Русская опера в хх веке
В русской музыке
начала XX века существенно меняется
соотношение различных жанров. Опера,
бывшая в центре внимания большинства
русских композиторов второй половины
XIX века, утрачивает свое главенствующее
значение. Последние оперы Н.А.
Римского-Корсакова завершили период
русской оперной классики.
На рубеже двух
столетий из молодых композиторов интерес
к опере проявили лишь С.И. Танеев
(“Орестея”, 1889) и С.В. Рахманинов (“Алеко”,
1892; “Скупой рыцарь”, 1904 и “Франческа
да Римини”). Но и в их творчестве опера
осталась лишь эпизодическим явлением.
В период между
двумя революциями (1907-1917) среди русских
композиторов стал особенно выделяться
молодой С.С. Прокофьев. Своими первыми
операми — “Игрок” (1916, по роману Ф.М.
Достоевского), “Любовь к трем
апельсинам”(1921, по К. Гоцци) он доказал
ложность суждений об опере как отмирающем
жанре. После революции С. Прокофьев
длительное время жил за границей.
В советской России
эстафету развития оперного жанра принял
Д.Д. Шостакович. Новаторскими, как по
музыкальному языку, так и по драматургии,
стали его оперы “Нос” (1929) и “Леди
Макбет Мценского уезда” (1932), названная
в новой редакции “Катерина Измайлова”.
Оперы неравноценны по своему значению.
Если первая опера во многом еще
экспериментальная, то вторую можно
справедливо поставить в один ряд с
великими созданиями русской оперной
классики. В этой опере Д. Шостакович
творчески развивает традиции М.
Мусоргского. В свое время эта опера была
несправедливо обвинена в формализме
(статья в газете “Правда” “Сумбур
вместо музыки”) и снята почти на 20 лет
со сцены. Власти полагали, что вся музыка,
независимо от жанра, должна быть понятной
простому народу.
Упрощенное
толкование лозунга “Искусство принадлежит
народу” проявилось в появлении на
советской оперной сцене того времени
так называемых “песенных
опер”. Основу
их музыки составляли интонации народных
и советских массовых песен. Таковы оперы
Н. Дзержинского “Тихий Дон” (1935) и опера
“В бурю” композитора Т. Хренникова.
Упрощенный подход к жанру, отказ от
разнообразия и богатства
интонационно-выразительных средств,
накопленных веками, привели к тому, что
песенные оперы обнаружили свою
ограниченность, примитивизм и быстро
сошли со сцены.
Большими
художественными достоинствами обладает
опера вернувшегося в 1933 году в Россию
С. Прокофьева “Семен Котко” (1940),
повествующая о событиях немецкой
интервенции на Украине в период
гражданской войны. Либретто оперы
написано по повести В. Катаева “Я — сын
трудового народа”.
В период Великой
Отечественной войны особое звучание
приобрели оперы, написанные на
национально-патриотическую тему. Не
прошел мимо этой темы и С.С. Прокофьев.
В 1943 году им написана большая опера
(исполнялась в два вечера) “Война и мир”
по роману Л.Н. Толстого. Основной
композиционный принцип оперы состоит
в чередовании монументальных массовых
сцен с эпизодами интимно-лирического
плана.
В послевоенный
период появляются еще две значительные
оперы на военную тематику — “Семья
Тараса” Д. Кабалевского и “Повесть о
настоящем человеке” С. Прокофьева.
В 60-е годы большой
вклад в развитие оперного жанра внес
Р.К. Щедрин. В 1961 году он написал лирическую
оперу “Не только любовь”, посвященную
проблемам личных отношений, труда и
быта в условиях послевоенной советской
деревни. Для характеристики персонажей
оперы и ситуаций, в которые они попадают,
композитор тонко использует различные
типы частушечных напевов и народных
инструментальных наигрышей.
Перу
этого же композитора принадлежит еще
одна опера — “Мертвые души”, написанная
по мотивам повести Н.В. Гоголя. Музыку
этой оперы отличают яркая характеристичность
и новизна.
В
60-70-е годы в России был создан целый ряд
опер на историческую тему. Среди них
особо выделяется новизной и своеобразием
драматургического решения опера А.
Петрова “Петр I” (1975).
Одной из ведущих
тенденций в оперном искусстве этого
периода является повышенный интерес
композиторов к жанру камерной
оперы,
написанной для небольшого количества
действующих лиц, и к жанру монооперы,
в которой все происходящие события
показаны через призму индивидуального
сознания одного персонажа. Такие
монооперы сочиняли Ю. Буцко (“Записки
сумасшедшего”, 1967; “Белые ночи”, 1970) и
А. Холминов (“Шинель”, 1971). Интересно
отметить, что все эти монооперы написаны
на сюжеты Ф.М. Достоевского.
Соседние файлы в предмете [НЕСОРТИРОВАННОЕ]
- #
- #
- #
- #
- #
- #
- #
Россия богата на таланты. Практически во всех видах искусств можно встретить имена наших соотечественников, которые известны по всему миру. Первые русские композиторы классической музыки начали творить в XIX веке, и родоначальником среди них стал Глинка Михаил Иванович. С него мы и начнем наш обзор.
Глинка Михаил Иванович (20.05 (01.06) 1804 – 03 (15).02.1857)
Михаил Глинка был потомком польских шляхтичей. Его прадед Викторин Владислав Глинка после того как Речь Посполитая лишилась города Смоленска (в 1654 г.), принял православие и перешел под российское подданство, сохранив при этом свои земли и все дворянские привилегии. Отцом композитора был капитан в отставке Иван Николаевич Глинка, матерью – Евгения Андреевна Глинка-Земелька. Большое влияние на будущего композитора оказала его бабушка, Фекла Андреевна (мать отца), которая взяла на себя воспитания мальчика до 6 лет. Когда Михаилу исполнилось 10 лет, к нему пригласили из столицы учительницу В.Ф. Кламмер, которая стала учить его игре на скрипке и фортепиано. В 13 лет Глинка приступил к обучению в столичном Благородном пансионе, где продолжал брать частные уроки музыки у таких педагогов, как Карл Цейнер и Джон Филд.
После окончания учебы в пансионе Глинка продолжил изучение музыки. В это же время он сочиняет свои первые произведения. Самые известные романсы этого периода – «Не искушай меня без нужды», «Не пой, красавица, при мне» и др. Путешествие на Кавказ в 1823 г. оставило свой след в творчестве композитора – «Персидский хор», написанный для оперы «Руслан и Людмила», создавался на основе одной из азербайджанских народных песен. Дальнейшая поездка в Италию (в частности, центр музыкальной культуры Милан) и знакомство с такими известными композиторами, как В. Беллини и Г. Доницетти, привело к созданию музыкальных произведений в итальянском стиле. Первый по-настоящему большой успех пришел к Михаилу Глинке в 1836 г., когда на сцене столичного Большого театра была поставлена опера «Жизнь за царя», описывающая подвиг Ивана Сусанина. Ее по достоинству оценила не только публика, но и сам император. Последующая творческая жизнь композитора была очень насыщенной. Им были созданы симфонии, увертюры, романсы, сонаты. Скончался М.И. Глинка в 1857 г. в Берлине. Вклад этого композитора в развитие русской классической музыки сложно переоценить. По мнению В. Стасова, Глинка создал новый русский язык в музыке, как Пушкин – в поэзии.
Чайковский Петр Ильич (25.04 (07.05) 1840 – 25.10 (06.11) 1893)
Любовь к музыке у Петра Чайковского появилась не случайно. Его отец в юные годы увлекался игрой на флейте, а мама умела играть на арфе, фортепиано, и, к тому же, неплохо пела. Когда Петру было 5 лет, его стали обучать игре на фортепиано, а в возрасте 12 лет мальчик поступил в Училище правоведения. Он был прилежным учеником и в 1859 году выпустился с отличными отметками по большинству предметов. За годы учебы Петр дополнительно занимался игрой на фортепиано – в 1855-1858 гг. его учителем был Рудольф Кюндитер. В год окончания училища Чайковский начал службу в Департаменте юстиции, но проработал там не очень долго.
В 1861 году он приступил к учебе в Музыкальном классе Русского музыкального общества, а уже в 1863 году оставил службу в Департаменте, чтобы полностью посвятить себя учебе и музыкальной карьере. В этом решении его поддержал отец, за что Чайковский был ему очень благодарен. После окончания обучения Чайковский много путешествовал и работал над своими произведениями. Он сочинял музыку в разных жанрах – оперы, балет, симфонии, фортепианные миниатюры и др. Произведения Петра Ильича Чайковского, которые прославили его по всему миру:
- балет «Лебединое озеро»;
- балет «Спящая красавица»;
- опера «Евгений Онегин»;
- опера «Щелкунчик»;
- опера «Пиковая дама».
Римский-Корсаков Николай Андреевич (06 (18).03.1844 – 08 (21).06.1908)
У Римского-Корсакова очень рано стали проявляться музыкальные способности. В шесть лет его стали обучать игре на фортепиано, а уже в 11 лет он начал сочинять свои первые произведения. Но несмотря на его склонность к музыке, Николая в десятилетнем возрасте отдали на обучение в Морской корпус, который он с отличием закончил в 1862 году. Во время учебы мальчик продолжал заниматься музыкой, и к маю 1862 года была практически закончена первая часть его Первой симфонии. Дальнейшая служба, которая проходила на клипере «Алмаз» (1862-1865 гг.), не давала Римскому-Корсакову серьезно заниматься музыкой. Но это трехгодичное плавание с посещением ряда стран наполнило его впечатлениями, которые впоследствии воплотились в некоторых произведениях. Оставив морскую службу, Николай налаживает прерванный контакт с кружком известного композитора М.А. Балакирева, знакомится с П.И. Чайковским и А.П. Бородиным.
В последующие годы он, продолжая работу над Первой симфонией, пишет такие произведения, как «Увертюра на русские темы», «Сербская фантазия», Вторая симфония и множество романсов. Талант Римского-Корсакова был настолько очевиден, что, несмотря на отсутствие специального образования, его пригласили в Петербургскую консерваторию на должность профессора, а в 1874 году Николай Андреевич становится главой Бесплатной музыкальной школы. Кроме преподавания и написания музыки, он выступал как дирижер симфонических концертов и оперных спектаклей. Римский-Корсаков создал целый ряд произведений, посвященных сказкам. Это оперы «Снегурочка», «Ночь перед Рождеством», «Садко». Последняя его опера «Золотой петушок» была запрещена к показу и была поставлена только спустя год после смерти композитора.
Рахманинов Сергей Васильевич (20.03 (01.04) 1873 – 28.03.1943)
Рахманинов с раннего детства проявлял интерес к музыке. Уже в 4 года он начал обучаться игре на фортепиано (первая учительница – мать композитора). В возрасте 9 лет мальчик поступил в столичную консерваторию (младшее отделение), но через три года родители решили его перевести в Московский пансион. Одновременно Рахманинов поступил в Московскую консерваторию, сразу на 3 курс младшего отделения. Здесь обучение оказалось очень эффективным и плодотворным. В эти годы Рахманинов обретает известность не только как пианист, но и как композитор. Дипломная работа Рахманинова (опера «Алеко») заслужила высокую оценку у П.И. Чайковского. В последующие годы композитор работал преподавателем, дирижером и параллельно писал музыку. Не все было гладко в жизни композитора. В 1897 году у него случился первый серьезный провал, после премьеры Первой симфонии. Это произведение было не понято публикой и получило самые низкие оценки у музыкальных критиков.
В первом десятилетии XX века Рахманинов работает над Вторым и Третьим фортепианными концертами, много путешествует по Европе, гастролирует по Америке и Канаде, выступая перед местной публикой как пианист и дирижер. К сожалению, в связи с революционным движением, которое активно развернулось в России, Рахманинову пришлось покинуть родину. В США он зарабатывал, выступая с концертами. Практически до 1926 года он не написал каких-либо серьезных произведений. Затяжной творческий кризис, по-видимому, был связан с сильной тоской по своей стране, которую ему пришлось оставить. И лишь спустя годы в копилке сочинений появились Четвертый концерт и Симфонические танцы.
Шостакович Дмитрий Дмитриевич (12 (25).11.1906 – 09.08.1975)
Этот композитор советской эпохи с детства был знаком с музыкой. Первой учительницей игры на фортепиано стала его мать. Серьезные намерения посвятить себя именно музыкальной карьере появились у мальчика после просмотра оперы «Сказка о царе Салтане» известного композитора Н.А. Римского-Корсакова. Шостакович с 1919 года приступил к обучению в Петроградской консерватории, которую окончил в 1923 году как пианист, и в 1925 году — как композитор.
Творческий путь Шостаковича нельзя назвать гладким. Периодически он сталкивался с непониманием, а порой и гонением со стороны властей. Но, несмотря на это, он был удостоен множества званий и наград, какими не могут похвастаться другие русские композиторы классической музыки. Это и Герой Социалистического Труда, Народный артист РСФСР, ордена Ленина, Октябрьской Революции, Трудового Красного Знамени и множество других.
Мы рассказали о самых выдающихся русских композиторах классической музыки XIX и XX веков, которые оставили после величайшее культурное наследие.
Читайте также:
Личность и ее вклад в историю: самые великие люди в истории человечества
Жёны декабристов, интересные факты. Удивительный пример женской преданности и любви
Светило науки — 9 ответов — 0 раз оказано помощи
XX век – эпоха больших преобразований в мировой культуре, в частности, музыкальной. С одной стороны, повлияли обе мировые войны и множество революций — общее неспокойное положение в мире.С другой стороны –прогрессирующее на глазах технологическое развитие привело к созданию кардинально новых жанров, стилей, направлений, способов музыкального выражения. Несмотря на это, некоторые композиторы XX века не отказывались от традиционных классических форм и развивали и обогащали данный вид искусства. В рамках этой статьи речь пойдет о таких новаторских композиторских школах и композиторах, какНово-венская школа и ее представителиКомпозиторы «Французской шестерки»Композиторы-авангардистыНово-венская школаОдним из первых новаторов в начале XX века является австрийский композитор Арнольд Шенберг, который возглавил Ново-венскую школу и создал додекафонную систему. Его ученики и последовали – Альбан Берг и Антон Веберн — полностью отказались от тональной системы, таким образом создали атональную музыку, что означает отказ от тоники (главного звука). Исключением являются последние произведения А. Берга. Композиторы-атоналисты в основном сочиняли в экспрессионистском стиле, на котором лежат отпечатки жестоких потрясений человечества от потерь близких во время войны, голода, холода, нищеты. Атональная система в течение некоторого времени исчерпала себя, однако и в дальнейшем, на протяжении всего XX века и по сей день, многие композиторы пробуют свои силы, используя данную технику.«Французскaя шестерка»Почти одновременно с группой Шенберга во Франции начинают действовать композиторы «Французской шестерки», объединенные общим мироощущением. Это А. Онеггер, Д. Мийо, Ф. Пуленк, Ж. Орик, Л. Дюрей, Ж. Тайефер. Композиторы «Шестерки» хотели сделать музыкальное искусство доступным для представителей всех слоев населения. Тем не менее, их музыка оказалась в одном ряду со многими классическими произведениями. Композиторы «Шести» в своих произведениях пропагандировали направление урбанизма, связанного с ростом городов и высокотехнологического прогресса XX века. Использование в произведениях различных шумовых эффектов (особенно в произведениях А. Онеггера) – гудков, ритма паровоза и др.- своеобразная дань направлению урбанизации.Авангард 50-х В 50-х годах прошлого столетия на арене появляются композиторы-авангардисты П.Булез (Франция), К.Штокхаузен (Германия), Л. Ноно и Л. Берио (Италия). Музыка для этих композиторов превращается в поле для экспериментов, где большее внимание уделяется конструкции звукового ряда, нежели самому содержанию музыкального полотна. Особое место в их творчестве занимает сериальная техника, которая берет начало из додекафонной системы и доводится до апогея. Создается тотальный сериализм – в этой технике письма сериальность отражается на всех элементах музыкального целого (ритм, мелодия, динамические оттенки и др.). Композиторы авангарда являются также основоположниками электронной, конкретной, минимальной музыки и техники пуантилизма.