Metzinger, circa 1907)^[16]

Rhythm, for artists such as Piet Mondrian,^[17][18] is important in painting as it is in music. If one defines rhythm as «a pause incorporated into a sequence», then there can be rhythm in paintings. These pauses allow creative force to intervene and add new creations—form, melody, coloration. The distribution of form or any kind of information is of crucial importance in the given work of art, and it directly affects the aesthetic value of that work. This is because the aesthetic value is functionality dependent, i.e. the freedom (of movement) of perception is perceived as beauty. Free flow of energy, in art as well as in other forms of «techne», directly contributes to the aesthetic value.^[17]

Music was important to the birth of abstract art since music is abstract by nature—it does not try to represent the exterior world, but expresses in an immediate way the inner feelings of the soul. Wassily Kandinsky often used musical terms to identify his works; he called his most spontaneous paintings «improvisations» and described more elaborate works as «compositions». Kandinsky theorized that «music is the ultimate teacher,»^[19] and subsequently embarked upon the first seven of his ten Compositions. Hearing tones and chords as he painted, Kandinsky theorized that (for example), yellow is the color of middle C on a brassy trumpet; black is the color of closure, and the end of things; and that combinations of colors produce vibrational frequencies, akin to chords played on a piano. In 1871 the young Kandinsky learned to play the piano and cello.^[20][21] Kandinsky’s stage design for a performance of Mussorgsky’s Pictures at an Exhibition illustrates his «synaesthetic» concept of a universal correspondence of forms, colors and musical sounds.^[22]

Music defines much of modernist abstract painting. Jackson Pollock underscores that interest with his 1950 painting Autumn Rhythm (Number 30).^[23]

Aesthetics and theory[edit]

Aesthetics is the study of art and beauty; it was an important issue for 18th- and 19th-century philosophers such as Kant and Hegel. Classical philosophers like Plato and Aristotle also theorized about art and painting in particular. Plato disregarded painters (as well as sculptors) in his philosophical system; he maintained that painting cannot depict the truth—it is a copy of reality (a shadow of the world of ideas) and is nothing but a craft, similar to shoemaking or iron casting.^[24] By the time of Leonardo, painting had become a closer representation of the truth than painting was in Ancient Greece. Leonardo da Vinci, on the contrary, said that «Italian: La Pittura è cosa mentale» («English: painting is a thing of the mind«).^[25] Kant distinguished between Beauty and the Sublime, in terms that clearly gave priority to the former.^{[citation needed]} Although he did not refer to painting in particular, this concept was taken up by painters such as J.M.W. Turner and Caspar David Friedrich.

Hegel recognized the failure of attaining a universal concept of beauty and, in his aesthetic essay, wrote that painting is one of the three «romantic» arts, along with Poetry and Music, for its symbolic, highly intellectual purpose.^[26][27] Painters who have written theoretical works on painting include Kandinsky and Paul Klee.^[28][29] In his essay, Kandinsky maintains that painting has a spiritual value, and he attaches primary colors to essential feelings or concepts, something that Goethe and other writers had already tried to do.

Iconography is the study of the content of paintings, rather than their style. Erwin Panofsky and other art historians first seek to understand the things depicted, before looking at their meaning for the viewer at the time, and finally analyzing their wider cultural, religious, and social meaning.^[30]

In 1890, the Parisian painter Maurice Denis famously asserted: «Remember that a painting—before being a warhorse, a naked woman or some story or other—is essentially a flat surface covered with colors assembled in a certain order.»^[31] Thus, many 20th-century developments in painting, such as Cubism, were reflections on the means of painting rather than on the external world—nature—which had previously been its core subject. Recent contributions to thinking about painting have been offered by the painter and writer Julian Bell. In his book What is Painting?, Bell discusses the development, through history, of the notion that paintings can express feelings and ideas.^[32] In Mirror of The World, Bell writes:

A work of art seeks to hold your attention and keep it fixed: a history of art urges it onwards, bulldozing a highway through the homes of the imagination.^[33]

Painting media[edit]

Different types of paint are usually identified by the medium that the pigment is suspended or embedded in, which determines the general working characteristics of the paint, such as viscosity, miscibility, solubility, drying time, etc.

Hot wax or encaustic[edit]

Encaustic painting, also known as hot wax painting, involves using heated beeswax to which colored pigments are added. The liquid/paste is then applied to a surface—usually prepared wood, though canvas and other materials are often used. The simplest encaustic mixture can be made from adding pigments to beeswax, but there are several other recipes that can be used—some containing other types of waxes, damar resin, linseed oil, or other ingredients. Pure, powdered pigments can be purchased and used, though some mixtures use oil paints or other forms of pigment. Metal tools and special brushes can be used to shape the paint before it cools, or heated metal tools can be used to manipulate the wax once it has cooled onto the surface. Other materials can be encased or collaged into the surface, or layered, using the encaustic medium to adhere it to the surface.

The technique was the normal one for ancient Greek and Roman panel paintings, and remained in use in the Eastern Orthodox icon tradition.

Watercolor[edit]

Watercolor is a painting method in which the paints are made of pigments suspended in a water-soluble vehicle. The traditional and most common support for watercolor paintings is paper; other supports include papyrus, bark papers, plastics, vellum or leather, fabric, wood and canvas. In East Asia, watercolor painting with inks is referred to as brush painting or scroll painting. In Chinese, Korean, and Japanese painting it has been the dominant medium, often in monochrome black or browns. India, Ethiopia and other countries also have long traditions. Finger-painting with watercolor paints originated in China. There are various types of watercolors used by artists. Some examples are pan watercolors, liquid watercolors, watercolor brush pens, and watercolor pencils. Watercolor pencils (water-soluble color pencils) may be used either wet or dry.

Gouache[edit]

Gouache is a water-based paint consisting of pigment and other materials designed to be used in an opaque painting method. Gouache differs from watercolor in that the particles are larger, the ratio of pigment to water is much higher, and an additional, inert, white pigment such as chalk is also present. This makes gouache heavier and more opaque, with greater reflective qualities. Like all watermedia, it is diluted with water.^[34]

Ink[edit]

Ink paintings are done with a liquid that contains pigments or dyes and is used to color a surface to produce an image, text, or design. Ink is used for drawing with a pen, brush, or quill. Ink can be a complex medium, composed of solvents, pigments, dyes, resins, lubricants, solubilizers, surfactants, particulate matter, fluorescers, and other materials. The components of inks serve many purposes; the ink’s carrier, colorants, and other additives control flow and thickness of the ink and its appearance when dry.

Enamel[edit]

Enamels are made by painting a substrate, typically metal, with powdered glass; minerals called color oxides provide coloration. After firing at a temperature of 750–850 degrees Celsius (1380–1560 degrees Fahrenheit), the result is a fused lamination of glass and metal. Unlike most painted techniques, the surface can be handled and wetted Enamels have traditionally been used for decoration of precious objects,^[35] but have also been used for other purposes. Limoges enamel was the leading centre of Renaissance enamel painting, with small religious and mythological scenes in decorated surrounds, on plaques or objects such as salts or caskets. In the 18th century, enamel painting enjoyed a vogue in Europe, especially as a medium for portrait miniatures.^[36] In the late 20th century, the technique of porcelain enamel on metal has been used as a durable medium for outdoor murals.^[37]

Tempera[edit]

Tempera, also known as egg tempera, is a permanent, fast-drying painting medium consisting of colored pigment mixed with a water-soluble binder medium (usually a glutinous material such as egg yolk or some other size). Tempera also refers to the paintings done in this medium. Tempera paintings are very long-lasting, and examples from the first centuries CE still exist. Egg tempera was a primary method of painting until after 1500 when it was superseded by the invention of oil painting. A paint commonly called tempera (though it is not) consisting of pigment and glue size is commonly used and referred to by some manufacturers in America as poster paint.

Fresco[edit]

Fresco is any of several related mural painting types, done on plaster on walls or ceilings. The word fresco comes from the Italian word affresco [afˈfresːko], which derives from the Latin word for fresh. Frescoes were often made during the Renaissance and other early time periods.
Buon fresco technique consists of painting in pigment mixed with water on a thin layer of wet, fresh lime mortar or plaster, for which the Italian word for plaster, intonaco, is used. A secco painting, in contrast, is done on dry plaster (secco is «dry» in Italian). The pigments require a binding medium, such as egg (tempera), glue or oil to attach the pigment to the wall.

Oil[edit]

Oil painting is the process of painting with pigments that are bound with a medium of drying oil, such as linseed oil, which was widely used in early modern Europe. Often the oil was boiled with a resin such as pine resin or even frankincense; these were called ‘varnishes’ and were prized for their body and gloss. Oil paint eventually became the principal medium used for creating artworks as its advantages became widely known. The transition began with Early Netherlandish painting in northern Europe, and by the height of the Renaissance oil painting techniques had almost completely replaced tempera paints in the majority of Europe.

Pastel[edit]

Pastel is a painting medium in the form of a stick, consisting of pure powdered pigment and a binder.^[38] The pigments used in pastels are the same as those used to produce all colored art media, including oil paints; the binder is of a neutral hue and low saturation. The color effect of pastels is closer to the natural dry pigments than that of any other process.^[39] Because the surface of a pastel painting is fragile and easily smudged, its preservation requires protective measures such as framing under glass; it may also be sprayed with a fixative. Nonetheless, when made with permanent pigments and properly cared for, a pastel painting may endure unchanged for centuries. Pastels are not susceptible, as are paintings made with a fluid medium, to the cracking and discoloration that result from changes in the color, opacity, or dimensions of the medium as it dries.

Acrylic[edit]

Acrylic paint is fast drying paint containing pigment suspension in acrylic polymer emulsion. Acrylic paints can be diluted with water, but become water-resistant when dry. Depending on how much the paint is diluted (with water) or modified with acrylic gels, media, or pastes, the finished acrylic painting can resemble a watercolor or an oil painting, or have its own unique characteristics not attainable with other media. The main practical difference between most acrylics and oil paints is the inherent drying time. Oils allow for more time to blend colors and apply even glazes over under-paintings. This slow drying aspect of oil can be seen as an advantage for certain techniques, but may also impede the artist’s ability to work quickly.

Spray paint[edit]

Aerosol paint (also called spray paint) is a type of paint that comes in a sealed pressurized container and is released in a fine spray mist when depressing a valve button. A form of spray painting, aerosol paint leaves a smooth, evenly coated surface. Standard sized cans are portable, inexpensive and easy to store. Aerosol primer can be applied directly to bare metal and many plastics.

Speed, portability and permanence also make aerosol paint a common graffiti medium. In the late 1970s, street graffiti writers’ signatures and murals became more elaborate and a unique style developed as a factor of the aerosol medium and the speed required for illicit work. Many now recognize graffiti and street art as a unique art form and specifically manufactured aerosol paints are made for the graffiti artist. A stencil protects a surface, except the specific shape to be painted. Stencils can be purchased as movable letters, ordered as professionally cut logos or hand-cut by artists.

Water miscible oil paint[edit]

Water miscible oil paints (also called «water soluble» or «water-mixable») is a modern variety of oil paint engineered to be thinned and cleaned up with water, rather than having to use chemicals such as turpentine. It can be mixed and applied using the same techniques as traditional oil-based paint, but while still wet it can be effectively removed from brushes, palettes, and rags with ordinary soap and water. Its water solubility comes from the use of an oil medium in which one end of the molecule has been altered to bind loosely to water molecules, as in a solution.

Digital painting[edit]

Digital painting is a method of creating an art object (painting) digitally or a technique for making digital art on the computer. As a method of creating an art object, it adapts traditional painting medium such as acrylic paint, oils, ink, watercolor, etc. and applies the pigment to traditional carriers, such as woven canvas cloth, paper, polyester, etc. by means of software driving industrial robotic or office machinery (printers). As a technique, it refers to a computer graphics software program that uses a virtual canvas and virtual painting box of brushes, colors, and other supplies. The virtual box contains many instruments that do not exist outside the computer, and which give a digital artwork a different look and feel from an artwork that is made the traditional way. Furthermore, digital painting is not ‘computer-generated’ art as the computer does not automatically create images on the screen using some mathematical calculations. On the other hand, the artist uses his own painting technique to create a particular piece of work on the computer.^[40]

Painting styles[edit]

Style is used in two senses: It can refer to the distinctive visual elements, techniques, and methods that typify an individual artist’s work. It can also refer to the movement or school that an artist is associated with. This can stem from an actual group that the artist was consciously involved with or it can be a category in which art historians have placed the painter. The word ‘style’ in the latter sense has fallen out of favor in academic discussions about contemporary painting, though it continues to be used in popular contexts. Such movements or classifications include the following:

Western[edit]

Modernism[edit]

Modernism describes both a set of cultural tendencies and an array of associated cultural movements, originally arising from wide-scale and far-reaching changes to Western society in the late 19th century and early 20th century. Modernism was a revolt against the conservative values of realism.^[41][42] The term encompasses the activities and output of those who felt the «traditional» forms of art, architecture, literature, religious faith, social organization, and daily life were becoming outdated in the new economic, social, and political conditions of an emerging fully industrialized world. A salient characteristic of modernism is self-consciousness. This often led to experiments with form, and work that draws attention to the processes and materials used (and to the further tendency of abstraction).^[43]

Impressionism[edit]

The first example of modernism in painting was impressionism, a school of painting that initially focused on work done, not in studios, but outdoors (en plein air). Impressionist paintings demonstrated that human beings do not see objects, but instead see light itself. The school gathered adherents despite internal divisions among its leading practitioners and became increasingly influential. Initially rejected from the most important commercial show of the time, the government-sponsored Paris Salon, the Impressionists organized yearly group exhibitions in commercial venues during the 1870s and 1880s, timing them to coincide with the official Salon. A significant event of 1863 was the Salon des Refusés, created by Emperor Napoleon III to display all of the paintings rejected by the Paris Salon.

Abstract styles[edit]

Abstract painting uses a visual language of form, colour and line to create a composition that may exist with a degree of independence from visual references in the world.^[44][45] Abstract expressionism was an American post-World War II art movement that combined the emotional intensity and self-denial of the German Expressionists with the anti-figurative aesthetic of the European abstract schools—such as Futurism, Bauhaus and Cubism, and the image of being rebellious, anarchic, highly idiosyncratic and, some feel, nihilistic.^[46]

Action painting, sometimes called gestural abstraction, is a style of painting in which paint is spontaneously dribbled, splashed or smeared onto the canvas, rather than being carefully applied.^[47] The resulting work often emphasizes the physical act of painting itself as an essential aspect of the finished work or concern of its artist. The style was widespread from the 1940s until the early 1960s, and is closely associated with abstract expressionism (some critics have used the terms «action painting» and «abstract expressionism» interchangeably).

Other modernist styles include:

• Color Field
• Lyrical Abstraction
• Hard-edge painting
• Pop art

Outsider art[edit]

The term outsider art was coined by art critic Roger Cardinal in 1972 as an English synonym for art brut (French: [aʁ bʁyt], «raw art» or «rough art»), a label created by French artist Jean Dubuffet to describe art created outside the boundaries of official culture; Dubuffet focused particularly on art by insane-asylum inmates.^[48] Outsider art has emerged as a successful art marketing category (an annual Outsider Art Fair has taken place in New York since 1992). The term is sometimes misapplied as a catch-all marketing label for art created by people outside the mainstream «art world,» regardless of their circumstances or the content of their work.

Photorealism[edit]

Photorealism is the genre of painting based on using the camera and photographs to gather information and then from this information, creating a painting that appears to be very realistic like a photograph. The term is primarily applied to paintings from the United States art movement that began in the late 1960s and early 1970s. As a full-fledged art movement, Photorealism evolved from Pop Art^[49][50][51] and as a counter to Abstract Expressionism.

Hyperrealism is a genre of painting and sculpture resembling a high-resolution photograph. Hyperrealism is a fully-fledged school of art and can be considered an advancement of Photorealism by the methods used to create the resulting paintings or sculptures. The term is primarily applied to an independent art movement and art style in the United States and Europe that has developed since the early 2000s.^[52]

Surrealism[edit]

Surrealism is a cultural movement that began in the early 1920s, and is best known for the artistic and literary production of those affiliated with the Surrealist Movement. Surrealist artworks feature the element of surprise, the uncanny, the unconscious, unexpected juxtapositions and non-sequitur; however, many Surrealist artists and writers regard their work as an expression of the philosophical movement first and foremost, with the works being an artifact. Leader André Breton was explicit in his assertion that Surrealism was above all a revolutionary movement.

Surrealism developed out of the Dada activities of World War I and the most important center of the movement was Paris. From the 1920s onward, the movement spread around the globe, eventually affecting the visual arts, literature, film and music of many countries, as well as political thought and practice, philosophy and social theory.

East Asian[edit]

• 

  

  Yun Bing, Album Leaf (17th century), ink and color on paper

  Chinese

  • Tang Dynasty
  • Ming Dynasty
  • Shan shui
  • Ink and wash painting
  • Hua niao
  • Southern School
    • Zhe School
    • Wu School
  • Contemporary
• Japanese
  • Yamato-e
  • Rimpa school
  • Emakimono
  • Kanō school
  • Shijō school
  • Superflat
• Korean

Southeast Asia[edit]

• Indonesian

Islamic[edit]

• Arabic miniature
• Ottoman miniature
• Persian miniature

Indian[edit]

Miniature painting[edit]

Miniature paintings were the primary form of painting in pre-colonial India. These were done on a special paper (known as wasli) using mineral and natural colours. Miniature painting is not one style but a group of several styles of schools of painting such as Mughal, Pahari, Rajasthani, Company style etc.

Mughal miniature painting is a particular style of South Asian, particularly North Indian (more specifically, modern day India and Pakistan), painting confined to miniatures either as book illustrations or as single works to be kept in albums (muraqqa). It emerged^[53] from Persian miniature painting (itself partly of Chinese origin) and developed in the court of the Mughal Empire of the 16th to 18th centuries. Mughal painting immediately took a much greater interest in realistic portraiture than was typical of Persian miniatures. Animals and plants were the main subject of many miniatures for albums, and were more realistically depicted.^[54][55][56]

Rajasthani painting evolved and flourished in the royal courts of Rajputana^[57] in northern India, mainly during the 17th century. Artists trained in the tradition of the Mughal miniature were dispersed from the

imperial Mughal court, and developed styles also drawing from local traditions of painting, especially those illustrating the Sanskrit Epics, the Mahabharata and Ramayana. Subjects varied, but portraits of the ruling family, often engaged in hunting or their daily activities, were generally popular, as were narrative scenes from the epics or Hindu mythology, as well as some genre scenes of landscapes, and humans.^[58][59][60]
Punjab Hills or Pahari painting of which Kangra, Guller, Basholi were major sub-styles. Kangra painting is the pictorial art of Kangra, named after Kangra, Himachal Pradesh, a former princely state, which patronized the art. It became prevalent with the fading of Basohli school of painting in mid-18th century.^[61][62]The focal theme of Kangra painting is Shringar (the erotic sentiment). The subjects are seen in Kangra painting exhibit the taste and the traits of the lifestyle of the society of that period.^[63] The artists adopted themes from the love poetry of Jayadeva and Keshav Das who wrote ecstatically of the love of Radha and Krishna with Bhakti being the driving force.^[64][65]

Company style is a term for a hybrid Indo-European style of paintings made in India by Indian artists, many of whom worked for European patrons in the British East India Company or other foreign Companies in the 18th and 19th centuries.^[66]Three distinct styles of Company Painting emerged in three British Power Centres- Delhi, Calcutta and Madras. The subject matter of company paintings made for western patrons was often documentary rather than imaginative, and as a consequence, the Indian artists were required to adopt a more naturalistic approach to painting than had traditionally been usual.^[67][68]

The Sikh style and Deccan style are other prominent Miniature painting styles of India.

Pichwai painting[edit]

Pichwai paintings are paintings on textile and usually depicting stories from the life of Lord Krishna. These were made in large format and often used as a backdrop to the main idol in temples or homes. Pichwai paintings were made and are still made mainly in Rajasthan, India. However very few were made in the Deccan region, but these are extremely rare.

Folk and tribal art[edit]

Pattachitra is a general term for traditional, cloth-based scroll painting, based in the eastern Indian states of Odisha and West Bengal.^[69]The Pattachitra painting tradition is closely linked with the worship of Lord Jagannath in Odisha.^[70] The subject matter of Pattachitra is limited to religious themes. Patachitra artform is known for its intricate details as well as mythological narratives and folktales inscribed in it. All colours used in the Paintings are natural and paintings are made fully old traditional way by Chitrakaras that is Odiya Painter. Pattachitra style of painting is one of the oldest and most popular art forms of Odisha. Patachitras are a component of an ancient Bengali narrative art, originally serving as a visual device during the performance of a song.^[71][72][73]

Madhubani Art is a style of Indian painting, practiced in the Mithila region of India and Nepal. The style is characterized by complex geometrical patterns, these paintings are famous for representating ritual content used for particular occasions like festivals,religious rituals etc.^[74]

Warli is another folk tribal art form from India.

Bengal School[edit]

The Bengal School^[75] was an art movement and a style of Indian painting that originated in Bengal, primarily Kolkata and Shantiniketan, and flourished throughout the Indian subcontinent, during the British Raj in the early 20th century.^[76] The Bengal school arose as an avant garde and nationalist movement reacting against the academic art styles previously promoted in India, both by Indian artists such as Raja Ravi Varma and in British art schools. The school wanted to establish a distinct Indian style which celebrated the indigenous cultural heritage.In an attempt to reject colonial aesthetics, Abanindranath Tagore also turned to China and Japan with the intent of promoting a pan-Asian aesthetic and incorporated elements from Far Eastern art, such as the Japanese wash technique.^[77][78][79]

Others[edit]

• Mysore painting is an important form of classical South Indian painting that originated in and around the town of Mysore in Karnataka encouraged and nurtured by the Mysore rulers. Mysore paintings are known for their elegance, muted colours, and attention to detail. The themes for most of these paintings are Hindu gods and goddesses and scenes from Hindu mythology.^[80][81]
• Samikshavad
• Tanjore
• Kerala mural painting

African[edit]

• Tingatinga

Contemporary art[edit]

1950s[edit] Abstract Expressionism American Figurative Expressionism Bay Area Figurative Movement Lyrical Abstraction New York Figurative Expressionism New York School

1960s[edit] Abstract expressionism American Figurative Expressionism Abstract Imagists Bay Area Figurative Movement Color field Computer art Conceptual art Fluxus Happenings Hard-edge painting Lyrical Abstraction Minimalism Neo-figurative Neo-Dada New York School Nouveau Réalisme Op Art Performance art Pop Art Postminimalism Washington Color School Kinetic art

1970s[edit] Arte Povera Ascii Art Bad Painting Body art Artist’s book Feminist art Installation art Land Art Lowbrow (art movement) Photorealism Postminimalism Process Art Video art Funk art Pattern and Decoration

1980s[edit] Appropriation art Culture jamming Demoscene Electronic art Figuration Libre Graffiti Art Live art Mail art Postmodern art Neo-conceptual art Neo-expressionism Neo-pop Sound art Transgressive art Video installation Institutional Critique NeoGeo

1990s[edit] Bio art Cyberarts Cynical Realism Digital Art Information art Internet art Massurrealism Maximalism New media art Software art New European Painting Young British Artists

2000s[edit] Digital Painting Hyperrealism Classical Realism Relational art Street art Stuckism Superflat Pseudorealism Videogame art Superstroke VJ art Virtual art

Types of painting[edit]

Allegory[edit]

Allegory is a figurative mode of representation conveying meaning other than the literal. Allegory communicates its message by means of symbolic figures, actions, or symbolic representation. Allegory is generally treated as a figure of rhetoric, but an allegory does not have to be expressed in language: it may be addressed to the eye and is often found in realistic painting. An example of a simple visual allegory is the image of the grim reaper. Viewers understand that the image of the grim reaper is a symbolic representation of death.

Bodegón[edit]

In Spanish art, a bodegón is a still life painting depicting pantry items, such as victuals, game, and drink, often arranged on a simple stone slab, and also a painting with one or more figures, but significant still life elements, typically set in a kitchen or tavern. Starting in the Baroque period, such paintings became popular in Spain in the second quarter of the 17th century. The tradition of still life painting appears to have started and was far more popular in the contemporary Low Countries, today Belgium and Netherlands (then Flemish and Dutch artists), than it ever was in southern Europe. Northern still lifes had many subgenres: the breakfast piece was augmented by the trompe-l’œil, the flower bouquet, and the vanitas. In Spain, there were much fewer patrons for this sort of thing, but a type of breakfast piece did become popular, featuring a few objects of food and tableware laid on a table.

Figure painting[edit]

A figure painting is a work of art in any of the painting media with the primary subject being the human figure, whether clothed or nude.
Figure painting may also refer to the activity of creating such a work. The human figure has been one of the contrast subjects of art since the first Stone Age cave paintings, and has been reinterpreted in various styles throughout history.^[82] Some artists well known for figure painting are Peter Paul Rubens, Edgar Degas, and Édouard Manet.

Illustration painting[edit]

Illustration paintings are those used as illustrations in books, magazines, and theater or movie posters and comic books. Today, there is a growing interest in collecting and admiring the original artwork. Various museum exhibitions, magazines, and art galleries have devoted space to the illustrators of the past. In the visual art world, illustrators have sometimes been considered less important in comparison with fine artists and graphic designers. But as the result of computer game and comic industry growth, illustrations are becoming valued as popular and profitable artworks that can acquire a wider market than the other two, especially in Korea, Japan, Hong Kong and the United States.

Landscape painting[edit]

Landscape painting is a term that covers the depiction of natural scenery such as mountains, valleys, trees, rivers, lakes, and forests, and especially art where the main subject is a wide view, with its elements arranged into a coherent composition. In other works landscape backgrounds for figures can still form an important part of the work. The sky is almost always included in the view, and weather is often an element of the composition. Detailed landscapes as a distinct subject are not found in all artistic traditions and develop when there is already a sophisticated tradition of representing other subjects. The two main traditions spring from Western painting and Chinese art, going back well over a thousand years in both cases.

Portrait painting[edit]

Portrait paintings are representations of a person, in which the face and its expression is predominant. The intent is to display the likeness, personality, and even the mood of the person. The art of the portrait flourished in Ancient Greek and especially Roman sculpture, where sitters demanded individualized and realistic portraits, even unflattering ones. One of the best-known portraits in the Western world is Leonardo da Vinci’s painting titled Mona Lisa, which is thought to be a portrait of Lisa Gherardini, the wife of Francesco del Giocondo.^[85]

Still life[edit]

A still life is a work of art depicting mostly inanimate subject matter, typically commonplace objects—which may be either natural (food, flowers, plants, rocks, or shells) or man-made (drinking glasses, books, vases, jewelry, coins, pipes, and so on). With origins in the Middle Ages and Ancient Greek/Roman art, still life paintings give the artist more leeway in the arrangement of design elements within a composition than do paintings of other types of subjects such as landscape or portraiture. Still life paintings, particularly before 1700, often contained religious and allegorical symbolism relating to the objects depicted. Some modern still life breaks the two-dimensional barrier and employs three-dimensional mixed media, and uses found objects, photography, computer graphics, as well as video and sound.

Veduta[edit]

A veduta is a highly detailed, usually large-scale painting of a cityscape or some other vista. This genre of landscape originated in Flanders, where artists such as Paul Bril painted vedute as early as the 16th century. As the itinerary of the Grand Tour became somewhat standardized, vedute of familiar scenes like the Roman Forum or the Grand Canal recalled early ventures to the Continent for aristocratic Englishmen. In the later 19th century, more personal impressions of cityscapes replaced the desire for topographical accuracy, which was satisfied instead by painted panoramas.

See also[edit]

• 20th-century Western painting
• Cobweb painting
• Drawing
• Graphic arts
• Index of painting-related articles
• List of most expensive paintings
• Outline of painting
• Painting outsourcing in China
• Visual arts
• Image

Notes[edit]

Further reading[edit]

• Howard Daniel (1971). Encyclopedia of Themes and Subjects in Painting: Mythological, Biblical, Historical, Literary, Allegorical, and Topical. New York: Harry N. Abrams Inc.
• W. Stanley Taft, Jr. and James W. Mayer (2000). The Science of Paintings. Springer-Verlag.